Arte rococó Traductor traducir

Para una breve introducción a los aspectos arquitectónicos de este estilo de arte, vea: Arquitectura rococó .

Introducción

Centrado en Francia y emergiendo como reacción a la grandeza barroca de la corte real del rey Luis XIV en el Palacio de Versalles , el movimiento rococó o el estilo de Pintura francesa se asoció particularmente con Madame Pompadour, la amante del nuevo rey Luis XV, y las casas parisinas de la aristocracia francesa. Es un estilo de arte caprichoso y elaboradamente decorativo, cuyo nombre deriva de la palabra francesa que significa ’rocaille’, trabajo rupestre según las formas de conchas marinas.

En el mundo rococó, todas las formas de arte, incluidas pintura de bellas artes arquitectura escultura , el diseño de interiores, muebles, telas, porcelana y otros " objetos de arte " se incluyen dentro de un ideal de elegancia elegante.

El arte rococó se ejemplifica en obras de pintores famosos como Jean-Antoine Watteau (1684-1721) especialmente sus fiestas de cortejo al aire libre ’fete galante’; Jean-Honore Fragonard (1732-1806) con sus imágenes de amor y seducción; Francois Boucher (1703-70) con sus espléndidas pinturas de opulenta autocomplacencia; El veneciano Giambattista Tiepolo (1696-1770) conocido por su fantásticamente decorativo Frescos de la residencia de Wurzburg (1750-3); y la escultura de Claude Michel Clodion (1738-1814), escultor del Arco de Triunfo en París, mejor conocido por su escultura de terracota de ninfas y sátiros. En Gran Bretaña, la pintura rococó alcanzó su cenit en los retratos femeninos de Thomas Gainsborough (1727-88). Rococó fue finalmente reemplazado por Arte neoclásico , que era el estilo visual característico de Napoleón en Francia y de la revolución estadounidense.

Rococó: Orígenes

Rococó es el niño frívolo y rebelde de noble, grandioso Barroco . El padre nació en Italia, el niño en Francia. El barroco (barocco, una perla áspera) se desarrolló a principios del siglo XVII y se extendió rápidamente por toda Europa. Al principio predominantemente un estilo escultórico y arquitectónico, su mayor exponente y genio fue Gianlorenzo Bernini (1598-1680) quien, como Miguel Ángel antes que él, fue ante todo escultor, pero se dedicó naturalmente a la pintura, la decoración teatral y la arquitectura mientras servía a varios papas en la remodelación de Roma. Su " Éxtasis de santa teresa "y la pequeña iglesia de S. Andrea al Quirinale en Roma revelan las tendencias que conducen al estilo rococó: un uso brillante de la luz y la sombra en materiales caros y elaborados, como mármoles de colores y bronce.

El siglo XVII fue una época de grandeza, de fuertes sentimientos religiosos expresados ​​de manera clara y contundente en formas visuales llamativas en las pinturas de Caravaggio y Cortona, las esculturas de Bernini y la arquitectura de Francesco Borromini (1599-1667). Sus manifestaciones más importantes fueron las italianas, y fue realmente la canción del cisne de Italia como un poder creativo, ya que a la muerte del papa Urbano VIII, el patrón de Bernini, la nueva estrella estaba haciendo su aparición: Francia, que continuaría su meteoro. surgir a lo largo del siglo y dominar la Europa artística y de moda en el siglo siguiente. Ver también: Artistas rococó .

El estilo rococó en Francia – Características

En 1651, el joven Luis XIV llegó a la mayoría de edad y, en la década de 1660, cualquier disensión en Francia había sido suprimida por completo, para que Louis pudiera dedicar sus atenciones a la construcción y decoración de su palacio en Versalles . Aquí, el estilo barroco italiano fue adoptado y modificado por el todopoderoso artista, diseñador y decorador de interiores de Louis, Charles Lebrun , para glorificar no a los santos de la Iglesia Católica, sino al Rey de Francia: "Le Roi Soleil". El gobierno absoluto de Louis implicó no solo una prueba visual de su supremacía, sino también una elaborada etiqueta de la corte tan rígida y antinatural como los jardines dispuestos por Le Notre alrededor del Palacio. Esta formalidad extrema se sintió en apartamentos como el famoso Salón de los Espejos y la Escalera de Embajadores multicolores, y es en este contexto que se establece el Rococó; Francia estaba demostrando que ya era árbitro del gusto y ansiosa por la novedad.

Arquitectura rococó francesa, diseño de interiores y decoración

El rococó está correctamente asociado con el siglo XVIII en Francia, pero incluso en los últimos años del siglo anterior, aparecen indicios del nuevo estilo, como en el trabajo del arquitecto de la corte, Jules-Hardouin Mansart (1646-1708), en el Trianon de Versalles, y en Marly, otra residencia real. En estos dos edificios, Mansart rompió con el uso deslumbrante del mármol y el bronce, convirtiéndose más bien en paneles de madera y colores más pálidos. La escala misma del Trianon indica un deseo de escapar del grandioso palacio, un sentimiento que ocasionó una serie de obras muy significativas en el siglo XVIII. [Tenga en cuenta también la influencia de la anterior Escuela Fontainebleau (1530-1610) sobre la evolución del estilo rococó, en particular sus graciosas tallas de estuco y otros motivos de estilo rococó.]

Louis XIV parece haber alentado mucho esta reacción, como lo ilustra su famoso mandato a Mansart sobre la decoración de la habitación de la muy joven Duquesa de Bourgogne en el Chateau de la Menagerie: "Debes difundir en todas partes el sentimiento de juventud". Esto fue en 1699, y el Rey aún tenía otros dieciséis años de vida, años que determinarían el curso del arte y la decoración para al menos la próxima generación, no solo en Francia sino en lugares tan lejanos como Sicilia y Austria.

Si el rococó fue específicamente una creación francesa, muchos factores de otros lugares influyeron y fomentaron el estilo, como, por ejemplo, las obras gráficas de artistas italianos del siglo XVII como Stefano delia Bella , que pasó mucho tiempo en París. En sus diseños, las líneas delicadas y plumosas envuelven formas que a menudo son puramente decorativas en su intención, como debía ser el arte rococó.

Muchos libros grabados de las últimas décadas del siglo XVII revelan el estilo rococó en forma embrionaria. El apretado trabajo de desplazamiento tan característico de la decoración renacentista flamenca y alemana, e incluso de la Escuela Fontainebleau, fue liberado, haciéndolo menos severo y simétrico, y se introdujeron elementos fantásticos, desconocidos en los originales. Esto se ve en Francia en los muebles de Andre-Charles Boulle y en Venecia en los muebles de Andrea Brustolon , donde las formas curvas intrincadas y barrocas comenzaron a modificarse alrededor del cambio de siglo.

Una de las primeras apariciones del nuevo estilo en un entorno muy importante es en el dormitorio de Luis XIV en Versalles. Fue redecorado alrededor de 1701 principalmente en blanco y oro, confiando completamente en su efecto sobre los nítidos contrastes de pilastras finamente esculpidas contra áreas ricas de talla dorada y, sobre las chimeneas, grandes espejos con tapas redondeadas. Grandes áreas de espejo de cristal veneciano fueron, por supuesto, importantes características decorativas ya en la creación de la Galerie des Glaces, y también de la Habitación del Espejo en el Gran Trianón: a menudo se han identificado erróneamente únicamente con el advenimiento del rococó estilo, en el que, de hecho, debían jugar un papel importante. Sin embargo, el diseño de la habitación de Louis todavía es testigo de una fuerte preferencia por las Órdenes clásicas, con decoración de pilastras en la tradición típicamente académica del siglo XVII.

Uno de los problemas de cualquier examen de la decoración rococó es que no estamos seguros de cuánto se originó en el pequeño ejército de dibujantes, cuyas figuras principales como Mansart mantuvieron detrás de escena, y cuánto de los grandes arquitectos mismos. Por lo tanto, mientras un edificio o un interior pasan como el trabajo de Mansart o De Cotte, los detalles novedosos pueden haber surgido de un diseñador ’fantasma’ con un cierto sentido de fantasía y una originalidad que el Arquitecto Real hizo pasar. como la suya

Estos dibujantes estaban muy probablemente familiarizados con los libros de patrones decorativos, derivados de la era de Arte renacentista – ilustrando los famosos grotescos de Rafael en la Villa Madama y la Logia del Vaticano. Los grotescos , descendientes de los relieves y pinturas de estuco en las tumbas romanas (o grutas, por lo tanto, ’grotescos’), jugaron un papel importante en la decoración francesa ya en la década de 1650 y luego aparecieron en algunas de las decoraciones propias de Lebrun, como las de la Galería. d’Apollon en el Louvre. Consistían en formas curvas de planta y desplazamiento, que a menudo se originaban en una urna o maceta y se enrollaban hacia arriba en un patrón regular, habitadas por juguetones monos, insectos y otras criaturas que proporcionan un ligero toque asimétrico. Pierre Lepautre tuvo en cuenta la ligereza de este tipo de decoración cuando decoró el conjunto de habitaciones del Rey en Marly en 1699.

Los interiores de Lepautre en Marly son, trágicamente, conocidos solo por dibujos. Muestran que prescindió de los pesados ​​marcos rectangulares alrededor de las puertas y los espejos, reemplazándolos con decoraciones curvas en miniatura integradas en las esquinas de las molduras, que en sí mismas eran más finas y elegantes que nunca. En lugar del tradicional techo pintado y dorado, Lepautre simplemente articuló la gran extensión de yeso blanco con una delicada roseta dorada en el centro; esto debía imitarse tanto en los techos como en los paneles durante todo el período rococó.

El estilo rococó se desarrolló con mayor fuerza durante la Regencia del Duque de Orleans (1715-23), cuya residencia de la ciudad era el Palacio Real. Aquí, la licencia era la regla, y se estableció el tono de la sociedad rococó: una sociedad que exigía novedad constante, ingenio y elegancia, precisamente las cualidades del estilo rococó. La sociedad abrió sus puertas a personas que Luis XIV nunca habría aceptado: los intelectuales recientemente ricos y cada vez más importantes. Durante la Regencia, gran parte de la aristocracia, que se había visto confinada a Versalles durante el reinado de Luis XIV, regresó a París y encargó nuevas casas adosadas, como en la Place Vendome, donde todavía se puede ver claramente el estilo de transición.

Sus interiores no requerían las elaboradas pinturas del techo del siglo anterior, y en su lugar surgió una nueva escuela de pintores que se especializaron en los trumeaux (sobrepuertas) suavemente curvados y paneles pintados a pequeña escala que forman una gran parte de La producción de (p. ej.) Francois Boucher (1703-70). También en constante empleo desde este período hasta la Revolución estaban los scupteurs, quienes ejecutaron el tallado a menudo minuciosamente detallado en las boiseries, los marcos de paneles decorados.

Fue alrededor de 1720 que el estilo de transición comenzó a dar paso a un claro estilo rococó. El término ’rococó’ probablemente deriva del francés ’rocaille’, que originalmente se refería a un tipo de decoración esculpida en el diseño de jardines. Ciertamente, los principales diseñadores del estilo rococó, Gilles-Marie Oppenordt , Nicolas Pineau y Juste-Aurele Meissonnier , lo sabían mucho. Los grotescos del siglo XVII ahora se transformaron en arabescos bajo Claude Audran , el maestro de Watteau, lleno de una nueva fantasía y delicadeza.

Los principales pasos hacia adelante se dieron en la decoración y pintura de interiores, mientras que la apariencia del exterior pasó poco importante, excepto que una cierta sofisticación ligera reemplazó la pesadez del estilo Luis XIV y, en lugar de confiar en las Órdenes clásicas, los arquitectos como Jean Courtonne y Germain Boffrand produjeron edificios cuyo efecto principal radicaba en el tratamiento sutil de la piedra y la hábil disposición de la escultura delicada contra la oxidación sofisticada. En París, dos de los mejores ejemplos son el famoso Hotel de Matignon de 1722-23 y el Hotel de Torcy de 1714.

En la decoración de interiores se observa una progresión constante hacia la elaboración extrema durante la Regencia, como lo demuestran el Palais Royale y el Hotel d’Assy, que culminó en habitaciones triunfalmente sofisticadas como el Salón Ovale del Hotel de Soubise en París (1738-39) por Boffrand, cuya influencia en la arquitectura rococó alemana fue considerable.

También se observa una tendencia a reemplazar la enorme serie de apartamentos muy formales favorecidos en el período Luis XIV por habitaciones más pequeñas e íntimas, como en los Petites Appartements en Versalles, donde la forma sigue más de cerca. Lamentablemente, estas, junto con muchas de las salas rococó más grandes, han desaparecido sin dejar rastro. Además de París, se realizó una gran cantidad de arquitectura y decoración de gran estilo rococó en Nancy, donde vivía el destronado rey de Polonia.

NOTA: Para otras tendencias importantes de arte y diseño similares a Rococó, vea Movimientos de arte y escuelas (desde aproximadamente 100 a. C.).

Pintura rococó francesa

Paradójicamente, el estilo rococó fue anunciado en la pintura, mucho antes que en las otras artes, por un pintor flamenco, Jean-Antoine Watteau (1684-1721). Se mudó a París alrededor de 1702 y comenzó a trabajar como pintor de escenas teatrales, antes de estudiar con el Guardián del Palacio de Luxemburgo, Claude Audran, un artista que pintó en un estilo decorativo, barroco tardío. Fue la serie de Rubens ’La vida de Marie de Medicis’ en el Palacio de Luxemburgo lo que más impresionó a Watteau y, a través de él, influyó en el curso de la pintura rococó francesa. Los estudió junto con los grandes pintores venecianos y, en palabras de Michael Levey, aunque "no tenía carrera pública, ni grandes comisiones de la Iglesia o la Corona; rara vez ejecutaba cuadros a gran escala: no tenía interés en pintar temas históricos", Se convirtió en el mejor artista francés de la primera mitad del siglo.

Imágenes de Watteau – Ver: Peregrinación a Citera (1717) Louvre, París; Charlottenburg, Berlín, con su combinación del color de Rubens y su propio erotismo delicado, siempre fue más que un poco melancólico. La calidad lírica de su pintura, con su sugerencia de sofisticada amoralidad, era precisamente la que buscaba la sociedad francesa en los años de la Regencia: Watteau no solo estaba atendiendo un gusto, sino que también lo creaba. Para más información sobre la desnudez en la pintura rococó, ver: Desnudos femeninos en la historia del arte .

Los otros dos pintores principales del período rococó francés, Francois Boucher (1703-70) (señalado también como el director de la Tapiz de duendes fábrica) y Jean-Honore Fragonard (1732-1806), ambos presentaron una variedad del estilo completamente diferente de la de Watteau y, a menudo, se cree que han vulgarizado donde Watteau había refinado. Mientras que Watteau logró un aura envolvente de distanciamiento aristocrático, Boucher y Fragonard produjeron un efecto más íntimo y obvio.

Significativamente, la carrera de Boucher comenzó como un grabador de las imágenes de Watteau, y desde entonces asumió el patrón del éxito tradicional. Al ganar el Premio de Roma, trabajó en Italia desde 1727 hasta 1731. En 1734 se convirtió en académico, y con la ayuda de su amiga y amante de Luis XV, Madame de Pompadour , se convirtió en el pintor más buscado en Francia por cada tipo de imagen, pero en particular por su vívida pintura mitológica de asignaturas clásicas. En estos, a menudo representados en una vena erótica algo sutil, Boucher, como Watteau, reveló una fuerte deuda con Rubens y el arte veneciano, especialmente con Paolo Veronese, su mejor predecesor en la pintura, vistiendo y mitologías brillantemente vestidas. Boucher se convirtió en Director de la Academia en 1765, y en conjunto hizo una contribución muy importante al movimiento rococó a través de sus numerosas pinturas y sus diseños para tapices y otras decoraciones.

En la irrealidad de la mayoría de sus formas posteriores, uno recuerda la sensación de indignación de Sir Joshua Reynolds al descubrir que Boucher había abandonado modelos. En comparación con el mundo irreal de Watteau, la configuración de Boucher es aún menos real, mientras que el contraste con Thomas Gainsborough , que compuso sus paisajes con pedazos de espejo, ramitas y musgo, es aún más extremo. Los árboles en miniatura rodean los edificios rústicos, que parecen haber sido hechos con azúcar glas, y el agua parece estar hecha de vidrio. No hay una luz y sombra reales, tal vez para no contrastar demasiado con la decoración de boiserie rococó pálida y poco profunda que la rodea.

Si bien hubo una serie de grandes artistas individuales, también hubo familias de pintores que siguieron una tradición estilística casi inmutable. Entre estos están los Coypels , que ejecutaron el techo de la capilla en Versalles, Van Loos y De Troys , todos los cuales pintaron constantemente cuadros divertidos para las clases altas y para las clases medias en ascenso, que aparecen por primera vez en el período rococó. como patrocinadores importantes y en cierta medida explican la mayor demanda de retratos. Algunas de las evocaciones más deliciosas de la sofisticación de la sociedad se encuentran en los retratos de Nattier, Drouais, Roslin y, por supuesto, el propio Boucher, cuyas delicadas imágenes de Madame de Pompadour se encuentran entre los mejores retratos de cualquier mujer en ese siglo. Ver también los retratos rococó de Elisabeth Vigee-Lebrun (1755-1842), el retratista de la corte de la reina francesa María Antonieta.

Junto al retrato, surgieron muchas otras ramas especializadas de la pintura, como la naturaleza muerta, donde Jean Baptiste Oudry (1686-1755) y Francois Desportes (1661-1743) fueron los más destacados.

En estos campos ’menores’ un hombre es sobresaliente: Jean Chardin (1699-1779). Sus temas de género deliciosamente simples y profundamente sinceros y sus pinturas de bodegones tienen una calidad que a primera vista parece más cercana en sentir Realismo holandés – Con un toque adicional de precisión y sensibilidad francesa – que con el estilo rococó predominante. Una obra maestra podría nacer de una pequeña imagen de un jarrón de Delft con algunas flores o de un simple estudio de dos figuras. Es su delicadeza y refinamiento lo que los une al rococó. Otro destacado pintor de género rococó fue el ’moralista’ Jean-Baptiste Greuze (1725-1805).

Muebles Rococó Franceses y Artes Decorativas

La misma delicadeza caracteriza Muebles franceses y buena parte del Arte decorativo francés del período. Entre aproximadamente 1715 y 1770 Diseñadores franceses Muebles creados que siguen siendo incomparables en su belleza de línea y detalle, acabado minucioso y materiales costosos utilizados por expertos. También en este período surgieron la mayoría de los tipos de muebles con los que estamos familiarizados hoy en día: piezas como la mesa de escritura (bureau plat), el secretario (de muchos tipos diferentes, especialmente el tipo de frente abatible y cilindro) y el Sofá en muchas formas (canapés, lits de repos).

Las piezas pesadas de finales del siglo XVII con incrustaciones de latón y caparazón de tortuga a la manera de Boulle fueron reemplazadas a partir de la Regencia en adelante por piezas más pequeñas y ligeras, un desarrollo que coincidió con la disminución del tamaño de las habitaciones y la disminución de la formalidad. La cómoda (cómoda) se levantó del suelo sobre delicadas patas curvas, y los frentes de bombe se cubrieron con ormolu sinuoso que a menudo fluía sobre toda la pieza y en el que se encuentra gran parte de la mejor decoración del rococó. En esta artesanía rococó, se hicieron excelentes usos de maderas con incrustaciones de todo tipo, a menudo importadas de Oriente, lo que contribuyó tanto al alto costo de la pieza como a la locura por lo exótico que invadió la sociedad francesa y condujo al uso (a menudo completamente fuera de lugar) de términos como "a la polonaise", "a la grecque" y "a la chinoise". En muebles, la principal manifestación de este interés en Oriente fue el uso de laca importada o de imitación, muchas piezas buenas de laca oriental que sufrieron gravemente en el proceso de disección y remodelación.

La exhibición de lujo en la artesanía rococó no se limita, por supuesto, a los muebles, y la apariencia austera de muchos conjuntos rococó en la actualidad es engañosa. Las frivolidades y adornos – volantes, cintas, elaborados tapices en camas, puertas y ventanas, festones de flecos, adornos y adornos – a menudo solo asociados con los victorianos, se suman a la atmósfera de lujo y confort, una cualidad poco conocida en el siglo XVII. Interiores franceses.

A pesar del rigor extremo del sistema de gremios, posiblemente incluso gracias a él, los muebles franceses lograron, en el siglo XVIII, un estado de perfección tal que se buscó en toda Europa. Las regulaciones del Gremio alentaron la especialización e incitaron a los hijos de maestros artesanos a continuar en el comercio de sus padres ante la perspectiva de ventajas económicas. El resultado fue una habilidad profesional excepcional y el surgimiento de verdaderas dinastías de ensambladores y ebanistas, que transmitieron los secretos de su oficio de padre a hijo.

Por lo tanto, el menuisier practicó solo la creación de la forma real de los muebles; el ebeniste creó las elaboradas capas de incrustaciones y decoración de superficies y otro artesano fue responsable de colocar la decoración de bronce dorado sobre el marco preparado; no se permitía a ningún gremio entrometerse en el territorio de otro. Al igual que con las otras artes, surgieron grandes nombres en cada campo: Foliot , Lelarge , Sene , Cressent y un número creciente de alemanes: Oeben , Riesener , Weisweiler . Ascendieron a posiciones de gran influencia y una pieza firmada por uno de estos artesanos fue tan solicitada como cualquier pintura de Boucher o Fragonard.

El rococó era un estilo en el que predominaba el elemento femenino, demostrado en muebles en las curvas flexibles y a menudo sensuales, apariencia frágil e incluso terminología: duquesa (duquesa) y sultana (sultana). Las flores decoraron gran parte de los paneles de pared y los muebles de la época, y muchas boiseries rococó contienen elaborados trompe d’oeils de guirnaldas y rociados de flores habitadas por pequeños pájaros y animales, descendientes directos de lo grotesco. La pequeña escala de gran parte de los muebles, en particular las piezas diseñadas para escribir, casi impide su uso por parte de un hombre, aunque, paradójicamente, una de las mejores creaciones de la época, el escritorio de Luis XV ejecutado por Oeben y Riesener entre 1760 y 1769 es grande y sorprendentemente masculino.

La porcelana a veces se incorporó al diseño de muebles franceses, generalmente en forma de placas pintadas o discos enmarcados en marcos de bronce. Gran parte es de la fábrica de Sevres. El mismo Luis XV había proporcionado fondos para respaldar una empresa de porcelana en Vincennes, cerca de París, específicamente para imitar a la porcelana de Meissen, que se mudó en 1756 a Sevres. Aunque no fue la primera fábrica en Francia en producir porcelana (Rouen y Saint-Cloud estaban operando en los últimos años del siglo XVII), Vincennes-Sevres fue sin duda el más exitoso en su producción de porcelana de pasta dura, contando importantes pintores como como Boucher entre sus diseñadores.

El valor atribuido a la porcelana de Sevres está atestiguado por el número de piezas o conjuntos individuales como el realizado para la emperatriz María Teresa en 1758 enviado por Luis XV como obsequios diplomáticos. Otros conjuntos famosos incluyen los servicios realizados para Catalina la Grande y Madame du Barry. Los colores perfeccionados en Sevres no son tan diferentes de los que se encuentran en las pinturas de Boucher: azul verdoso y un maravilloso rosa conocido como rosa Pompadour. Los tipos de objetos fabricados iban desde apliques de pared hasta pozos de tinta y jarrones de popurrí, de los cuales algunos de los mejores ejemplos se encuentran en la Wallace Art Collection, Londres.

Para más información sobre la porcelana rococó y la escultura rococó, lea sobre dos importantes escultores franceses. Jean-Baptiste Pigalle (1714-1785) y Etienne Maurice Falconet (1716-1791).

El estilo rococó en Francia representó su mayor contribución artística antes del surgimiento del impresionismo en el siglo XIX y abrazó todas las artes hasta un punto que no se encuentra en ningún otro lugar de Europa aparte de Alemania. La sorprendente calidad del rococó francés se debe al mantenimiento de los más altos estándares. Tiene el atractivo adicional del patrocinio de figuras como Madame de Pompadour, con quien se identifica el estilo, y se situó al final de una larga tradición de la mejor artesanía francesa.

El estilo rococó en Italia – Características

Una gran parte de la historia del rococó en Italia es la pintura en Venecia, especialmente la pintura del gran genio Giambattista Tiepolo (1696-1770), ya que allí se encuentran los productos importantes del estilo en su forma más original. Con la excepción de algunos edificios de Juvarra y Bernardo Yittone, la arquitectura italiana de la primera mitad del siglo pasa bastante directamente del estilo barroco tardío al neoclasicismo temprano, con poca evidencia de un estilo rococó definido.

Arquitectura rococó italiana, diseño de interiores y decoración

Arquitectura y arte decorativa Estaba dominado por el trabajo de dos hombres a principios de siglo, Bernini y Borromini, pero en particular este último. Pronto, sin embargo, el principal arquitecto en Roma fue Ferdinando Fuga (1699-1782), un florentino cuyas obras más importantes fueron el Palazzo delia Consulta (1732-37) y la fachada de Santa Maria Maggiore (1741-43). En el primero, se creó un ritmo delicado no por órdenes masivas de columnas sino por paneles sutilmente proporcionados y ligeramente empotrados. Contra estos se colocaron ventanas altamente decorativas, y el conjunto estaba coronado por una gran escultura central de ángeles que sostenían un cartucho. Tiene un efecto mucho más escultórico que cualquier edificio francés de la misma fecha, y se vincula bastante más con el rococó alemán. El mismo énfasis central se encuentra en la fachada de Santa Maria Maggiore, pero allí toda la fachada se concibe como una logia abierta, aliviada solo por la escultura de luz. En otras partes de Roma, otras empresas arquitectónicas se estaban acercando al espíritu del Rococó, como por ejemplo, en la Plaza de España (1723-25) de Francesco de Sanctis .

Mientras arquitectos franceses como Boffrand buscaban un medio económico para expresar la sofisticación de sus interiores en el exterior, los arquitectos italianos todavía estaban mucho más preocupados por el exterior como el vehículo para una impresión inmediata. A menudo dedicaron sus energías a esto a expensas de los interiores y, como resultado, solo tuvieron éxito internamente en los grandes espacios involucrados, como en algunas de las obras de Filippo Juvarra (1678-1736).

Juvarra nació en Messina en una familia de herreros de plata y se formó en Roma con Carlo Fontana, obteniendo sus primeros éxitos como diseñador de escenografías elaboradas y decorativas, una experiencia que más tarde le fue de gran utilidad. Después de ser nombrado Primer Arquitecto del Rey en la Corte de Saboya en 1714, viajó a Portugal, Londres y, en 1719-20, París, probablemente viendo el rococó francés en sus primeras etapas. A su regreso, se convirtió en el paralelo más cercano de Italia al arquitecto-diseñador francés, involucrado no solo en arquitectura, sino también en interiores, muebles y artes aplicadas. Sus logros más destacados son el pabellón de caza que diseñó entre 1729 y 1733 para la Corte en el Castillo de Stupinigi, la Iglesia del Carmín (1732-35) en Turín y el santuario de la Superga cerca de Turín (1717-31). De estos, Stupinigi es su creación más emocionante. Las alas gigantescas irradian desde un núcleo central abovedado. El exterior blanco, coronado por un ciervo de bronce, prepara uno para las increíbles acrobacias espaciales y el color dentro del Gran Salón central, que está cerca de muchas de las fantasías arquitectónicas y dibujos teatrales de Juvarra. Se hace mucho uso de la pintura ilusionista, trompe l’oeil Las urnas llenan nichos gigantes pintados sobre las muchas piezas de chimenea en el pasillo, mientras una galería que se balancea suavemente rodea las paredes y parece perforar los grandes pilares. Es un tour de force teatral. En comparación, el Superga y el Carmine parecen un poco pedantes, pero el primero está sensacionalmente ubicado en una colina que domina el área circundante con su elegante pórtico y su cúpula alta flanqueada por torres con cúpulas de cebolla.

Comparable a Juvarra fue Bernardo Yittone (1704-1770), que trabajó exclusivamente en Piamonte, donde nació y al que regresó después de estudiar en Roma y editar la ’Architettura Civile’ del gran arquitecto barroco Guarini. Sus obras más importantes se encuentran en aldeas oscuras en el Piamonte y unen la complejidad espacial de Guarini con la ligereza y brio de Juvarra. En este sentido, sus obras maestras son el Santuario de Vallinotto (1738-39) y la iglesia de Santa Chiara en Bra de 1742.

Si bien la arquitectura doméstica de Vittone es peatonal, la de Juvarra no lo es, y sus interiores rococó se encuentran entre los mejores de Italia. A diferencia de Francia, Italia no estaba gobernada por un monarca, por lo que el patrocinio generalmente se limitaba a un área particular del país, como en el caso de Juvarra. Su patrón, Vittorio Amadeo II de Saboya, tuvo la suerte de contar con un arquitecto de la corte tan capaz, y para él Juvarra diseñó la fachada del Palazzo Madama en Turín (1718-21), y algunos de los pocos interiores que se acercan a los franceses en calidad.; tal es la Sala China del Palacio Real de Turín con sus lacas y boiseries dorados, influenciados, posiblemente, por el libro de ornamentos de JA Meissonnier publicado en 1734. Una comparación de los interiores de Juvarra con otros en Italia muestra que él solo estaba en pie de igualdad. con otros diseñadores europeos.

Muebles Rococó Italianos y Artes Decorativas

Lamentablemente, la historia de los muebles rococó italianos no sigue un patrón tan fácil como el francés. El estilo del siglo XVII se superpuso al siglo XVIII, y las piezas que son aparentemente datables antes del cambio de siglo a menudo son mucho más tarde. Gran parte del mobiliario de Juvarra sigue siendo bastante pesado, utilizando formas naturales de una manera bastante diferente de los diseñadores franceses como Nicolas Pineau o Meissonnier.

El esplendor, sobrante de la época barroca, seguía siendo el estado de ánimo dominante para todos los principales diseños de interiores, y no había ningún sentimiento, como en Francia, o incluso en Alemania, a pequeña escala. Así se produjeron muebles y escenarios más sofisticados pero igualmente imponentes. Mientras que el gusto francés era de una novedad constante, los interiores italianos cambiaron poco después de que el cambio inicial al Rococó había sido aceptado. Al igual que en Francia, y en mayor medida en Inglaterra, los nuevos ricos o moderadamente acomodados ahora intentaban mantenerse al tanto de los desarrollos contemporáneos.

Lo que sorprendió a la mayoría de los viajeros extranjeros a Italia fue el vacío de las grandes suites que se encuentran detrás de las fachadas de la mayoría de los grandes palacios. Además de los pocos apartamentos espléndidos a la vista, los palacios contenían muchas habitaciones sin distinciones y su contenido no se podía comparar con el mobiliario francés y la elegancia de los estilos parisinos, por los cuales los italianos sustituyeron la extravagancia insípida. Las imágenes de Pietro Longhi de interiores venecianos evocan las habitaciones escasamente amuebladas de muchas casas rococó italianas.

Las figuras de Andrea Brustolon y Antonio Corradini dominaron el diseño veneciano a principios de siglo, sus pesadas formas barrocas continuaron siendo producidas por artesanos exitosos mucho después de su muerte, casi hasta el final del siglo. Sin embargo, los venecianos fueron los únicos italianos que se tomaron muy en serio el estilo rococó y emularon a los franceses, produciendo cómodas bombeas exageradas que a menudo se tambalean sobre sus piernas pequeñas y frágiles. Se conocen pocos grandes nombres en el dominio de los muebles italianos del siglo XVIII y uno piensa principalmente en piezas individuales muy importantes como la pantalla de fuego pintada y dorada de GM Bonzanigo en el Palacio Real de Turín. En Italia, incluso más que en Francia, surgió una demanda aparentemente insaciable de piezas curiosas o inusuales, elaboradamente pintadas al estilo veneciano con escenas rústicas o flores, con incrustaciones, pero nunca con la habilidad íntima de los ebenistes franceses. La laca, el dorado pesado, los espejos, el vidrio pintado y las combinaciones de otros materiales llevaron a una mezcla de estilos desconcertante y no siempre feliz.

En el arte de la incrustación sobresalió Pietro Piffetti (1700-77), que trabajó para la Casa de Saboya en Turín, creando muebles altamente individuales que combinaban incrustaciones de madera y marfil con refinamientos en metal como máscaras en las esquinas y soportes para las patas. El Palacio Real de Turín contiene algunas piezas impresionantes, literalmente cubiertas con incrustaciones de marfil y que ocasionalmente parecen ser sostenidas únicamente por casualidad, tan frágiles son las patas debajo de sus elaboradas partes superiores. En el Museo Civico de Turín hay una mesa de cartas de Piffetti, estampada y fechada en 1758, con un trompe l’oeil totalmente convincente de naipes en marfil y maderas raras.

En las artes menores no se produjo nada de gran importancia en Italia en comparación con otras partes de Europa, y ciertamente ninguna fábrica de cerámica parecía rivalizar con la de Sevres. Pero dos fábricas producían porcelana, muchas de las cuales son muy hermosas: Vinovo en Piamonte y Capodimonte en las afueras de Nápoles. La porcelana Capodimonte se caracteriza por el brillo de su coloración, a menudo en combinaciones inesperadas como se ve en la famosa Sala de porcelana del Palacio de Portici (1754-59).

Pintura rococó italiana

Resumen

El rococó surgió en Italia un poco más tarde que en Francia. Las primeras huellas se pueden ver en el estilo más ligero de la pintura barroca tardía, introducida en Roma y también en Nápoles por artistas como Luca Giordano (1634-1705) y Francesco Solimena (1657-1747).

Luego, en el espacio de 25 años, Venecia produjo Giambattista Tiepolo (1696-1770), su hijo, Giandomenico (1727-1804), Antonio Canaletto (1697-1768), Pietro Longhi (1701-85), Francesco Guardi (1712-93), Giovanni Battista Piranesi (1720-78) y Canaletto’s sobrino Bernardo Bellotto (1720–1780). Todos estos, excepto los dos últimos, pasaron su vida laboral en Venecia, aunque Canaletto visitó Inglaterra en 1746. Longhi y, en menor medida, el Tiepolo más joven, retrataron la vida cotidiana de Venecia, el primero en lienzos pequeños, el último en dibujos; mientras Canaletto, Guardi y Bellotto pintaron escenas al aire libre en los canales y la plaza. Piranesi, aunque nació en Venecia, llegó a Roma en 1738. No se conocen pinturas suyas, y su fama se basa completamente en sus grabados de arquitectura y ruinas. El anciano Tiepolo es mejor conocido por su extraordinaria decoración al fresco del comedor estatal ( Kaiseraal ) y el techo de la Gran Escalera ( Trepenhaus ) en la Residencia Wurzburg del Príncipe Obispo Karl Philipp von Greiffenklau, que sin duda fue la obra maestra más grande e imaginativa de su carrera. El punto focal fue el altísimo fresco de Apollo Bringing the Bride (1750-1) en el centro de Trepenhaus, una obra que lleva a una conclusión majestuosa la tradición italiana de pintura al fresco iniciada por Giotto (1270-1337) cuatrocientos años antes.

Tiepolo

En el anciano Tiepolo, y solo en él, se puede hablar de un estilo rococó puro, relacionado con el barroco tardío de muchas maneras, pero creando un tipo completamente nuevo de experiencia visual. No es sorprendente que muchas de las mayores cualidades venecianas del pasado estén presentes en su trabajo: el color y la imaginación original de Tiziano ; los tipos de figuras y materiales lujosos de Paolo Veronese , junto con su amor por la opulenta arquitectura clásica como telón de fondo para los ricos concursos de historia y mitología.

La artificialidad de la atmósfera en sus primeros frescos vincula a Tiepolo a la vez con la corriente principal del arte rococó, pero en un momento en que no podía saber mucho sobre la pintura francesa contemporánea. Desde entonces, su carrera fue un éxito meteórico hasta su eclipse en Madrid al final de su vida a manos de los neoclásicos bajo Mengs (1728-79).

Su mayor encargo llegó en 1750, cuando fue a Wurzburg a pintar frescos para el palacio recién terminado allí y se quedó hasta 1753 para decorar la escalera (la más grande pintura mural en el mundo), el Kaisersaal y la capilla. Poco antes de partir hacia Wurzburg, Tiepolo había decorado el Palazzo Labia en Venecia con la historia de Anthony y Cleopatra, una de sus recreaciones más sugerentes de la historia clásica.

Una comparación del estilo de Tiepolo con el de su contemporáneo exacto, Boucher, revela un temperamento diferente y quizás más intelectual. Sus desnudos glacialmente elegantes pero todavía voluptuosos y su sutil yuxtaposición de tipos, como en la escalera de Wurzburg donde los ’Continentes’ están brillantemente contrastados, es más original y complejo que nada de Boucher. No fue casualidad que Boucher admirara a Tiepolo por encima de todos los demás; "Mucho más que Watteau, su arte es el teatro, con un escenario que se eleva deliberadamente sobre nosotros y actores que mantienen su distancia", dice Michael Levey. De hecho, su arte es el último que es verdaderamente representativo de los ideales aristocráticos, que pronto será reemplazado por los valores republicanos de la Revolución Francesa.un arte que solo pudo haber florecido en una ciudad-estado tan decadente como Venecia en el siglo XVIII