Arte barroco español Traductor traducir

Al igual que en los Países Bajos, la época barroca del siglo XVII fue la edad de oro de la pintura española . Liberados de la mayoría de los elementos italianos y auspiciados por una Iglesia católica intransigente - fuertemente apoyada por los piadosos emperadores Habsburgo - los pintores barrocos españoles adoptaron el estilo duro y noble del arte católico de la Contrarreforma, que combinaba línea y color, así como grafismo y pintura, e incorporaba un sentido de la observación tan agudo que ninguna otra época o estilo del arte cristiano pudo superarlo en veracidad. Fue la escuela española, junto con los maestros del barroco holandés en Holanda, la que condujo eficazmente la pintura europea por el camino del realismo naturalista .

Al igual que los artistas flamencos y holandeses, los pintores barrocos españoles -especialmente Ribera - también estuvieron muy influidos por Caravaggio y utilizaron abundantemente el tenebrismo y el claroscuro, aunque no en aras de un esteticismo teatral, sino más bien para crear un sentido más agudo del drama. En sus filas había varios maestros de la pintura de género, el retrato y las escenas religiosas, como Murillo, y entre ellos destacados intérpretes del ascetismo y la espiritualidad de la cultura española como Zurbarán . Y, por supuesto, el incomparable Velázquez .

En cuanto a la temática, el arte bíblico siguió predominando, pero el mecenazgo católico de los Habsburgo también financió numerosos retratos reales, así como pinturas de acontecimientos históricos y escenas de género. Las principales escuelas de pintura barroca en España fueron las de Madrid y Sevilla, la primera de las cuales gozó del mecenazgo de la corte. Otras escuelas estaban activas en Valencia y Toledo .

Barroco temprano español

Uno de los primeros representantes del nuevo realismo español fue el importante tenebroso y caravaggista catalán Francisco Ribalta (1555-1628), que trabajó en Madrid y Valencia. Conocido por sus trazos audaces y libres, tenebrosos y claroscuros, acentuaba el modelado escultórico de sus formas mediante el contraste de luces y sombras. Zurbarán fue uno de los artistas influidos por él.

Ribera

Jusepe Ribera Jusepe Ribera (1591-1652) fue el primer gran pintor español que adoptó el nuevo estilo naturalista del arte religioso preconizado por Caravaggio. Se dio a conocer como autor de pinturas religiosas, caracterizadas por un gran realismo en el modelado, sobre todo de los tonos corporales de sus santos, y una marcada preferencia por los temas dramáticos, como muestran su «San Andrés» (1630-32, Prado, Madrid) y «Martirio de San Bartolomé» (1630, Prado).

Su estilo evolucionó desde un temprano énfasis en el caravaggismo, pasando por un periodo de experimentación con la luz plateada, hasta una etapa de madurez marcada por los tonos cálidos y dorados. Uno de sus cuadros más bellos es «La Sagrada Familia con Santa Catalina» (1648, Metropolitan Museum of Art, Nueva York).

Nota: A principios del siglo XVII, Nápoles, bajo dominio español, era la segunda metrópoli más grande después de París, con una población de 450.000 habitantes, muy superior a la de Roma, Milán o Florencia. Con más de 3.000 iglesias y monasterios, era un importante centro de arte religioso. La Escuela Napolitana de Pintura fue fundada (y controlada en gran medida) por Ribera y sus secuaces. Para más detalles, véase: La pintura en Nápoles (1600-1700). Sobre la deuda de Ribera con el caravaggismo, véase: Caravaggio en Nápoles (1607, 1609-1610).

El Greco

En Sevilla la pintura evolucionó rápidamente del clasicismo renacentista al naturalismo barroco, ejemplificado por las obras de Francisco Pacheco (1564-1644), Juan de las Roelas (1560-1625) y Francisco de Herrera el Viejo (1595-1656). En el Toledo del cambio de siglo la influencia dominante fue la de El Greco (1541-1614). Su más cercano seguidor fue el eminente pintor Luis Tristán (1585-1624), que acentuó los aspectos tenebristas de la obra de El Greco. Otros artistas toledanos fueron Pedro Orrente (1570-1645), seguidor de Ribalta, Juan Bautista Maino (1578-1649), que llegó a ser maestro de dibujo de Felipe IV, y Juan Sánchez-Cotán (1560-1627).

Velázquez

La cumbre de la pintura barroca en España se alcanzó en la persona de Diego Velázquez (1599-1660). Para Velázquez, la manera de Caravaggio era sólo un punto de partida. En sus cuadros, la luz se manipula para recrear «el realismo óptico» a través de los efectos de diferentes tonalidades: es decir, la reproducción de una realidad que no corresponde a los pelos de una barba o a la textura de una tela, como pretendían los pintores renacentistas, sino a lo que ve el ojo, a la impresión general que tenemos cuando miramos algo.

Los cuadros de Velázquez utilizan la luz del mismo modo que dos siglos antes los artistas habían utilizado la perspectiva, para hacer tangible el espacio. Las zonas de luz y sombra se alternan para crear la ilusión de un lugar en el que las figuras no están pintadas, sino realmente «situadas». Estas figuras están pintadas con pinceladas amplias y flexibles para delinearlas claramente sin entrar en detalles realistas. Se trata de la misma técnica utilizada por los impresionistas franceses del siglo XIX. La similitud no es casual: Velázquez también parecía indiferente al contenido de lo que pintaba, los grandes temas religiosos, por ejemplo, que tanta importancia tenían para sus contemporáneos. En cambio, toda su atención se centraba en la pintura, en su oficio.

Conocido por sus dibujos del natural, incluso sus primeras obras se caracterizan por un empaste denso, un colorido sobrio, generalmente ocre y marrón, y una composición natural sencilla. Su primera gran obra maestra realizada en este estilo es «El copero de Sevilla» (1618-22, Apsley House, Londres), mientras que otras son «La vieja friendo huevos» (1618, National Gallery of Scotland, Edimburgo), «Cristo en casa de María y Marta» (1620, National Gallery, Londres) y La cena de Emaús (1620, Metropolitan Museum of Art, Nueva York) pertenecen a su primera época, al igual que una serie de retratos, ejecutados en su mayoría a la manera limitada de los tenebristas, sin dar una importancia exagerada a los contrastes entre la oscuridad y la luz.

En 1623 Velázquez se convirtió en el retratista oficial de Felipe IV y de la alta nobleza. Entre 1623 y 1629 realizó varias obras con fondos grises, lo que indica su liberación de la fórmula tenebrista. «Triunfo de Baco» (Los Borrachos, «Los Vergers») (1629, Prado) pertenece a este periodo. En 1632 realizó «Cristo Crucificado» (Cristo en la Cruz) (1632, Prado), obra de singular serenidad y sencillez.

A medida que perfeccionaba su arte, revelaba una mayor precisión en los contornos y una mezcla aún más fina de tonos y colores. Una de sus mejores pinturas barrocas de esta época es «La rendición de Breda» (Las Lanzas) (1634-35, Prado) para el Salón de los Reyes del Palacio del Buen Retiro de Madrid.

Durante los años siguientes Velázquez se concentró principalmente en el retrato - véase. sus Felipe IV a caballo (1634-35, Prado) y El príncipe Baltasar Carlos a caballo (1635-36, Prado) - y pinturas temáticas como El enano de Francisco Lezcano («El Niño de Vallecas») (1643-45, Prado). También ejecutó varias obras religiosas, entre ellas la magnífica «Coronación de la Virgen» (1645, Prado). Durante un viaje a Italia en 1649 pintó su obra maestra «Retrato de Inocencio X» (1650, Galleria Doria-Pamphili, Roma), y durante su último periodo (1651-1660) pintó Venus ante el espejo (Venus de Rokeby) (1649-51, National Gallery, Londres) y Las Meninas o La familia de Felipe IV (1656-57, Prado).

Si comparamos brevemente «la Venus de Rokeby de Velázquez» con pinturas similares del Alto Renacimiento, podemos ver hasta qué punto cambió la percepción artística de la realidad a lo largo del siglo. En «Venus de Rokeby», la Bella da impasiblemente la espalda al observador, mientras Cupido sostiene un espejo frente a ella. El espejo ya era un recurso conocido, utilizado a menudo en las villas romanas y en los palacios del Barroco para crear una impresión de amplitud. Su iluminación ambigua y su refracción realzan el efecto pictórico de esta técnica. En lugar de la calma marmórea de la clásica Venus dormida «de Giorgione» (c. 1510) o de la Venus de Urbino» de Tiziano «(1538), la Venus» de Rokeby «nos presenta un estudio del desnudo encantador pero totalmente humano y no divino. En este sentido, Velázquez fue un hijo de su época, el Barroco

No es de extrañar que Velázquez fuera un seguidor difícil. Aparte de seguidores como Juan de Pareja (1610-1670), Francisco de Palacios (1617-1676) y Juan Bautista Martínez del Mazo (1615-1667), los artistas de la escuela madrileña favorecieron un barroco más ligero al estilo de Rubens.

Zurbarán

Francisco de Zurbarán (1598-1664), fusión de ascetismo extremeño y elegancia andaluza, utilizó el naturalismo y el claroscuro extremo, lo que le convirtió en el más sobrio y puro de los pintores barrocos españoles. En los años 20 y 30 pintó varias composiciones para diversas órdenes monásticas, como los Mersedarios y los Jerónimos, ejemplificadas en «Casa de Nazaret» (1630, Museum of Art, Cleveland).

En el proceso, se convirtió en un maestro del dibujo de figuras solitarias, incluyendo santos con los ojos levantados hacia el cielo. Sin duda, su arte debió de beneficiarse enormemente de su piedad personal y devoción religiosa, como tal vez ilustre «San Lucas como artista ante Cristo en la Cruz» (1660, Prado), para el que él mismo pudo haber sido el modelo.

Murillo

Dentro de la Escuela de Sevilla Bartolomé Esteban Murillo (1618-1682) representa la cumbre de la elegancia y la delicadeza, y, hay que decirlo, la mayor entrega al sentimiento popular. Al principio estuvo fuertemente influido por los maestros antiguos, como Ribera y Zurbarán, y más tarde tomó prestado de Van Dyck, Rubens y Rafael.

Desarrolló su propio estilo ligero y vaporoso - estilo vaporiso -, con contornos suaves, colores delicadamente elegidos y un velo de luz dorada y plateada: un estilo que inspiró a muchos imitadores y seguidores. Además de las obras religiosas, se especializó en la pintura de género de vagabundos y mendigos, ejemplificada en «El joven mendigo» (1645, Musée du Louvre, París) y «Muchachos comiendo uvas y melón» (1645-46, Alte Pinakothek, Múnich). Otra obra temprana importante es «La cocina de los ángeles» (1646, Louvre, París). A partir de 1660, año en que fue cofundador de la Academia de Bellas Artes de Sevilla, impartió numerosas clases. Un ejemplo de su obra posterior es «Inmaculada Concepción» (1678, Prado).

Juan de Valdés Leal

Tras la muerte de Murillo, Juan de Valdés Leal (1622-1690) se convirtió (1622-1690) en el principal pintor de Sevilla. Aunque, como Murillo, fue ante todo un pintor religioso, Valdés Leal fue más dramático, más teatral, más macabro y más excitable: su obra se caracteriza por un vivo sentido del movimiento y colores brillantes. En muchos aspectos fue un precursor del Romanticismo.

Sus obras más conocidas son dos alegorías de la muerte en el Hospital de la Caridad de Sevilla - «En el instante del ojo» (1671) y «El fin de la gloria mundana» (1672). Otras obras importantes son «Asunción de la Virgen» (1659, National Gallery of Art, Washington) y «Cristo llevando la cruz» (1660, Hispanic Society, Nueva York). En los últimos años de su vida, Valdés Leal realizó numerosos ciclos de pinturas para iglesias, conventos e instituciones filantrópicas, incluida una serie de escenas que ilustran la vida de san Ignacio (1674-1676) para los jesuitas.

En el siglo XVII se desarrolló en Madrid el barroco español bajo la influencia de Velázquez y del polifacético escultor, pintor y arquitecto Alonso Cano (1601-1667), apodado «el Miguel Ángel español». (Véase también el escultor Juan Martínez Montañez, 1568-1649).

Otros representantes interesantes del Barroco en Madrid son: el muralista Fra Juan Ricci (1600-1681), hijo de un pintor de la escuela boloñesa que vino a España para trabajar en la decoración del Escorial, y Antonio Pereda (1608-1678), creador de varias elegantes pinturas religiosas y composiciones alegóricas. De mayor calidad son las obras del retratista Juan Carreno de Miranda (1614-1685), pintor oficial de Carlos II, sucesor de Felipe IV. Su discípulo Mateo Cerezo (1626-1666) fue un colorista de especial talento, al igual que José Antolínez (1635-1675).

Las obras del Barroco español pueden verse en algunos de los mejores museos de arte del mundo. Para más detalles sobre las colecciones europeas que contienen importantes colecciones de pintura española del siglo XVII, véase: Museos de arte de Europa . Para las colecciones de arte moderno y contemporáneo español, véase: Reina Sofía Madrid .