Arte moderno: historia, características, movimientos Traductor traducir

El término «arte moderno» (Arte Moderno o «Modernismo») no tiene una definición precisa: sigue siendo un término elástico que puede tener diversos significados. Esto no es sorprendente, ya que avanzamos constantemente en el tiempo y lo que hoy se considera «pintura moderna» o «escultura moderna» puede no considerarse moderno dentro de cincuenta años. No obstante, es habitual decir que «arte moderno» – son obras creadas en torno al periodo 1870-1970.

Esta «época modernista» siguió a un largo periodo de dominio del arte académico de inspiración renacentista fomentado por la red de academias europeas de bellas artes. Le sigue «Arte Actual» (desde 1970), el más vanguardista de los cuales también se denomina «Arte Postmoderno». Esta cronología coincide con la opinión de muchos historiadores del arte e instituciones artísticas, pero no de todos. Tanto la Tate Modern de Londres como el Museo Nacional de Arte Moderno del Centro Pompidou de París, por ejemplo, consideran que 1900 es el punto de partida del «arte moderno». Además, ni ellos ni el Museo de Arte Moderno de Nueva York distinguen entre obras «modernistas» y «postmodernistas», sino que consideran que ambas son fases del «arte moderno».

Nótese que «modernismo» no es lo mismo que «modernismo». Mientras que «modernismo» es una época (que es de lo que trata esta página) que incluye muchos estilos y movimientos artísticos diferentes, «modernismo» es un estilo en particular.

Por cierto, al intentar comprender la historia del arte, es importante darse cuenta de que el arte no cambia de la noche a la mañana, sino que refleja los procesos más amplios (y lentos) de la sociedad. También refleja la visión del mundo del artista. Así, por ejemplo, una obra de arte creada en 1958 puede ser definitivamente «postmodernista» (si el artista tiene una visión del mundo muy vanguardista – un buen ejemplo es el «Nuevo Realismo» de Yves Klein); mientras que otra obra creada por un artista conservador en 1980 podría considerarse un retroceso a los tiempos del «arte contemporáneo», más que un ejemplo de «arte actual». De hecho, probablemente sea cierto que pueden coexistir simultáneamente varios movimientos artísticos diferentes, es decir, varios conjuntos de estéticas, algunos hipermodernos, otros anticuados &ndash. También conviene recordar que muchos de estos términos (por ejemplo, «arte contemporáneo») sólo se inventan a posteriori, en retrospectiva.

NOTA: En general, se considera que los años 60 fueron la década en la que los valores artísticos cambiaron gradualmente de «modernistas» a «posmodernistas». Esto significa que, durante un cierto periodo de tiempo, ambos grupos de valores coexistieron entre sí.

Para fechas importantes, véase: Cronología de la Historia del Arte (a partir de 2,5 millones a.C.)

¿Cuáles fueron los orígenes del arte moderno?

Para entender los orígenes «del arte moderno», hagamos un pequeño repaso histórico. El siglo XIX fue una época de cambios significativos y rápidamente crecientes. Como resultado de la Revolución Industrial (hacia 1760-1860), enormes cambios en la fabricación, el transporte y la tecnología empezaron a afectar al modo en que la gente vivía, trabajaba y viajaba por Europa y América. Las ciudades crecieron y prosperaron a medida que la gente abandonaba las zonas rurales para trabajar en las fábricas urbanas. Estos cambios sociales inspirados por la industria condujeron a una mayor prosperidad, pero también a unas condiciones de vida estrechas y agobiantes para la mayoría de los trabajadores. A su vez, esto provocó un aumento de la demanda de arquitectura urbana; una creciente demanda de artes aplicadas y diseño – véase, por ejemplo, el artículo sobre la Escuela Bauhaus – y la aparición de una nueva clase de empresarios adinerados que se convirtieron en coleccionistas y mecenas de las artes. Estos magnates del siglo XIX fundaron muchos de los mejores museos de arte del mundo.

Además, otros dos acontecimientos tuvieron un impacto directo en las artes visuales de la época. En primer lugar, en 1841, el artista estadounidense John Rand (1801-1873) inventó los botes de hojalata para pinturas al óleo (en los que no se secaban), y posteriormente se introdujeron los tubos. En segundo lugar, se produjeron grandes avances en la fotografía, que permitió a los artistas fotografiar escenas que luego podrían pintar en el estudio. Ambos avances beneficiarían enormemente a un nuevo estilo de pintura, conocido despectivamente como «Impresionismo», que afectaría radicalmente a la forma en que los artistas pintaban el mundo que les rodeaba y, de paso, se convertiría en la primera gran escuela de arte modernista.

Los cambios sociales del siglo XIX no sólo afectaron al modo en que los artistas creaban arte, sino que también inspiraron a los artistas a buscar nuevos temas. En lugar de seguir servilmente la jerarquía de géneros y contentarse con temas académicos relacionados con la religión y la mitología griega, intercalados con retratos y «paisajes» significativos – todos ellos temas destinados a elevar e instruir al espectador, – los artistas empezaron a crear arte sobre las personas, los lugares o las ideas que les interesaban. Las ciudades – con sus nuevas estaciones de ferrocarril y sus nuevos barrios bajos – eran una elección obvia y dieron lugar a una nueva clase de pintura de género y de paisaje urbano. Otros temas fueron las aldeas suburbanas y las zonas de recreo a las que daban servicio las nuevas redes ferroviarias, que inspiraron nuevas formas de pintura de paisaje de Monet, Matisse y otros. El género de la pintura de historia también fue transformado por Benjamin West (1738-1820), que pintó «La muerte del general Wolfe» (1770, National Gallery of Art, Ottowa), la primera «pintura de historia moderna», y Goya (1746-1828), cuyo Tercer de mayo de 1808 (1814, Prado, Madrid) introdujo un lenguaje innovador y poco heroico.

El siglo XIX también fue testigo de una serie de desarrollos filosóficos que tuvieron un impacto significativo en las artes. El auge del pensamiento político, por ejemplo, llevó a Courbet y a otros a promover una forma de pintura realista con conciencia social – véase también el artículo Del realismo al impresionismo). Además, la publicación de «La interpretación de los sueños» (1899) por Sigmund Freud popularizó la noción del «subconsciente», impulsando a los artistas a explorar el Simbolismo y, más tarde, el Surrealismo. La nueva conciencia de sí mismo promovida por Freud propició (o al menos coincidió con) la aparición del expresionismo alemán, ya que los artistas se volcaron en la expresión de sus sentimientos y experiencias subjetivas.

¿Cuándo se originó el arte moderno?

La fecha de nacimiento «del arte moderno» suele ser 1863, año en que Édouard Manet (1832-1883) expuso su impactante e irreverente «Desayuno en la hierba» en el Salón de los Rechazados de París. A pesar del respeto de Manet por la Academia Francesa y del hecho de que estaba inspirado en la obra del Rafael renacentista, fue considerado uno de los cuadros más escandalosos de la época.

Pero no era más que un símbolo de los cambios más amplios que se estaban produciendo en las diversas artes, tanto en Francia como en el resto de Europa. Una nueva generación de «modernistas» se cansó de seguir las formas artísticas académicas tradicionales del siglo XVIII y principios del XIX y comenzó a producir una gama de «pinturas modernas» basadas en nuevos temas, nuevos materiales y nuevos métodos audaces. La escultura y la arquitectura también sufrieron – y con el tiempo sus cambios serían aún más revolucionarios, – pero la pintura resultó ser el primer gran campo de batalla entre los conservadores y los nuevos «modernistas».

¿Cuál es la principal característica del arte moderno?

Lo que llamamos «arte moderno» duró un siglo e incluyó docenas de movimientos artísticos diferentes que abarcaban casi todo, desde la abstracción pura hasta el hiperrealismo; desde escuelas antiartísticas como Dadá y Fluxus hasta la pintura y escultura clásicas; desde el Art Nouveau hasta la Bauhaus y el Pop Art. La diversidad fue tan grande que resulta difícil pensar en una característica unificadora que defina la época. Pero si hay algo que separa a los artistas contemporáneos tanto de los tradicionalistas anteriores como de los posmodernos posteriores, es su creencia en el valor del arte. Para ellos, el arte tiene un valor real. En cambio, sus predecesores simplemente suponían que tenía valor. Al fin y al cabo, vivían en una época regida por sistemas de valores cristianos y simplemente «seguían las reglas». Y los que vinieron después del modernismo (a partir de 1970 y después), los llamados «posmodernistas», rechazaron en gran medida la idea de que el arte (o la vida) tuviera algún valor intrínseco.

¿En qué se diferencia el arte moderno? (Características)

Aunque «el arte moderno» no tiene un único rasgo definitorio, se ha caracterizado por una serie de características importantes, a saber

❶ Nuevas formas de arte

Los artistas contemporáneos fueron los primeros en desarrollar collages, diversas formas de assemblage, una variedad de artes cinéticas (incluido el móvil), varios géneros de fotografía, animación (dibujo más fotografía), land art o movimientos de tierra, y performance art .

❷ Uso de nuevos materiales

Los artistas contemporáneos adhirieron objetos como fragmentos de periódicos y otros objetos a sus lienzos. Los escultores utilizaron «objetos encontrados», como «redi-mades» de Marcel Duchamp a partir de los cuales crearon obras de arte basura. Los ensamblajes se creaban a partir de los objetos cotidianos más comunes, como coches, relojes, maletas, cajas de madera y otros objetos.

❸ Uso expresivo del color

Los movimientos artísticos modernos como el fauvismo, el expresionismo y la pintura de campos de color fueron los primeros en hacer un uso significativo del color.

❹ Nuevos métodos

La cromolitografía fue inventada por el cartelista Jules Chéret, el dibujo automático fue desarrollado por los artistas surrealistas, al igual que el Frottage y la Decalcomanía. Los artistas gestualistas inventan el Action Painting. Los artistas pop introdujeron los puntos Benday «y la serigrafía en las bellas artes». Otros movimientos y escuelas del arte moderno que introdujeron nuevas técnicas pictóricas fueron: el neoimpresionismo, el macchiaioli, el sintetismo, el cloisonismo, el gestualismo, el tachismo, el arte cinético, el neodada y el op art.

¿Cómo se desarrolló el arte moderno de 1870 a 1970?

1870-1900

Aunque en cierto modo el último tercio del siglo XIX estuvo dominado por el nuevo estilo de pintura impresionista, en realidad hubo varios movimientos pioneros del arte moderno, cada uno con su propio enfoque distintivo. Entre ellos: Impresionismo (representación precisa de los efectos de la luz solar); Realismo (representación precisa del contenido); Arte académico (pinturas vivas en estilo clásico); Romanticismo (estado de ánimo); Simbolismo (iconografía enigmática); Cartel litográfico (motivos y colores llamativos). En la última década se produjeron varias revueltas contra las academias y sus «salones» en forma del movimiento de la Secesión, y a finales de la década de 1890 se produjo el declive del «arte natural», como el Impresionismo, que pronto dio lugar a la aparición de un arte más serio basado en el mensaje.

1900-1914

En muchos sentidos, éste fue el periodo más apasionante del arte moderno, cuando todo era aún posible y cuando «la máquina» aún se consideraba únicamente amiga del hombre. Los artistas de París crearon una serie de nuevos estilos, como el fauvismo, el cubismo y el orfismo, y los artistas alemanes fundaron su propia escuela de pintura expresionista. Todos estos movimientos progresistas rechazaron las actitudes tradicionalistas hacia el arte y trataron de defender su propia agenda del modernismo. Así, el Cubismo quería dar prioridad a los atributos formales de la pintura, mientras que el Futurismo prefería hacer hincapié en las posibilidades de la máquina y el Expresionismo abogaba por la percepción individual.

1914-1924

La carnicería y la destrucción de la Primera Guerra Mundial cambiaron por completo la situación. En 1916 había comenzado el movimiento Dadá, lleno de un impulso nihilista de derrocar el sistema de valores que había producido Verdún y el Somme. De repente las bellas artes parecían obscenas. Ninguna imagen podía competir con las fotografías de los muertos en la guerra. Los artistas recurren cada vez más al arte sin objeto como medio de expresión. Entre los movimientos del arte abstracto de la época destacan el cubismo (1908-40), el vorticismo (1914-15), el suprematismo (1913-18), el constructivismo (1914-32), De Stijl (1917-31), el neoplasticismo (1918-26), el elementarismo (1924-31), la Bauhaus (1919-33) y la posterior escuela de St Ives. Incluso algunos movimientos figurativos fueron claramente vanguardistas, como «la Pintura Metafísica» (1914-20). Pero compárese con principios del siglo XX: El renacimiento clásico en el arte moderno y La pintura neoclásica de Picasso (1906-30).

1924-1940

Los años de entreguerras siguen marcados por problemas políticos y económicos. La pintura y la escultura abstractas siguieron prevaleciendo, ya que las bellas artes realistas seguían estando muy pasadas de moda. Incluso el ala realista del movimiento surrealista, el más importante de la época, se limitaba a un estilo fantástico de la realidad. Mientras tanto, una realidad más siniestra se cernía sobre el continente en forma de arte nazi y agitpropaganda soviética. Sólo el Art Déco, un estilo de diseño bastante elegante centrado en la arquitectura y las artes aplicadas, expresaba confianza en el futuro.

1940-1960

La catástrofe de la Segunda Guerra Mundial cambió el mundo del arte. Para empezar, su centro de gravedad se desplazó de París a Nueva York, donde ha permanecido desde entonces. En el futuro, casi todos los récords mundiales se alcanzarán en las salas de Christie’s y Sotheby’s de Nueva York. Mientras tanto, el incalificable fenómeno de Auschwitz minó el valor de todo el arte realista, excepto el arte del Holocausto de los que sufrieron. Como consecuencia de todo ello, los artistas estadounidenses de la Escuela de Nueva York crearon el siguiente gran movimiento internacional – el Expresionismo Abstracto. Durante los 20 años siguientes, la abstracción dominaría la escena a medida que surgían nuevos movimientos. Entre ellos, Art Informel, Action-Painting, Gesturalism, Tachism, Colour Field Painting, Lyrical Abstraction, Hard Edge y COBRA, un grupo conocido por su imaginería infantil y sus expresivas pinceladas. Durante la década de 1950 surgieron otras tendencias más vanguardistas, como el arte cinético, el realismo moderno y el neodada, que demostraban una creciente impaciencia con la rígida industria del arte.

1960-е

La explosión de la música y la televisión populares se reflejó en el movimiento Pop Art, cuyas representaciones de famosos de Hollywood y de la iconografía de la cultura popular celebraban el éxito de la América de consumo de masas. También tenía un sentido cool «de la moda» y ayudó a disipar parte del pesimismo de principios de los 60 en torno a la crisis cubana de 1962, que en Europa contribuyó al éxito del movimiento Fluxus liderado por George Maciunas, Joseph Beuys, Nam June Paik y Wolf Fostell. El Pop Art práctico fue también un contrapunto bienvenido al Expresionismo Abstracto, más erudito, que ya había empezado a desvanecerse. Pero la década de 1960 también fue testigo del auge de otro movimiento intelectual conocido como minimalismo, una forma de pintura y escultura purgada de toda referencia o gesto externo, en contraste con el lenguaje emocional del expresionismo abstracto.

Fotografía contemporánea

La fotografía es uno de los nuevos medios más importantes e influyentes de la era moderna «». Se han establecido cuatro géneros en particular. Son los siguientes Fotografía de retratos – un género que sustituyó en gran medida a los retratos pintados; Pictorialismo (1885-1915) una forma de arte en la que un fotógrafo manipula una fotografía ordinaria para crear una imagen «artística»; Fotografía de moda (1880-presente) – fotografía dedicada a la publicidad de ropa, zapatos, perfumes y otros productos de marca; Fotografía documental (1860-presente), un tipo de trabajo de cámara de enfoque nítido que captura un momento de la realidad para transmitir un mensaje sobre lo que está sucediendo en el mundo; y Fotografía de calle (1900-presente) el arte de capturar las interacciones casuales de la actividad humana en las zonas urbanas. Estos géneros, practicados por muchos de los mejores fotógrafos del mundo, contribuyeron en gran medida al arte moderno del siglo XX.

Arquitectura moderna

Modernismo en arquitectura – el asunto es más confuso. La palabra «modernismo» en el diseño de edificios se utilizó por primera vez en Estados Unidos en la década de 1880 para describir los rascacielos diseñados por la Escuela de Arquitectura de Chicago (1880-1910), como The Montauk Building (1882-83), diseñado por Burnham y Root; la Home Insurance House (1884.), diseñada por William Le Baron Jenney; y el Marshall Field Warehouse (1885-7), diseñado por Henry Hobson Richardson. El siglo XX fue testigo de la aparición de un nuevo tipo de diseño conocido como Estilo Internacional de Arquitectura Moderna (c. 1920-70). Comenzó en Alemania, Holanda y Francia, de la mano de Le Corbusier (1887-1965), Walter Gropius (1883-1969) y otros, y se extendió a América, donde se convirtió en el lenguaje dominante de los rascacielos comerciales gracias a los esfuerzos de Mies van der Rohe (1886-1969), antiguo director de la Escuela Bauhaus. Más tarde, el centro del diseño moderno de edificios se estableció definitivamente en Estados Unidos, sobre todo gracias a la aparición de rascacielos de gran altura, que luego se exportaron a todo el mundo.

¿Cuándo terminó el arte moderno? ¿Qué lo sustituyó?

El modernismo no se detuvo sin más, sino que fue gradualmente superado por los acontecimientos de finales de los años sesenta – un periodo que coincidió con el auge de la cultura pop de masas y el aumento de los desafíos antiautoritarios (en los ámbitos social y político, así como en el arte) a los cánones existentes. El año clave fue 1968, testigo de la ofensiva del Tet, los asesinatos de Martin Luther King y Bobby Kennedy y las manifestaciones callejeras en las capitales europeas. Cuando el modernismo empezó a parecer cada vez más anticuado, dio paso a lo que se conoce como «arte actual», que significa «el arte de nuestra época». El término «arte contemporáneo» es neutro con respecto al progresismo del arte en cuestión, por lo que a menudo se utiliza otra expresión – «posmodernismo» para referirse al arte contemporáneo de vanguardia . Las escuelas de arte «posmodernista» defienden un nuevo conjunto de estéticas caracterizadas por una mayor atención al medio y al estilo. Por ejemplo, sitúan el estilo por encima del contenido (por ejemplo, no «el qué», sino «el cómo» ; no «el arte por el arte», sino «el estilo por el estilo») y conceden mucha más importancia a la comunicación del artista con el público.

¿Cuáles son las tendencias más importantes del arte contemporáneo?

Los movimientos «más influyentes del arte moderno» son
❶ Impresionismo;
❷ Fauvismo;
❸ Cubismo;
❹ Futurismo;
❺ Expresionismo;
❻ Dadaísmo;
❼ Surrealismo;
❽ Expresionismo Abstracto; y
❾ Arte Pop.

❶ Impresionismo (1870s, 1880s)

El Impresionismo, representado por las pinturas de paisajes de Claude Monet (1840-1926), se centró en la tarea casi imposible de capturar momentos fugaces de luz y color. Se introdujeron esquemas de color no naturalistas y un estilo pictórico suelto, a menudo muy texturizado. El primer plano de muchos cuadros impresionistas resultaba irreconocible. Muy impopular entre el público en general y las autoridades artísticas, aunque muy apreciado por otros artistas contemporáneos, marchantes y coleccionistas. Con el tiempo se convirtió en el movimiento pictórico más famoso del mundo. Véase: Características de la pintura impresionista (1870-1910). La principal contribución del Impresionismo al «arte moderno» fue legitimar el uso de colores no naturalistas, allanando así el camino para el arte abstracto completamente no naturalista del siglo XX.

❷ Fauvismo (1905-7)

De corta duración, dramático y muy influyente, bajo el liderazgo de Henri Matisse (1869-1954) El fauvismo fue un «estilo de moda» a mediados del siglo XX en París. El nuevo estilo se presentó en el Salón de Otoño e inmediatamente se hizo famoso por sus colores brillantes, vivos y no naturalistas, que hacían que el Impresionismo pareciera casi monocromo. Fue un precursor clave del expresionismo. Véase: Historia de la pintura expresionista (1880-1930). La principal contribución del fauvismo al «arte moderno» fue demostrar el poder independiente del color. Este enfoque altamente subjetivo del arte difería de la visión académica clásica, orientada al contenido.

❸ Cubismo (1908-14)

El cubismo, un estilo pictórico austero y complejo, presentó un sistema compositivo de planos divididos como alternativa a la perspectiva lineal y los volúmenes redondeados inspirados en el Renacimiento. Desarrollado por Pablo Picasso (1881-1973) y Georges Braque (1882-1963) en dos variantes – Cubismo analítico y el posterior Cubismo sintético – influyó en el arte abstracto durante los 50 años siguientes, aunque su popularidad fue limitada. La principal contribución del cubismo al «arte moderno» fue ofrecer una alternativa totalmente nueva a la perspectiva tradicional, basada en el hecho ineludible de un plano pictórico plano.

❹ Futurismo (1909-14)

Fundado por Filippo Tommaso Marinetti (1876-1944), el arte futurista glorificaba la velocidad, la tecnología, los automóviles, los aviones y los logros científicos. Aunque muy influyente, se inspiró en gran medida en el neoimpresionismo y el divisionismo italiano, así como en el cubismo, especialmente en sus formas fragmentadas y sus múltiples puntos de vista. La principal contribución del futurismo al arte moderno «» fue llevar el movimiento al lienzo y relacionar la belleza con el progreso científico.

❺ Expresionismo (a partir de 1905)

Aunque fue anticipado por artistas como Turner (Interior en Petworth, 1837), Van Gogh (Campo de trigo con cuervos, 1890) y Paul Gauguin (Ana de Javan, 1893), dos grupos hicieron famoso el expresionismo en la Alemania de preguerra: di Brucke (Dresde-Berlín) y Blue Rider (Múnich), dirigidos respectivamente por Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938) y Wassily Kandinsky (1866-1944). En escultura, las formas del artista de Duisburgo Wilhelm Lembruck (1881-1919) eran (y siguen siendo) sublimes. La principal contribución del expresionismo al «arte moderno» fue popularizar la idea de subjetividad en la pintura y la escultura y demostrar que las bellas artes podían incluir legítimamente la distorsión subjetiva.

❻ Dadaísmo (1916-24)

El primer movimiento antiarte, el dadaísmo, fue una revuelta contra el sistema que permitió la carnicería de la Primera Guerra Mundial (1914-18). Rápidamente se convirtió en una tendencia anarquista que pretendía socavar el establishment artístico. Lanzada en la neutral Suiza en 1916, sus líderes eran poco más de veinte y la mayoría de ellos «se negaron» a evitar el servicio militar obligatorio en los refugios seguros de ciudades neutrales como Nueva York, Zúrich y Barcelona. Sus fundadores fueron el escultor Jean Arp (1887-1966) y el poeta rumano y activista dadaísta Tristan Tzara (1896-1963). La principal contribución de Dadá fue sacudir el mundo del arte y ampliar la noción de arte moderno «» para abarcar tipos de creatividad totalmente nuevos (performance y readymades), así como nuevos materiales (arte basura) y temas. Su sentido del humor perduró en el movimiento surrealista.

❼ Surrealismo (a partir de 1924)

El Surrealismo, fundado en París por el escritor André Breton (1896-1966), fue un movimiento artístico «de moda» en los años de entreguerras, aunque el estilo sigue presente. Compuesto por alas abstractas y figurativas, se desarrolló a partir del movimiento nihilista Dadá, la mayoría de cuyos miembros se convirtieron en surrealistas, pero a diferencia de Dadá no era ni antiarte ni político. Los artistas surrealistas utilizaban diversas técnicas, como los sueños, las alucinaciones y la creación automática o aleatoria de imágenes, para eludir los procesos racionales de pensamiento en la creación de obras de arte. (Para más información, véase Automatismo en el arte) La principal contribución del surrealismo al «arte moderno» fue crear un conjunto de imágenes refrescantemente nuevo. Es discutible que estas imágenes fueran inequívocamente irracionales. Pero el arte surrealista – ¡es definitivamente divertido!

❽ Expresionismo abstracto (1948-60)

Amplio estilo de pintura abstracta desarrollado en la ciudad de Nueva York inmediatamente después de la Segunda Guerra Mundial, de ahí que también reciba el nombre de Escuela de Nueva York. Dirigido por artistas estadounidenses muy influidos a su vez por expatriados europeos, constaba de dos estilos principales: una forma muy animada de pintura gestual popularizada por Jackson Pollock (1912-56) y un estilo mucho más pasivo orientado al estado de ánimo conocido como «Campo de color», defendido por Mark Rothko (1903-70). La principal contribución del Expresionismo Abstracto al «arte moderno» fue popularizar la abstracción. En el caso de Pollock, inventando un nuevo estilo conocido como «action painting» – ver fotos en el texto; en el caso de Rothko, demostrando el impacto emocional de grandes áreas de color.

❾ Arte pop (finales de los 50, 60)

Estilo de arte cuya imaginería refleja la cultura y el consumo de masas de la América de los años sesenta. Apareció por primera vez en Nueva York y Londres a finales de la década de 1950 y se convirtió en el estilo vanguardista dominante hasta finales de la década de 1960. Utilizando imágenes llamativas e identificables y colores brillantes, artistas pop como Andy Warhol (1928-87) crearon una iconografía basada en fotografías de celebridades populares como estrellas de cine, anuncios, carteles, envases de productos de consumo y material de cómic. Esto contribuyó a reducir la brecha entre las artes comerciales y las bellas artes. La principal contribución del Expresionismo Abstracto al «arte moderno» fue demostrar que el buen arte podía ser humilde y podía estar hecho de cualquier cosa. Véase: El arte pop de Andy Warhol (c.1959-73) .

Lista de escuelas y movimientos del arte moderno

Lista de movimientos y escuelas «de la era moderna».
- Pintura expresionista abstracta (1947-65).
Término genérico para los estilos de posguerra conocidos colectivamente como «Escuela de Nueva York».
- Pintura temática americana (1925-45).
Estilo realista que exaltaba la América rural y pueblerina.
- Exposición Armory de arte moderno (1913)
Exposición pionera del arte moderno en América.
- Art Déco (1925-40)
Fino diseño asociado a la nueva «era de las máquinas».
- Art Informel (años 50)
Versión europea del Expresionismo Abstracto.
- Art Nouveau (1890-1914)
Diseño curvilíneo. También llamado Jugendstil (Alemania), Stile Liberty (Italia).
- Arte Nucleare (1951-60)
Grupo político que creó arte para la era nuclear.
- Movimiento de Artes y Oficios (1862-1914).
Movimiento contra la producción en masa, que aboga por la artesanía.
- Grupo Ashcan School (Escuela del cubo de basura) (1900-1915),
Nueva York, cuyos cuadros representaban escenas de barrios pobres.
- Impresionismo australiano (1886-1900)
Plein Air Escuela de Heidelberg, llamada así por los campos al este de Melbourne.
- Abstracción biomórfica (orgánica) (Años 30 ~ 40)
Formas redondeadas basadas en las de la naturaleza. Véanse las obras de Henry Moore.
- Secesión de Berlín (1898)
Organización artística disidente dirigida por el artista Max Liebermann.
- Grupo de Camden Town (1911-13)
Grupo de impresionistas ingleses dirigido por Walter Sickert.
- Cloisonismo (Partición) (1888-94)
Estilo de pintura con manchas de color brillante encerradas en gruesos contornos negros.
- Grupo COBRA (1948-1951)
Equivalente europeo de la pintura gestual o de acción «neoyorquina».
- Pintura de campo de color (1948-68).
Estilo de expresionismo abstracto practicado por Rothko, Barnett Newman, Clifford Still.
- Constructivismo (1914-32)
Movimiento de arte, diseño y arquitectura fundado por Vladimir Tatlin.
- Cubismo (1908-14)
Véase más arriba: Movimientos más importantes
- Dadá (1916-24)
Véase más arriba: Movimientos más importantes
- Jinete azul (Der Blaue Reiter) (1911-14)
Grupo de expresionistas alemanes con base en Múnich.
- De Stijl (1917-31)
Grupo holandés de diseño vanguardista fundado por Theo van Doesburg.
- Deutscher Werkbund (1907-33)
Organización alemana creada para mejorar el diseño industrial y la artesanía alemanes.
- Di Brucke (1905-13)
Grupo de expresionistas alemanes de Dresde, más tarde Berlín.
- Divisionalismo (1884-1904)
Teoría del Neoimpresionismo, también conocida como Cromoluminismo.
- Arte existencial (años 40, 50)
Estilo de pintura y escultura popularizado por Robert Lapoujade y Giacometti.
- Movimiento expresionista (década de 1880).
Estilo pictórico subjetivo, a menudo muy coloreado y distorsionado.
- Fauvismo (1905-1985).
Ver arriba: «Movimientos más importantes».
- Fluxus (años 60).
Movimiento de vanguardia asociado al letrismo, el realismo modernizado y el neodada.
- Futurismo (1909-14)

Ver arriba: Movimientos más importantes
- Hard Edge Painting (finales de los 50, 60)
Una variante de la abstracción post-pictórica, una reacción al gestualismo.
- Impresionismo (1870-1880)

Véase más arriba: Movimientos más importantes
- Divisionismo italiano (1890-1907).
Estilo postimpresionista que se inspiraba en el puntillismo y el neoimpresionismo.
- Kitchen Sink Art (mediados de los años 50).
Escuela de realismo mundano.
- Macchiaioli (1855-80)
Grupo italiano llamado así por el uso de manchas de color (macchia).
- Realismo mágico (década de 1920).
Movimiento contemporáneo conocido por su naturalismo descarnado y sus temas insólitos.
- Pintura metafísica (1914-20)
Un predecesor del Surrealismo desarrollado por Giorgio de Chirico.
- Arte Minimalismo
Aparecido sin ningún trasfondo histórico, social o estético.
- Secesión de Múnich (1892)
. El primero de los movimientos artísticos progresistas en Europa que rompió con la jerarquía de las artes conservadoras.
- Le Nabi (Década de 1890)
Grupo de artistas parisinos conocidos por sus artes decorativas.
- Neo-Dada (1953-65)
Estilo conocido por el uso de materiales poco ortodoxos y una ética antisistema.
- Grupo Neoimpresionismo (1884-1904),
Grupo conocido por su uso de pequeños puntos de pigmento de colores puros.
- Neoplasticismo (1918-26)
Estilo estricto de abstracción fundado por Piet Mondrian.
- Neorromanticismo (1935-55)
Tendencia de la pintura británica a recrear paisajes fantásticos.
- Nueva Objetividad (Die Neue Sachlichkeit) (1925-35)
Estilo expresionista duro que refleja el cinismo de la Alemania de los años veinte.
- Realismo moderno (1958-70)
Vanguardia figurativa precursora del posmodernismo, fundada por Yves Klein.
- Op Art (1965-70)
Forma de pintura abstracta basada en ilusiones ópticas.
- Orfismo (1914-15)
Colorido lenguaje del arte abstracto inventado por Robert Delaunay.
- Escuela de París (1890-1940)
Etiqueta de un grupo de artistas modernos activos en París, como Picasso, Modigliani.
- Puntillismo (1884-1904)
Teoría del color subyacente al Neoimpresionismo que implica pequeñas pinceladas de pigmento puro.
- Pop Art (1955-70)

Véase más arriba: Movimientos más importantes
- Postimpresionismo (1880s ~ 90s)
Término general para los diversos estilos de pintura que surgieron del Impresionismo.
- Abstracción post-pictórica (1955-65)
Término inventado por Clement Greenberg para los movimientos post-gestuales.
- Precisionismo (circa 1920s)
Estilo de pintura realista influenciado por el Futurismo y el Cubismo.
- Realismo (1850-1900)
Estilo de orientación social defendido por Courbet.
- Regionalismo (Escenografía) (hacia 1930)
Estilo de pintura que celebraba las pequeñas ciudades de América.
- Realismo social (1930-45)
Estilo americano que comentaba temas de la época de la Depresión.
- Realismo socialista (1928-80)
Arte de propaganda estatal asociado principalmente con la Unión Soviética.
- Escuela de St Ives (1939-75)
Colonia de artistas abstraccionistas dirigida por Ben Nicholson y Barbara Hepworth.
- Suprematismo (1913-18)
Estilo de pintura abstracta rusa desarrollado por Kazimir Malevich.
- Surrealismo (a partir de 1924).
Véase arriba: Movimientos más importantes
- Simbolismo (1880s ~ 90s).
Los simbolistas buscaban la realidad en su imaginación y en sus sueños.
- Sintetismo (1888-94)
Conocido por sus áreas planas de color. Inventado por Gauguin, Emile Bernard.
- Tachismo (Años 50)
Forma manchada de pintura abstracta gestual desarrollada en Francia.
- Arte victoriano (Reino Unido) (1840-1900)
Artes y oficios del reinado de la reina Victoria. Véase Arquitectura victoriana .
- Secesión de Viena (1897-1939)
Artistas disidentes que rechazaron la conservadora Academia de las Artes de la ciudad.
- Le Vingt (1883-93)
Grupo belga de artistas progresistas como James Ensor, Fernand Knopff.
- Vorticismo (1914-15).
Pintura al estilo del cubismo inglés, desarrollada por Percy Wyndham Lewis.

Para más detalles, véase: Movimiento en el arte moderno (1870-1970).

Los grandes artistas modernistas

Arte moderno - artistas

Impresionistas (apogeo 1870-1880)
Uno de los movimientos más revolucionarios de las bellas artes modernas, cuyos principales miembros fueron: Claude Monet (1840-1926); Pierre-Auguste Renoir (1841-1919); Edgar Degas (1834-1917); Camille Pissarro (1830-1903); Alfred Sisley (1839-1899); Édouard Manet (1832-83); Bertha Morisot (1841-1895); John Singer Sargent (1856-1925). Véase Pintores impresionistas .

Postimpresionistas (periodo floreciente 1880-1900) (véase
Los postimpresionistas (periodo floreciente 1880-1900).)
Entre los artistas contemporáneos que rompieron con la corriente dominante de la pintura impresionista se encuentran James Abbott McNeil Whistler (1834-1903); Georges Seurat (1859-1891); Paul Cézanne (1839-1906); Van Gogh (1853-1890); Paul Gauguin (1848-1903); Henri Matisse (1869-1954). Véase Artistas postimpresionistas .

Cartelistas
En el punto de mira de la Belle Epoque parisina, el arte del cartel quedó ilustrado por la obra (y las invenciones) de Jules Chéret (1836-1932), el notable cartel «Cabaret Du Chat Noir» de Théophile Steinlen (1859-1923), los carteles de teatro de Toulouse-Lautrec (1864-1901) y las obras Art Nouveau de Alphonse Mucha (1860-1939). Tras la marcha de Mucha a América, llegó a París desde Italia el talentoso Leonetto Cappiello (1875-1942). Otro importante cartelista y escenógrafo fue Leon Bakst (1866-1924), que llegó a París con los Ballets Rusos de Sergei Diaghilev.

Artistas primitivistas y fantásticos
Esta amplia categoría incluye al ingenuo Henri Rousseau (1844-1910) (Le Duanier) y a los versátiles simbolistas Paul Klee (1879-1940) y Marc Chagall (1887-1985).

Realistas
El realismo modernista floreció fuera de Europa e incluyó a estos maestros supremos del lenguaje: Winslow Homer (1836-1910), Thomas Eakins (1844-1916) e Ilya Repin (1844-1930). Véase también: Pintores realistas .

Expresionistas (apogeo 1905-1933)
Influido por el fauvismo, el movimiento expresionista contó con obras de Kandinsky, Munch, Modigliani (1884-1920), Egon Schiele (1890-1918), Kirchner, Max Beckmann (1884-1950), Oskar Kokoschka (1886-1980) y Otto Dix (1891-1969). Véase también Artistas expresionistas .

Cubistas (apogeo 1908-14)
Este revolucionario movimiento de arte abstracto fue creación de Braque y Picasso y recibió valiosas aportaciones de artistas modernistas como Juan Gris, Fernand Léger (1881-1955), Robert Delaunay (1885-1941) y Marcel. Duchamp (1887-1968). Véase: Artistas cubistas .

Artistas abstraccionistas
Entre los mayores representantes de la abstracción de la era moderna se encuentran Kazimir Malevich (1878-1935); Piet Mondrian (1872-1944). Véase Artistas abstractos .

Art Déco (Años 20, 30)
Movimiento de arte decorativo y diseño, así como estilo pictórico, cuyo representante más famoso fue probablemente la encantadora retratista polaco-rusa Tamara de Lempicka (1895-1980).

Surrealistas
Movimiento dominante en las artes visuales de finales de los años veinte y treinta. Sus principales artistas fueron Juan Miró (1893-1983), René Magritte (1898-1967) y Salvador Dalí (1904-1989). Véase: Artistas surrealistas .

Expresionistas abstractos
La pintura expresionista abstracta fue el primer gran movimiento del arte estadounidense. También conocido como la Escuela de Nueva York, incluyó a Rothko, Pollock, Willem De Kooning (1904-1997), Clifford Still (1904-1980), Barnett Newman (1905-1970), Robert Motherwell (1915-1991), Franz Kline (1910-1962) y otros.

Pop Art
Este estilo popular de arte moderno suplantó al Expresionismo Abstracto más intelectual y fue hecho famoso por artistas como Andy Warhol (1928-1987) y Roy Lichtenstein (1923-1997).

Escultores de la era modernista

Entre los principales escultores de la era moderna se incluyen: el realista expresivo Auguste Rodin (1840-1917); los expresionistas Ernst Barlach (1870-1938) y Wilhelm Lembruck (1881-1919); el vanguardista Constantin Brancusi (1876-1957); el futurista Umberto Boccioni (1882-1916), los cubistas Alexander Arkhipenko (1887-1964), Raymond Duchamp-Villon (1876-1918), Osip Zadkin (1890-1967), Jacques Lipshitz (1891-1973) y Naum Gabo (1890)-1977); los cinéticos Alexander Calder (1898-1976) y Jean Tinguely (1925-91), y el escultor minimalista suizo Alberto Giacometti (1901-1966).

Otras formas modernistas están representadas por obras primitivistas de Modigliani (1884-1920) y Jacob Epstein (1880-1959); y «objetos encontrados» conocidos como «redi-mades» de Marcel Duchamp (1887-1968). Por su parte, la escultura moderna británica fue personificada por Henry Moore (1898-1986), Barbara Hepworth (1903-75) y Ben Nicholson (1894-1982). Entre los ejemplos de escultura moderna en América se encuentran las obras de James Earl Fraser (1876-1953), Daniel Chester French (1850-1931), Anna Hyatt Huntingdon (1876-1973) y Gutzon Borglum (1867-1941).

El Modernismo de mediados del siglo XX está representado por las colecciones de Louise Nevelson (1899-1988) y César Baldaccini (1921-98); las estatuas heroicas de Evgeny Vuchetich (1908-74); y las emotivas esculturas del Holocausto de Victor Tolkin (1922-2013) y Nandor Glid (1924-97). Véase también Gutzon Borglum (1867-1941). El modernismo de mediados del siglo XX también está representado por conjuntos de Louise Nevelson (1899-1988) y César Baldaccini (1921-98); estatuas heroicas de Evgeny Vuchetich (1908-74); y emotivas esculturas de Victor Tolkin (1922-2013) y Nándor Glid (1924-97) dedicadas al Holocausto. Véase también Gutzon Borglum (1867-1941). Véase también: Escultores del siglo XX .

Apreciación del arte
Véase también: Cómo apreciar la escultura moderna (1850-presente).

Grabadores

Entre los representantes del grabado modernista – aguafuerte, aguafuerte, litografía y serigrafía – figuran Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901), M.C. Escher (1898-1972), Willem de Kooning (1904-97), Robert Rauschenberg (1925-2008), Andy Warhol (1928-87).

Vidrieros contemporáneos

Entre los mejores representantes del vitralismo se encuentran Marc Chagall (1887-1985), Juan Miró (1893-1983), Harry Clark (1889-1931), Sarah Purser (1848-1943) y Evie Hawn (1894-1955).

Fotógrafos modernistas

La fotografía moderna (1870-1970) se asocia con los esfuerzos pioneros de Alfred Stieglitz (1864-1946) y Edward Steichen (1879-1973). En otras fotografías modernistas destacan el pictorialismo de Man Ray (1890-1976); los paisajes de Ansel Adams (1902-84); y las imágenes arquitectónicas de Eugène Atget (1857-1927) y Bernd e Hilla Becher; las fotografías de moda de Norman Parkinson (1913-1990), Irving Penn (1917-2009) y Richard Avedon (1923-2004); los retratos de Julia Margaret Cameron (1815-1979), Dorothea Lange (1895-1965) y Walker Evans (1903-1975); y la fotografía de calle de Henri Cartier-Bresson (1908-2004).

Los 25 mejores cuadros modernistas

He aquí una lista cronológica de los mejores ejemplos de pintura de la época modernista (1870-1970).

Impresión, Amanecer (1873) Museo Marmottan de Monet, París.
Claude Monet (1840-1926)

Baile en Le Moulin de la Galette (1876) Museo de Orsay, París
Renoir (1841-1919)

Clínica Gross (1875) Universidad de Pensilvania.
Thomas Eakins (1844-1916)

Las Hijas de Edward Darley Boyte (1882) Museo de Bellas Artes de Boston.
John Singer Sargent (1856-1925)

Procesión de la Cruz en la Provincia de Kursk (1883) Galería Tretyakov.
Ilya Repin (1844-1930)

Tarde de domingo en la isla Grande Jatte (1884-6).
Georges Seurat (1859-1891)

Café terraza nocturna, Arles (1888) Yale University Art Gallery.
Vincent van Gogh (1853-1890)

El arroyo (1893), óleo al temple y pastel, Galería Nacional, Oslo.
Munch (1863-1944)

Muchacha con abanico (1902) Museo Folkwang, Hesse.
Paul Gauguin (1848-1903)

Les Grandes Baigneuses (1906) National Gallery, Londres; Art Museum, Filadelfia; Barnes Foundation, Merion, Pensilvania.
Paul Cézanne (1839-1906)

Beso (1907-8) óleo y oro sobre lienzo, Galerie Belvedere, Viena.
Gustav Klimt (1862-1918)

Las Doncellas de Avignon (1907), Museo de Arte Moderno, Nueva York.
Pablo Picasso (1881-1973)

Danza (1910) Museo del Hermitage, San Petersburgo.
Henri Matisse (1869-1954)

Dinamismo de un perro con correa (1912) Albright-Knox Art Gallery, Buffalo.
Giacomo Balla (1871-1958)

Desnudo bajando la escalera nº 2 (1912) Philadelphia Museum of Art.
Marcel Duchamp (1887-1968)

Desnudo sentado (1916) Courtauld Institute, Londres.
Amedeo Modigliani (1884-1920)

Le Coquelicot (La amapola) (1919) Museo Toulouse-Lautrec, Albi.
Kees van Dongen (1877-1968)

Muchacha con guantes (1929) Colección privada.
Lempicka (1895-1980)

American Gothic (1930), tabla de castor, óleo, Art Institute of Chicago.
Grant Wood (1891-1942)

Guernica (1937) lienzo, óleo, Museo Reina Sofía, Madrid.
Pablo Picasso (1881-1973)

Café nocturno (Midnighters) (1942) Art Institute of Chicago.
Edward Hopper (1882-1967)

No. 1, 1950 (Lavender Mist) (1950) National Gallery, Washington, DC.
Jackson Pollock (1912-56)

Mujer 1 (1950-2), Museo de Arte Moderno, Nueva York.
Willema de Kooning (1904-97)

Listening Room (1952) Colección Menil, Houston.
René Magritte (1898-1967)

El Papa que grita (1953) Colección William Burden, Nueva York.
Francis Bacon (1909-1992)

Cuatro Marilyns (1962), colección privada.
Andy Warhol (1928-86)

Las 25 mejores esculturas modernas

He aquí una lista cronológica de las mejores (en opinión del autor de este artículo) obras escultóricas modernas (1870-1970).

David (1872) Bronce, Museo de Orsay, París.
Jean Antoine Mercier (1845-1916)

Estatua de la Libertad (1886) Cobre, Isla de la Libertad, Puerto de Nueva York.
Frédéric-Auguste Bartholdi (1834-1904)

Pequeña bailarina de catorce años (1879-81), bronce, Museo de Orsay, París.
Edgar Degas (1834-1917)

El Beso (1888-9) Mármol, Musée Rodin, París.
Auguste Rodin (1840-1917)

Desnudo de pie (1907) Museo Nacional de Arte Moderno, Centro Pompidou, París.
André Doeren (1880-1954)

Beso (1907) Piedra, Hamburgerkunsthalle, Hamburgo.
Constantin Brancusi (1876-1957)

Mujer andando (1912) Denver Art Museum.
Alexander Archipenko (1887-1964)

Formas únicas de continuidad en el espacio (1913) Museo de Arte Moderno de Nueva York.
Boccioni (1882-1916)

Caballo grande (1914-18). El original se encuentra en el Museo de Arte de Filadelfia.
Raymond Duchamp-Villon (1876-1918)

Fin del camino (1915) Brookgreen Gardens, Murrells Inlet, EE UU.
James Earl Fraser (1876-1953)

Hombre caído (1915-16) Nueva Galería Nacional, Berlín.
Lembruck (1881-1919)

Construcción de la cabeza nº 2 (1916) Nasher Sculpture Centre, Dallas.
Gabo (1890-1977)

Estatua de Lincoln (1922) Lincoln Memorial, Washington, DC.
Daniel Chester French (1850-1931)

Mujer con guitarra (1927) Colección privada.
Jacques Lipchitz (1891-1973)

Monte Rushmore (1927-41) Dakota del Sur.
Borglum (1867-1941) y su hijo Lincoln Borglum (1912-86)

Adam (1938) Harewood House, Leeds, Reino Unido.
Jacob Epstein (1880-1959)

Sementales de combate (1950) Hyatt Huntingdon Sculpture Garden, Huntingdon, Carolina del Sur.
Para Anna Hyatt Huntington (1876-1973)

La ciudad en ruinas (1953) Schiedam Dijk, Rotterdam.
Tzadkin (1890-1967)

Catedral del Cielo (1958), Museo de Arte Moderno, Nueva York.
Louise Nevelson (1899-1988)

Walking Man I (1960) Fundación Maeght, St Paul de Vence.
Alberto Giacometti (1901-1966)

Cabeza partida (1963), bronce, Fiorini, Londres.
Baldaccini (1921-1998)

Elemento de cierre (1963-4) Henry Moore Foundation, Millbank, Londres.
Henry Moore .

Patria (1967) Mamaev Kurgan, Volgogrado
Vuchetich (1908-1974)

Memorial de Dachau (1968) Munich, Alemania.
Nandor Glid (1924-1997)

Monumento conmemorativo de Majdanek (1969) Lublin, Polonia.
Victor Tolkin (1922-2013).