Op-Art:
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Op Art (un término acuñado en 1964 por la revista Time) es una forma de arte abstracto (específicamente arte no objetivo) que se basa en ilusiones ópticas para engañar a los ojos del espectador. También se llama arte óptico o arte retiniano. Una forma de arte cinético, se relaciona con diseños geométricos que crean sensaciones de movimiento o vibración. Las obras de Op Art se produjeron primero en blanco y negro, luego en colores vibrantes. Históricamente, se puede decir que el estilo Op-Art se originó en el trabajo del artista cinético. Victor Vasarely (1908-97), y también del expresionismo abstracto. Otro gran artista de Op es el pintor británico. Bridget Riley (nacido en 1931). El interés moderno en el movimiento de arte de la retina proviene de 1965, cuando una importante exposición de Op Art en Nueva York, titulada "El ojo sensible", llamó la atención del público. Como consecuencia, el estilo comenzó a aparecer en gráficos impresos, publicidad y carátulas, así como en el diseño de moda y decoraciones de interiores. A fines de la década de 1960, el movimiento Op-Art se había desvanecido.

¿Qué es el Op-Art? – Características

Op Art puede definirse como un tipo de resumen o arte concreto que consiste en formas geométricas no representativas que crean varios tipos de ilusión óptica. Por ejemplo, cuando se ven, las imágenes de Op Art pueden hacer que el ojo detecte una sensación de movimiento (por ejemplo, hinchazón, deformación, parpadeo, vibración) en la superficie de la pintura. Y los patrones, formas y colores utilizados en estas imágenes generalmente se seleccionan por sus cualidades ilusorias, en lugar de por su contenido sustantivo o emocional. Además, los artistas op utilizan espacios positivos y negativos para crear las ilusiones deseadas.

Cómo funciona el Op-Art

Op art explota la relación funcional entre la retina del ojo (el órgano que "ve" los patrones) y el cerebro (el órgano que interpreta los patrones). Ciertos patrones causan confusión entre estos dos órganos, lo que resulta en la percepción de efectos ópticos irracionales. Estos efectos se dividen en dos categorías básicas: primero, el movimiento causado por ciertos patrones geométricos específicos en blanco y negro, como los de los trabajos anteriores de Bridget Riley, o las superficies de aluminio de Getulio Alviani, que pueden confundir el ojo incluso hasta el punto de inducir mareos físicos. (Nota: la asociación del op art con los efectos del movimiento es la razón por la que se considera una división del arte cinético). Segundo, las imágenes posteriores que aparecen después de ver imágenes con ciertos colores o combinaciones de colores. La interacción de diferentes colores en la pintura (contraste simultáneo, contraste sucesivo y contraste inverso) puede causar efectos retinianos adicionales. Por ejemplo, en las pinturas del "templo" de Richard Anuszkiewicz, la disposición de dos colores altamente contrastantes hace que parezca que la forma arquitectónica invade el espacio del espectador.

A pesar de sus efectos extraños, que a menudo provocan náuseas, Op-Art está perfectamente en línea con los cánones tradicionales de las bellas artes. Toda pintura tradicional se basa en la "ilusión" de profundidad y perspectiva: el Op-Art simplemente amplía su naturaleza intrínsecamente ilusoria al interferir con las reglas que rigen la percepción óptica.

Historia

Los orígenes del Op Art se remontan a las teorías de pintura anteriores a la guerra, incluidas las ideas constructivistas de la década de 1920 Escuela de diseño Bauhaus en Alemania, que destacó la importancia del diseño formal general, en la creación de un efecto visual específico. Cuando la Bauhaus cerró en 1933, muchos de sus profesores (especialmente Josef Albers) se mudaron a América y enseñaron en Chicago y en el Black Mountain College de Carolina del Norte. Josef Albers debidamente producido su famosa serie de pinturas "Homenaje a la plaza" que tenía tendencias de Op-Art. Mientras tanto, desde principios de la década de 1930, el pintor y artista gráfico nacido en Hungría Victor Vasarely estaba experimentando con varios trucos visuales como trompe-l’oeil y otros, de ciertos tipos de arte del cartel : vea su imagen de Op-Art Zebras (1938). Más tarde, recurrió a la pintura, creando las imágenes abstractas geométricas por las que es famoso. Durante la década de 1950, el estilo Op-Art también apareció en los paneles Dazzle en blanco y negro de John McHale en la exposición "This Is Tomorrow" en 1956. Bridget Riley comenzó a desarrollar su estilo distintivo de arte óptico en blanco y negro alrededor de 1960.

El interés moderno en el Op Art data de la exposición " The Responsive Eye ", comisariada por William C. Seitz, que se celebró en 1965 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA). Se exhibió una amplia gama de obras, incluidas las del conocido Victor Vasarely y la contemporánea Bridget Riley. Inmensamente popular, el programa destacó la ilusión de movimiento y la interacción de las relaciones de color, ninguno de los cuales encontró gran favor de los críticos.

Aunque el estilo Op Art se puso muy de moda durante la segunda mitad de la década de 1960, a partir de entonces disminuyó rápidamente como una forma de arte seria, a pesar de los resurgimientos menores periódicos. Exposiciones notables en los últimos tiempos han incluido: "L’oeil Moteur, art optique et cinetique 1960-1975 (Musee D’Art Moderne et Contemporain, Estrasburgo, Francia, 2005);" Op Art "(Schirn Kunsthalle, Frankfurt, Alemania, 2007); "The Optical Edge" (The Pratt Institute of Art, Nueva York, 2007); "Optic Nerve: Perceptual Art of the 1960s" (Columbus Museum of Art, Columbus, Ohio, 2007). Obras de famosos artistas de Op. Sys. ser visto en varios de los mejores museos de arte en Europa y América

Artistas Op famosos

El máximo exponente y pionero de los efectos del Op art incluso en la década de 1930, es Victor Vasarely , de origen húngaro, pero trabaja en Francia desde 1930. Ha tomado una visión radicalmente escéptica de las ideas tradicionales sobre el arte y los artistas: a la luz De los avances científicos modernos y las técnicas modernas, afirma que el valor del arte no debe residir en la rareza de una obra individual, sino en la rareza y originalidad de su significado, que debe ser reproducible. Comenzó como artista gráfico; Gran parte de su trabajo es en blanco y negro (fácilmente reproducible), aunque es capaz de obtener colores brillantes. Su mejor trabajo se expresa en términos geométricos, incluso mecanicistas, pero integrado en un equilibrio y contrapunto que es orgánico e intuitivo. Afirma que su trabajo contiene "una forma de arte abstracto arquitectónico, una especie de folklore universal". Su misión es "una nueva ciudad: geométrica, soleada y llena de colores", resplandeciente con un arte "cinético, multidimensional y comunitario. Abstracto, por supuesto, y más cercano a las ciencias". El trabajo de Vasarely a veces puede deslumbrar al ojo, pero no tiene como objetivo perturbar el equilibrio del espectador.

El efecto del trabajo de la artista británica Bridget Riley puede ser producir tal vértigo que el ojo tenga que mirar hacia otro lado. Aunque cuidadosamente programada, sus patrones son intuitivos y no se derivan estrictamente de cálculos científicos o matemáticos, y su estructura geométrica a menudo se disfraza de los efectos ilusorios (como nunca lo es la estructura de Vasarely). Riley se niega a distinguir entre las respuestas fisiológicas y psicológicas del ojo.

Peter Sedgley (nacido en 1930), un británico que vive principalmente en Alemania, se hizo conocido alrededor de 1965 por sus experimentos con una de las imágenes recurrentes de la pintura de finales del siglo XX, el "blanco" de los anillos concéntricos de color. El efecto se intensificó cambiando las luces de rojo, amarillo y azul, programadas eléctricamente. Más tarde desarrolló "videorotores", punteados con brillantes colores fluorescentes, rotativos y aún más animados por el juego de luz ultravioleta y estroboscópica sobre ellos. Su último trabajo ha explorado las relaciones entre la luz y el sonido, con pantallas en las que el ruido y el movimiento de los espectadores o transeúntes son rechazados con luz de color.

Otros artistas asociados con Op-Art incluyen: Yaacov Agam, Josef Albers, Richard Allen, Getulio Alviani, Richard Anuszkiewicz, Carlos Cruz-Diez, Tony DeLap, Gunter Fruhtrunk, Julio Le Parc, John McHale, Youri Messen-Jaschin, Reginald H. Neal, Bridget Riley, Jesús Rafael Soto, Julian Stanczak, Günther Uecker, Ludwig Wilding y Marian Zazeela.