Cómo apreciar las pinturas Traductor traducir
Pinturas al fresco de Giotto
en la capilla Scrovegni,
Padua, Italia. (1303-10)
Serie de educación artística
Este ensayo de apreciación del arte,
escrito por nuestro editor general
Neil Collins, está diseñado para
estudiantes de arte y escuelas de arte
como parte de nuestra serie en curso
en educación artística. Para analizar
de excelentes fotos, ver:
Pinturas famosas analizadas .
Recursos adicionales
Pintura es un arte visual que significa que el mejores pinturas tienden a ser los que tienen el mayor impacto visual, mientras que los movimientos de pintura más populares suelen ser los que son más fáciles de ver. Pero esto no significa que la pintura sea trivial o superficial; Por el contrario, muchas imágenes pueden ser extremadamente complejas. Tal complejidad surge debido a los métodos artísticos utilizados para pintar la imagen ( colorito ), y / o su contenido narrativo y mensaje ( disegno ). Las técnicas pictóricas utilizadas pueden variar enormemente. Jan Van Eyck fue famoso por su virtuosa técnica de pintura al óleo para lograr su característico acabado luminoso; Mantegna y Tiepolo por su escorzo ; Leonardo por su sfumato ; Miguel Ángel por su pintura al fresco técnica, habilidad anatómica y desnudos masculinos; Tiziano, Veronese, Matisse y Jawlensky por su colorismo; Caravaggio por su Tenebrismo; Rembrandt por su claroscuro ; Masaccio, Raphael y Canaletto por su perspectiva lineal; Degas por sus dibujos en colores pastel; Georges Seurat y Paul Signac por su puntillismo; Frank Auerbach por su pasta . Estas técnicas, y muchas más, son elementos importantes que pueden emplearse para aumentar la complejidad y la profundidad de una imagen. Entonces, para apreciar una pintura, uno necesita analizar la presencia de estos elementos y sus efectos.
Color siempre ha sido una característica importante, y su uso a menudo estaba sujeto a ciertas reglas. Los pintores egipcios, por ejemplo, usaban solo seis colores: rojo, verde, azul, amarillo, blanco y negro. El rojo era el color del poder y la autoridad. El verde simboliza nueva vida y fertilidad. El azul simbolizaba el renacimiento, mientras que el amarillo simbolizaba lo eterno, como las cualidades del sol y el oro. El blanco simbolizaba la pureza, mientras que el negro era el color de la muerte. Los cuerpos masculinos siempre fueron pintados en colores más oscuros que los femeninos. Comprender estas reglas de color es esencial para leer pinturas egipcias. Los pintores de iconos bizantinos estaban sujetos a reglas similares en su uso del color. El azul estaba reservado para la vida humana, el blanco para la resurrección y la transfiguración de Cristo. Si analiza los íconos de Cristo y la Virgen María, notará que Jesús usualmente usa una prenda interior roja con una prenda exterior azul (Dios se hace hombre), mientras que María usa una prenda interior azul con una prenda roja (ella comenzó como un humano pero se está acercando a Dios). Después del Renacimiento, las academias de arte europeas emergentes establecieron reglas que restringían el uso de colores brillantes a menos que el contexto fuera apropiado. Varias disputas se erraron sobre esto, con coloristas como Rubens (y más tarde, Delacroix) opuestos a Poussin (y más tarde Ingres). Fue solo con el advenimiento de los impresionistas franceses y los fauvistas, que el color se utilizó libremente como elemento independiente. Por supuesto, el desarrollo de nuevos pigmentos de color, de vez en cuando, tuvo un efecto significativo en el rango tonal disponible para los pintores. Por lo tanto, los colores en una paleta de colores renacentistas se veían bastante diferentes de los de una paleta del siglo XIX.
El contenido narrativo de una imagen abarca al menos cuatro tipos básicos de contenido: (1) El mensaje principal. (2) Mensajes subsidiarios. (3) Simbolismo. (4) Referencias y analogías. Todos estos elementos requieren interpretación y análisis antes de que podamos apreciar realmente la pintura en cuestión.
El Jardín de las Delicias (1500-05) de Hieronymus Bosch, una de las mejores pinturas del Renacimiento, puede servir de ilustración para estos elementos narrativos. (1) El mensaje principal del tríptico es que la humanidad es naturalmente pecadora y necesita seguir la palabra de Dios para evitar el fuego del infierno y la condenación. (2) Los mensajes subsidiarios incluyen: (A) Dejados a su suerte, hombres y mujeres sucumben a las tentaciones de la carne (ilustrado por todo el panel central del tríptico). (B) El placer es tan frágil como el vidrio (ilustrado por una pareja de amantes en una burbuja de vidrio). (C) Glotones, individuos vanidosos y otros pecadores mortales serán castigados en el más allá (ilustrado en el panel de la derecha). (3) Bosch usa el simbolismo en toda la obra. En el Jardín del Edén (panel izquierdo), la figura de nariz larga que lee un libro es un símbolo del mal. En el Jardín de las Delicias (panel central), la fruta, por ejemplo, es un símbolo de la tentación física, por lo que arrancar la fruta era una metáfora de la seducción, mientras que las cáscaras, que los amantes encuentran tan fascinantes, simbolizan la inutilidad. (4) Abundan las referencias. Por ejemplo, en el infierno, pinta a un hombre cuyo torso hueco contiene una especie de taberna infernal, frecuentada por ’demonios’ en reposo. Dos enormes orejas son perforadas por una flecha y cortadas por la hoja de un cuchillo. El objeto simboliza la sordera del hombre a la exhortación del Nuevo Testamento: "Si alguno tiene oídos para escuchar, que oiga".
Nota: Para obtener más consejos y sugerencias sobre cómo leer una pintura, consulte: Evaluación de arte: cómo apreciar el arte .
Los estilos de pintura hieráticos, como el arte bizantino (c.500-1430), especialmente sus íconos, el arte gótico occidental (c.1150-1375) y su máxima expresión gótica internacional (c.1375-1450), generalmente estaban llenos de narrativa simbolismo. Sin embargo, como la mayoría de estos estilos involucraban el arte cristiano, el simbolismo utilizado siguió convenciones estrictas, lo que facilita mucho la decodificación. El arte del retablo renacentista (1400-1600) fue a menudo un tipo de pintura más difícil de interpretar, al igual que las imágenes fantásticas de artistas holandeses como Hieronymus Bosch y Pieter Bruegel el Viejo. El Alto Renacimiento, con obras públicas de Leonardo da Vinci (1452-1519), Miguel Ángel (1475-1564) y Rafael (1483-1520), fue sin duda el cenit de dicha estética. En comparación, la pintura barroca era (en general) menos complicada, centrada en gran parte en transmitir el mensaje de la Contrarreforma católica, para superar el atractivo del protestantismo. Las mejores pinturas barrocas consistían en frescos del techo de trompe l’oeil y obras religiosas a gran escala. La gran excepción fue el arte barroco holandés, especialmente la Escuela Realista, cuyas bodegones estaban repletos de imágenes crípticas.
Para biografías de críticos profesionales, como John Ruskin y otros, ver: Críticos de arte: crítica de las artes visuales (1750-presente).
Realismo holandés (c.1630-90): pinturas difíciles de leer y apreciar
Durante el período (1600-90), las provincias holandesas protestantes de los Países Bajos dieron origen a una serie de escuelas excepcionales de realismo holandés, incluidas las de Amsterdam, Haarlem, Dordrecht, Leiden, Delft y Utrecht. Este aumento en la pintura holandesa del siglo XVII fue en parte el resultado del crecimiento de la prosperidad comercial de los puertos flamencos y holandeses, y la resultante emergencia de un nuevo tipo de comprador de arte holandés: el comerciante materialista. En cualquier caso, el movimiento del realismo holandés fue responsable de algunas de las mejores pinturas de género jamás vistas, así como de algunas de las pinturas de naturaleza muerta más meticulosas y complejas jamás vistas, muchas de las cuales son extremadamente difíciles de analizar e interpretar. Los ejemplos incluyen obras de artistas realistas holandeses de la siguiente manera: Girl with the Red Hat (1665-6), The Artist’s Studio (1665-6) y The Letter (1668), de Jan Vermeer; The Nightwatch (1642), Bathsheba (1654) y Syndics of the Cloth-Makers Guild (De Staalmeesters) (1662), de Rembrandt; Bodegón con tarro de porcelana china (1662) y Bodegón con una copa de nautilus (1662) de Willem Kalf; Una mesa de postres (1640) y un adorno de frutas y flores (c. 1660) de Jan Davidsz de Heem; Ver abajo del corredor (1662) de Samuel van Hoogstraten y muchos otros.
Disminución de las pinturas religiosas (1700 en adelante)
Fue durante los últimos años de la era barroca que el arte religioso experimentó una disminución significativa, debido a la reducción en el número de mecenas eclesiásticos. En su lugar, creció una nueva clase de mecenas individuales, a menudo seculares. Además, estos nuevos compradores de arte, que generalmente pertenecían a las nuevas clases profesionales y medias emergentes, querían un nuevo tipo de arte. En lugar de obras a gran escala diseñadas para grandes edificios públicos (iglesias, institutos, etc.), querían colgar pinturas de caballete portátiles a pequeña escala en sus hogares. Además, con algunas excepciones, estos compradores de arte de clase media no estaban interesados en pinturas religiosas complejas, como (digamos) la Última Cena de Leonardo (1495–1498), u otras obras alegóricas como la Primavera de Botticelli (1478). En cambio, querían retratos, paisajes o pinturas de género que mostraran su riqueza, estatus y poder mundano. En otras palabras, un porcentaje creciente de bellas artes a partir de aquí (c.1700) fue relativamente materialista (con menos referencias arcanas) y, por lo tanto, más fácil de analizar e interpretar.
Interpretación de diferentes tipos de pintura (1700 en adelante)
Desde el punto de vista del análisis y la interpretación, las pinturas desde 1700 se dividen mejor en tipos (géneros). Los tipos principales son: (1) Pintura de la historia . (2) Arte retrato – individual, grupal o autorretratos. (3) Pintura de género (fotos de todas las escenas). (4) Pintura de paisaje . (5) Naturaleza muerta .
Pinturas históricas: más difíciles de apreciar e interpretar
Esta categoría incluye todas las ’obras narrativas’, como pintura mitológica así como cuadros históricos y religiosos. Este suele ser el tipo de imagen más difícil de interpretar, porque está diseñado para transmitir un mensaje inspirador o filosófico. Sin embargo, desde 1700, tanto su popularidad como sus números han disminuido significativamente. Los ejemplos incluyen: La muerte de Marat (1793) de Jacques-Louis David, El tercero de mayo de 1808 de Francisco Goya, Orfeo (1865) de Gustave Moreau, La mañana de la ejecución de Streltsy (1881) de Vasily Surikov, Procesión religiosa en Kursk Gubernia (1883) de Ilya Repin, La dama de Shalott (1888) de John William Waterhouse, El Cristo amarillo (1889) de Paul Gauguin y Guernica (1937) de Pablo Picasso.
Pinturas de retratos: fáciles de apreciar y analizar
Esta categoría es menos compleja y relativamente fácil de analizar. Para los nobles, caballeros y ricos, durante el período aproximado c.1700-1900, un retrato cumplió la función de la fotografía de hoy, excepto que el artista podía manipular la imagen para optimizar la apariencia, el estado y el poder. Los retratos más recientes han tendido a ser más expresionistas y, por lo tanto, más interesantes de interpretar. Los ejemplos modernos incluyen: Arreglo en gris y negro: Retrato de la madre del artista (1871) de James Whistler, Retrato de madame X (1883-4) por John Singer Sargent, Retrato de Isaac Levitan (1893) por Valentin Serov, Retrato de la periodista Sylvia von Harden (1926) por Otto Dix, Retrato de Dora Maar (1942) por Pablo Picasso, Marilyn (1967) por Andy Warhol, Mr and Mrs Clark (1970) por David Hockney. [Nota: el poderoso retrato de Winston Churchill, pintado por Graham Sutherland fue declarado inaceptable por la familia Churchill y destruido].
Pinturas de género: pueden ser difíciles de leer y apreciar
Esta categoría de pintura tiende a ser la más fácil de analizar cuando el artista se centra en la historia social de la escena. Este tipo de pintura de género incluiría obras como: Derby Day (1856-8) de William Powell Frith, Hombre con una azada (1862) por Jean-Francois Millet, The Third Class Carriage (1864) por Honore Daumier, Barge-Haulers on the Volga (1870-3) por Ilya Repin, Paris Street, día lluvioso (1877) de Gustave Caillebotte, Almuerzo de la fiesta en bote (1881) de Pierre Auguste Renoir, Café Terrasse de noche (1888) de Van Gogh, En el Moulin Rouge (1890) de Toulouse-Lautrec, A Country Brasserie, Brannenburg Bavaria (1894) por Max Liebermann, Viniendo del molino (1930) por LS Lowry.
Sin embargo, cuando el artista utiliza una pintura de género como vehículo para un mensaje filosófico, su interpretación puede ser más problemática. Muchas de las obras de género urbano de Edward Hopper entran en esta categoría, en particular Nighthawks (1942); Otro pintor de género cuyas pinturas son difíciles de leer es el artista polaco Balthus (Balthazar Klossowski de Rola). Otras imágenes de género complejas incluyen: Les Demoiselles d’Avignon (1907) de Picasso, Berlin Street Scene (1913) de Ernst Ludwig Kirchner, Ennui (1914) de Walter Sickert, Pimp With Prostitutes (1922) de Otto Dix, American Gothic (1930) por Grant Wood, Christina’s World (1948) por Andrew Wyeth, A Bigger Splash (1967) por David Hockney. Para obtener una explicación de algunas de las grandes pinturas de género moderno, consulte: Análisis de pinturas modernas (1800-2000).
Pinturas de paisajes: generalmente fáciles de apreciar e interpretar
Desde 1700 hasta 1800, la mayoría de las imágenes de paisajes encargadas eran de la variedad topográfica, financiadas por propietarios que querían un registro pictórico de su patrimonio: una especie de retrato de la tierra ( Sr. y Sra. Andrews (1750) de Thomas Gainsborough). Este tipo de paisaje a menudo es totalmente aburrido y no requiere interpretación.
A finales del siglo XVIII, el movimiento Romanticismo desencadenó un aumento del naturalismo, ya que los artistas salieron al campo para capturar la naturaleza. Este tipo de pintura plein-air se hizo más fácil durante la década de 1840 por la invención del tubo de pintura de metal plegable. Los exponentes del impresionismo como Claude Monet, Alfred Sisley, Camille Pissarro y otros, entran en esta categoría, al igual que los grandes pintores paisajistas rusos del siglo XIX como Ivan Shishkin e Isaac Levitan. Sus pinturas contienen numerosas características pictóricas que requieren análisis, pero poco ’significado’ independiente, por lo que tienden a ser fáciles de leer.
Por último, el paisaje también incluye pinturas escénicas con un mensaje filosófico. Estos requieren más interpretación. Los ejemplos incluyen: Hannibal y su ejército cruzando los Alpes (1812) por JMW Turner, Last of the Mohicans (series) (1826) por Thomas Cole, Man and Woman Gazing at the Moon (1830-5) por Caspar David Friedrich, The Great Day of His Wrath (1853) de John Martin, Island of the Dead (1880) de Arnold Bocklin, Road to Vladimirka (1892) de Isaac Levitan, Wheat Field with Crows (1890) de Van Gogh y Nigredo (1984) de Anselm Kiefer
Pinturas de bodegones: difíciles de interpretar y apreciar
Estas imágenes pueden parecer demasiado estáticas para su comodidad, pero muchas están llenas de simbolismo, de acuerdo con las tradiciones establecidas en el siglo XVII. Como resultado, las pinturas de bodegones pueden ser excepcionalmente difíciles de leer. Los pintores de bodegones modernos destacados incluyen a Paul Cezanne ( Naturaleza muerta con plástico Cupido , 1895), Georges Braque ( Naturaleza muerta en una mesa , 1914) y el artista italiano Giorgio Morandi ( Naturaleza muerta , 1960).
Cómo apreciar las pinturas abstractas
La premisa básica detrás del arte abstracto es que las cualidades formales de una pintura son tan importantes como sus cualidades de representación . Por ejemplo: una imagen puede contener un dibujo muy malo de la cabeza de una mujer, pero si (por ejemplo) sus colores son hermosos, podemos considerar que es una imagen hermosa. Esto ilustra cómo una calidad formal (color) puede anular a una representacional (dibujo). Por el contrario, un retrato fotorrealista de la misma mujer puede dar una réplica exacta de su rostro, pero el esquema de color hiperrealista y la composición general pueden hacer que la imagen sea aburrida y sin vida. (Compare, por ejemplo, los diferentes enfoques tomados por Lucian Freud y Alexei Von Jawlensky al retrato.) Por lo tanto, la pintura abstracta tiene que ver con la forma, y para interpretarla debemos examinar sus cualidades formales, incluidas las formas, los colores, las texturas y sus mutuos. relaciones ¿Se utilizan las formas naturalistas (Jean Arp, Joan Miro), geométricas (Piet Mondrian) o monumentales (Sean Scully)? ¿Cuál es el efecto de los colores utilizados? (Rothko, Barnett Newman) ¿Ha prestado especial atención el artista a la textura superficial de la imagen? ¿Cómo encajan todos estos elementos? Y así.
Nota: Para obtener más consejos y sugerencias sobre cómo leer una pintura, consulte: Evaluación de arte: cómo apreciar el arte .
Pinturas analizadas (¡NUEVO!)
Como parte de nuestra serie de Educación Artística, estamos escribiendo una serie de mini ensayos que analizan e interpretan algunos de los mejores cuadros jamás pintados. Ver abajo para más detalles. Casi todos los días se agregan nuevas pinturas, así que por favor marque esta página para mantenerse actualizado.
Para obtener una lista de los 50 retratos principales, consulte: Las mejores pinturas de retratos .
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