Arte rococó Traductor traducir

Ambientado en Francia y originado como reacción a la grandeza barroca de la corte real de Luis XIV en el Palacio de Versalles, el estilo rococó en la pintura francesa se asoció en particular con Madame Pompadour, amante del nuevo rey Luis XV, y las casas parisinas de la aristocracia francesa. Se trata de un estilo artístico fantasioso y elaboradamente decorativo, cuyo nombre deriva de la palabra francesa « rocaille», que significa «rocaille» - mampostería en forma de conchas marinas.

En el mundo rococó, todas las artes, incluyendo la pintura, la arquitectura, la escultura, el diseño de interiores, los muebles, las telas, la porcelana y otros «objetos de arte» están subordinados al ideal de belleza elegante.

El arte rococó se ejemplifica en las obras de artistas famosos, como Jean-Antoine Watteau (1684-1721), especialmente su « fete galante» - fiestas de cortejo al aire libre; Jean-Honore Fragonard (1732-1806) con sus pinturas de amor y seducción; François Boucher (1703-1770) con sus fastuosas pinturas de lujosa autoindulgencia; el veneciano Giambattista Tiepolo (1696-1770), conocido por sus frescos fantásticamente decorativos de la Residencia de Würzburg (1750-3); y la escultura de Claude Michel Clodion (1738-1814), escultor del Arco del Triunfo de París, más conocido por sus esculturas de terracota de ninfas y sátiros. En Gran Bretaña, la pintura rococó alcanzó su apogeo con los retratos femeninos de Thomas Gainsborough (1727-1788). Al rococó le sucedió el arte neoclásico, que se convirtió en el estilo visual característico de Napoleón en Francia y de la Revolución Americana.

Orígenes

El rococó es el hijo frívolo y caprichoso del noble y señorial barroco . El padre nació en Italia, el hijo en Francia. El barroco surgió a principios del siglo XVII y se extendió rápidamente por toda Europa. Al principio fue un estilo predominantemente escultórico y arquitectónico, cuyo máximo exponente y genio fue Gianlorenzo Bernini (1598-1680), quien, como Miguel Ángel antes que él, fue principalmente escultor pero, tras servir a varios papas en la reconstrucción de Roma, se dedicó a la pintura, la escenografía teatral y la arquitectura. Su « Éxtasis de Santa Teresa» y la pequeña iglesia de San Andrea al Quirinale en Roma demuestran las tendencias que condujeron al estilo rococó: el uso brillante de la luz y la sombra sobre materiales caros y elaborados, como los mármoles de colores y el bronce.

El siglo XVII fue un siglo de grandeza, de fuerte sentimiento religioso, expresado de forma clara y convincente en vívidas formas visuales en las pinturas de Caravaggio y Cortona, las esculturas de Bernini y la arquitectura de Francesco Borromini (1599-1667). Sus manifestaciones más importantes fueron italianas, y éste fue de hecho el canto del cisne de Italia como potencia creadora, pues ya tras la muerte del Papa Urbano VIII, mecenas de Bernini, brilló una nueva estrella: Francia, que continuaría su meteórico ascenso a lo largo del siglo y dominaría la Europa artística y de la moda en el siglo siguiente. Véase también: Artistas rococó .

El estilo rococó en Francia - rasgos característicos

En 1651 el joven Luis XIV alcanzó la mayoría de edad, y en la década de 1660 cualquier disensión en Francia había sido completamente reprimida, de modo que Luis pudo dedicar su atención a la construcción y decoración de su palacio en Versalles . Aquí el estilo barroco italiano fue adoptado y modificado por el todopoderoso artista, diseñador y decorador de interiores de Luis, Charles Lebrun, para glorificar no a los santos de la Iglesia católica, sino al rey de Francia: « Le Roi Soleil».

El dominio absoluto de Luis implicaba no sólo una prueba visual de su supremacía, sino también una elaborada etiqueta cortesana tan estricta y antinatural como los jardines trazados por Le Nôtre alrededor del palacio. Esta extrema formalidad se dejaba sentir en apartamentos como el famoso Salón de los Espejos y la colorida escalera de los embajadores, y fue en este contexto donde nació el Rococó; Francia demostraba que ya era el árbitro del gusto y estaba ávida de novedades.

Arquitectura, interiorismo y decoración rococó francés

El rococó se asocia con razón al siglo XVIII en Francia, pero incluso en los últimos años del siglo anterior hay signos del nuevo estilo, como en la obra del arquitecto de la corte Jules-Arduin Mansart (1646-1708) en el Trianón de Versalles y en Marly, otra residencia real. En estos dos edificios, Mansart abandonó el soporífero uso del mármol y el bronce, y optó por los paneles de madera y los colores más pálidos. La mera escala del Trianon indica un deseo de escapar del grandioso palacio, un sentimiento que suscitó una serie de obras muy significativas en el siglo XVIII. (Obsérvese también la influencia de la anterior Escuela de Fontainebleau (1530-1610) en el desarrollo del estilo rococó, en particular sus juguetonas molduras y otros motivos rococó).

Luis XIV parece haber alentado esta reacción de todas las maneras posibles, como lo demuestran sus famosas instrucciones a Mansart sobre la decoración de la habitación de la jovencísima duquesa de Borgoña en el castillo de Ménagerie: "Debes difundir por todas partes el sentimiento de la juventud". Esto ocurría en 1699, y al rey le quedaban dieciséis años de vida, años que iban a determinar el curso del arte y la decoración durante al menos la siguiente generación, no sólo en Francia, sino también más allá, en Sicilia y Austria.

Aunque el rococó fue principalmente una creación francesa, muchos factores de otros países influyeron y contribuyeron al estilo, como las obras gráficas de artistas italianos del siglo XVII como Stefano Delia Bella, que pasó una larga temporada en París. En sus obras, finas líneas enmarcan formas que a menudo son puramente decorativas, como gran parte del arte rococó.

Muchos libros grabados de las últimas décadas del siglo XVII muestran el estilo rococó en sus inicios. La apretada y retorcida talla, tan característica del Renacimiento flamenco y alemán, e incluso de la escuela de Fontainebleau, se ha liberado, haciéndose menos estricta y simétrica, y se han introducido elementos fantásticos desconocidos en los originales. Esto se observa en Francia en los muebles de André-Charles Boulle y en Venecia en los muebles de Andrea Brustolon, donde las formas curvas y complejas del Barroco empezaron a modificarse hacia principios de siglo.

Una de las primeras apariciones del nuevo estilo en un marco muy importante es el dormitorio de Luis XIV en Versalles. Fue remodelado hacia 1701, principalmente en blanco y dorado, basando su efecto en los claros contrastes de finas pilastras esculpidas con ricas zonas de talla dorada y, sobre las chimeneas, grandes espejos de tapas redondeadas.

Las grandes superficies de espejos venecianos eran, por supuesto, elementos decorativos importantes ya en la creación de la Galería de los Espejos, así como en el Salón de los Espejos del Gran Trianón: a menudo se identifican erróneamente sólo con la aparición del estilo rococó, en el que, de hecho, iban a desempeñar un papel importante. Sin embargo, el diseño del dormitorio de Luis sigue mostrando una fuerte preferencia por los órdenes clásicos, con una decoración de pilastras en la tradición típicamente académica del siglo XVII.

Uno de los problemas de cualquier estudio sobre la decoración rococó es que no podemos determinar con exactitud qué parte de ella procede de un pequeño ejército de dibujantes cuyas principales figuras, como Mansart, permanecieron entre bastidores, y qué parte es de los propios grandes arquitectos. Así, si un edificio o un interior se hace pasar por obra de Mansart o de Cotte, los detalles innovadores que contiene podrían perfectamente haber sido creados «por un dibujante fantasma» con cierto sentido de la imaginación y originalidad que el arquitecto real hizo pasar por suyos.

Es muy probable que estos dibujantes conocieran los libros de motivos decorativos -tomados del Renacimiento - que ilustran las famosas grotescas de Rafael en Villa Madama y en la logia vaticana. Los grotescos, derivados de los relieves moldeados y las pinturas de las tumbas romanas (o grutas, de ahí «grotesco»), desempeñaron un papel importante en la decoración francesa ya en la década de 1650 y más tarde aparecieron en algunas de las decoraciones del propio Lebrun, por ejemplo en la Galería de Apolo del Louvre. Consistían en formas vegetales curvadas y volutas, que a menudo se originaban en una urna o maceta y se retorcían hacia arriba en un patrón regular poblado por monos juguetones, insectos y otras criaturas que añadían un ligero toque asimétrico. La ligereza de este tipo de decoración fue tenida en cuenta por Pierre Lepotre cuando decoró los aposentos reales de Marly en 1699.

Los interiores de Lepotre en Marly sólo nos son conocidos, desgraciadamente, por los dibujos. En ellos se aprecia que abandonó los pesados marcos rectangulares que rodeaban puertas y espejos, sustituyéndolos por decoraciones curvas en miniatura integradas en los ángulos de las molduras, que eran a su vez más finas y elegantes que nunca. En lugar del tradicional techo pintado y dorado, Lepotre se limitó a resaltar el gran espacio de yeso blanco con un fino rosetón dorado en el centro, una técnica que se imitaría tanto en los techos como en los revestimientos durante todo el periodo rococó.

El estilo rococó alcanzó su máximo desarrollo durante el periodo de la regencia del duque de Orleans (1715-23), cuya sede en la ciudad era el Palacio Real. Aquí reinaba la libertad y se estableció el tono de la sociedad rococó: la sociedad exigía novedad constante, ingenio y elegancia, precisamente las cualidades del estilo rococó. La sociedad abrió sus puertas a personas que Luis XIV nunca habría aceptado: los nuevos ricos y los intelectuales, cada vez más importantes. Durante la Regencia, gran parte de la aristocracia, que había estado confinada en Versalles durante el reinado de Luis XIV, regresó a París y encargó nuevas casas urbanas, como las de la plaza Vendôme, donde el estilo de transición sigue siendo claramente visible.

Sus interiores no requerían las elaboradas pinturas de techo del siglo anterior, y en su lugar surgió una nueva escuela de artistas especializados en los trumeaux (sobre puertas) suavemente curvados y en pequeños paneles pintados que constituyen gran parte de la producción (por ejemplo, François Boucher (1703-1770). También desde esta época hasta la Revolución, hubo un flujo constante de pintores que ejecutaban las tallas, a menudo elaboradas, en boiserie, paneles-marco decorados.

Hacia 1720, el estilo de transición empezó a dar paso al estilo rococó. El término «rococó», probablemente derivado del francés «rocaille», que originalmente se refería a un tipo de decoración escultórica en el diseño de jardines. Sin duda, los principales diseñadores del estilo rococó, Gilles-Marie Oppenordt, Nicolas Pinault, y Juste-Aurel Meissonier, lo conocían bien. Los grotescos del siglo XVII evolucionaron hacia los arabescos bajo la dirección de Claude Audran, maestro de Watteau, lleno de nueva imaginación y sofisticación.

Se dieron importantes pasos adelante en la decoración interior y la pintura, mientras que en el exterior apenas cambiaron las cosas, salvo que la pesadez del estilo Luis XIV fue sustituida por un ligero refinamiento y, en lugar de basarse en órdenes clásicos, arquitectos como Jean Courtonne y Germain Beauffrand crearon edificios cuyo principal efecto residía en la fina factura de la cantería y la hábil disposición de delicadas esculturas sobre un complejo fondo rústico. En París, los dos mejores ejemplos son el famoso Hôtel de Matignon de 1722-23 y el Hôtel de Torsi de 1714.

La decoración interior del periodo de la Regencia muestra una progresión constante hacia la sofisticación extrema, como muestran el Palais Royal y el Hôtel d’Assy, culminando en salas triunfalmente refinadas como el Salón Oval del Hôtel de Soubise en París (1738-39) de Boffrand, cuya influencia en la arquitectura rococó alemana fue considerable.

También hay una tendencia a sustituir la enorme serie de apartamentos muy formales favorecidos en el periodo de Luis XIV por habitaciones más pequeñas e íntimas, como las de los Pequeños Apartamentos de Versalles, donde la forma sigue más de cerca a la función. Desgraciadamente, al igual que muchos de los grandes salones rococó, han desaparecido sin dejar rastro. Además de en París, la arquitectura y la decoración rococó fueron muy apreciadas en Nancy, donde vivió el depuesto rey de Polonia.

Para otros movimientos importantes en el arte y el diseño similares al rococó, véase Movimientos y escuelas artísticas (a partir del año 100 a.C. aproximadamente).

Pintura rococó francesa

Paradójicamente, el estilo rococó fue proclamado en pintura mucho antes que en otras artes por el pintor flamenco Jean-Antoine Watteau (1684-1721). Se trasladó a París hacia 1702 y comenzó a trabajar como pintor de escenas teatrales antes de estudiar con el guardián del Palacio de Luxemburgo, Claude Audran, artista que pintaba en el estilo decorativo del Barroco tardío.

Fue la serie de cuadros de Rubens «La vida de María de Médicis» en el Palacio de Luxemburgo la que más impresionó a Watteau y, a través de él, influyó en el curso de la pintura rococó francesa. Los estudió junto a los grandes pintores venecianos y, según Michael Levy, aunque "no tuvo carrera pública, ni grandes encargos de la iglesia o de la corona; rara vez ejecutó cuadros de gran formato: no le interesaba pintar temas históricos", se convirtió en el mayor pintor francés de la primera mitad del siglo".

Los cuadros de Watteau -véase: Peregrinación a Citera (1717) Louvre, París; Charlottenburg, Berlín-, con su combinación del color de Rubens y su propio erotismo sutil, siempre fueron más que un poco melancólicos. La calidad lírica de sus pinturas, con su toque de sutil amoralidad, era exactamente lo que la sociedad francesa buscaba durante los años de la Regencia: Watteau no sólo satisfacía el gusto, sino que lo creaba. Para más información sobre el desnudo en la pintura rococó, véase: El desnudo femenino en la historia del arte .

Otros dos pintores importantes del periodo rococó francés, François Boucher (1703-1770) (también conocido como el director de la Fábrica de Tapices Tapestry) y Jean-Honore Fragonard (1732-1806), ambos representaron un tipo de estilo muy diferente al de Watteau, y a menudo se considera que vulgarizaron lo que Watteau había perfeccionado. Mientras que Watteau lograba un aura envolvente de distanciamiento aristocrático, Boucher y Fragonard producían un efecto más íntimo y evidente.

Es importante señalar que la carrera de Boucher comenzó como grabador de los cuadros de Watteau, y a partir de ahí su carrera fue tradicionalmente exitosa. Tras ganar el Prix de Rome, trabajó en Italia de 1727 a 1731. En 1734 ingresó en la Academia, y con la ayuda de su amiga y amante de Luis XV, Madame de Pompadour, se convirtió en el artista más solicitado de Francia para todo tipo de pinturas, pero especialmente por sus vívidas pinturas mitológicas sobre temas clásicos. En ellas, a menudo ejecutadas en una vena un tanto abiertamente erótica, Boucher, al igual que Watteau, encontró una fuerte deuda con Rubens y el arte veneciano, especialmente con Paolo Veronese, su mejor predecesor en la pintura de mitologías brillantemente vestidas y presentadas. Boucher se convirtió en director de la Academia en 1765 y, en general, contribuyó de forma muy importante al movimiento rococó con sus numerosos cuadros y diseños para tapices y otras decoraciones.

En la irrealidad de la mayoría de sus formas posteriores se recuerda el sentimiento de indignación de Sir Joshua Reynolds cuando descubrió que Boucher había abandonado los modelos. Comparados con el mundo irreal de Watteau, los escenarios de Boucher son aún menos reales, y el contraste con Thomas Gainsborough, que creaba sus paisajes a partir de trozos de espejos, ramitas y musgo, es aún más extremo. Los árboles en miniatura rodean edificios rústicos que parecen hechos de azúcar glas, y el agua parece de cristal. Aquí no hay verdaderas luces y sombras, tal vez para no contrastar demasiado con el decorado de boiserie rococó, pálido y superficial, en el que estaba ambientado.

Aunque hubo grandes artistas individuales, también hubo familias de pintores que siguieron una tradición estilística casi invariable. Entre ellos se encuentran los Coypels, que ejecutaron el techo de la capilla de Versalles, Van Loos y De Troys, todos los cuales pintaron cuadros invariablemente divertidos para las clases altas y para las clases medias en ascenso, que aparecen por primera vez como mecenas importantes en el periodo rococó y explican en cierta medida el aumento de la demanda de retratos. Algunas de las representaciones más admirables de la sofisticación de la sociedad se encuentran en los retratos de Natier, Drouet, Roslin y, por supuesto, el propio Boucher, cuyo magnífico retrato de Madame de Pompadour es uno de los mejores retratos de una mujer del siglo. Véanse también los retratos rococó de Élisabeth Vigée-Lebrun (1755-1842), retratista de corte de la reina francesa María Antonieta.

Junto al retrato, surgieron otros muchos campos especializados de la pintura, como el bodegón, en el que Jean Baptiste Oudry (1686-1755) y François Deportes (1661-1743) fueron pioneros.

En estos «campos más pequeños» destaca un hombre: Jean Chardin (1699-1779). Sus admirablemente sencillos y sinceros temas de género y naturalezas muertas tienen una calidad que, a primera vista, se acerca más al realismo holandés -con la precisión y sensibilidad francesas añadidas- que al estilo rococó imperante. De una diminuta representación de un jarrón de Delft con algunas flores, o de un simple esbozo de dos figuras, puede nacer una obra maestra. Es su delicadeza y sutileza lo que les vincula al rococó. Otro destacado pintor de género rococó fue el «moralista» Jean-Baptiste Grèze (1725-1805).

Muebles y artes decorativas del rococó francés

La misma delicadeza caracteriza los muebles franceses y gran parte de las artes decorativas francesas de este periodo. Entre 1715 y 1770 , aproximadamente, los diseñadores franceses produjeron muebles que siguen siendo incomparables por la belleza de sus líneas y detalles, la finura de sus acabados y el coste de los materiales hábilmente utilizados. Fue también en esta época cuando aparecieron la mayoría de los tipos de muebles que hoy conocemos: el escritorio (bureau plat), el secretaire (de varios tipos, sobre todo con el frente rebajado y cilíndrico) y el sofá en sus múltiples formas (canapés, lits de repos).

Los pesados objetos de finales del siglo XVII, con incrustaciones de latón y carey a la manera de Boulle, fueron sustituidos por objetos más pequeños y ligeros a partir de la Regencia, coincidiendo con la reducción del tamaño de las habitaciones y la disminución de la formalidad. La cómoda se elevaba del suelo sobre graciosas patas curvas, y los frentes del aparador se cubrían con un elegante ormolu, que a menudo recorría toda la pieza y en el que se encuentran muchas de las mejores decoraciones rococó.

Esta artesanía rococó hacía un excelente uso de incrustaciones de maderas de todo tipo, a menudo importadas de Oriente, lo que contribuía tanto al elevado coste de la pieza como a la fascinación por el exotismo que impregnaba la sociedad francesa y llevaba al uso (a menudo bastante inapropiado) de términos como «a la polonaise», «a la grecque» y «a la chinoise». En mobiliario, la principal manifestación de este interés por Oriente fue el uso de laca importada o de imitación, y muchos buenos ejemplos de laca oriental sufrieron mucho en el proceso de disección y alteración.

La ostentación de lujo en la vajilla rococó no se limitaba ciertamente al mobiliario, y la apariencia austera de muchos conjuntos rococó actuales es engañosa. La frivolidad y los adornos -volantes, cintas, elaborados doseles en camas, puertas y ventanas, festones de flecos, bandas elásticas y baratijas-, a menudo asociados sólo con los victorianos, añadían un aire de lujo y confort, una cualidad poco conocida en los interiores franceses del siglo XVII.

A pesar del extremo rigor del sistema gremial, o tal vez incluso debido a él, el mobiliario francés alcanzó tal excelencia en el siglo XVIII que era codiciado en toda Europa. Las reglas de los gremios fomentaban la especialización y estimulaban a los hijos de los artesanos a continuar el oficio de sus padres ante la perspectiva de obtener ventajas económicas. El resultado fue una excelencia profesional excepcional y la aparición de verdaderas dinastías de carpinteros y ebanistas que transmitían de padres a hijos los secretos de su oficio.

Así, el menoisier sólo se ocupaba de la creación de la forma propiamente dicha del mueble; el ebéniste creaba las intrincadas capas de taracea y la decoración de la superficie, mientras que otro artesano se encargaba de montar el bronce dorado sobre la base preparada; ninguno de los dos gremios podía invadir el territorio del otro. Como en otras artes, surgieron grandes nombres en todos los campos: Foliot, Lelarge, Sene, Cressent, y cada vez más alemanes: Oeben, Riesener, Weisweiler . Ocupaban posiciones influyentes, y una obra firmada por uno de estos maestros era tan solicitada como un cuadro de Boucher o Fragonard.

El rococó era un estilo dominado por la feminidad, que se manifestaba en el mobiliario por sus curvas flexibles y a menudo sensuales, su aspecto frágil e incluso en su terminología: duchesse (duquesa) y sultane (favorita). Las flores adornaban gran parte de los revestimientos murales y los muebles de la época, y muchas boiserie rococó contienen elaboradas guirnaldas en trampantojo y rocíos florales habitados por diminutos pájaros y animales, descendientes directos de lo grotesco.

El pequeño tamaño de muchos muebles, especialmente los destinados a la escritura, casi impide su uso por los hombres, aunque, paradójicamente, una de las mejores creaciones de la época, el escritorio del propio Luis XV, realizado por Eben y Riesener entre 1760 y 1769, es de gran tamaño y de apariencia sorprendentemente masculina.

La porcelana se incorpora a veces al diseño del mobiliario francés, generalmente en forma de placas pintadas o discos en marcos de bronce. Gran parte de la porcelana se fabricaba en la fábrica de Sèvres. El propio Luis XV aportó fondos para sostener una fábrica de porcelana en Vincennes, cerca de París, específicamente para imitar la porcelana de Meissen, que se trasladó a Sèvres en 1756. Aunque Vincennes-Sèvres no fue la primera fábrica de porcelana de Francia (Rouen y Saint-Cloud funcionaron en los últimos años del siglo XVII), fue sin duda la que tuvo más éxito en la producción de porcelana dura, y entre sus diseñadores figuraban artistas tan famosos como Boucher.

La importancia concedida a la porcelana de Sevres queda demostrada por el número de piezas individuales o servicios, como el servicio realizado para la emperatriz María Teresa en 1758 y enviado por Luis XV como regalo diplomático. Otros juegos famosos son los de Catalina la Grande y Madame du Barry. Los colores perfeccionados en Sèvres no difieren mucho de los de los cuadros de Boucher: azules verdosos y el precioso rosa conocido como rosa de Pompadour. Los tipos de objetos producidos iban desde apliques de pared hasta tinteros y jarrones de popurrí, algunos de cuyos mejores ejemplos se encuentran en la Wallace Art Collection de Londres.

Para saber más sobre la porcelana rococó y la escultura rococó, lee sobre dos importantes escultores franceses Jean-Baptiste Pigalle (1714-1785) y Etienne Maurice Falcone (1716-1791).

El estilo rococó representó en Francia su mayor contribución artística hasta el surgimiento del impresionismo en el siglo XIX y abarcó todas las artes en mayor medida que en cualquier otro lugar de Europa, excepto Alemania. La notable calidad del rococó francés se debe al mantenimiento de los más altos niveles de calidad. Tiene el atractivo añadido de haber sido patrocinado por figuras como Madame de Pompadour, con quien se identifica el estilo, y de haber sido el final de una larga tradición de la mejor artesanía francesa.

El estilo rococó en Italia - rasgos característicos

Gran parte de la historia del rococó en Italia es la historia de la pintura en Venecia -especialmente la pintura del gran genio Giambattista Tiepolo (1696-1770)-, ya que es allí donde se encuentran las obras importantes del estilo en su forma más original. Con la excepción de algunos edificios de Juvarra y Bernardo Ittone, la arquitectura italiana de la primera mitad del siglo procede de forma bastante lineal del estilo barroco tardío al neoclasicismo temprano, con ligeros indicios de un estilo rococó definido.

Arquitectura, interiorismo y decoración rococó italianos

Arquitectura y Artes decorativas A principios de siglo dominaba la obra de dos hombres, Bernini y Borromini, pero sobre todo de este último. Pronto, sin embargo, el arquitecto de referencia en Roma pasó a ser Ferdinando Fuga (1699-1782), un florentino cuyas obras más importantes fueron el Palacio de la Consulta (1732-37) y la fachada de Santa Maria Maggiore (1741-43). En la primera, el sutil ritmo no lo creaban las columnas macizas, sino los paneles finamente proporcionados y ligeramente retranqueados.

Contra estos paneles había ventanas muy decorativas, y coronando todo había una gran escultura central de ángeles sosteniendo una cartela. Se trata de un efecto mucho más escultórico que el de cualquier edificio francés de la misma fecha, y está más relacionado con el rococó alemán. El mismo énfasis central se encuentra en la fachada de Santa Maria Maggiore, pero allí toda la fachada está concebida como una logia abierta, diluida únicamente por esculturas ligeras. En otros lugares de Roma, otros esfuerzos arquitectónicos se acercaron al espíritu rococó, como en la Escalinata Española (1723-25) de Francesco de Sanctis .

Mientras arquitectos franceses como Beauffrand buscaban medios económicos para expresar en el exterior el refinamiento de sus interiores, los arquitectos italianos se preocupaban aún más por el exterior como medio de expresar una impresión inmediata. A menudo le dedicaron sus energías en detrimento de los interiores y, en consecuencia, sólo tuvieron éxito en los edificios en los que se trataba de grandes espacios, como en algunas obras de Filippo Iuvarra (1678-1736).

Juvarra nació en Mesina, en el seno de una familia de plateros, y se formó en Roma con Carlo Fontana, alcanzando sus primeros éxitos como diseñador de escenografías elaboradas y decorativas, experiencia que le fue muy útil más tarde. Tras su nombramiento como primer arquitecto del rey en la corte de Saboya en 1714, viajó a Portugal, Londres y, en 1719-20, París, donde probablemente conoció el rococó francés en sus inicios.

A su regreso, se convirtió en Italia en el paralelo más cercano al arquitecto-diseñador francés, ocupándose no sólo de arquitectura, sino también de interiores, mobiliario y artes aplicadas. Entre sus realizaciones destacan el pabellón de caza que diseñó entre 1729 y 1733 para la corte en el castillo de Stupinigi, la iglesia del Carmine (1732-35) en Turín y el santuario de Superga, cerca de Turín (1717-31). De todas ellas, Stupinigi es su creación más espectacular. Unas alas gigantes irradian de un núcleo central abovedado, sobre el que se eleva un ciervo de bronce; el blanco exterior prepara para las increíbles acrobacias espaciales y el colorido de la Gran Sala central, cercana a muchas de las fantasías arquitectónicas y dibujos teatrales de Júvarra.

La pintura ilusionista se utiliza mucho aquí, trompe l’oeil urnas que llenan los nichos gigantes pintados sobre las numerosas chimeneas del vestíbulo, y una galería que se balancea suavemente recorre las paredes y parece atravesar los grandes pilares. Es un espectáculo teatral. Comparadas con ella, Superga y Carmine parecen un poco pedantes, pero la primera está sensacionalmente situada en lo alto de una colina, dominando el barrio con su elegante pórtico y su alta cúpula con torres de cebolla.

Comparable a Juvarra fue Bernardo Ittone (1704-1770), que trabajó exclusivamente en Piamonte, donde nació y al que regresó tras estudiar en Roma y editar «Architettura Civile» del gran arquitecto barroco Guarini. Sus obras más significativas están ambientadas en pueblos poco conocidos del Piamonte y combinan la complejidad espacial de Guarini con la ligereza y briolina de Juvarra. En esta línea, sus obras maestras son el santuario de Vallinotto (1738-39) y la iglesia de Santa Chiara en Bra de 1742.

Mientras que la arquitectura doméstica de Vittone es pedestre, la de Iuvarra no lo es, y sus interiores rococó se cuentan entre los mejores de Italia. A diferencia de Francia, Italia no estaba gobernada por un único monarca, por lo que el mecenazgo solía limitarse a una determinada zona del país, como en el caso de Juvarra.

Su mecenas, Vittorio Amadeo II de Saboya, tuvo la suerte de contar con un arquitecto de corte tan hábil, y para él Juvarra diseñó la fachada del Palacio Madama de Turín (1718-21), así como algunos de los pocos interiores que se acercan a la calidad francesa; tal es el caso del Salón Chino del Palacio Real de Turín, con su boiserie lacada y dorada, tal vez influenciado por el libro de ornamentos de J. A. Meissonier. A. Meissonnier, publicado en 1734. La comparación de los interiores de Juvarra con otros interiores italianos demuestra que sólo él estaba en pie de igualdad con otros diseñadores europeos.

Mobiliario y artes decorativas italianas

Desgraciadamente, la historia del mobiliario rococó italiano no es tan sencilla como la del francés. El estilo del siglo XVII se solapa con el del XVIII, y las piezas que aparentemente pueden fecharse antes del cambio de siglo son en realidad a menudo muy posteriores. Gran parte del mobiliario de Yuvarra sigue siendo bastante pesado y utiliza formas naturales de manera muy diferente a la de diseñadores franceses como Nicolas Pinault o Meissonier.

El esplendor heredado del Barroco seguía dominando todos los grandes proyectos de interior, y no existía, como en Francia o incluso en Alemania, el sentido de la pequeña escala. Por ello, se crearon muebles y enseres más elaborados pero igualmente imponentes. Mientras que el gusto francés se orientaba hacia la novedad constante, los interiores italianos cambiaron poco tras el giro inicial hacia el rococó. Al igual que en Francia, y en mayor medida en Inglaterra, los nuevos ricos o las clases moderadamente acomodadas se esforzaban ahora por seguir las tendencias modernas.

Lo que sorprendía a la mayoría de los viajeros extranjeros en Italia era el vacío de los grandes apartamentos que se escondían tras las fachadas de la mayoría de los grandes palacios. Aparte de los pocos apartamentos magníficos que se podían ver, en los palacios había muchas habitaciones poco llamativas, y su contenido no podía compararse con el mobiliario francés y el glamour de los estilos parisinos, que los italianos habían sustituido por una extravagancia chillona. Las pinturas de Pietro Longhi sobre interiores venecianos evocan las habitaciones escasamente amuebladas de muchas casas rococó italianas.

Las figuras de Andrea Brustolon y Antonio Corradini dominaron el diseño veneciano a principios de siglo; sus pesadas formas barrocas siguieron siendo creadas por maestros posteriores tras su muerte, casi hasta el final del siglo. No obstante, los venecianos fueron los únicos italianos que se tomaron en serio el estilo rococó e imitaron a los franceses, produciendo exagerados tocadores bombe, a menudo apoyados sobre patas diminutas y endebles. En el campo del mobiliario italiano del siglo XVIII no se conocen muchos grandes nombres, y se recuerdan sobre todo obras únicas significativas, como la repisa pintada y dorada de G. M. Bonzanigo en el Palacio Real de Turín.

En Italia, incluso más que en Francia, surgió una demanda aparentemente insaciable de objetos extravagantes o insólitos, hábilmente pintados al estilo veneciano con escenas rústicas o flores, incrustados, pero nunca con tanta maestría como los ebénistes franceses. Lacados, abundantes dorados, espejos, vidrios pintados y combinaciones de otros materiales dieron lugar a una desconcertante y no siempre feliz mezcla de estilos.

Un destacado maestro de la taracea fue Pietro Piffetti (1700-1777), que trabajó para la Casa de Saboya en Turín, creando muebles muy personalizados, combinando incrustaciones de madera y marfil con exquisiteces metálicas como máscaras en esquinas y monturas de patas.

El Palacio Real de Turín contiene algunos objetos impresionantes literalmente cubiertos de incrustaciones de marfil y a veces aparentemente sostenidos por pura casualidad, tan frágiles eran las patas bajo sus elaboradas tapas. En el Museo Cívico de Turín hay una mesa de cartas de Piffetti, etiquetada y fechada en 1758, con un trampantojo de naipes en marfil y maderas raras totalmente convincente.

En el campo de las bellas artes, en Italia no se producía nada significativo en comparación con el resto de Europa, y ciertamente ninguna fábrica de cerámica podía rivalizar con la de Sevres. Pero dos fábricas producían porcelana, mucha de la cual es ciertamente muy bella: Vinovo, en Piamonte, y Capodimonte, cerca de Nápoles. La porcelana de Capodimonte destaca por la brillantez de sus colores, a menudo en combinaciones inesperadas, como, por ejemplo, en la famosa sala de porcelana del palacio de Portici (1754-59).

La pintura rococó italiana

El rococó surgió en Italia algo más tarde que en Francia. Las primeras huellas pueden verse en el estilo más ligero de la pintura del Barroco tardío, representado tanto en Roma como en Nápoles por artistas como Luca Giordano (1634-1705) y Francesco Solimena (1657-1747).

Después, en 25 años, Venecia produjo Giambattista Tiepolo (1696-1770), su hijo, Giandomenico (1727-1804), Antonio Canaletto (1697-1768), Pietro Longhi (1701-1785), Francesco Guardi (1712-1793), Giovanni Battista Piranesi (1720-1778) y el sobrino de Canaletto, Bernardo Bellotto (1720-1780). Todos ellos, excepto los dos últimos, pasaron su vida laboral en Venecia, aunque Canaletto visitó Inglaterra en 1746.

Longi y, en menor medida, el joven Tiepolo representaron la vida cotidiana de Venecia, el primero en pequeños lienzos, el segundo en dibujos; mientras que Canaletto, Guardi y Bellotto pintaron escenas al aire libre en canales y plazas. Piranesi, aunque nacido en Venecia, llegó a Roma en 1738. No se conoce ni un solo cuadro suyo, y su fama se debe enteramente a sus grabados de arquitectura y ruinas.

El mayor de los Tiepolo es más conocido por su extraordinaria pintura al fresco del gran comedor ) Kaiseraal) y el techo de la Gran Escalera ) Trepenhaus) de la residencia en Würzburg del príncipe obispo Carl Philipp von Greiffenklau, que es sin duda la obra maestra más grande e imaginativa de su carrera. La pieza central fue el majestuoso fresco «Apolo trayendo a la novia» (1750-1) en el centro de la Trepenhaus, una obra que resume majestuosamente la tradición italiana de la pintura al fresco iniciada por Giotto (1270-1337) cuatrocientos años antes.

Tiepolo

En el mayor de los Tiepolo, y sólo en él, podemos hablar de un estilo rococó puro, en muchos aspectos afín al barroco tardío, pero que crea un tipo de experiencia visual totalmente nuevo. No es sorprendente que su obra contenga muchas de las grandes cualidades venecianas del pasado: el color y la imaginación original de Tiziano ; los tipos de figuras y los materiales suntuosos de Paolo Veronese ; y su amor por la exuberante arquitectura clásica como telón de fondo de ricas escenas de historia y mitología.

La artificialidad de la atmósfera de sus primeros frescos vincula inmediatamente a Tiepolo con la corriente principal del arte rococó, pero en una época en la que no podía saber mucho de la pintura francesa contemporánea. A partir de entonces, su carrera se desarrolló con un éxito meteórico hasta su eclipse en Madrid a manos de los neoclasicistas bajo Mengs (1728-1779).

Recibió su mayor encargo en 1750, cuando fue a Würzburg a pintar frescos para el palacio recién construido, y permaneció allí hasta 1753, decorando la escalera (la mayor pintura mural del mundo), la Kaisersaal y la capilla. Poco antes de partir para Würzburg, Tiepolo decoró el palacio Labia de Venecia con la historia de Antonio y Cleopatra, una de sus recreaciones más expresivas de la historia clásica.

La comparación del estilo de Tiepolo con el de su contemporáneo exacto, Boucher, revela un temperamento diferente y quizá más intelectual. Sus desnudos, escalofriantemente elegantes pero voluptuosos, y su sutil yuxtaposición de tipos, como en la escalera de Würzburg, donde «los continentes» contrastan brillantemente entre sí, son más originales y complejos que los de Boucher. No es casualidad que Boucher admirara a Tiepolo más que a nadie; «mucho más que Watteau, su arte es el arte del teatro, con un escenario que se eleva deliberadamente por encima de nosotros y actores que mantienen las distancias», afirma Michael Levy. Su arte es el último que representa realmente los ideales aristocráticos que pronto fueron sustituidos por los valores republicanos de la Revolución Francesa, un arte que sólo podía florecer en una ciudad-estado decadente como Venecia en el siglo XVIII

Ver pintores

Mientras Tiepolo, padre e hijo, eran los mejores decoradores de la ciudad, había vedutisti, o pintores de vistas, como Canaletto (1697-1768), cuya gran fama le llevó a Inglaterra entre 1746 y 1756, y su sobrino Bernardo Bellotto (1720-1780).

Las pinturas de Francesco Guardi (1712-1793) son un triunfo de la exploración atmosférica y de la perspicacia en los efectos inusuales de la luz veneciana sobre el agua y la arquitectura. Utilizando una paleta mínima, reducida en algunos casos casi por completo a simples verdes y grises, Guardi crea paisajes y vistas de canales casi de la misma manera que Tiepolo ejecutaba figuras, y utiliza puntos mágicos de color para representar a gente apresurada o conversando en la plaza de San Marcos o en cualquiera de las muchas plazas de Venecia que tan claramente amaba.

Pietro Longhi (1702-1785), por el contrario, se especializó en representaciones algo chillonas de la vida moderna; en su chabacanería, sin embargo, reside su gran encanto, así como en la elección, a menudo deliciosamente inesperada, del tema, por ejemplo «Rinoceronte» (National Gallery, Londres) o «Enviado moro» (Ca’ Rezzonico, Venecia).

Pero Italia nunca estuvo tan contenta con el estilo rococó como con el barroco o el neoclasicismo precedentes, ambos más pesados y capaces de expresar la grandezza, tan querida por el arte italiano posterior al Renacimiento. En Tiepolo, sin embargo, aparece en una forma modificada, y es su nombre el que permanece prominente.

El estilo rococó en Inglaterra - rasgos característicos

De todos los países europeos que adoptaron o contribuyeron al estilo barroco, Inglaterra fue el que menos atención prestó al rococó.

Arquitectura, interiorismo y decoración rococó inglesa

Al menos en arquitectura, Inglaterra pasó directamente del estilo barroco de Wren y Vanbrugh al palladiano, una transición tan rápida que no admite ningún desarrollo intermedio. En edificios como Strawberry Hill de Walpole, Twickenham, construido en 1748, y Arbury, Warwickshire, de la misma época, y otros edificios góticos erigidos en la era de la arquitectura de finales del siglo XVIII, es el talante lo que sitúa estas obras en la categoría rococó, más que cualquier relación con el rococó.

De hecho el estilo gótico inglés se divide en dos categorías distintas - «asociativo» y «rococó», siendo este último una forma frívola de decoración, vagamente basada en precedentes medievales, pero lo suficientemente frívola como para ser casi análoga al rococó continental en su sentido de abandono y superficialidad. William Kent (1684-1748), arquitecto y decorador, desarrolló su propio vocabulario de decoración gótica, que se extendió por Inglaterra tan rápida y eficazmente como los arabescos del rococó continental. Pero aparte de esto, en Inglaterra el rococó sólo afectó a unos pocos interiores, algunos muebles de alta calidad, algunos cuadros y porcelana, sobre todo las vajillas de Chelsea y Bow.

El primer ejemplo de rocaille en Inglaterra fue el encargo que hizo el duque de Kingston al gran diseñador francés Meissonier en 1735 para un juego de muebles de mesa de plata. Pero éste era un caso bastante raro, y el diseño rococó se limitaba por lo general a la decoración grabada sobre formas sobre, casi totalmente ajenas al estilo.

Las nuevas tendencias se difundieron principalmente a través de libros de patrones como «The Gentleman’s or Builder’s Companion» de Matthias Locke o Jones de 1739, en los que los detalles rococó o cuasi rococó estaban al alcance de todo artesano que pudiera permitírselos. El hecho de que sólo se tratara de detalles desvinculados de su entorno explica la calidad a menudo chillona de gran parte del mobiliario rococó inglés, ya que no se podía esperar que un artesano apreciara la naturaleza orgánica del estilo a partir de meros fragmentos.

Al igual que en Italia y Francia, el gusto de los mecenas del siglo XVIII a menudo se extendía a Oriente de una forma u otra. Esto explica varias habitaciones rococó notables en Inglaterra, como el dormitorio del Priorato de Nostell, Yorkshire, de 1745, o, lo que es más importante. Claydon House, en Buckinghamshire (hacia 1768), donde varias habitaciones fueron decoradas por un tal Lightfoot, del que se sabe poco. En estas habitaciones, sin embargo, el estilo no es en absoluto tan puro como el rococó continental.

El arte decorativo rococó aparece en los interiores de otras casas urbanas y rurales inglesas y a veces es de la máxima calidad, sobre todo en el vestíbulo de Ragley, en la cercana Hagley, y en los remolinos de yeso de los hermanos Franchini, que ejecutaron muchos estucos en Irlanda y fueron especialmente famosos por su trabajo en Russborough. Pero esta atractiva artesanía local dista mucho de los perfectos y completos esquemas del continente.

Mobiliario y artes decorativas inglesas

A diferencia de los franceses, los ebanistas ingleses no solían firmar sus productos, por lo que se sabe relativamente poco de hombres como John Linnell, John Cobb, Benjamin Goodison, y William Weil, que parecen haber trabajado mucho en la nueva moda. Sin embargo, el nombre de Chippendale destaca no sólo por la calidad de su trabajo, sino también por la publicación de «The Gentleman and Cabinet-maker’s Director» (1754).

En sus diseños de espejos y chimeneas, a menudo aderezados con Chinoiserie, se ven ejemplos exóticos del estilo rococó, tan elaborados como la boiserie francesa, pero destinados a ser utilizados como elementos individuales y rara vez como parte de un esquema decorativo completo. Del mismo modo, las elaboradas y fantásticas tallas del vestíbulo de Claydon están aisladas en un entorno clásico.

Pintura inglesa

En pintura, dos artistas ingleses hicieron claras concesiones al rococó: William Hogarth (1697-1764) y Thomas Gainsborough (1727-1788). Hogarth se opuso tajantemente a la pintura barroca histórica tan buscada por los «aficionados», e introdujo en sus obras la llamada «línea de la belleza», que explicó en su «Análisis de la belleza» (1753) y que era una línea serpenteante más bien parecida a una letra «S» alargada. Esta era, por supuesto, la forma de muchas joyas rococó.

Gainsborough, por su parte, comenzó su vida como pintor de retratos pequeños y rebuscados y luego, tras mudarse a la elegante Bath, desarrolló un estilo más complejo. Pintó varios retratos en un estilo rococó notablemente cercano al de Boucher; sus pinceladas flotantes y sus paisajes de plumas, rosas brillantes y tonos grises plateados eran más rococó que en cualquier pintura inglesa contemporánea. Véase también Retratista de la sociedad de la Regencia Thomas Lawrence .

El neoclasicismo barrió Inglaterra tras el regreso de Robert Adam al país en 1758, pero incluso su estilo casto y épico se hace eco de la calidad refinada y meticulosa de la mayor parte de la decoración rococó francesa, y su «gótico» es tan rococó como cualquier otra decoración de la época en Inglaterra. La retratista y pintora histórica suiza Angelica Kauffmann (1741-1807), admirada por Sir Joshua Reynolds por sus retratos, trabajó con Robert Adam en varias de sus decoraciones arquitectónicas.

El estilo rococó en Alemania - rasgos característicos

En contraste con la soberbia sobriedad del mejor rococó francés, Alemania ofrece una impresionante gama de algunas de las decoraciones arquitectónicas y de interiores rococó más escandalosas y magníficas de la historia del arte europeo.

Arquitectura, diseño y decoración de interiores rococó alemanes

Este alto nivel de excelencia se extendió de la arquitectura a las artes aplicadas: muebles, enseres y porcelana, aunque éstos rara vez superaban a los de Francia. Ni Francia, ni Italia, ni la Inglaterra del siglo XVIII pueden rivalizar con obras maestras de la arquitectura como Melk o el Zwinger de Dresde, mientras que en número de iglesias y palacios de primera clase Alemania supera fácilmente a los demás países. Tal vez esto se deba a que lo que hoy llamamos Alemania estaba dividido en varios principados, reinos y obispados diferentes en el siglo XVIII, por lo que una cierta rivalidad debió determinar la creación de edificios de gran importancia, a diferencia de Francia o Inglaterra, donde los encargos realmente importantes recaían invariablemente en un pequeño número de mecenas.

El rococó alemán parece tener su origen en las iglesias barrocas romanas, como Sant’Andrea al Quirinale de Bernini, que combinaban color, luz y escultura elaborada. La primera vez que se vio en Alemania fue en la iglesia de la abadía de Weltenburg, construida después de 1714, con su cúpula ovalada recortada desde el interior para revelar una visión del cielo pintada al fresco.

El color era el pilar del rococó alemán: rosa, lila, limón, azul, todos combinados o utilizados por separado con un efecto asombroso, como en Amalienburg, cerca de Múnich. Las formas más pesadas y curvas del Barroco se transforman en el Rococó alemán en ritmos más staccato, y se puede detectar la influencia de un gran monumento barroco como el baldacchino de Bernini en la catedral de San Pedro, transformado por Balthasar Neumann (1687-1753) (1687-1753) en una confección del orden del altar mayor de Verseichenheiligen, quizá la más elaborada y satisfactoria de las iglesias alemanas.

Mientras que las formas de las habitaciones en la Francia del siglo XVIII permanecieron prácticamente inalteradas y la planta de los edificios eclesiásticos apenas cambió en el siglo XVIII, los arquitectos rococó alemanes exploraron todas las posibilidades. No sólo las paredes se balancean a pesar de su enorme escala, sino que secciones enteras parecen talladas, con el resultado de que los enormes techos pintados al fresco que dominan por completo la mayoría de estas iglesias parecen flotar por encima de los fieles.

Una de las características más interesantes de la arquitectura rococó alemana es la dramática disposición de algunos de los ejemplos más importantes, como la abadía de Melk de los Prandtauer, iniciada en 1702. Dos grandes torres, deliberadamente situadas en un lugar destacado sobre el Danubio, dominan el patio, abierto al exterior por un gran arco de tipo palladiano. Esta sensación de dramatismo y plena participación de los fieles, tanto en el exterior como en el interior, también está presente en Ettal, pero en sentido inverso, con el monasterio dominando las montañas circundantes.

La construcción secular también alcanzó un alto grado de perfección. Quizá los ejemplos más exquisitos se encuentren en Múnich y sus alrededores, donde François Cuveillis (1695-1768), como carlista de la corte y arquitecto, participó en la construcción de numerosos edificios, siendo quizá el más bello el Amalienburg.

Este pequeño pabellón, construido entre 1734 y 1739 y llamado así en honor de la esposa del Elector, tiene, según Hugh Honor, «una ligera elegancia y delicadeza». Su fachada suavemente ondulada, su rusticidad poco profunda y sus insólitos frontones prefiguran una de las salas más bellas de Europa: el famoso Salón de los Espejos, con su rocaille plateada sobre fondo azul pólvora y sus relucientes cristales. En el extremo opuesto se encuentra el teatro-residencia muniqués de Cuvillis (1751-53), en el que figuras e instrumentos musicales ricamente dorados enmarcan toda la sala, contrastando vivamente con el damasco rojo y el terciopelo de las paredes y los asientos.

Potsdam y Dresde nunca produjeron un estilo rococó tan refinado como el de Múnich, pero edificios como el Zwinger (1709-19) de Poppelmann en Dresde llaman la atención por su escala y abundancia de detalles decorativos. La influencia de este tipo de arquitectura también se deja sentir en el palacete de Sans-Souci en Potsdam (1745-51), construido para Federico el Grande.

En escala, opulencia y grandiosidad de detalles, el rococó alemán ocupa el primer lugar en Europa.

Para más información sobre los interiores rococó en Rusia, véanse las obras de Bartolomeo Rastrelli (1700-1771).

Variantes posteriores del rococó

El estilo rococó nunca se extinguió en la Francia de provincias. Con la llegada del historicismo en la década de 1820, muchos artesanos encontraron relativamente fácil crear interiores y edificios enteros en el estilo «del segundo rococó», tan favorecido por Luis Felipe y su reina, y cuyos ejemplos pueden encontrarse por todo París.

El renacimiento de la arquitectura y el diseño rococó llegó a Inglaterra ya en 1828 con la Cámara Waterloo de Apsley House, los interiores de Lancaster House y el salón de Isabel en el castillo de Belvoir. Naturalmente, atrajo a los ricos de la época, y los Rothschild decoraron varias casas en este estilo, y en la década de 1880 incluso crearon interiores dieciochescos en Waddesdon Manor.

Luis de Baviera dio su aprobación real al estilo en sus palacios de Linderhof y Herrenkimsee de la misma época. El estilo se convirtió en una característica común de muchos hoteles nuevos de finales del siglo XIX y principios del XX, y «Le gout Ritz» se convirtió en sinónimo de lujo y elegancia.

Para una breve introducción a los aspectos arquitectónicos de este estilo artístico, véase: Arquitectura rococó .

COLORES PARA LA IMPRESIÓN
Para más detalles sobre los pigmentos de color utilizados por los artistas rococó, véase: Paleta de colores del siglo XVIII .

MOVIMIENTOS, ESTILOS, ESCUELAS
Para información sobre los principales movimientos en pintura y escultura, véase: Historia del arte .

LAS MEJORES ARTES DE TODOS LOS TIEMPOS
Para una lista de las mejores pinturas al óleo y a la acuarela, véase Las mejores pinturas de todos los tiempos . Para consultar una lista de las mejores esculturas, véase Las mejores esculturas de todos los tiempos .

GRANDES ARTISTAS EUROPEOS
Biografías e imágenes de los más grandes artistas de Europa desde el Renacimiento hasta 1800 véase : MAESTROS ANTIGUOS .

LOS MEJORES ARTISTAS DEL MUNDO
Los cuadros más bellos de Los mejores paisajistas . Los mejores bodegones ver: Los mejores pintores de bodegones . Los mejores retratos véase: Mejores pintores de retratos . Para los mejores cuadros históricos, véase: Mejores pintores históricos .

ESTÉTICA
Para una discusión sobre la belleza en las artes visuales, véase: Definición y significado del arte .

EVOLUCIÓN DEL ARTE VISUAL
Detalles en Cronología de la Historia del Arte .