Hermandad prerrafaelita: historia, filosofía de los prerrafaelitas 
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Estilo importante e influyente del arte victoriano, el Prerrafaelismo surgió de un nuevo temperamento en la pintura inglesa, reflejo de los grandes cambios morales y materiales de la época que marcaron los años centrales del siglo XIX. Anteriormente, la mayoría de los artistas más importantes del siglo habían crecido en el ambiente de la pintura y la composición académicas del siglo XVIII, y su obra era el resultado del impulso que William Hogarth (1697-1764), Joshua Reynolds (1723-1792), Thomas Gainsborough (1727-1788) y los dibujantes topográficos habían dado a la pintura inglesa. Incluso Turner (1775-1851) y Constable (1776-1837), a pesar de sus innovaciones en perspectiva y técnica, estaban más cerca del espíritu de Wilson y Gainsborough que sus sucesores victorianos.
Aquí hemos reunido álbumes de cuadros de los miembros más pintorescos de la hermandad prerrafaelita:
Pinacoteca - Prerrafaelitas
El movimiento prerrafaelita
Pero a mediados de siglo surgió una nueva generación de artistas, los precursores del arte moderno, y, lo que es igual de importante, un nuevo público cuyo gusto y perspectiva se estaban formando con las nuevas tendencias. La reacción contra el estado de ánimo imperante en el siglo XVIII ya había producido el movimiento romántico en la literatura, un renacimiento religioso evidenciado por los movimientos evangélicos y de la alta iglesia, y un renovado interés por el arte de la Edad Media, mientras que la Revolución Industrial había producido consecuencias sociales de gran alcance. (Otra influencia sobre los prerrafaelitas fue la actividad de los nazarenos, liderados por Friedrich Overbeck).
Todos estos factores configuraron el carácter de la pintura de mediados y finales de la época victoriana, a los que hay que añadir la invención de la fotografía y la influencia personal de John Ruskin, cuyo primer volumen «de Pintores modernos» se publicó en 1843, teniendo estos dos últimos una influencia cada vez más fuerte a medida que avanzaba el siglo.
Naturalmente, la influencia de estos estímulos en las diferentes mentes varió enormemente, pero puede decirse que su principal resultado fue la formación de una moral general, que en el caso de los hombres menores degeneró en sentimentalismo, afición por los temas románticos y un realismo algo literal en la representación.
El método de aproximación que moldeaba así al artista victoriano era el siguiente. Seleccionaba de sus lecturas o de su imaginación un tema sublime, patético o romántico, y procedía a plasmarlo en el lienzo con la mayor exactitud fotográfica que le permitía su habilidad. De este modo, el tema del cuadro se convertía en lo más importante, y el cuadro como tal pasaba a un segundo plano. Se convirtió en algo que no se miraba, sino a través de lo cual se miraba, una ventana tras la cual se presentaba un cuadro vivo con moraleja.
No debe pensarse, sin embargo, que toda la pintura típicamente victoriana era estéticamente insignificante, o que tal enfoque es necesariamente incompatible con el buen arte, como se supone con demasiada frecuencia hoy en día, cuando tal vez prevalece el vicio opuesto de la excesiva abstracción. No cabe duda de que el artista victoriano corría siempre el peligro de perder su posición de creador en lo que respecta a la forma y el color, pero sobrevivía si poseía la fuerza creadora natural y el instinto del artista.
El nuevo temperamento se manifestó en su forma mejor y más sensible en la obra de la Hermandad Prerrafaelita, un grupo de jóvenes artistas idealistas que se unieron en 1847 para oponerse a lo que consideraban tendencias degeneradas en el arte de su tiempo. La hermandad incluía a William Holman Hunt, John Everett Millais, Dante Gabriel Rossetti, F. G. Stevens, W. M. Rossetti, Thomas Woolner y J. Collinson. Los tres líderes, Hunt, Millais y Rossetti, son de gran importancia artística. Véase también: Artistas románticos .
Holman Hunt: líder de la Hermandad Prerrafaelita
William Holman Hunt (1827-1910) parece haber sido, a pesar de las versiones contradictorias, el verdadero fundador del movimiento. Criado en el ambiente de un típico hogar victoriano de clase media, se impregnó de los firmes principios morales y religiosos de la época y era por naturaleza un hombre de carácter independiente y voluntad inflexible. Su padre, hombre de negocios, quería que siguiera una carrera comercial, y sólo superando innumerables dificultades pudo Holman elegir la profesión de artista. En 1846, tras dos admisiones fallidas, ingresó como alumno en la Royal Academy School, donde conoció a Millais, que ya era un alumno brillante, y más tarde a Rossetti.
Actitudes prerrafaelitas hacia los estilos académicos
Para entonces, Hunt ya había adquirido una independencia de criterio poco común en un estudiante, ayudado por sus dificultades y luchas anteriores, y empezó a cuestionar la ciega reverencia «hacia los Maestros Antiguos» que se había inculcado a los estudiantes de la Academia. Criticó, por un lado, a los exponentes «del gran estilo», que intentaban hacer copias de Rafael y Miguel Ángel según las recetas de los eclécticos boloñeses transmitidas por Reynolds, y, por otro, la débil trivialidad de la escuela de artistas más popular. Notó, como Constable había hecho antes que él, el contraste entre el verde fresco de la naturaleza y el tono marrón predominante de los admirados Maestros Antiguos. En el aspecto técnico, reconoció lo absurdo de un sistema que fomentaba la audacia de maniobra en los jóvenes alumnos.
La filosofía artística de los prerrafaelitas
Los medios que proponía se resumían de la siguiente manera: la elección de objetos dignos y ennoblecedores, una estricta confianza en la naturaleza en su tratamiento y una delicadeza precisa y detallada en la manipulación. Esta era, de hecho, la suma de los principios prerrafaelitas de los que tanto se habla, y no llegaron a ellos estudiando a los primitivos italianos, sino simplemente por sentido común y juicio independiente. Millais no tardó en adherirse a los puntos de vista de Hunt y, según se cuenta, al examinar una carpeta de grabados de Lacinio de los frescos del Campo Santo de Pisa, reconocieron en la obra de estos primeros artistas un espíritu de sinceridad ingenua y una confianza en la naturaleza en lugar de en las reglas a las que ellos mismos aspiraban. Esto les llevó a adoptar el nombre «de prerrafaelitas», que despectivamente les habían aplicado sus compañeros de estudios, y que ya había sido adoptado por un grupo de artistas alemanes de Roma que imitaban la manera de los primeros pintores. Rossetti, tercer líder del movimiento, propuso la creación de una fraternidad y un movimiento organizado para difundir sus opiniones.
Las primeras exposiciones de los Prerrafaelitas
Los primeros cuadros prerrafaelitas, «Lorenzo e Isabel» de Millais, «Rienzi» de Hunt, y «Doncella de la Virgen» de Rossetti, se expusieron en 1848, las obras de Millais y Hunt en la Academia, las de Rossetti en la Exposición Libre de Hyde Park Corner. Todas estaban firmadas con las iniciales P.R.B. tras el nombre del artista y, sin llamar mucho la atención, tuvieron buena prensa. Al año siguiente, el significado de estas iniciales, P.R.B., se filtró a la prensa, y los cuadros de los jóvenes artistas se encontraron con un aluvión de insultos mordaces, bastante incomprensibles en estos días. John Ruskin, que parece no haberse fijado en sus pinturas en 1848, salió en su defensa y respondió a las críticas inútiles de su trabajo en dos largas cartas al «Times», en las que desarrollaba sus ideas más bien vagas de sinceridad y confianza en la naturaleza en un sistema de principios del que no eran responsables.
Los cuadros de los prerrafaelitas
Cuando el grupo acababa de reunirse, los cuadros de los prerrafaelitas debían de destacar en las paredes de la Academia por la intensidad de su colorido brillante y puro y por la minuciosidad de su fino dibujo. En ellos no había pinceladas fuertes ni sombreados ligeros, y los pigmentos se aplicaban con precisión miniaturizada. Las acciones de las figuras son un tanto torpes, debido a la voluntad de los artistas de evitar las elegancias tradicionales de la pose y de basarse totalmente en los gestos naturales que acaban de observar. En la medida en que las pinturas muestran algún parecido con la obra de los artistas anteriores, son primitivistas flamencos más que italianos, aunque no hubo imitación deliberada. Es probable que los artistas tuvieran poco o ningún conocimiento del arte primitivo flamenco cuando pintaron sus primeros cuadros.
En 1851 Rossetti y Hunt viajaron a Francia y Flandes y quedaron impresionados por las obras de Memling y Jan Van Eyck, pero las principales características de su obra ya eran evidentes en 1848. En un aspecto muy importante, sus obras, llenas de detalles, difieren de las de los primeros maestros flamencos, aunque esta diferencia no es fácil de expresar con palabras. Consiguieron, al menos en sus obras más logradas, dotar a los pequeños detalles de una curiosa intensidad y un significado figurativo que nada tiene que ver con el significado literario o simbólico que puedan tener. Cada parte del cuadro, por insignificante que sea, se percibe y se transmite emocionalmente, no sólo se copia con asidua paciencia. Esta es la cualidad más importante de los prerrafaelitas, que confiere a sus obras una curiosa distinción y las eleva por encima del nivel de una mera reproducción fotográfica de una escena real o imaginaria.
Aunque Hunt fue el progenitor de los ideales prerrafaelitas, parece más probable que Rossetti sea el principal responsable de esta cualidad especial. Era menos hábil técnicamente que Hunt o Millais, pero su mente ya estaba madura cuando se formó la hermandad, y varios de sus poemas más conocidos ya habían sido escritos. El ardiente poder de su imaginación era contagioso, y durante los años de su colaboración Hunt y Millais captaron algo de la fascinación romántica de Rossetti que no se encuentra en su obra posterior, una vez que se rompió la estrecha relación que existía entre ellos.
A los pocos años de la fraternidad, Hunt produjo la mayoría de sus mejores obras, entre ellas «Dos caballeros de Verona» (Birmingham Art Gallery), «Misionero cristiano refugiándose de los druidas» (Oxford, Ashmolean Gallery), «El pastor contratado» (Manchester Art Gallery). Esta última es quizá su principal obra maestra, pero todas sus obras se caracterizan por la misma sinceridad de propósito moral y la misma concienzuda minuciosidad técnica.
A diferencia de la mayoría de sus compañeros, durante toda su larga vida se adhirió estrictamente al método prerrafaelita, pero con una pérdida permanente de intensidad imaginativa. En 1855, el deseo de pintar escenas bíblicas en su entorno real le llevó a visitar Palestina y Egipto, viaje que repitió unos años más tarde. Estas pinturas religiosas son notables por su vivo colorido y la indomable paciencia con la que se recogieron y registraron los detalles locales, pero su imaginación no estaba a la altura de su riqueza de material, y no alcanzan el nivel de gran arte religioso .
Obras como «Cristo en el templo» y «El chivo expiatorio», son curiosidades más que obras de arte, y «El triunfo de los inocentes», que intenta una interpretación más figurativa, fracasa por su tratamiento prosaicamente literal del material figurativo. El cuadro más importante de su vida posterior, «Lady Shalott», fue una repetición al óleo a mayor escala de un pequeño grabado en madera de 1856 para la edición de Tennyson Moxon. El intento de repetir el espíritu de esta encantadora obra temprana sólo tuvo éxito en parte, y su reputación sobrevive sólo a través de pinturas de su vida temprana.
Nota: muchos cuadros prerrafaelitas también pueden nautizarse en la mayoría de los catálogos de arte cartelístico .
John Millais (Milles)
John Everett Millais (1829-1896), que no poseía ni la intensa seriedad de las intenciones de Hunt ni el ardor de la imaginación de Rossetti, fue un artista más brillante que cualquiera de ellos, y en varios cuadros pintados a principios de los años cincuenta dio la más plena satisfacción a los ideales prerrafaelitas.
«Lorenzo e Isabella» de 1848 (pintado cuando sólo tenía 18 años), fue una obra notable, llena de carácter en la cabeza y muy finamente ejecutada, pero tiene defectos de timidez y torpeza que desaparecieron en sus cuadros prerrafaelitas posteriores. Su habilidad técnica como pintor le permitió producir una gran cantidad de obras a pesar del desarrollo del método prerrafaelista, y la ligereza de su mano era tal que es raro encontrar indicios de un trabajo duro que estropeara el efecto de sus cuadros. «Fernando y Ariel», «Marianne en la mansión minada», «El regreso de la paloma al arca», «La fuga del hereje», «La carpintería» y «La ciega» son algunos de los cuadros del periodo prerrafaelita que demuestran su extraordinaria habilidad técnica.
«El taller del carpintero» es quizá el mejor cuadro religioso de la época, en la que estos temas se pintaban a menudo, pero raramente, con tal perspicacia imaginativa y poder creativo como para elevarlos del nivel de ilustraciones a obras de arte por derecho propio. Está pintado con una ingenuidad inmediata y una frescura de visión que son inolvidables, y la quietud de las figuras combinada con la nítida realización de toda la escena produce un efecto de sobrecogimiento verdaderamente religioso. «La niña ciega» puede gozar del mismo favor. El tema está tratado con objetividad, y su patetismo le permite hablar por sí mismo sin ser intrusivo. Ninguno de los cuadros está dramatizado, pero en cada uno de ellos el tema más sencillo está dotado de un significado extrañamente conmovedor por medios puramente legítimos.
A principios de los años sesenta, Millais abandonó gradualmente el método prerrafaelita en favor de una interpretación más amplia, que probablemente debe algo a Velázquez, pero nunca alcanzó la simplicidad de visión y la justicia de valores. En su obra posterior no fue más que un representante de la escuela popular victoriana de pintores anecdóticos, aunque hasta el final de su vida hizo gala de la gran habilidad que le había caracterizado en su infancia.
Los cuadros «Northwest Passage», «Speak, Speak», «Bubbles» (del que se reprodujo el famoso cartel) y «Ripe Cherry» son típicos de su obra posterior. También pintó retratos y paisajes, que eran simples transcripciones de la naturaleza, admirables como tales, pero que no se distinguían por mucha imaginación o concepción. De niño fue un alumno brillante de la Royal Academy, de la que murió como presidente en 1896, pero, cuando se olviden sus honores académicos, su memoria se conservará probablemente gracias a los cuadros de su primera juventud.
Dante Gabriel Rossetti
Gabriel Charles Dante Rossetti (1828-1882) fue el más inventivo de todos los prerrafaelitas; su pintoresca vida y su incomparable obra se tratarán por separado, véase Dante Gabriel Rossetti (1828-1882): Dante Gabriel Rossetti .
Otros miembros de la fraternidad
Los restantes hermanos prerrafaelitas produjeron pocas obras de interés artístico, pero muchos artistas ajenos a la fraternidad adoptaron su estilo, y de hecho pocos de sus contemporáneos en Inglaterra no se vieron completamente afectados por su perspectiva. Sus colores vivos y sus tonos agudos se hicieron comunes en la pintura inglesa de finales del siglo XIX, y su dibujo preciso y su manejo de los cuadros ejercieron una influencia beneficiosa en otros artistas.
La influencia directa de este movimiento se dividió en dos corrientes distintas, una originada en la obra de Hunt y Millais y otra en la de Rossetti. La primera fomentó un naturalismo fresco y poco sofisticado; la segunda dio lugar a la aparición de una escuela de artistas cuyos objetivos eran más decorativos que naturalistas. Naturalmente, los artistas más jóvenes de la época sucumbieron más fácilmente a los encantos de los prerrafaelitas, pero algunos de los artistas más veteranos también se vieron influidos por ellos, entre ellos Ford Madox Brown, William Dyce y J. F. Lewis.
Ford Madox Brown
De ellos, Ford Madox Brown (1821-1893) fue el más estrechamente vinculado a la fraternidad. Se educó en el continente y sus primeras obras son bastante diferentes de las de los prerrafaelitas: reflejan las diversas modas continentales de la época. En 1845 conoció a los prerrafaelitas alemanes Cornelius y Overbeck, cuya obra le influyó considerablemente durante algún tiempo. En esta época, al igual que los prerrafaelitas, busca un nuevo camino y se mueve gradualmente en la misma dirección que ellos, como demuestra el retrato que llamó «El Holbein moderno».
A través de Rossetti, que durante un breve periodo de tiempo se convirtió en su discípulo, pudo haber ejercido cierta influencia sobre los prerrafaelitas ingleses, pero no fue, como a veces se dice, un verdadero participante en ese movimiento; y no fue hasta 1852 cuando adoptó plenamente sus métodos en «La última Inglaterra» (Birmingham Picture Gallery). Este cuadro y la Obra «», actualmente en la Manchester Picture Gallery, tienen una concepción totalmente naturalista y poseen todas las características de los prerrafaelitas. Ambos cuadros son maravillas de paciente ejecución y están llenos de significado literario, pero están repletos de muchos incidentes introducidos para aclarar ese significado.
Mucho más bello «Cristo lavando los pies a Pedro» (National Gallery). De composición muy unida y rítmica, posee una radiante riqueza de color que rivaliza con la de Rossetti, y todo el tema está concebido con una penetración verdaderamente poética. Es, en todos los sentidos, una obra maestra. En otras pocas obras intentó recrear la escena real con absoluta fidelidad, pero gran parte de su obra posterior refleja la fantasía romántica de Rossetti.
Hacia el final de su vida, su fino sentido natural de la forma decayó, su dibujo se volvió lento y perdió claridad de trazo. El encargo de decorar el Ayuntamiento de Manchester con pinturas murales le llegó demasiado tarde para cumplirlo con todo su vigor, y la serie de cuadros que produjo, aunque interesantes en su concepción, carecen de las finas cualidades artísticas de sus obras anteriores, como su caricatura para decoración mural «Finding Harold’s Body».
En sus mejores años fue uno de los artistas más distinguidos de la época victoriana y sin duda merece más reconocimiento del que recibió en vida.
William Dyce
William Dyce (1806-1864), un hombre mucho mayor que los prerrafaelitas más jóvenes, mostró sin embargo una estrecha afinidad con ellos en sus últimas obras. Al igual que Ford Madox Brown, al principio estuvo influido por los prerrafaelitas alemanes, que, si no eran grandes artistas, al menos apreciaban los méritos del arte italiano del siglo XV del Renacimiento en una época en la que sólo se admiraba a los maestros de los siglos XVI y XVII.
Dyce se basó en la obra de estos maestros, su dibujo era preciso y fino, su color claro, fresco y de suave disposición, pero no fue hasta más tarde en su vida cuando apareció en su obra el meticuloso detallismo característico de los prerrafaelitas ingleses. Esta fase de su obra está bien representada por el delicioso y bastante fantasioso cuadro «Pegwell Bay» (National Gallery), pintado en 1858, es un paisaje muy elaborado con figuras.
John Frederick Lewis
John Frederick Lewis (1805-1876) puede clasificarse como prerrafaelista por el colorido brillante y el detalle de sus óleos, pero su atmósfera emocional es muy diferente. Desarrolló su estilo de forma bastante independiente y se esforzó por conseguir un mayor detalle que los prerrafaelitas.
Sus pinturas, que en su mayoría representan la vida en España y Egipto, no destacan por su especial diseño o habilidad en el dibujo, pero como registros con una precisión casi fotográfica son de considerable interés, y su brillante color iluminado por el sol les confiere un cierto atractivo estético.
Los cuadros «Siesta» (National Gallery) y «Lilium Auratum», ambos de magnífico colorido, le presentan en su mejor faceta como pintor al óleo. También pintó extensamente en acuarela, con una técnica de color carne finamente ejecutada que recuerda el trabajo de los miniaturistas medievales, pero muy diferente de ellos en espíritu: se trata de ilustraciones para un libro de viajes. Como tales, son admirables.
Otros artistas prerrafaelitas
Hubo muchos artistas jóvenes que adoptaron los métodos de los prerrafaelitas, pero sólo mencionaremos a unos pocos. Walter Howell Deverell (1827-1854), amigo de Rossetti, pintó algunos cuadros excepcionales antes de morir prematuramente de tisis. Son individuales tanto en su concepción como en su técnica. Su trabajo era menos detallado y sus colores más densamente aplicados que los de otros pintores prerrafaelitas, pero murió demasiado pronto para que su personalidad hubiera tenido tiempo de desarrollarse plenamente.
Uno de los artistas de mayor éxito asociados al lenguaje prerrafaelita fue Lord Frederick Leighton (1830-1896), aunque sus temas eran más clásicos que tradicionales. También personificó el credo «del movimiento "el arte por el arte"» del esteticismo inglés del siglo XIX. Otro pintor más romántico de obras históricas y literarias, en la línea general de los prerrafaelitas, fue John William Waterhouse (1849-1917), cuya «Dama de Shalott» (1888, colección Tate) es uno de los cuadros ingleses más populares del siglo XIX.
Charles Allston Collins (1828-1873), Arthur Hughes (1832-1915), W. L. Windus (1823-1907), el pintor irlandés William Barton (1816-1900) y Frederick Sandys (1832-1904) produjeron obras interesantes a la manera prerrafaelita. Amor de abril «» de Arthur Hughes es uno de los cuadros más logrados de la escuela, delicioso en color y muy delicado en su ejecución. En la representación de los detalles del follaje no tiene nada que envidiar a Millais, y en imaginación supera incluso el nivel general de su obra. Hughes produjo otras obras de delicadeza y encanto, pero la mayoría de ellas no alcanzan este nivel. Frederick Sandys fue un dibujante y diseñador especialmente fuerte y enérgico que dio lo mejor de sí en la ilustración de libros . Sus óleos sobre temas románticos eran a menudo rígidos y metálicos en la ejecución y poco agradables en el color.
A pesar de las dificultades obvias y casi insuperables, algunos artistas aplicaron los métodos prerrafaelitas al paisaje puro . Así lo hicieron John William Inchbold (1830-1888) y George Boyce (1826-1896), acuarelista no exento de un encanto especial, y John Brett (1830-1902), pintor marino. Brett se acercó pronto al prerrafaelismo y pintó un paisaje casi puro sobre el intrincado fondo de «Stonecutter». Le siguió «Val d’Aosta», una maravilla de paciencia, y sus posteriores pinturas panorámicas sobre el mar deben sin duda su gran acabado y su vivo colorido a los prerrafaelitas.
Otros seguidores del naturalismo prerrafaelita en algunos de sus cuadros fueron Sir Noel Paton (1821-1901), Sir William Fettes Douglas (1822-1891), James Archer (1823-1904), W. Bell Scott (1811-1890), Thomas Seddon (1821-1856), R. B. Martineau (1826-1869), G. D. Leslie (1835-1921), G. A. Storey (1834-1919) y Byam Shaw (1872-1919).
Sir Edward Burne-Jones (1833-1898) fue, con mucho, el más importante de los artistas cuya obra se basó en la de Rossetti y no en el prerrafaelismo en sentido estricto. Estrechamente asociado a él estaba el diseñador William Morris, que, aunque pintó pocos cuadros, ejerció una gran influencia en el arte inglés a través de sus obras decorativas, sus escritos y sus conferencias.
Burne-Jones
Edward Burne-Jones (1833-1898), hijo de un pequeño enmarcador de Birmingham, se dedicó en un principio al trabajo eclesiástico y no empezó a pintar hasta los veintitrés años. Siendo aún estudiante en Oxford, se entusiasmó por el arte con William Morris tras ver algunos cuadros prerrafaelitas. Ambos abandonaron sus carreras originales y Burne-Jones empezó a pintar con Rossetti. No tenía experiencia, pero por consejo de Rossetti comenzó inmediatamente a producir obras originales. Dadas las circunstancias, probablemente fue lo más sensato, pero algunas deficiencias de su obra, especialmente su escaso dominio de las formas sólidas, son atribuibles a su falta de una formación cuidadosa, y persistieron durante el resto de su vida.
En sus primeras obras, Burne-Jones se identificó al máximo con Rossetti tanto en el tema como en el tratamiento. Pero incluso en acuarelas tan tempranas como «Clara Van Bork» y «Sidonia Van Bork», puede discernirse una personalidad separada bajo el disfraz rossettiano. Este periodo no duró mucho, y a medida que se desarrollaba su propia personalidad, la influencia de Rossetti se vio superada por la de algunos artistas italianos, en particular Botticelli, Miguel Ángel y Mantegna . Su don más sobresaliente fue el dibujo lineal abstracto, que permitió que sus obras sobrevivieran más tiempo que las de otros artistas. A este respecto, el hecho de que Burne-Jones fuera de origen celta es sugerente, ya que fue del arte celta de donde derivó originalmente la tradición medieval inglesa del dibujo lineal.
Por naturaleza, Burne-Jones estaba adaptado para realizar trabajos decorativos a gran escala, pero en Inglaterra no tuvo las oportunidades que habría tenido de haber sido francés. Varios proyectos de decoración mural para casas particulares y una serie de mosaicos para una iglesia protestante americana en Roma constituyen el grueso de su obra decorativa, con la excepción de las vidrieras .
En la actualidad, su nombre se asocia principalmente a las vidrieras realizadas por la empresa «Morris and Co», creada por su amigo William Morris para realizar todo tipo de trabajos decorativos de acuerdo con los principios del movimiento Arts and Crafts (c. 1862-1914). Algunas de sus caricaturas para ellos se encuentran entre sus mejores obras, como la «Crucifixión», creada para la Iglesia de San Felipe, Birmingham, y ahora en el Victoria and Albert Museum, pero casi siempre son decepcionantes en vidrio. El fracaso de Morris en vidrio es sorprendente dado su genio en la mayoría de los oficios artísticos que practicó y su apasionada admiración por el vidrio de la Edad Media.
Seguidores de los prerrafaelitas
Otros artistas se inspiraron en la obra de Rossetti y Burne-Jones, entre ellos Walter Crane (1845-1915), Simeon Solomon (1840-1905) y Spencer Stanhope (1829-1908). Ninguno de ellos era prerrafaelista en el sentido original del término utilizado por Hunt y Millais. Sus objetivos eran principalmente decorativos más que naturalistas, y las obras de Rossetti son el único vínculo entre ellos y el movimiento original. En otro sentido, se les puede llamar con razón prerrafaelitas, ya que la mayoría de ellos muestran la inspiración de artistas que vivieron antes que Rafael.
El prerrafaelismo fue el movimiento artístico más importante de la época victoriana en Inglaterra. Cuando, como movimiento, llevaba algunos años pasado de moda, su influencia en el arte inglés aún no se había agotado. De él surgió un renovado interés por la artesanía decorativa, que contribuyó a la creación de sociedades como la Arts and Crafts Society y la Art Workers Guild, y elevó el nivel de las artes decorativas en toda Inglaterra. Esto detuvo el rápido declive de la pintura inglesa que se había producido a principios del siglo XIX, y la inspiración de los prerrafaelitas aún puede verse en la obra de muchos artistas ingleses de la escuela moderna, junto con elementos derivados de fuentes extranjeras.
Sobre la influencia del arte romántico en la pintura alemana, véase: Arte alemán, siglo XIX . Burne-Jones en particular, a pesar de la lánguida elegancia de sus figuras, ahora tan pasadas de moda, fue, al insistir en elementos abstractos en la pintura, un precursor del arte moderno.
PRINCIPALES ARTISTAS DEL MUNDO
Para biografías y obras de los principales artistas contemporáneos, véase: Artistas famosos .
LOS MEJORES CUADROS MODERNOS
Para una lista de grandes obras, véase: Los mejores cuadros modernos .
COLORES Y TINTAS
Para más detalles sobre los pigmentos de color utilizados por los artistas prerrafaelitas en óleos y acuarelas, véase: Paleta de colores del siglo XIX .
EL ARTE MÁS GRANDE DEL MUNDO
Lista de los 10 mejores pintores y escultores: Los mejores pintores de todos los tiempos . Lista de los 300 mejores óleos y acuarelas: Los mejores cuadros de todos los tiempos . La lista de las 100 mejores esculturas se encuentra en Las mejores esculturas de todos los tiempos .
EL SIGNIFICADO DEL ARTE
Para un análisis de los tipos, valores y significado de las artes visuales, véase: Definición de arte .
EVOLUCIÓN DEL ARTE VISUAL
Para más información sobre tendencias y estilos en el arte, véase: Historia del arte .
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