Pintura rusa del siglo XIX 3 925 Traductor traducir Autor del texto original - Neil Cоllins

Pintura rusa de principios del siglo XIX

Principios del siglo XIX Arte ruso estaba profundamente teñido por Romanticismo . En Rusia, este espíritu representaba algo muy diferente de la concepción occidental, que abarcaba manifestaciones como el paisaje sombrío y el entorno gótico en la literatura, y así sucesivamente. En Occidente, de hecho, el romanticismo era en esencia un movimiento revolucionario dirigido contra el dominio de la tradición clásica. Por otro lado, en Rusia, debido a la influencia de Byron, Pushkin y Lermontov, el término fue interpretado en su sentido original del siglo XVII para implicar una obra que poseía esos elementos exaltados y fantásticos característicos de los viejos romances. Esta combinación de cortesía y fantasía parecía especialmente adecuada para una sociedad que giraba en torno a una personalidad tan pintoresca como el zar Alejandro I. Incluso en su propia época, el zar se había convertido casi en una figura legendaria, y su encanto, su delicada buena apariencia, los acontecimientos de su reinado y su porte de estilo Apolo, combinados con la dulce melancolía de su estado de ánimo, dejaron una profunda huella en Artistas rusos de la edad

Orest I. Kiprenski (1773-1836)

Orest I. Kiprenski fue el primero y uno de los más dotados. Hijo de un siervo, pero hombre de extrema sensibilidad, había heredado las finas tradiciones de arte de retrato desde Pintura rusa del siglo XVIII – Un género en el que sobresalió. Estaba especialmente interesado en la interrelación de colores, y la tonalidad de sus retratos es sobresaliente, especialmente en su autorretratos , donde los esquemas de color están muy por delante de su día. Por lo tanto, dos de ellos están pintados casi completamente en verdes, con el sorprendente resultado de que están emocionalmente en la misma clave que la poesía de Alexander Blok de la década de 1920. Desafortunadamente, Kiprenski, como Losenko antes que él, fue desviado de su verdadero curso por dos visitas a Roma. En ese tiempo arte académico allí reinaba supremamente, y el temperamento emocional de Kiprenski quedó tan impresionado por la grandeza de sus temas que abandonó el retrato por temas más pretenciosos, y sus experimentos en color cedieron ante su interés en las composiciones heroicas. Como resultado, sus obras posteriores no hacen justicia a la promesa de sus primeros años.

Vasily Tropinin (1776-1857)

Vasily Tropinin generalmente está emparejado con Kiprenski, tanto por su origen humilde: fue un siervo por nacimiento y fue privado de derechos solo tarde en la vida, y también porque él también se destacó en el retrato. Su preferencia por las cabezas de chicas bastante sentimentales se ha atribuido al espíritu romántico, pero sería más cercano a la verdad admitir que representan la concepción de Tropinin de la belleza femenina perfecta. En pintura En ellos encontró el olvido de la miseria de su propia vida. Sus escenas de género muestran un mayor vigor, y su intimidad y amabilidad les dan la fuerza y ​​la convicción que faltan en los retratos.

Boris Orlovski (1796-1832)

Boris Orlovski es una figura más vital, pero nuevamente fue desviado por una demanda de pinturas al estilo del pintor holandés Philips Wouwerman (1619-68). En lugar de desarrollar su propia individualidad, se concentró en producir el tipo de imagen para el que había un mercado, y como resultado es debido a su dibujo que se le puede asignar un lugar entre las grandes figuras del arte ruso. Estos dibujos, hechos para complacer a sí mismo, no solo son delicados y divertidos, sino que también son técnicamente muy brillantes. Su habilidad se compara con la de Bryulov, pero mientras que Bryulov era un artesano consumado con una mente estéril, Orlovski era un pintor errático con el temperamento de un artista.

CP Bryulov (1799-1852)

CP Bryulov era hijo de un tallador en la Corte de Catalina, quien había fomentado y desarrollado los obvios obsequios artísticos de su hijo con tanto éxito que el niño se llevó todos los premios ofrecidos por la Academia de Bellas Artes y ganó una beca de viaje a Italia. En 1828 visitó Pompeya y Nápoles, donde la oportunidad lo llevó a ver la ópera de Puccini Los últimos días de Pompeya . Profundamente impresionado, pronto comenzó a pintar una gran imagen sobre el mismo tema. Se ubica en Rusia como su obra maestra, probablemente justamente así, ya que es un logro notable. Sin embargo, no puede ser otra cosa que un juego de manos, ya que es esencialmente un trabajo teatral y no genuinamente experimentado. Sin embargo, se logra y estableció la reputación de Bryulov, a pesar de que son sus retratos, dibujos y pintura de acuarela que hoy parecen ir más allá al justificarlo. Sus retratos son obras extremadamente logradas, de gran vitalidad, y sus dibujos son totalmente encantadores. Su delicadeza y precisión presagian a Alexander Benois.

Fedor Bruni (1800-1875)

En su imagen titulada The Brazen Serpent , Fedor Bruni produjo lo que a menudo se considera la pieza complementaria de los últimos días de Pompeya de Bryulov. Este lienzo ilustra el talento de Bruni como colorista y su habilidad para agrupar, pero falla incluso como una pieza de época, ya que le parece pretencioso e insincero. Bruni pintó varios cuadros religiosos, pero ellos también fracasan, y por la misma razón.

Alexander Venetsianov (1779-1847)

Alexander Venetsianov logró un trabajo de mucha mayor importancia, ya que, como muchos de sus contemporáneos occidentales, sus intereses se absorbieron principalmente en el aspecto técnico de pintura al óleo . Había sido alumno de Borovikovski, y en su temprana madurez, él también tenía una gran cantidad de alumnos y un seguimiento importante, pero el éxito espectacular de Brylov con sus últimos días de Pompeya atrajo a la mayoría de los pintores rusos más ambiciosos, y Venetsianov, Como uno o dos maestros notables, perdió a la mayoría de sus alumnos. Sin embargo, los seguidores de Venetsianov incluyeron uno o dos artistas menores de considerable importancia, como Zarianko (1818-1870), pero más especialmente el Conde Fedor Tolstoi (1783-1873), quien aplicó los principios realistas que habían guiado a Venetsianov a sus propias imágenes del Las clases medias rusas en su entorno hogareño, estas encantadoras pinturas son tan valiosas para Rusia estética e históricamente como muchas imágenes de conversación de una fecha bastante anterior a Gran Bretaña, y constituyen los primeros ejemplos de una cadena de desarrollo que culmina en nuestros días. El trabajo retrospectivo de Alexander Benois y Dobuzhinski.

Paul A. Fedotov (1815-1852)

Paul A. Fedotov , el William Mulready de la pintura rusa, combinó escenas de género con interiores de Tolstói. Un hombre sin pretensiones, sincero y observador, que vivía de la exigua pensión de un oficial retirado del ejército, comenzó a pintar solo a los 30 años. La falta de entrenamiento y una muerte prematura le impidieron convertirse en un Rowlandson ruso, pero sus registros de debilidades contemporáneas están estrechamente relacionados espiritual y temperamentalmente con los escritos de Gogol y Chekhov. Sus escenas están ambientadas en interiores cuidadosamente reproducidos y están muy bien pintadas. Sus cuadros, The Fop y The Window están a la vanguardia de la pintura rusa "Purpose".

Vasily Perov (1833-1882)

Su sucesor inmediato y compañero moscovita, Vasily Perov , fue más afortunado, porque se formó como artista desde la infancia. Como resultado, sus logros son mayores que los de Fedotov, ya que su lápiz y pincel mantuvieron el ritmo de sus poderes de observación. Su profunda sinceridad no afectó la ligereza de su toque ni frenó su sentido del humor, pero las condiciones políticas que prevalecieron en Rusia lo llevaron a elegir la moralización. pintura de género como su esfera Como resultado, Rusia posee una serie de imágenes no menos reveladoras e incisivas que The Rake’s Progress o Marriage a la Mode by William Hogarth . Las imágenes de Perov, sin embargo, no forman conjuntos, sino que muestran temas individuales como The Village Sermon , The Tea Party , The Repast y The Governess’s Arrival . No alcanzan el nivel pictórico de Hogarth debido a la peculiar rigidez y restricción característica del siglo XIX, y también porque la agrupación es menos exitosa y el color es más pobre, pero sin embargo tienen un valor estético definido además de su interés narrativo.

Alexander Ivanov (1806-1858)

Una tendencia completamente diferente aparece en la obra de Alexander Ivanov , muchas de cuyas pinturas tienen un tema religioso y un enfoque esencialmente religioso, ya que muestran una concepción espiritual profundamente sincera, así como un agudo sentido de la forma y la composición. Fue el primer ruso en expresar sus emociones religiosas sin esfuerzo y de manera reveladora en el medio occidental, y en crear arte religioso en el estilo occidental no menos conmovedor que el pintura de icono de la época medieval. Sus estudios de desnudos femeninos siguen siendo sorprendentemente modernos y merecen clasificarse con el trabajo occidental contemporáneo más avanzado de ese tipo.

Nicholas Gay (1831-1894)

Nicholas Gay , un pobre dibujante, pero también un artista genuinamente religioso, siguió los pasos de Alexander Ivanov, inconscientemente, incluso podría decirse automáticamente, combinando en sus imágenes religiosas el naturalismo occidental con el desprecio ortodoxo por la belleza física en lugar de la espiritual. Esto dotó a sus figuras distorsionadas, demacradas y desagradables con una intensidad absorbente, para ser visto particularmente en una pintura de la Crucifixión en el Museo Ruso en San Petersburgo. Sus retratos son menos vívidos, pero más espontáneos. Son excelentes semejanzas y, a pesar de su amabilidad, no son ni modales ni sentimentales, como era mucho el retrato del siglo XIX. Su retrato del conde Leo Tolstoi es uno de los más interesantes del escritor, ya que refleja claramente los elementos contradictorios que formaron su turbulento personaje.

"The Wanderers" (Peredvizhniki)

Después de 1863, el curso del desarrollo de la pintura rusa se vio profundamente afectado por lo que inicialmente parecía un incidente trivial. Trece estudiantes de la Academia de Bellas Artes se opusieron a la elección de Odin en Valhalla como sujeto para el premio Medalla de Oro. Exigieron un tema eslavo en su lugar, y lo hicieron con tanta persistencia que fueron expulsados ​​de la Academia. Fue un duro golpe para ellos, ya que en su mayoría eran pobres y dependían de sus diplomas para su subsistencia. Se encontraron con el golpe formando un gremio y compartiendo entre ellos las comisiones que pudieran obtener. En 1870 fueron aún más lejos y formaron una sociedad que llamaron " Los vagabundos " ( Peredvizhniki ) (Society for Itinerant Art Exhibitions). Sus miembros debían mudarse de un lugar a otro exhibiendo sus obras, con la esperanza de que así pudieran hacer que Moscú y las provincias se unieran a San Petersburgo para tomar un interés activo en el arte. Al elegir temas sociales o políticos para sus fotos, esperaban al mismo tiempo hacer que su público tuviera una mentalidad política.

Los Wanderers , aquellos que simpatizaban con ellos sin ser miembros activos de la sociedad y aquellos que, aunque solo se veían afectados indirectamente, sin embargo se inclinaban a convertirse en artistas de "Propósito", se pueden dividir en cuatro grupos. Hubo personas como Ivan Kramskoy (1837-1882), su primer líder, o Victor Vasnetsov (1848-1926) y Michael Nesterov (muerto en 1862), quienes se concentraron en temas eslavos; hubo seguidores de Vereshchagin , Repin y Surikov , quienes eligieron temas históricos; otros, como Vasily Perov y Alexander Makovski (1869-1915), se convirtieron en pintores de género; finalmente, pintores como Isaac Levitan (1861-1900), Arhip Kuinzhi y el pintor marino, Ivan Ayvazovski (187-1900), se centraron en temas y paisajes naturalistas.

El trabajo de The Wanderers se vio empañado por su deseo de hacer proselitismo. Por lo tanto, su líder virtual, Kramskoy, (se dice) se volvió demasiado cerebral y poco emocional para lograr grandes cosas; su mente estaba demasiado afectada por Dostoievski, sus sentimientos no lo eran tanto. Su trabajo carecía de contundencia y, a pesar de su preocupación por los males de la época, no despierta sentimientos profundos en el espectador. Sin embargo, Ivan Kramskoy siempre mantendrá su lugar en la historia de la pintura rusa, especialmente como uno de sus mejores retratistas – cuya perspectiva caracterizó el tercer cuarto del siglo XIX. También produjo algunos sobresalientes Arte cristiano , incluyendo: Cristo en el desierto (1872, Galería Tretyakov, Moscú) y Risa ("¡Salve, Rey de los judíos!") (1882, Museo Ruso, San Petersburgo).

Nesterov tenía las características de un destacado pintor paisajista, pero su determinación de señalar una moral arruinó sus imágenes. Además, sus figuras son sentimentales y poco convincentes, y solo oscurecen los hermosos paisajes en los que se encuentran.

Vasnetzov era un artista más talentoso que ninguno de los dos, pero su trabajo nuevamente se vio empañado por la ausencia de espontaneidad y pasión, así como por su pobre ojo para el color.

Vasily Vereshchagin (1842-1904)

Trabajando en simpatía con The Wanderers , pero aliado también con los seguidores de Venetsianov, fue el más famoso Vasily Vereshchagin . De nacimiento gentil y educación occidentalizada, sus simpatías eran con los eslavófilos, sin embargo, tenía un estudio en París y pasó gran parte de su tiempo allí. Aunque una visita a la India lo llevó a experimentar con el color, no se vio afectado, posiblemente incluso sin darse cuenta, de las investigaciones de Degas, Monet y Manet en el mismo campo; sin embargo, aun así, sus propios logros dieron como resultado la importancia de este tema para muchos de sus colegas rusos. Como artista de guerra, Vereshchagin participó en el asedio de Samarcanda y la campaña de los Balcanes. La severidad de la guerra fortaleció sus tendencias realistas y lo convirtió en un artista moderado y sensible, aunque definitivamente un artista "moralizante". A veces sus dibujos y la construcción de sus imágenes no son interesantes, pero su sinceridad fue tan grande y sus sentimientos tan profundos que muchas de sus imágenes de guerra siguen siendo conmovedoras incluso ahora, seguramente una prueba de su mérito intrínseco. En su día, estas imágenes atrajeron a grandes multitudes, incluidos los campesinos, e hicieron más que las obras de cualquier otro artista individual para desarrollar el interés del pueblo ruso en arte fino .

Ilya Repin (1844-1930)

Aunque menos popular en su atractivo, Ilya Repin (1844-1930) fue en realidad un artista de mayor originalidad. Tenía, de hecho, tanto el talento como el temperamento necesarios para convertirse en una figura destacada en el arte de Europa, pero fue su desgracia haber nacido durante el período más aburrido de la pintura rusa, en un momento en que una tradición académica moribunda todavía era en control rígido. Además, carecía del vigor que permitía a los escritores y músicos rusos liberarse de este espíritu estancado, y, por más que lograra su trabajo, nunca fue emocionante. Sin embargo, dos de sus pinturas merecen una mención especial: su estudio de Iván IV en el momento de matar a su hijo y su pintura Cosacos Carousing después de enviar al sultán una nota burlona . En el primero de ellos, el horror de Ivan por el sufrimiento de su hijo es un estudio penetrante del dolor humano frente a la violencia, mientras que en el segundo, la representación de los cosacos está llena de perspicacia psicológica.

Vasily Surikov (1848-1916)

Estas obras fueron muy admiradas en su época, pero no influyeron en los pintores contemporáneos en la misma medida en que lo hicieron los pintores. pintura de historia de Vasily Surikov . Surikov no seleccionó ningún evento importante en la historia de Rusia como tema, pero eligió temas que enfatizaban el coraje de las personas enfrentadas por grandes dificultades. Esta elección fue en sí misma una novedad, e interesó profundamente a los contemporáneos de Surikov. Una suave melancolía impregna su trabajo; pero, como también es vigoroso y directo, no tiene nada de sentimental. Su gama de colores es variada y vívida, e influyó considerablemente en las paletas del grupo de pintores World of Art . Surikov era una persona demasiado seria y autosuficiente para unirse a un grupo, pero hizo todo lo posible para alentar a los pintores más jóvenes a liberarse de la interpretación limitada de la pintura de The Wanderers , e incluso a los artistas maduros que estaban más cerca de él: los hombres. como Repin y Vasnetsov, incluso Levitan y Serov, se vieron notablemente afectados por sus logros. Junto con Repin, Surikov sigue siendo uno de los mejores pintores de historia de la escuela rusa.

Isaac Levitan (1860-1900)

Entre el mejores paisajistas en el siglo 19 Rusia eran Isaac Levitan - sobre quien la influencia del gran naturalista Ivan Shishkin (1831-1898) ("Zar del bosque") se ve claramente. Levitan heredó de Shishkin un profundo amor por el campo ruso, y de Arkhip Kuindzhi (1842-1910) una técnica nerviosa, casi impresionista, admirablemente adecuada para expresar el delicado color de la vegetación rusa. Además, Levitan fue afectado por los franceses. Escuela de pintura de paisajes de Barbizon , del cual era un admirador cálido. Su trabajo mostró una gran calidad imaginativa y expresa algo de la fascinación irresistible del paisaje espectacular y sutilmente encantador de Rusia.

Levitan se esforzó constantemente para mejorar su trabajo, su textura, línea y color; terminó por lograr un verdadero dominio. En palabras de Alexander Benois, Levitan "dio el encanto inexplicable de nuestra humilde pobreza, la amplitud sin costas de nuestras extensiones virginales, la tristeza festiva del otoño ruso y el enigmático llamado de la primavera rusa. No hay seres humanos en sus imágenes., pero están impregnados de la profunda emoción que inunda el corazón humano cara a cara con la santidad del conjunto ".

Valentin Serov (1865-1911)

Otro destacado exponente de pintura de paisaje estaba Valentin Serov , un alumno de Repin. Su genio era de primer orden, y su concepción de la belleza era particularmente entusiasta. Sobre todo, sintió profundamente y expresó con sorprendente claridad el espíritu y la cultura muy individual de Rusia. Sus paisajes son tan realistas, tan poéticos y tan reveladores como los de Eugene Boudin (1824-98); (ver: Características de la pintura impresionista. ) su mejores pinturas de retratos son tan hermosos y vívidos como los de Renoir (1841-1919). Su valor histórico es especialmente grande, ya que, independientemente de su distanciamiento personal y sus puntos de vista liberales, todos los de importancia en la Rusia zarista se sentaron para Serov, pero ninguna de las pinturas resultantes tiene nada del retrato oficial al respecto; cada uno es un documento sincero e iluminador.

Michael Vrubel (1856-1910)

El tercer gran individualista de la época, Mikhail Vrubel , fue un genio curioso, trágico, pero profundamente inspirado. Experimentó algo más intenso que, sin embargo, similar a las extrañas imaginaciones de William Blake, aunque era un artista mucho mayor. Sus apasionadas pinturas religiosas, con su asombrosa habilidad técnica y su turbulenta tensión, se encuentran entre las obras maestras del mundo; son tan convincentes, tan emocionantes como los de El Greco. Sus obras imaginativas, por ejemplo, su imagen de " Pan ", suenan tan verdaderas y tan conmovedoras como sus magníficos retratos, tan ardientes como sus esculturas extremadamente consumadas, tan extáticos como su trabajo teatral. Toda su producción está impregnada de su genio, su idealismo, sus apasionadas vestimentas después de la perfección. Su personalidad era demasiado compleja y su arte demasiado individual como para resultar en seguidores, pero por esta misma razón la suya es con los gigantes de la pintura europea del siglo XIX. Su genio no era menos que el de ellos, aunque, como el de Van Gogh, su espíritu era más profundamente atormentado. A diferencia de Van Gogh, sin embargo, incluso la más agonizante de sus alucinaciones se transformó en visiones por su espiritualidad innata. Vrubel fue profundamente apreciado por sus contemporáneos, quienes, aunque no estaban dispuestos a imitarlo, eran plenamente conscientes de la asombrosa belleza de su trabajo.

Otros pintores rusos destacados de mediados / finales del siglo XIX incluyen: el pintor de género realista crítico Konstantin Savitsky (1844-1905), el paisajista rústico Vasily Polenov (1844-1927) y el pintor de género colorista Abram Arkhipov (1862-1930).

Mientras tanto, varios artistas más jóvenes se agrupaban en torno a tres jóvenes sobresalientes. Dos de ellos – Leon Bakst (1866-1924) y Alexander Benois (1870-1960) – fueron pintores, el tercero, Sergei Diaghilev (1872-1929), un joven amante de las artes, pronto presentaría a Europa lo mejor en pintura, música y baile rusos : a saber, su Ballets Russes compañía de ballet Estos jóvenes se oponían a las tendencias naturalistas de la pintura rusa del siglo XIX; pero, aunque estaban profundamente impresionados por Impresionismo francés , no estaban de ninguna manera subordinados a ella, ya que consideraban esencial que cada pintor siguiera su propio camino individual, siempre que observara la ley esencial, "Arte por el arte".

Savva Mamontov (1841-1918)

Sus puntos de vista y sus obras atrajeron la atención de un moscovita notablemente exigente llamado Savva Mamontov (1841-1918). De profesión comerciante, era por temperamento un mecenas del arte en la escala del Renacimiento, y se convertiría en uno de los patrocinadores más destacados del arte en un país que tenía una deuda sorprendente con la generosidad de los individuos. coleccionistas de arte . En esta fecha, sin embargo, Mamontov estaba especialmente atraído por el escenario, ya que el teatro ruso estaba entrando en su mejor momento. Mamontov se construyó un teatro privado en Moscú y encargó el escenario y el vestuario para sus producciones a los pintores progresistas más destacados de su época. En 1882 le pidió a Viktor Vasnetsov (1848–1926) que ejecutara el escenario de su producción "Little Snow White"; en 1885 le encargó el ballet "The Nymph", y un poco más tarde para "The Snow Queen".

Los colores brillantes de Vasnetsov, las líneas sinuosas y su evitación de la trompe l’oeil Al principio desconcertó al público, aunque su trabajo causó una impresión inmediata en sus colegas. En particular, su escenario para "The Snow Queen" hizo más que nada para popularizar el cuento de hadas ruso, y su efecto tanto en arte decorativa y en pintura de caballete era considerable. De este modo, despertó un interés por los temas rusos en las mentes de dos de los pintores más destacados a principios de siglo, Konstantin Korovin (1861-1929) y Alexander Golovin (1863-1930); mientras que otros dos, D. Steletski e Ivan Bilibin (1876-1941), se dedicaron casi por completo a ese trabajo, al que siguieron en la década de 1920 Natalia Goncharova (1881-1962) y Michael Larionov (1881-1964), los inventores del rayonismo, que fueron conducidos de regreso por Rusia arte popular al estilo bizantino. Los cuentos de hadas también sirvieron a Helen Polenova , Berthe Morisot de Rusia y Mary Yakunchikova (1870-1903), como un punto de partida para explorar sus campos verdes, los bosques y los patéticos cementerios pequeños e iglesias del pueblo en que muchos de los cuentos de hadas desarrollan. Y esto llevó al gusto por esas románticas casas señoriales en descomposición, con sus huertos cubiertos de vegetación y sus habitaciones desoladas, con los muebles envueltos en láminas de polvo, que forman el escenario de gran parte del trabajo de Turgenev. La influencia de Mary Yakunchikova en Dobuzhinski y en Alexander Benois, que ha reaccionado rápidamente ante la ’poesía nostálgica de tales escenas, no puede descartarse por completo, en cualquier caso en lo que respecta a la elección del tema.

Pero para volver a las empresas teatrales de Mamontov. Después de Vasnetsov, Mamontov recurrió a Korovin y Golovin para el paisaje, el primero produciendo eso para "Aida". Sus esquemas de color milagrosos desplegaron encantamientos inimaginables. Los colores de Korovin eran sutiles, pero tan armoniosos y combinados con un sentido del estilo tan soberbio que no se ofende si tiende a subordinar su efecto escénico a lo pictórico. Para 1917 Korovin había producido el escenario y el vestuario para ochenta óperas, treinta y siete ballets y diecisiete obras de teatro. Todo fue excelente, pero las numerosas pinturas de caballete de Korovin son apenas inferiores a su trabajo en el escenario. Las predilecciones de Golovin por la plata y el blues le dieron a sus escenarios la fluidez de la música, y pasó desapercibido si su escenario se inclinaba por estar abarrotado. Su escenario para "Las mujeres de Pskov" y para "Ruslan y Lyudmila" lo estableció como uno de los decoradores más destacados de su época.

Otros artistas también fueron atraídos irresistiblemente al escenario, que parecía estar proporcionando al arte ruso un ancla muy necesaria. Vrubel fue uno de los primeros en sucumbir a su fascinación, en sus escenarios opalescentes para "La princesa del cisne" y "La reina del mar"; A pesar de su carácter efímero, merecen clasificarse como equivalentes rusos de los nenúfares de Monet.

Nota: Para obtener una explicación de algunas de las grandes obras rusas, consulte: Análisis de pinturas modernas (1800-2000).

The World of Art Association of Artists: Stage Scenery for the Ballet

Las empresas de Mamontov casi lo arruinaron, y se vio obligado a cerrar su teatro, pero en 1898 se unió al Príncipe Tenishev para financiar la producción de una publicación periódica titulada El mundo del arte ( Mir Iskusstva ), publicada por una asociación informal de artistas rusos del mismo nombre. Fue editado por Sergei Diaghilev , asistido por Bakst y alentado por Alexander Benois. El periódico abarcaba todo el campo de Art º , aunque no fue hasta su tercer año que los asuntos teatrales se trataron en sus columnas.

La erudición de los artistas de The World of Art combinada con el glamour de sus pinturas y el éxito estético de las producciones teatrales de Mamontov y, sobre todo, los notables talentos promocionales de Diaghilev, sirvieron para obtener el apoyo de Telyakovski, el Director de los Teatros Imperiales. en moscú Simultáneamente en San Petersburgo surgió un nuevo entusiasmo, primero bajo el Director de los Teatros Imperiales de San Petersburgo, Vsevolozhski , y luego bajo su sucesor, el Príncipe Volkonski . Vsevolozhski era un hombre de excepcional sensibilidad y habilidad, y mientras controlaba los teatros imperiales (esto fue en la década de 1880) el ballet ruso alcanzó su nivel más alto. En sus "Reminiscencias del ballet ruso" (Putnam, 1941) Alexander Benois escribe: "Me considero particularmente afortunado de que en un momento en que el alma tiene sed de impresiones vivificantes en el arte, debería haber encontrado nuestro ballet de San Petersburgo en su mejor momento. cenit. Su eflorescencia fue posible gracias a una sorprendente combinación de elementos: el delicado sentido del arte de Vsevolozhski, el genio ardiente de Virginia Zucchi, la imaginación creativa de Petipa, el floreciente estado de la Escuela Imperial de Teatro y, por último, la preparación de un compositor como Tchaikovsky (1840-93) para poner su genio a disposición del teatro.

El príncipe Volkonski fue apenas menos exigente, y fue él quien a principios de siglo intentó Bakst en "Le Coeur de la Marquise" y Benois para el escenario de una ópera de un solo acto, ambos realizados para la familia imperial. en el teatro Hermitage.

A principios del siglo XX, Telyakovski reemplazó al Príncipe Volkonski en San Petersburgo, y aunque no fue un innovador por temperamento, extendió el reconocimiento oficial de la Junta de Benois y Bakst al encargar el escenario para "Le Pavilion d ’Armide" de Benois en 1907 y para "Hipólito" y "Edipo" de Bakst, pero, aun así, el patrocinio de la Junta de artistas más jóvenes no fue extenso. Sin embargo, aunque el arte teatral carece de estética En cuanto a la pintura de caballete, las comisiones de Telyakovski dieron tanta notoriedad a estos artistas que abarcó sus pinturas de caballete y su trabajo en el escenario. Aun así, su renombre probablemente se habría limitado a Rusia si Sergei Diaghilev no hubiera decidido en 1909 familiarizar el arte ruso con Europa occidental mediante la organización de una temporada de Ballet y Ópera rusos en París.

El paisaje que trajo con él; Todo, obra de pintores del Mundo del Arte , revolucionó el escenario francés, disipando con sorprendente violencia la gama de colores pálidos y nebulosos que Baudelaire, Verlaine, Oscar Wilde y sus amigos habían puesto de moda.

Los escenarios rusos estaban marcados por sus tonos brillantes y una iluminación clara y completa, donde los colores en realidad equilibrados, moderados y dominados parecían a primera vista correr en disturbios casi incontrolados. La vitalidad de las producciones de Diaghilev rápidamente barrió a París del eduardianismo. Midinettes y conserjes se llevaron, así como la sociedad. El eslavo se convirtió en la moda, cualquier cosa en el estilo del ballet ruso estaba de moda, y pronto todas las tiendas, desde el "gran modista" hasta el pañuelo local, vendían prendas brillantes, cuyos colores se volvieron cada vez más llamativos, en su intento de emular los rusos, ya que se extendieron entre el gran público de la ciudad.

Todavía se asume con frecuencia hoy que este logro de los rusos fue el resultado de un sentido innato de color lo que les permitió producir efectos finos sin pensar mucho en el asunto. Los rusos, sin duda, tienen un buen ojo para los esquemas de color sutiles, pero no había nada sin considerar en el trabajo de los pintores de The World of Art . Pensaron sus esquemas de color con un cuidado meticuloso, y otorgaron tanta importancia a la forma y la línea en su concepción del diseño escénico como al color. Vrubel, es cierto, había enfatizado la importancia del color en y para sí mismo; pero, posiblemente debido a sus notables dones como escultor, un profundo sentimiento por la forma básica subyace a su trabajo. Los otros eran todos dibujantes de líneas de habilidad sobresaliente. Bakst, por ejemplo, un dibujante de primera clase, insistió en que el escenario no debe crear una impresión ficticia, sino que debe basarse en el realismo, lo que implica la importancia fundamental de la forma. Su poder, de hecho, radica en su sentido de línea y forma tanto como en su sentido del color, y si no hubiera dedicado su atención al escenario seguramente debió haber recurrido arte Grafico . Fue el amor por el teatro lo que lo llevó a utilizar su buen ojo para el color; básicamente se basó implícitamente en la línea, y en todos sus bocetos y dibujos terminados, los magníficos colores se aplicaron más a la manera de un decorador que a un pintor, es decir, colocó los colores en plano y no hizo ningún esfuerzo por ocultar su dibujo por variaciones en el tono. El veredicto de la posteridad muestra que Bakst fue quizás el mejor artista decorativo de todos los tiempos. Por lo tanto, es interesante examinar su método. Para él, el escenario tenía que presentar una imagen tan convincente y fascinante como al instante para transportar al espectador del mundo cotidiano al de la imaginación. Esto hizo necesario que cada detalle del escenario se estudiara cuidadosamente y se mantuviera en completo acuerdo con el espíritu de la producción. De hecho, el espíritu de la época tenía que estar tan altamente concentrado que la reconstrucción parecía natural, pero al mismo tiempo el escenario tenía una diferencia tan completa de la vida ordinaria que parecía su quintaesencia; tenía que ser real pero inusual, habitable pero inalcanzable.

El logro de esto requirió poderes inusuales en los artistas, ya que era esencial que debían ser cultivados, incluso aprendidos, que debían tener un sentido del período desarrollado y, sin embargo, estas cualidades tenían que tener como base talento, imaginación y sensibilidad.. Se requería algo similar a los atributos universales de las grandes figuras del Renacimiento, y los miembros del grupo The World of Art poseían estos atributos en un grado notable; muchos de ellos estaban tan en casa con la pluma como con el pincel, y publicaron artículos y libros de primera importancia, enriqueciendo simultáneamente el arte y la cultura rusos.

Alexander Benois (1870-1960) y otros

La principal de estas personalidades talentosas fue Alexander Benois , cuyas pinturas de caballete (y escenografías) ya se han mencionado. La mayoría de estos son paisajes, generalmente acuarelas de un tamaño excepcionalmente grande para pinturas en este medio; están entre las mejores fotos de nuestra época. Magníficamente construidos, seguramente dibujados y muy sensibles, sus colores recrean el mismo aire en el que se bañan. Cada uno es fragante con el carácter del día en que fue pintado y con el carácter particular del paisaje. El desarrollo de Benois no fue detenido por la revolución; Estableciéndose en Francia, continuó avanzando hacia la perfección con pasos cada vez más largos. Sus paisajes de Versalles y Rambouillet son tan poéticos, tan evocadores, tan recreativos de sus temas como sus bellas imágenes de San Petersburgo y su cinturón de palacios. Sin duda, esto es prueba de un verdadero genio: poder seguir evolucionando así sin desviarlo, aunque trasplantado del entorno nativo que primero despertó y alimentó el espíritu creativo del artista.

Benois apenas cede a Bakst en su comprensión del teatro. Sin embargo, a diferencia de Bakst, recurre menos a colores contrastantes o efectos sorprendentes. Sus mejores obras escénicas, "Pavillon d ’Armide" o "Petrushka", por nombrar solo dos, están en su mayor parte ambientadas en el siglo XVIII, y tal es su sentido del período que estas recreaciones no solo son deliciosas en sí mismas, sino que también También agregue a nuestro conocimiento de esa época. No tienen nada del espíritu algo reconstructivo aparente a veces en las imágenes del siglo XVIII por ese excelente retratista, pero menos sensible pintor de composiciones imaginativas, C. Somov, o en el atractivo paisaje de Sert.

Mstislav Dobuzhinski solo comparte la extraña habilidad de evocar de Benois en lugar de imaginar el pasado, y su exquisito escenario para la producción del Teatro de Arte de Moscú de "Un mes en el país" no solo es completamente satisfactorio artísticamente, sino también el epítome de la época. muestra. Sus puntos de vista sobre San Petersburgo son casi tan sugerentes como los de Benois.

George Lukomski , arquitecto de formación; También fue un destacado pintor arquitectónico. Sus cuadros de Kiev y sus dibujos de Pavlovsk y de Tsarskoe Selo son arquitectónicamente exactos y al mismo tiempo esencialmente pictóricos.

Nicholas Roerich (1874-1947) fue otro miembro de este notable grupo. Aunque era esencialmente un pintor de caballete, y uno de prestigio de primer nivel, también debía crear paisajes excelentes e introducir una nueva gama de colores en el teatro. Al igual que Benois y Dobuzhinski, un amante del pasado, su preferencia era un pasado más remoto, y fue a la edad nómada más lejana a la que recurrió, basándose en su conocimiento de Hither Asia por los colores que usaba con tan excelente efecto, especialmente en su escenario para las danzas de Polovtsian del "Príncipe Igor".

El interesante arte de Goncharova, del cual sus paneles decorativos, sus cuadros y sus escenarios para ballets tan diferentes como el vívido "Coq d’Or" o el austero "Les Noces" proporcionan ejemplos igualmente buenos, encontró su inspiración en Pintura medieval rusa . De hecho, su arte esencialmente moderno y vital es casi un retorno a Arte bizantino , y ciertamente sirve como un enlace con ese arte tradicional ruso que aún encuentra expresión de una forma u otra en las obras de Sudeikin y B. Kustodiev , Basil Shukhaev .

El primer retratista de este grupo, Saveli Sorin, podría ser comparado con Sargent, aunque su lápiz es más delicado, su sentido del color mucho más sutil y su penetración infinitamente mayor. Sus retratos son cuadros exquisitos, que recuerdan el refinamiento de la sociedad altamente culta, a veces casi efímera, de la Rusia zarista.

Todos estos artistas, con la excepción de Sorin, que se concentró en el retrato, han dedicado gran parte de su tiempo al arte gráfico. Bakst , Somov y en particular sobresalieron en viñetas, pergaminos y capítulos, mientras que Bilibin y Stelletsky produjeron excelentes ilustración para cuentos de hadas y leyendas rusos. Todos han ayudado a transmitir las bellas tradiciones del arte gráfico, que heredaron de la época de Pedro el Grande, a los artistas soviéticos, que hoy se suman a sus glorias al producir litografías, grabados, grabados en madera y grabados del más alto nivel.

Artistas rusos emigrantes del siglo XIX

Varios pintores (y escultores) altamente talentosos crecieron y se formaron en Rusia hacia fines del siglo XIX, antes de abandonar el país para establecerse en Francia, Alemania o Estados Unidos. Tales figuras incluyen los famosos expresionistas Alexei von Jawlensky (1864-1941) y Wassily Kandinsky (1866-1944), así como los más jóvenes Marc Chagall (1887-1985) y el artista de la Ecole de Paris Chaim Soutine (1893-1943).

Se pueden ver ejemplos de pintura rusa del siglo XIX en algunos de los mejores museos de arte en el mundo.

Recursos adicionales

Para más artículos sobre arte ruso, vea lo siguiente:

Novgorod School of Icon Painting (c.1100-1500)
Teófanes el griego (c.1340-1410)
Andrei Rublev (Iconógrafo) (c.1360-1430)
Dionisio (Pintor de iconos) (c.1440-1502)
Escuela de pintura de Moscú (c.1500-1700)
Arte petrino (c.1686-1725)
Escultura rusa (c.1740-1940)