Arte barroco español Traductor traducir

La edad de oro de la pintura española – Características

Como en los Países Bajos, la era del siglo 17 de Arte barroco fue la edad de oro de Pintura española . Liberado de la mayoría de los elementos italianos y patrocinado por una Iglesia Católica intransigente, fuertemente apoyada por devotos emperadores de los Habsburgo , Artistas barrocos españoles adoptó un estilo severo y noble de Arte de la Contrarreforma católica , que combinaba la línea y el color, así como el gráfico y el pictórico, e implicaba un sentido de observación tan agudo que ninguna otra edad o estilo de Arte cristiano ha podido superarlo en veracidad. Era la escuela de español, en concierto con maestros de la Barroco holandés en Holanda, que efectivamente guió la pintura europea por el camino del realismo naturalista .

Al igual que los artistas flamencos y holandeses, los pintores barrocos españoles, especialmente Ribera , también fueron fuertemente influenciados por Caravaggio uso de la luz, y empleados copiosos tenebrismo y claroscuro , aunque no por un esteticismo teatral, sino para crear un sentido de drama más urgente. Entre sus filas incluyeron varios maestros de pintura de género, de retratos, de escenas religiosas, por ejemplo Murillo , e incluyeron a intérpretes tan destacados del ascetismo y la espiritualidad de la cultura española como Zurbarán . Y, por supuesto, estaba el incomparable Velázquez .

En términos de tema, Arte bíblico continuó predominando, pero el patrocinio de los Habsburgo católicos también financió numerosos retratos reales, así como pinturas de eventos históricos y escenas de género. Las principales escuelas de Pintura barroca en España estaban los de Madrid y Sevilla, los primeros disfrutando del patrocinio de la corte. Otras escuelas operaron en Valencia y Toledo .

Barroco español temprano

Uno de los primeros representantes del nuevo realismo español fue el importante tenebroso y caravagista catalán. Francisco Ribalta (1555-1628), que estuvo activo en Madrid y Valencia. Destacado por su pincel atrevido y suelto, su tenebrismo y claroscuro, hizo hincapié en el modelado escultórico de sus formas al contrastar la luz y la sombra. Zurbarán fue uno de los artistas que fue influenciado por él.

Ribera

Con sede en la lejana Nápoles, Jusepe Ribera (1591-1652) fue el primer pintor español importante en adoptar el nuevo estilo naturalista de arte religioso defendido por Caravaggio. Se hizo conocido por pinturas religiosas caracterizado por modelos muy realistas, en particular los tonos de carne de sus santos, así como una fuerte preferencia por temas dramáticos, como se ilustra en su St Andrew (1630-32, Prado, Madrid), y su Martirio de San Bartolomé (1630, Prado). Su estilo progresó desde un temprano énfasis en caravagismo , a través de un período de experimento con una luz plateada, a una etapa madura marcada por tonos cálidos y dorados. Una de sus pinturas más bellas es La Sagrada Familia con Santa Catalina (1648, Metropolitan Museum of Art, Nueva York).

Nota: A principios del siglo XVII, la ciudad de Nápoles, gobernada por los españoles, era la segunda metrópoli más grande después de París, con una población estimada de 450, 000, muy por encima de Roma, Milán o Florencia. Con más de 3.000 iglesias y monasterios, fue un importante centro de arte religioso. los Escuela napolitana de pintura Fue fundado (y controlado en gran medida) por Ribera y sus secuaces. Para más, ver: Pintar en Nápoles (1600-1700). Para la deuda de Ribera con Caravaggism, vea: Caravaggio en Nápoles (1607, 1609-1610).

El Greco

En Sevilla, la pintura evolucionó rápidamente del clasicismo renacentista al naturalismo del barroco, como se ejemplifica en las obras de Francisco Pacheco (1564-1644), Juan de las Roelas (1560-1625) y Francisco de Herrera el Viejo (1595-1656). En Toledo, a principios de siglo, la influencia dominante era El Greco (1541-1614). Su seguidor más cercano fue el eminente pintor Luis Tristán (1585-1624), quien enfatizó los aspectos tenebristas de la obra de El Greco. Otros pintores toledanos incluyeron a Pedro Orrente (1570-1645), un seguidor de Ribalta, Fray Juan Bautista Maino (1578-1649), quien se convirtió en el maestro de dibujo de Felipe IV, y Fray Juan Sánchez-Cotán (1560-1627).

Velázquez

La cumbre de la pintura barroca en España se logró en la persona de Diego Velázquez (1599-1660). Para Velázquez, el estilo de Caravaggio fue solo un punto de partida. En sus pinturas, la luz se manipula para reconstruir un "realismo óptico" a través de los efectos de diferentes tonalidades: en otras palabras, la reproducción de la realidad que no es fiel a los pelos de la barba o la textura de una tela de la manera buscada. por los pintores del Renacimiento, pero a lo que el ojo realmente ve, la impresión general que recibimos al mirar algo. En las pinturas de Velázquez, la luz se usa como los pintores de dos siglos antes habían usado perspectiva , para hacer que el espacio sea tangible. Las áreas de luz y sombra se alternan para crear la ilusión de un lugar en el que las figuras no están pintadas, sino que realmente "son". Estas figuras están pintadas con trazos amplios y flexibles del pincel para delinearlas claramente sin entrar en detalles realistas. Era la misma técnica que los impresionistas franceses usarían en el siglo XIX, una similitud que no es fortuita: Velázquez también parecía indiferente al contenido de lo que estaba pintando, a los grandes temas religiosos, por ejemplo, que tenían tanta importancia para sus contemporáneos. En cambio, toda su atención se concentró en la pintura, en su oficio.

Destacado por su dibujo de la vida, incluso sus primeras obras se caracterizan por su densidad pasta restringido color , generalmente ocres y marrones, y su composición natural simple. Su primera gran obra maestra ejecutada en este estilo es El vendedor de agua de Sevilla (1618-22, Apsley House, Londres), mientras que otros incluyen Old Woman Frying Eggs (1618, National Gallery of Scotland, Edinburgh), Christ in the House of Mary and Martha (1620, National Gallery, London) y The Supper at Emaús (1620, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York), todos pertenecen a su período inicial, al igual que una serie de retratos, en su mayoría ejecutados de manera tenebrista limitada, sin conceder una importancia exagerada a los contrastes entre la oscuridad y la luz.

En 1623, Velázquez se convirtió en retratista oficial de Felipe IV y la nobleza superior. Entre 1623 y 1629 completó una serie de obras con fondos grises, revelando su liberación de la fórmula Tenebrista. El triunfo de Baco (Los Borrachos, The Topers) (1629, Prado) data de este período. En 1632, produjo Cristo crucificado (Cristo en la cruz) (1632, Prado) una obra de particular serenidad y sencillez.

A medida que su arte mejoró aún más, reveló una mayor precisión del contorno, junto con una combinación aún más sutil de tonos y colores. Uno de sus mejores pinturas barrocas en este momento es La rendición de Breda (Las Lanzas) (1634-35, Prado) para el Salón de los Reyes en el palacio del Buen Retiro, Madrid. Durante los años siguientes, Velázquez se centró principalmente en arte de retrato – vea su Felipe IV a caballo (1634-35, Prado) y el Príncipe Baltasar Carlos a caballo (1635-36, Prado) – y pinturas temáticas como El enano Francisco Lezcano ("El Niño de Vallecas") (1643-45, Prado). También ejecutó varias obras religiosas, incluida la magnífica coronación de la Virgen (1645, Prado). En un viaje a Italia, en 1649, pintó su obra maestra Retrato de Inocencio X (1650, Galleria Doria-Pamphilj, Roma), mientras que durante su período final (1651-1660), pintó Venus en su espejo (La Venus Rokeby) (1649-51, National Gallery, Londres) y Las meninas o La familia de Felipe IV (1656-57, Prado).

Si comparamos brevemente la Venus Rokeby de Velázquez con pinturas similares de Alto renacimiento , vemos cuánto ha cambiado la percepción artística de la realidad en el transcurso del siglo. En "Rokeby Venus", Beauty le da la espalda con indiferencia al observador, mientras Cupido levanta un espejo delante de ella. El espejo ya era un truco familiar, usado a menudo en villas y palacios barrocos romanos para dar una impresión de amplitud. Su iluminación y refracción ambiguas aumentan el pintoresco efecto del dispositivo. En lugar de la calma de mármol de (digamos) la clásica Venus dormida de Giorgione (c.1510), o la Venus de Urbino de Tiziano (1538), la Venus Rokeby nos presenta un estudio del desnudo encantador, pero totalmente humano y no divino. Hasta este punto, Velásquez fue el hijo de su época, el barroco.

No es sorprendente que Velázquez haya sido un acto difícil de seguir. Además de seguidores como Juan de Pareja (1610-70), Francisco de Palacios (1617-76) y Juan Bautista Martínez del Mazo (1615-67), los pintores de la escuela de Madrid optaron por el barroco más sencillo de estilo Rubens.

Zurbarán

Francisco de Zurbarán (1598-1664), una amalgama de ascetismo extremeño y elegancia andaluza, empleó un naturalismo y un claroscuro extremo que lo convirtieron en el artista más refrenado y puro del barroco español. Durante sus 20 y 30 años pintó una serie de composiciones para varias de las órdenes monásticas, como los mercedarios y los jeronimitas, como lo ejemplifica The House of Nazareth (1630, Museum of Art, Cleveland). En el proceso, se convirtió en un maestro dibujante de figuras solitarias, incluidos santos con los ojos en alto. Sin duda, su arte debe haberse beneficiado enormemente de su piedad personal y devoción religiosa, tal como lo ilustra San Lucas como pintor antes de Cristo en la Cruz (1660, Prado) para el que tal vez él mismo fue el modelo.

Murillo

Dentro de la escuela de Sevilla, Bartolome Esteban Murillo (1618-1682) representa el colmo de la elegancia y la delicadeza, y, hay que decirlo, la mayor rendición al sentimiento popular. Fuertemente influenciado inicialmente por Viejos maestros como Ribera y Zurbarán, luego tomó prestado de Van Dyck, Rubens y Raphael. Desarrolló su propio estilo ligero y elegante, el estilo vaporiso , con contornos suaves, colores delicadamente tonificados y un velo de luz dorado a plateado: un estilo que inspiró a una gran cantidad de imitadores y seguidores. Además de trabajos religiosos, se especializó en pintura de género de erizos y mendigos callejeros, como lo ejemplifica The Young Beggar (1645, Museo del Louvre, París), y Boys Eating Grapes and Melon (1645-46, Alte Pinakothek, Munich). Otro trabajo temprano importante es Angels ’Kitchen (1646, Louvre, París). A partir de 1660, cuando cofundó la Academia de Bellas Artes de Sevilla, fue profesor activo. Un ejemplo de su obra tardía es La Inmaculada Concepción (1678, Prado).

Juan de Valdes Leal

Tras la muerte de Murillo, el pintor más destacado de Sevilla fue Juan de Valdés Leal (1622-1690). Aunque, como Murillo, fue en gran medida un pintor religioso, Valdés Leal fue más dramático, más teatral, más macabro y más excitante: sus obras muestran una vívida sensación de movimiento y un colorido brillante. En muchos sentidos fue un precursor del romanticismo. Sus obras más famosas son las dos alegorías de la muerte en el Hospital de la Caridad, en Sevilla: In the Twinkling of An Eye (1671) y The End of Worldly Glory (1672). Otras obras importantes incluyen Asunción de la Virgen (1659, National Gallery of Art, Washington) y Christ Bearing the Cross (1660, Hispanic Society, Nueva York). En sus últimos años, Valdés Leal completó numerosos ciclos de pinturas para iglesias, monasterios e instituciones filantrópicas, incluida una serie de escenas que ilustran la vida de San Ignacio (1674-1676), para los jesuitas.

Durante el siglo XVII, el barroco español en Madrid fue impulsado por Velázquez y por el versátil escultor, pintor y arquitecto. Alonso Cano (1601-67) – apodado "el Miguel Ángel español". (Ver también el escultor Juan Martines Montanes (1568-1649)) Otros exponentes interesantes del idioma barroco en Madrid incluyen: el monumentalista Fray Juan Ricci (1600-1681), hijo de un pintor del Escuela boloñesa , quien vino a España para trabajar en la decoración del Escorial, y Antonio Pereda (1608-1678), creador de varias pinturas religiosas y composiciones alegóricas elegantes. De mayor calidad es la obra del retratista Juan Carreño de Miranda (1614-1685), pintor oficial de Carlos II, que sucedió a Felipe IV. Su alumno Mateo Cerezo (1626-1666), fue un colorista particularmente talentoso, como lo fue José Antolinez (1635-1675).

Se pueden ver obras del barroco español en algunos de los mejores museos de arte en el mundo. Para detalles de colecciones europeas que contienen importantes posesiones de pinturas españolas del siglo XVII, ver: Museos de arte en Europa . Para colecciones de arte español moderno y contemporáneo, ver Reina Sofía Madrid .