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¿Qué es el manierismo?

En bellas artes, el término "manierismo" (derivado de la palabra italiana ’maniera’ que significa estilo o elegancia) se refiere a un estilo de pintura, escultura y (en menor medida) arquitectura, que surgió en Roma y Florencia entre 1510 y 1520, durante los últimos años de la Alto renacimiento . El manierismo actúa como un puente entre el estilo idealizado de Arte renacentista y la dramática teatralidad de la Barroco .

Pintura Manierista – Características

Hay dos cepas detectables de Pintura manierista : El manierismo temprano (c.1520-35) es conocido por su estilo "anticlásico" o "antirrenacentista", que luego se convirtió en el alto manierismo (c.1535-1580), un estilo más complejo e introspectivo. estilo intelectual, diseñado para atraer a clientes más sofisticados.

En general, la pintura manierista tiende a ser más artificial y menos naturalista que la pintura renacentista. Este idioma exagerado se asocia típicamente con atributos como el emocionalismo, figuras humanas alargadas, poses tensas, efectos inusuales de escala, iluminación o perspectiva, colores vivos a menudo llamativos.

Pintores Manieristas

Entre los mejores artistas manieristas estaban: Miguel Ángel (1475-1564) destacado por su Frescos de la Capilla Sixtina como el Juicio final (1536-41); Correggio (1489-1534) conocido por sus pinturas narrativas sentimentales y el primero en retratar la luz que irradia el niño Cristo; Los dos alumnos de Andrea del Sarto, Jacopo da Pontormo (1494-1556) y Rosso Fiorentino (1494-1540); Parmigianino (1503-40), el influyente maestro dibujante y retratista de Parma; Agnolo Bronzino (1503-72), conocido por su obra maestra alegórica conocida como Una alegoría con Venus y Cupido (1540-50) National Gallery, Londres; Giorgio Vasari (1511-74), pintor de segundo rango pero excelente escritor de obras como Lives of the Artists (1550), así como un arquitecto que diseñó la galería de arte Uffizi en Florencia; el veneciano Jacopo Bassano (1515-92) Tintoretto (1518-94), uno de los grandes expertos en dibujo y un prolífico compositor de grandes pinturas religiosas ejecutadas a lo grande al borde del barroco; véase, por ejemplo, La crucifixión (1565); Federico Barocci (1526-1612) el piadoso pintor religioso activo en Urbino y en el centro de Italia; Giuseppe Arcimboldo (1527-93) conocido por sus extraños retratos de frutas y verduras; Paolo Veronese (1528-88) el colorista veneciano; Domenikos Theotocopoulos, conocido como El Greco (1541-1614) el artista griego entrenado en Venecia que trabajó en España, conocido por su estilo de arte altamente individualista que refleja su visión del cristianismo y el significado mundano; Annibale Carracci (1560-1609), también de Bolonia, destacó por su historia Frescos de la galería Farnese (1597-1608); y Adam Elsheimer (1578-1610), cuyos exquisitos paisajes y escenas nocturnas se balancean entre tenebrismo y claroscuro : influyeron en personas como Claude Lorrain, Rubens y Rembrandt. Para desarrollos en Venecia, ver Retablos venecianos (1500-1600) y Retrato veneciano pintura (1400-1600).

NOTA: Para otras tendencias estilísticas históricas importantes como Manierismo, vea Movimientos de arte, escuelas (desde aproximadamente 100 a. C.).

Escultura Manierista

La escultura manierista fue más expresiva que su predecesora del Renacimiento, y es ejemplificada por escultores como Giambologna (1529-1608), Benvenuto Cellini (1500-71), Alonso Berruguete (c.1486-1561), Juan de Juni (1507-1577) y Francesco Primaticcio (1504-1570) Jean Goujon (c.1510-68), Germain Pilon (1529-1590) Barthelemy Prieur (1536-1611) y Adriaen de Vries (1560-1626).

Disminución

En Italia, el manierismo disminuyó desde aproximadamente 1590 en adelante, coincidiendo con la llegada de una nueva generación de artistas italianos, liderados por Caravaggio (1571-1610), quien restableció el valor del naturalismo. Fuera de Italia, sin embargo, el manierismo sobrevivió como una forma de arte cortesano hasta bien entrado el siglo XVII. En Gran Bretaña continuó como pintura de la corte isabelina, luego jacobea, mientras que en Francia continuó como el estilo de Enrique II en la corte real de Fontainebleau, bajo el primer Francisco I (1515-47). Escuela Fontainebleau (c.1528-1610) – y más tarde Enrique IV (1589-1610). El emperador Habsburgo Rudolf II, con sede en Praga, fue otro mecenas importante del manierismo. Durante más de dos siglos (c.1650-1900) el arte manierista cayó en desgracia, pero durante la primera mitad del siglo XX críticos de arte Comenzó a tener una visión más positiva, apreciando la modernidad de artistas como El Greco.

Arquitectura renacentista durante el período manierista fue dirigido por arquitectos como Miguel Ángel, Giacomo Barozzi Vignola (1507-73) Andrea Palladio (1508-80), Pirro Ligorio (1510-83), Galeazzo Alessi (1512-72), Giacomo della Porta (1533-1602), el teórico Vincenzo Scamozzi (1548-1616) y Antonio Contini (1566-1600) quienes diseñó el famoso Puente de los Suspiros en Venecia.

Los orígenes y el desarrollo del manierismo

Agitación religiosa

Si las representaciones armoniosas e idealistas del Alto Renacimiento expresaron la suprema confianza del hombre, quien se vio a sí mismo como la medida de todas las cosas en las primeras décadas del siglo XVI, esta certeza pronto se hizo añicos. En 1517, con sus Tesis de Wittenberg , Martín Lutero declaró la guerra religiosa de la Reforma contra la Iglesia Católica. Para los protestantes, el papado se había convertido en el epítome de la decadencia moral y religiosa universal. El principal motivo de disputa fue la venta de las llamadas "indulgencias", con las cuales los fieles podían comprar el perdón del Papa. El dinero de este lucrativo negocio fluyó hacia el magnífico edificio nuevo de Basílica de San Pedro en Roma . El rápido crecimiento del movimiento de Reforma demostró la necesidad de reformas fundamentales dentro de la Iglesia. Pero había un alto precio a pagar por ello. Se libraron guerras sangrientas en toda Europa en nombre de la fe durante más de 100 años. La unidad de la iglesia se rompió, su autoridad fue cada vez más cuestionada.

El hombre ya no es el centro del universo

La inseguridad que esto produjo se intensificó por los descubrimientos científicos más recientes, que pusieron al mundo fuera de juego en el verdadero sentido de la palabra. Copérnico había establecido que el sol, más que la tierra, era el centro inmóvil del universo, alrededor del cual giran todas las estrellas y planetas, incluida la tierra. Esta visión heliocéntrica del mundo contradecía completamente la visión de la Iglesia de sí misma y sus pretensiones de dominación, ya que la idea de que el representante de Dios no se sentara en el centro de los eventos cósmicos estaba lejos de ser atractiva. Además, la espectacular circunnavegación del mundo por Ferdinand de Magellan y el descubrimiento de América por Cristóbal Colón corroboraron la sospecha de que la tierra era redonda, no plana, ni que Europa central era el centro del mundo.

El manierismo refleja la nueva incertidumbre

El cambio copernicano en la concepción del mundo se refleja en el arte italiano de la época. Los pintores, como muchos de sus contemporáneos, perdieron la fe en la armonía ordenada. Opinaban que las leyes racionales del arte basadas en el equilibrio ya no eran suficientes para ilustrar un mundo que había sido arrancado de sus ejes. En este sentido, el arte de este período, el manierismo, es el arte de un mundo que experimenta un cambio radical, impulsado por la búsqueda de un nuevo lenguaje pictórico. El manierismo refleja la nueva incertidumbre.

Reacción contra la perfección del renacimiento

La joven generación de artistas sintió que no podían desarrollar el estilo perfeccionado por Viejos maestros como Leonardo, Miguel Ángel y Rafael más. Estos grandes maestros habían logrado pintar cuadros que parecían completamente naturales y realistas, al mismo tiempo que estaban perfectamente compuestos en cada detalle. A sus ojos, los pintores habían logrado todo por lo que se podía luchar de acuerdo con las reglas vigentes del arte. Por esta razón, los manieristas buscaron nuevas metas y, como muchos de los artistas vanguardistas del modernismo cientos de años después, se volvieron contra el canon artístico tradicional, distorsionando el repertorio formal del nuevo lenguaje pictórico clásico. Incluso el gran Miguel Ángel mismo recurrió al manierismo, especialmente en el vestíbulo de la Biblioteca Laurentiana, en las figuras de sus tumbas Medici, y especialmente en su Juicio Final pintura al fresco en la Capilla Sixtina.

Jacopo Pontormo

Jacopo Pontormo combina las influencias de sus maestros Andrea del Sarto y Leonardo con impulsos de la obra tardía de Rafael, así como la pintura de Miguel Ángel, llegando a un lenguaje pictórico que, a pesar de todo su realismo, todavía parece de otro mundo. En su pintura La visitación de María (1528-30, S. Michele, Carmignano), que muestra el encuentro entre María y Elisabeth, las mujeres parecen seres sobrenaturales. Apenas tocan el suelo. Sus cuerpos están perdidos en los voluptuosos pliegues de sus cortinas metálicamente brillantes. Se paran en el aire como llamas parpadeantes. Al ojo entrenado en pintura renacentista se le enseñó que hay otras formas de ver más allá de lo puramente naturalista.

Más que cualquier otro artista antes que ellos, los pintores manieristas enfatizaron la forma individual de pintar, la visión personal y la comprensión pictórica de las cosas. Descubrieron el contenido simbólico de la estructura visual, el elemento expresivo de la pintura. Se resistieron consistentemente al equilibrio. Así desaparecieron las composiciones circulares y piramidales típicas del Renacimiento. Los patrones compositivos clásicos estaban desequilibrados por sorprendentes efectos asimétricos. Los pintores abandonaron el modelo estructural básico que estabilizó la pintura. Así, por ejemplo, la estructura pictórica, basada en la perspectiva central, enfocando la mirada del espectador en un solo punto, ahora se reemplaza por un espacio pictórico dinámico de profundidad indefinida.

Nota: El historiador del arte realizó muchos trabajos pioneros sobre la atribución de obras pintadas durante la era del manierismo del siglo XVI. Bernard Berenson (1865-1959), quien publicó una serie de obras muy influyentes en el Renacimiento italiano .

Parmigianino

En la pintura de Parmigianino de la Madonna dal Colla Lungo (1535, Galería de los Uffizi, Florencia), el primer plano inmediato y el fondo distante aparecen sin transición, yuxtapuestos casi fragmentariamente. Los pesos pictóricos están distribuidos de manera desigual. En el lado izquierdo de la imagen, el pintor coloca una banda estrecha de ángeles, mientras que la profundidad espacial se abre en el lado derecho, su único foco es una fila de columnas brillantemente iluminadas, detrás de las cuales se extiende una amplia y oscura paisaje. Y, sin embargo, la pintura no se divide en dos partes. El pintor utiliza superposiciones (la capa ondulante artificial de la Madonna restringe la mirada que se desvanece en las profundidades) y analogías formales ingeniosas para mantener la pintura unida. Así, por ejemplo, produce una referencia compositiva entre la columna en el fondo, la rodilla reluciente de Mary y la pierna extendida del ángel en primer plano.

Miembros delgados, alargados, cuerpos extendidos, retorcidos y giratorios, que contradicen todas las leyes tradicionales de la proporción, son una característica del manierismo. Parmigianino – del Escuela de pintura de Parma (1520-50) – fue otro pintor que le dio a su Madonna extremidades inusualmente largas. Particularmente llamativo es el elegante cuello curvo, en forma de cisne, que le dio a la pintura el título de Madonna dal Colla Lungo , o The Virgen con el cuello largo (1535, Uffizi). El pintor intensificó las características idealizadas de la figura orgánica de Raphael dibujando en una elegancia estilizada, que los contemporáneos admiraban por su gracia. Esta artificialidad confiada y exagerada, su artimaña, sus estructuras, dieron su nombre al manierismo, o "manierismo". Sin embargo, en el siglo XVII, el concepto recibió las connotaciones negativas que se le atribuyen incluso hoy. De ahora en adelante se asoció con una cualidad aprendida, rígidamente formulada más allá de todo estudio de la naturaleza. Pero en el siglo XVI este estilo gozó de gran popularidad en las cortes de Europa, particularmente la de Francois I, que tenía su castillo en Fontainebleau, cerca de París, decorado por un grupo de artistas italianos, flamencos y franceses (1530-1560). El magnífico estilo decorativo de la escuela Fontainebleau que, como muestra la pintura Gabrielle d’Estrees y su Hermana en el baño , no carecía de frivolidad y cierto grado de rabia, sino que tenía poco en común con el manierismo italiano, cuyos principios se remontan cien años atrás. luego en francés rococó.

La realidad manierista

Los manieristas tomaron el espacio de la imagen ilusionista, con su imitación de la realidad, y lo transformaron en un espacio de imagen " intelectual ", mostrando lo que era realmente invisible y accesible solo para el ojo interno. El arte moderno tiene sus raíces en este enfoque, en el que la visión individual del artista y su visión de las cosas se convierte en el único criterio. No es de extrañar, entonces, que un artista como El Greco, uno de los grandes maestros del manierismo, fuera descubierto por artistas a principios del siglo XX como un precursor clave del arte moderno.

El Greco y Tintoretto

Domenikos Theotocopoulos, a quien solo se refirió como El Greco en la corte española donde pasó la mayor parte de su vida, junto con Tintoretto de la escuela de Pintura veneciana – Uno de los pintores más importantes de la segunda mitad del siglo XVI. Ambos pintores querían, como Parmigianino, crear algo nuevo. Pero sus pinturas no eran un juego refinado con nuevos medios artísticos; más bien, sobre todo, querían mostrar contenido intelectual en su arte religioso , lo que revelaría lo invisible. Tintoretto también admiraba a los maestros del Renacimiento, particularmente a Miguel Ángel y Tiziano. Por su propia cuenta, pretendía "unir el dibujo de Miguel Ángel con el color de Tiziano", para revelar lo imposible, lo trascendente que no podía ser representado. Buscó un lenguaje pictórico que permitiera sentir el contenido espiritual, lo divino. Ver, por ejemplo: El desnudo de Cristo (1577) El entierro del conde Orgaz (1586-88) Vista de Toledo (1595-1600) Cristo expulsando a los comerciantes del templo (1600) Retrato de un cardenal (1600) y Retrato de Felix Hortensio Paravicino (c.1605).

Los pintores renacentistas orientados a la realidad, que tan casualmente introdujeron figuras mitológicas y santos cristianos en este mundo, resultaron inútiles a este respecto. El objetivo de los manieristas no había sido explícitamente crear un espacio de imagen engañosamente real en el que el espectador imaginara que podía entrar en cualquier momento; su objetivo, más bien, era crear pinturas que no fueran una representación de este mundo. Como no hay forma de visualizar un mundo tan sobrenatural, los pintores volvieron a la imaginación. Presentaron sus historias como directores de teatro. Uso de una iluminación irreal, similar a un escenario, con efectos dramáticos de luz y oscuridad, y con perspectivas muy independientes o atrevidas. escorzo , trataron de distanciar sus fotos de la vida real. Transformaron escenas religiosas en escenarios fascinantes. Una comparación de las últimas cenas de Leonardo y Tintoretto muestra claramente la diferencia en visión y enfoque: en contraste con la composición frontal simétrica y equilibrada de Leonardo, el espacio pictórico de Tintoretto recibe una calidad dinámica por la mesa colocada diagonalmente a la superficie de la imagen. En la pintura de Leonardo, Cristo era lo que la fe cristiana decía que era: bastante humano y bastante divino al mismo tiempo. En la obra de Tintoretto, esta coexistencia pacífica se desmorona nuevamente. Hay una clara diferencia entre el bullicio del mundo en primer plano, donde los sirvientes están ocupados buscando comida y bebida, y la historia teológica en la profundidad de la pintura. A estos dos niveles se les da unidad solo por la iluminación y la vitalidad extática de la estructura pictórica en su conjunto, que se presta equilibrio de composición por una banda de ángeles apenas visible que se arremolina sobre toda la escena. Ver también los efectos dramáticos de claroscuro y Caravagismo , perfeccionado por el pintor barroco iconoclasta Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610), en obras como El llamado de san Mateo (1599-1600) El martirio de san Mateo (1599) Conversión en el camino a Damasco (1601) Cena en Emaús (1602) La muerte de la virgen (1602, Louvre, París) y La sepultura de Cristo (1601-3).

La pintura ilusionista manierista conduce al barroco

Un estilo de pintura sugerente, en el que lo real y lo irreal, el mundo espiritual y el mundo perceptible, ya no se pueden distinguir, era completamente ajeno a los pintores del Renacimiento. En el barroco, desde aproximadamente 1600, los mundos pictóricos intelectuales, creados por los manieristas desde el siglo XVI, alcanzan su apogeo. Los pintores del barroco dejan atrás la realidad terrenal o crean una interacción confusa de ilusión y realidad. Los Padres de la Iglesia reconocieron sobre todo el efecto convincente de este tipo de pintura ilusionista que fue posible gracias al dominio perfecto de la perspectiva lineal y aérea. Frente a los rumores de la Reforma en el norte, que se estaban volviendo amenazadoramente ruidosos, la pintura ilusionista convincente golpeó a la Iglesia Católica como una forma particularmente apropiada de hacer atractiva la fe. En 1562, en el Concilio de Trento, que anunció la "Contrarreforma" en los países católicos, se decidió que los aspectos místicos y sobrenaturales de la experiencia religiosa tendrían importancia en adelante. Arte barroco debidamente obligado. Ver por ejemplo: Clasicismo y naturalismo en la pintura italiana del siglo XVII. .

Nota: Las obras que reflejan el estilo del manierismo se pueden ver en algunos de los mejores museos de arte en el mundo.