Caravaggio en Nápoles, caravagismo napolitano Traductor traducir

Para los historiadores del arte que estudian la vida y la carrera del genio italiano Caravaggio (1571-1610), el principal objeto de atención es el arte barroco que creó en Nápoles. Es en este ámbito donde se han realizado en los últimos años importantes descubrimientos, tanto de pinturas como de documentos. Aunque desde hace tiempo se reconoce que la presencia de Caravaggio ejerció una gran influencia en la pintura de Nápoles, hace tiempo que debería haberse estudiado su propia obra en la ciudad, dado el desconocimiento comparativo del estilo posterior de Caravaggio.

Registros de los cuadros de Caravaggio

Los registros de los movimientos de Caravaggio cuando abandonó Roma tras el asesinato de Ranuccio Tomassoni el 29 de mayo de 1606 eran imprecisos y vagos; sus biógrafos romanos, Giulio Mancini (1620) y Baglione (1642), sólo mencionan cuadros pintados en Nápoles sin dar ningún detalle. Las adiciones manuscritas realizadas por un comentarista anónimo a «Considerazioni sulla Pittura» Mancini , basadas en la información proporcionada por Teofilo Gallaccini (c. 1570-1642), constituyen la primera relación breve de las pinturas de Caravaggio en Nápoles. Bellori (1672) y Scaramuccia (1674) publicaron por primera vez referencias a obras pintadas para iglesias, pero sus listas son inexactas o incompletas.

«El debilitamiento de Cristo» (1607, Museo Capodimonte, Nápoles), una obra maestra de la pintura barroca - sobre todo por su dramático tenebrismo - sólo es mencionada por Bellori, quizá porque era difícil de ver en la iglesia de S. Domenico Maggiore. Domenico Maggiore; otras obras mencionadas son Siete actos de misericordia ) Nostra Signora della Misericordia) (1607) en la iglesia de Pio Monte (el comentario de Mancini hace referencia a otras pinturas de Caravaggio) y pinturas realizadas para la capilla de los Fenaroli (una familia de Brescia) en Santa Anna dei Lombardi, que se perdieron a finales del siglo XVIII. En el altar de esta capilla se encontraba «la Resurrección de Caravaggio» , que, a juzgar por los relatos de los visitantes (Scaramuccia 1674; Cochin 1763), era una obra de gran importancia, y que también causó la mayor confusión.

En el siglo XVIII «Debilitamiento» fue la más admirada por su perfecta composición y la noble figura de Cristo, inspirada en los clásicos. Tanto Bellori como de Dominici (1742-45) elogiaron profusamente la «Renuncia de San Pedro» de la sacristía de San Martino, en cuyo lugar se encuentra actualmente un cuadro sobre el mismo tema, pintado probablemente por un seguidor flamenco de Caravaggio.

La confusión en torno a las visitas de Caravaggio a Nápoles

Bellori es el único autor que da información sobre los encargos privados de Caravaggio fuera de las iglesias de Nápoles. Uno de ellos fue «una media figura de Herodías con la cabeza de San Juan Bautista», que Caravaggio envió para aplacar al Gran Maestre de la Orden de Malta, Alof de Vignacourt, tras su huida de la isla. Así pues, esta obra, que se ha identificado con dos cuadros diferentes, debió de ser pintada después de su regreso a Nápoles.

Bellori afirmó o quiso creer que Caravaggio murió en el verano de 1609, el mismo año que Annibale Carracci y Federico Zuccari, pero en realidad murió un año más tarde en Porto Ercole, el 18 de julio de 1610. Hasta 1928, cuando Longi publicó dos epitafios de Marzio Milesi, se aceptó la afirmación de Bellori, aunque la fecha verdadera ya había sido publicada por Orban (1920). Aunque esto acortó inevitablemente el último periodo de la carrera de Caravaggio, varios estudiosos, como Mahon (1951) y Hincks (1953), han intentado fechar algunas obras de Caravaggio en los últimos meses de su estancia en Nápoles.

Pero la contribución más significativa, redescubriendo el último periodo de la vida de Caravaggio en Nápoles tras su viaje siciliano, fue la realizada por Longhi (Longhi, 1959, 1978). Caravaggio llegó a Nápoles a principios de octubre de 1609; el 24 de julio de 1610, corresponsales del duque de Urbino escribieron que el artista había sido herido o muerto en Nápoles. Así pues, la segunda estancia en Nápoles duró unos diez meses.

Este descubrimiento condujo a la necesidad de revisar las obras mencionadas en las fuentes y las pinturas que posteriormente se identificaron con ellas. Incluso teniendo en cuenta la enorme rapidez con la que Caravaggio trabajaba, parecían ser demasiadas pinturas para que cupieran en unos pocos meses: desde octubre de 1606, cuando Caravaggio llegó por primera vez a Nápoles, hasta julio de 1607, cuando ya estaba en Malta. Los Siete Actos de Misericordia fue cuidadosamente limpiado y restaurado sólo para la exposición «Caravaggio y los caravaggistas» (Nápoles, 1962-63). Su escasa legibilidad ha contribuido a la incomprensión de la obra incluso hace relativamente poco tiempo.

El descubrimiento de nuevas pinturas napolitanas de Caravaggio

En los años que siguieron a 1970, año en que Causa publicó las radiografías «de los Siete Actos de Misericordia», se realizaron grandes progresos en el estudio de la obra napolitana de Caravaggio, favorecidos por el descubrimiento de varias pinturas originales, la mayoría de las cuales eran desconocidas hasta entonces incluso a partir de copias.

Entre ellos «Salomé recibiendo la cabeza de Juan Bautista», que fue publicado por Longhi en 1959 como obra muy tardía, fue adquirido en 1970 por la National Gallery de Londres. Unos años más tarde Cellini descubrió otro original, «La Renuncia de San Pedro» (1609-10, Metropolitan Museum of Art, Nueva York). En 1975 se sugirió que Caravaggio era el autor de «Martirio de un santo», que se incluyó en la exposición de Nápoles de 1963 como obra de Mattia Preti (1613-1699).

Documentos posteriores descubiertos por Pacelli (1980) demostraron que se trataba de un cuadro «Martirio de Santa Úrsula» (Banco Comercial Italiano, Nápoles) pintado por Caravaggio para Marcantonio Doria en mayo de 1610, dos meses antes de la muerte del artista. Desde mediados de la década de 1970, algunos expertos creen que el cuadro conocido como «El sacamuelas» (1609-10, Palazzo Pitti, Florencia), inscrito en el inventario de los Médicis de 1636 y descrito con admiración por Scannelli (1657), es un original de Caravaggio, aunque Evelina Borea lo expuso en 1970 como obra «de un desconocido seguidor de Caravaggio».

Estos cuatro cuadros, que datan sin duda de la segunda estancia de Caravaggio en Nápoles, obligan a reconstruir el último periodo de su obra. También cabe preguntarse si el artista recibió encargos de arte religioso a gran escala , como hizo durante su primera estancia en 1606-07.

Una prueba documental indirecta sugiere que la Anunciación pintada para la Eglise Primatiale de Nancy, fundada en 1609 con fondos de Enrique II de Lorena, que había heredado el ducado en 1608, data de esta época. La atribución de este cuadro «a Miguel Ángel de Roma», a quien es difícil no identificar con Caravaggio, fue publicada por Pariset en 1948 y aceptada por Longhi en 1959. Consideraciones estilísticas sugieren también que «Crucifixión de San Andrés» (Cleveland Museum of Art), que el virrey Conde de Benavente se llevó consigo a España en 1610 (Bellori), fue pintado por Caravaggio en los meses anteriores a su partida, probablemente por encargo especial.

Estudios documentales sobre los encargos de Caravaggio

La reconstrucción de las dos estancias de Caravaggio en Nápoles se ve facilitada en gran medida por la investigación documental. Teniendo en cuenta la nueva transcripción de documentos del Pio Monte della Misericordia realizada por Causa (1970), parece muy probable que los documentos encontrados por Pacelli (1977) sobre el pago de una importante suma a Caravaggio por parte de Tommaso de Franchise los días 11 y 27 de mayo de 1607, al parecer para un retablo, se refieran a «Debilitamiento» . (Nota: El cuadro de Caravaggio de 1607 «Flagelación» estaba destinado a la capilla de la iglesia de San Domenico Maggiore de Nápoles, cuya familia mecenas estaba estrechamente vinculada a la fraternidad Pio Monte della Misericordia, para cuya iglesia el artista ya había pintado «Siete actos de misericordia»).

Así pues, el cuadro debió de pintarse durante la primera estancia de Caravaggio en Nápoles, y no durante la segunda, como ha sugerido Longi (1959). Hay que añadir que estos pagos no eran definitivos y que el artista tuvo muy poco tiempo para trabajar en el cuadro hasta el 13 de julio, cuando, como sabemos, ya estaba en Malta. Pacelli (1980) ha realizado otros descubrimientos importantes: los documentos relativos a «El martirio de Santa Úrsula» y la capilla Fenaroli de Sant’Anna dei Lombardi fechan ambas obras en el último periodo napolitano, lo que antes sólo podía conjeturarse.

La primera estancia de Caravaggio en Nápoles, que duró sólo unos meses y terminó antes del 13 de julio de 1607, está representada por tres grandes ejemplos de arte del retablo, Siete actos de misericordia, Virgen del Rosario (Kunsthistorisches Museum, Viena) y Flagelación . Quizá habría que añadir a esta lista el retablo encargado por Niccolo Radolovich y pagado el 6 de octubre de 1606 (Pacelli 1967). El hecho de que Caravaggio recibiera encargos tan importantes de obras destinadas a la exposición pública en un periodo de tiempo tan corto habla de su prominencia a su llegada a Nápoles. Así lo confirma el pago de 400 ducados por «Actos de piedad» (el doble de lo que el artista aceptó por el cuadro de Radolovich nada más llegar a Nápoles) y el celoso cuidado con que Pío Monte custodió el cuadro, en particular frente al avaro Conde de Villamediana.

El interés por el cuadro de Caravaggio en Nápoles, que, como una de las capitales del Mediterráneo, no era menos importante que Roma, se desprende de las primeras fuentes. Bellori aludió a ello, y De Dominici, en su vida de Battistello Caracciolo, escribió que «la reputación de Caravaggio en esta época creció enormemente» entre mecenas y artistas por igual. Y añadía: «Caravaggio llegó a Nápoles, donde fue recibido con gran aprobación tanto por artistas como por aficionados a la pintura al óleo, y pintó allí muchas obras».

El estilo pictórico tardío de Caravaggio

A principios del siglo XVII llegaron a Nápoles numerosos artistas barrocos italianos y otros norteños, entre ellos pintores flamencos, como Anthony Van Dyck . Como sabemos que Caravaggio era muy apreciado por muchos de estos artistas, el más famoso de los cuales fue Rubens (1577-1640), no nos sorprende que Purbus el Joven (1569-1622), asociado a Rubens y a la corte mantuana, escribiera desde Nápoles a la familia Gonzaga, instándoles a comprar «la Madonna Rosaria» y «Judith y Holofernes», que más tarde adquirieron Louis Finson (1580-1617) y Abraham Wink, dos pintores del norte residentes en Nápoles. Su introducción al nuevo estilo pictórico de Caravaggio a través de estas dos obras y de la Crucifixión de San Andrés, que copiaron antes de que el Conde de Benavente la llevara a España, tuvo profundas consecuencias históricas.

Recientes investigaciones sobre Battistello Caracciolo (1578-1635) y Carlo Sellitto (1581-1614), los dos artistas napolitanos más directamente implicados en el caravaggismo, han permitido descubrir algunas obras de fecha muy temprana directamente influidas por el nuevo estilo de Caravaggio. La Inmaculada Concepción de Caracciolo en Santa Maria della Stella, fechada en 1607 a partir de documentos recientemente descubiertos, aunque muy diferente en su interpretación y mostrando un conocimiento previo de las obras romanas de Caravaggio, fue pintada cuando Caravaggio estuvo por primera vez en Nápoles. La Liberación de San Pedro de 1615 en el Monte della Misericordia está llena de ecos de la pintura de Caravaggio en la misma iglesia, así como la posteriormente perdida Resurrección .

Las pinturas eclesiásticas del primer periodo napolitano siguen estando estilísticamente emparentadas con la pintura de los años romanos. Así como «Siete actos de misericordia» recuerda las escenas de San Mateo en San Luigi dei Francesi, los otros dos cuadros de Caravaggio le muestran desarrollando ideas que había empezado a elaborar en Roma para obras públicas. En Virgen del Rosario las figuras están dispuestas siguiendo el esquema de la pintura veneciana, y las suspensiones y la iluminación difusa recuerdan Muerte de la Virgen, mientras que en Flagelación el artista utilizó una composición tradicional que le permitió introducir en el cuadro una violencia explícita y brutal que no fue rechazada por los mecenas.

«David» Caravaggio (Kunsthistorisches Museum, Viena) fue pintado sin duda en los mismos meses que «Actos de misericordia» y «Virgen del Rosario» , y sus orígenes napolitanos han dado lugar a la hipótesis de que se trate de la misma David que fue llevada a España por el Conde de Villamediana, el hombre que intentó apoderarse de los «Actos de Misericordia» de Pío Monte en 1613. Bellori recuerda que Villamediana también poseía «Un joven sosteniendo una flor de granada», de la que no tenemos pruebas visuales.

Pinturas finales

Un problema diferente se presenta con «El debilitamiento de Cristo», por el que sabemos que Caravaggio recibió grandes sumas ya en mayo de 1607 (Pacelli 1967): dados los dos pagos documentados, se puede afirmar que Caravaggio terminó el cuadro en esa fecha. La brutalidad de la imagen, acompañada de una técnica de violencia sin precedentes, parece diferenciarla de las otras dos obras eclesiásticas del primer periodo napolitano. Esto explica por qué se ha sugerido anteriormente que el cuadro podría datar de los últimos meses de la estancia de Caravaggio en Nápoles, entre 1609 y 1610, a pesar de que las fuentes indican lo contrario.

Aunque no podemos descartar por completo la hipótesis de que la obra fuera terminada tras su regreso de Sicilia, parece más probable que la necesidad de terminar el cuadro antes de partir para Malta llevara a Caravaggio a adoptar una técnica agresiva y generalizadora, característica de su obra posterior, que puede apreciarse en Malta en «La decapitación de Juan Bautista» (1607-1608, catedral de San Juan, La Valeta) y, de manera singular, en las obras sicilianas, muy trágicas e intensas.

Un problema de datación similar presenta «San Sebastián», a juzgar por las copias que corresponden a la descripción de Bellori, de quien conocemos esta magnífica concepción. La víctima inclina la cabeza como Cristo en Flagelación, y la figura desnuda debió ser pintada antes de la partida de Caravaggio a Malta, en la misma época que el cuadro de San Domenico Maggiore.

Una reflexión similar debe hacerse sobre «El debilitamiento de Cristo» en el Museo de Bellas Artes de Rouen, donde Caravaggio abandona la composición central y sigue un grabado de Alberto Durero (1471-1528), que ya había sido imitado en el norte de Italia en el siglo XVI; el primer verdugo puede confundirse con una obra de época romana. El equilibrio psicológico y la integridad mental y cultural caracterizan el primer periodo napolitano de la obra de Caravaggio.

«La Decapitación de San Juan Bautista» en Malta representa la identificación del artista con la víctima y el tema del cuadro, dándole una fuerte presencia autobiográfica, tendencia constantemente presente más tarde en la obra de Caravaggio. Esto llevó al artista a elegir temas como «La resurrección de Lázaro» (c. 1608-09, Museo Regional de Mesina), en los que el sentido del cuadro podía girar cada vez más en esta dirección. Esta consideración es un requisito importante para la reconstrucción de la obra de Caravaggio en su último periodo napolitano y ha ayudado a revisar la datación de «San Juan Bautista» (c. 1610) y «David con la cabeza de Goliat» (c. 1610) en la Galleria Borghese, Roma.

Ahora conocemos la fecha del cuadro «Martirio de Santa Úrsula», que fue enviado a Marcantonio Doria en mayo de 1610, justo después de su finalización, dos meses antes de la muerte de Caravaggio. Este cuadro presenta evidentes similitudes con otras obras pintadas para mecenas privados y que también contienen semifiguras, como «Salomé recibiendo la cabeza de Juan Bautista» (1609-10) y «La Renuncia de San Pedro» (1609-10). Estas obras, junto a las que hay que situar «El arrancamiento de dientes», constituyen un grupo compacto y representativo pintado en el estilo tardío de Caravaggio; se caracterizan por trazos rápidos con pocos colores, una especie de taquigrafía pictórica, y repentinos destellos de luz que a veces parecen casi amanerados.

Las últimas obras de Caravaggio en la Capilla Fenaroli

Las únicas obras de arte público que Caravaggio parece haber pintado en los meses entre 1609 y 1610 fueron las pinturas para la Capilla Fenaroli en Santa Anna dei Lombardi.

La alteración destinada a Santa Maria della Sanita, por la que Caravaggio recibió 100 aureos, fue terminada en 1612 por Giovan Vincenzo Forli, y es imposible determinar las intenciones originales de Caravaggio. Картины, написанные им для капеллы Фенароли, о которых Пачелли опубликовал полезные документы в 1980 году, – это Воскресение на алтаре, Святой Франциск, принимающий стигматы на стене, приписываемый Караваджо анонимным комментатором Манчини; Св. Juan Bautista, mencionado por Cochin sin identificar a su autor (tampoco conocía al pintor de Resurrección), probablemente también fue pintado por Caravaggio.

La Resurrección de la capilla Fenaroli, en la que Cristo sale del sepulcro y camina entre los soldados en lugar de ascender al cielo, era un concepto inusual, como siempre han señalado los comentaristas. Una pintura sobre este tema firmada por Louis Finson (uno de los primeros imitadores de Caravaggio) en 1610 (en St Jean de Malt, Aix-en-Provence) coincide con la descripción que hace Caravaggio del original, y podemos suponer que se inspiró directamente en él.

La luz deslumbrante del cuadro de Finson «Resurrección» es aún más llamativa que la armadura de los guerreros, y si en nuestra imaginación combinamos esta copia con la luz parpadeante y los coágulos de claroscuro, característicos del estilo tardío de Caravaggio, podemos imaginar que el original debió de parecer una impresionante anticipación del Rembrandt de Rembrandt (1606-1669). Estos rasgos se repiten en el soldado de La Renuncia de San Pedro, el hombre armado de El Martirio de Santa Úrsula y, por último, en la armadura del procónsul Egeo de La Crucifixión de San Andrés . Algunos especialistas consideran que «La Resurrección» , junto con «La Anunciación» , pertenece a un pequeño grupo de obras religiosas de gran formato pintadas por Caravaggio en el segundo periodo napolitano. La elección del tema y la presencia de la muchedumbre reflejan la profunda transformación que llevó a Caravaggio a encarnar la masacre de once mil vírgenes en el martirio de una sola figura.

El Desplazamiento «Los Martirios de San Andrés. Andrés» a España por el conde de Benavente en el verano de 1610 es quizá el ejemplo más conocido del interés español por Caravaggio, pero también se manifestó en el intento del conde de Villamediana de obtener «Los Siete Actos de Misericordia», y en el deseo del conde de Lemos, virrey de Nápoles en 1610-16, de conseguir alguno de los cuadros -pero especialmente «San Juan Bautista»

El conocimiento de la obra de Caravaggio llegó a España a través de los virreyes napolitanos, e incluso los más grandes pintores barrocos españoles no habrían pintado como lo hicieron sin Caravaggio. Es más, sin él todo el empuje del arte barroco español podría haber sido diferente. En cualquier caso, Nápoles sirvió de centro desde el que el caravaggismo se extendió ampliamente por Flandes y España.

El caravaggismo napolitano

También debemos considerar las consecuencias locales de la estancia de Caravaggio en Nápoles durante casi dos años. La escuela napolitana de pintura, más que ninguna otra del sicento italiano, continuó las innovaciones de Caravaggio en una vena poderosamente popular, y los ecos de su naturalismo prevalecieron durante generaciones a pesar de los intentos de dulcificar el estilo. Sus seguidores inmediatos fueron Caracciolo y, a cierta distancia, Carlo Sellitto. Comparando las obras caravaggianas de Caracciolo con la pintura luminiscente de Sellitto injertada en el estilo manierista del dibujo, se puede entender mejor cómo los elementos caravaggianos entraron en la pintura barroca napolitana más tarde en el siglo XVII.

«Santa Cecilia» Sellitto de 1613 (Museo Capodimonte, Nápoles), la más avanzada de sus obras y la más cercana a Caracciolo, fue particularmente innovadora porque, al combinar un naturalismo intensamente luminoso con elementos de forma o dibujo, creó una fórmula aceptable para otros pintores napolitanos.

Aunque sería erróneo definir el naturalismo que se mantuvo en Nápoles hasta 1630 como estrictamente caravaggiesco, lo cierto es que allí se estableció una corriente de realismo, sin parangón en ningún otro centro italiano, que se expresó en la popularidad de la temática rústica y en la profundidad y veracidad de su carga emocional. En este sentido más amplio, los pintores napolitanos fueron los herederos de Caravaggio.

Battistello, por el contrario, fue un caravaggista directo. Su aprendizaje con Caravaggio puede significar que aprendió de él el método de pintar directamente del natural, sin dibujar. Esto le distingue de Sellitto, al igual que su utilización de modelos vivos para explorar la expresión y reforzar la acusación de sentimiento de semejanza con Caravaggio. Su interpretación de los temas sagrados y el predominio de éstos en su obra le sitúan, junto con Serodin y algunos otros, entre los más próximos seguidores de Caravaggio.

Jucepe Ribera, máximo representante de la pintura española en Nápoles, también contribuyó de forma decisiva al desarrollo del naturalismo napolitano. Se inspiró en Caravaggio en sus obras romanas de juventud hasta 1616. Los Siete Actos de Misericordia fue también una de sus fuentes; El posadero fue el modelo de El gusto (Wadsworth Atheneum, Hartford, Connecticut), una de las personificaciones de Los cinco sentidos, que Ribera pintó en Roma (Mancini), y la presencia de Sansón en la pintura de Caravaggio, evocando la antigüedad y el color rústico, mostró a Ribera cómo representar temas que más tarde fueron populares entre los pintores estoicos de la Roma de 1630. De Ribera procede el gusto por pintar texturas ásperas y sedosas y materiales finos, que responden a las exigencias del nuevo estilo pictórico; estas tendencias muestran que se aleja definitivamente del ascetismo de la pintura de Caravaggio.

Otros artistas famosos que visitaron o vivieron en Nápoles y se vieron influidos por el singular tratamiento de la luz de Caravaggio son Velázquez (1599-1660) y la trágica Artemesia Gentliski (1593-1654).

Análisis de las obras maestras de Caravaggio

Los cuadros de Caravaggio se encuentran en muchos de los mejores museos de arte del mundo.