Leonardo Da Vinci 
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Uno de los grandes maestros del Renacimiento italiano, Leonardo da Vinci destacó como pintor, escultor, ingeniero, arquitecto y científico. Junto con Miguel Ángel (1475-1564) y Rafael (Raffaello Santi) (1483-1520), está considerado uno de los tres grandes creadores del arte del Alto Renacimiento en Italia (1490-1530). Es conocido como maestro de la pintura al óleo, incluidas las técnicas pictóricas del claroscuro (uso de la sombra para crear un efecto tridimensional) y el sfumato (uso de veladuras de tonos de color ligeramente diferentes que crean una transición casi imperceptible de la luz a la oscuridad), técnicas ambas que se aprecian en su obra maestra «Mona Lisa».
La capacidad creativa de Leonardo era tan variada que, desgraciadamente, sólo realizó unos pocos proyectos artísticos. A pesar de ello, es autor de varias obras maestras del arte renacentista, entre ellas Mona Lisa (1503-6, óleo sobre tabla, Louvre), uno de los mayores retratos y probablemente el cuadro más famoso del mundo; El Hombre de Vitruvio (1492), probablemente el cuadro más famoso del mundo; La Última Cena (1495-8, fresco al óleo y al temple, Santa Maria delle Grazie, Milán), uno de los cuadros bíblicos más famosos de todos los tiempos. Desgraciadamente, sólo se conserva una pequeña parte de su obra (unos quince cuadros en total), entre otras cosas por su afán (a menudo destructivo) de experimentar con nuevas técnicas pictóricas. No obstante, estos pocos cuadros, así como varios cuadernos de bocetos llenos de ejemplos de dibujo de figuras (incluidos algunos de los mejores dibujos renacentistas), estudios anatómicos, diagramas científicos y sus puntos de vista sobre la técnica y la estética de la pintura, constituyen un legado sólo igualado por Miguel Ángel. Con fama de ser uno de los mejores retratistas, así como uno de los mejores pintores históricos, Leonardo está considerado por la mayoría de los expertos en arte como uno de los mejores pintores de todos los tiempos .
Primeros años y carrera en Florencia
Leonardo di ser Piero da Vinci nació en Vinci, cerca de Florencia, y se formó en el prestigioso taller del famoso escultor, pintor y joyero florentino Andrea del Verrocchio (1435-1488), donde recibió la mejor educación disponible para un joven artista que crecía durante el Renacimiento en Florencia . El taller estuvo en el centro de las corrientes intelectuales del Quatrocento, y se convirtió en el punto de partida de numerosos artistas de talento, como Domenico Ghirlandaio (1449-1494), Perugino (1450-1523), Botticelli (1445-1510) y Lorenzo di Credi (1458-1537).
En Florencia Leonardo adquirió una gran destreza técnica en el dibujo, (incluyendo las sutilezas de la perspectiva lineal, en la que Verrocchio destacaba) la pintura, el modelado y la escultura - así como la joyería, la metalistería y el vaciado en yeso. Florencia fue también el centro del Renacimiento temprano, cuna de artistas tan notables como Donatello (1386-1466), Paolo Uccello (1397-1475), Piero della Francesca (1415-1492), Filippo Lippi (1406-1469) y Leon Battista Alberti (1404-1472), cuyas obras adornaron la ciudad.
Los estudios de luz y perspectiva realizados por Piero della Francesca y el tratado de Alberti Della Pittura («Sobre la pintura») influyeron notablemente en Leonardo, al igual que el tratamiento de luces y sombras de Mazaccio (1401-28) en los frescos de la capilla Brancacci . Otra influencia fue la llegada a Florencia del innovador pintor de Gante Hugo van der Goos (m. 1482), que trajo consigo del norte de Europa una serie de nuevas técnicas de pintura al óleo.
Siendo un joven estudiante, Leonardo demostró un gran talento y estaba claro que desempeñaría un papel importante en la pintura del Renacimiento temprano . De hecho, tras ver el ángel de la izquierda en el Bautismo de Cristo (1470, Galería de los Uffizi) de su alumno, Verrocchio supuestamente decidió abandonar por completo la pintura y concentrarse en la escultura. Leonardo permaneció con Verrocchio hasta que estableció su propio taller en 1477 o 78, aunque su afecto por su maestro era tal que siguió colaborando con él durante los años siguientes.
En 1478 Leonardo se había convertido en un artista independiente, aunque su encargo original de un retablo para la capilla del Palazzo Vecchio nunca llegó a completarse. Otras obras de esta época son Madonna de Benoit (c. 1478, Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo), un retrato de Ginerva de Benci (c. 1474, National Gallery of Art, Washington) y un inacabado San Jerónimo (c. 1481, Pinacoteca, Vaticano).
En Milán con Ludovico Sforza
En 1482, inquieto y ambicioso, Leonardo abandonó su primer gran encargo, «Adoración de los Magos» (comenzado en 1481, Uffizi), y entró al servicio del duque Ludovico Sforza de Milán, con quien permaneció hasta la caída de éste del poder en 1499. Fue durante este periodo cuando Leonardo alcanzó la cima de su carrera artística. Además de pintar y esculpir, sirvió a Ludovico Sforza como ingeniero superior en numerosas aventuras militares, y también ejerció como arquitecto y decorador de fiestas. También ayudó al matemático italiano Luca Pacioli en su famosa obra «Divina Proporción» (1509).
Varios años después de su traslado a Milán, su taller bullía de actividad. De 1485 a 1495 realizó numerosos estudios sobre pintura, arquitectura, mecánica y anatomía humana, que detalló en una serie de cuadernos.
La amplitud de talentos e intereses de da Vinci se tradujo en un gran número de proyectos artísticos inacabados. Por ejemplo, en los 17 años que vivió en Milán, sólo completó seis obras, y a veces tardó años en terminar un cuadro.
Entre los cuadros más importantes del periodo milanés de Leonardo figuran dos versiones «de la Virgen en las rocas» (1483-85, Louvre; 1490s - 1506-08, National Gallery, Londres), encargadas para la Cofradía de la Inmaculada Concepción; retrato «La dama del armiño» (Cecilia Gallerani) (1490, Museo Czartoryi, Cracovia); y «La última cena» (1495-8), fresco para el refectorio del convento de Santa Maria delle Grazie. Sin embargo, apenas terminado, comenzó a desmoronarse debido al uso experimental que Leonardo hizo del óleo sobre yeso seco. Su mayor encargo fue una colosal escultura de bronce, un monumento a Francesco Sforza, padre de Ludovico, en el patio del Castillo Sforzesco. Tampoco se terminó y más tarde fue destruida.
Últimos años 1500-19
Tras la caída de su mecenas Ludovico Sforza en 1499, Leonardo da Vinci pasó la primera década y media del Cinquecento (siglo XVI) viajando por Italia, trabajando para diversos clientes. De regreso a Florencia en 1500, se alojó en el monasterio de Santissima Annunziata, donde, según Giorgio Vasari (1511-1574) en su «Vidas de los artistas» , Leonardo creó una caricatura de «La Virgen y el Niño con Santa Ana y San Juan Bautista» , una obra tan admirada que grandes multitudes viajaron desde toda la zona para verla.
En 1502 entró al servicio de César Borgia, hijo y general en jefe del papa Alejandro VI. En 1503 fue nombrado miembro de la comisión de artistas encargada de recolocar la estatua de mármol del David de Miguel Ángel (1501-4). Ese mismo año comenzó a diseñar un fresco decorativo para el gran vestíbulo del Palazzo Vecchio de Florencia. También quedó inacabado, aunque su caricatura a tamaño natural del fresco sobrevive en copias, sobre todo de Peter Paul Rubens (c. 1615, Louvre). Al mismo tiempo, comenzó a trabajar en su cuadro más famoso, Mona Lisa (1503-6, óleo sobre tabla, Louvre).
En 1506, el gobernador francés Carlos de Amboise invita a Leonardo a regresar a Milán. En 1507 fue nombrado pintor de la corte del rey Luis XII de Francia, que residía en Milán. Irónicamente, su principal encargo milanés era una estatua ecuestre de Gian Giacomo Trivulzio, el general francés que había depuesto a Ludovico Sforza, el mecenas original de Leonardo. Una vez más, el proyecto quedó sin realizar, aunque se conservan los dibujos.
Durante los seis años siguientes, Leonardo viajó entre Milán y Florencia. De 1514 a 1516, Leonardo vivió en Roma, donde mantuvo un taller y realizó varios diseños para el pontífice León X (Giovanni de’ Medici). Sin embargo, debido a su notoria incapacidad para completar las obras, estos encargos papales sólo tuvieron una importancia menor. En consecuencia, a diferencia de Rafael y Miguel Ángel, que gozaron de la confianza de varios papas y, por tanto, participaron profundamente en el Renacimiento de Roma, Leonardo desempeñó un papel secundario en el desarrollo artístico de la capital italiana. Tampoco participó activamente en el Renacimiento de Venecia, ciudad que sólo visitó ocasionalmente. Florencia siguió siendo su base principal en Italia, aunque, sorprendentemente, su relación con la familia Médicis en Florencia fue muy limitada.
En 1516, Francisco I de Francia le nombró primer artista, ingeniero y arquitecto del rey, convirtiéndose así en el último mecenas de Leonardo. Recibió una generosa asignación y fue alojado en el castillo de Cloux, donde murió el 2 de mayo de 1519. Según la leyenda, el rey Francisco I sostuvo la cabeza de Leonardo en sus brazos mientras agonizaba.
Leonardo da Vinci como artista
Durante los quinientos años transcurridos desde su muerte, la reputación de Leonardo da Vinci como artista se ha basado en un puñado de cuadros que están considerados entre las obras maestras supremas jamás creadas por la humanidad. El virtuosismo de estas obras radica en la combinación de estética y técnica pictórica, sobre todo en su soberbio dominio del medio relativamente nuevo de la pintura al óleo.
Su singular habilidad para el dibujo, ejemplificada por su Autorretrato (c. 1510-13, Biblioteca Real, Turín), es también evidente en su gran número de dibujos, que pueden verse en muchas grandes colecciones de arte europeas, especialmente en la Colección Real Británica de Arte del castillo de Windsor en Inglaterra. Desgraciadamente, dado que ninguno de los proyectos escultóricos de Leonardo llegó a completarse, su arte tridimensional sólo puede apreciarse a partir de sus dibujos . Lo mismo puede decirse de su arquitectura, donde su dominio de la materia es claramente evidente a partir de sus diseños y dibujos arquitectónicos.
Leonardo dedicó gran parte de su vida a intentar crear pinturas realistas y veraces, en contraste con las obras de arte religioso, hasta entonces muy estilizadas. Al representar a sus Madonas y otras figuras como personas reales, Leonardo demostró su completo dominio de las técnicas pictóricas, entre ellas la perspectiva, el claroscuro y el sfumato, que le permitieron crear efectos tridimensionales extremadamente realistas. Este nuevo enfoque de la representación veraz de la vida, junto con su dominio del disegno (diseño) y el colorito (pigmentos de color), ejerció una enorme influencia en las generaciones posteriores de artistas, entre ellos el iconoclasta Caravaggio (1571-1610).
El realismo de Leonardo se debe en gran parte al estudio del cuerpo humano que realizó durante toda su vida. Comenzó con su aprendizaje con Andrea del Verrocchio y continuó con la disección de cadáveres humanos en hospitales de Florencia, Milán y Roma. Más tarde, en 1510, en colaboración con el doctor Marcantonio della Torre, escribió una obra teórica sobre anatomía (publicada finalmente en 1680), para la que Leonardo realizó más de 200 dibujos. En conjunto, da Vinci fue el primer artista que estudió las proporciones anatómicas de hombres, mujeres y niños, y fue un agudo observador de los efectos de la edad y las emociones en la fisiología humana. También esbozó muchas figuras que sufrían deformidades faciales o signos de enfermedad, creando a veces un tipo de retrato caricaturesco de su sujeto.
Leonardo concedía gran importancia a los aspectos intelectuales de la pintura. Esto le llevó, junto con Miguel Ángel, a defender la idea de que los artistas eran verdaderos pensadores creativos, no meros artesanos hábiles.
La pintura de Leonardo
Para un análisis e interpretación de las obras maestras de Leonardo Da Vinci, véase Análisis de cuadros famosos .
Paisaje con vistas al Arno (1473)
La primera obra que se puede atribuir definitivamente a Leonardo da Vinci es el famoso dibujo de paisaje de los Uffizi, ) Paisaje con vista al Arno) fechado en 1473. Quizá nunca en la historia del arte la primera obra de un artista genial haya sido tan individual, tan original ni tan compleja como este dibujo, que lleva en sí la semilla de la historia. Este primer paisaje coincide en su representación de la manifestación dinámica de la naturaleza con los conceptos teóricos y estilísticos desarrollados posteriormente por el Leonardo maduro.
La visión se capta en un momento dinámico concreto y es una serie de vistas en perspectiva correspondientes, cada una con su punto de enfoque preciso; se aleja así por completo de la tradición pictórica con su punto de enfoque único. Esta compleja estructura revela la esencia del arte de Leonardo, su incomparable equilibrio entre voluntad artística y emoción poética; su rechazo de la rígida forma geométrica de la perspectiva albertiana coincide con un tremendo poder emocional.
Bautismo de Cristo (1475-8)
El problema más difícil de los primeros años de Leonardo da Vinci es el alcance de su cooperación, cuando todavía era miembro del taller de Verrocchio, en el famoso Bautismo de Cristo, que todavía se atribuye a Verrocchio en los Uffizi.
Como ya se ha dicho, Botticelli trabajó en el taller de Verrocchio al mismo tiempo que Leonardo, y se ha demostrado (por C.L. Raggianti) que todo el cuadro es obra de estos dos artistas. La tradición siempre ha atribuido a Leonardo el primer ángel de la izquierda y el paisaje de fondo detrás de él. Se ha acordado que el paisaje de la derecha también es obra de Leonardo; la intensidad visionaria con la que está representada esta sección no ha sido alcanzada por ningún otro artista.
Si se examina más detenidamente, vemos que la pintura de la figura de Cristo también presenta rasgos de este nuevo estilo característico e inconfundible, a pesar de cierta intensidad gráfica que podría indicar que fue esbozada previamente por Botticelli; y el vívido tratamiento del agua de la que surgen las figuras también atestigua la mano del joven Leonardo.
Virgen con clavel (1473-8)
No cabe duda de que en la «Virgen con clavel» de la Antigua Pinakothek de Múnich se aprecia en gran medida la influencia de Verrocchio. Pero un elemento de novedad en esta obra se encuentra en la interminable proliferación de perspectivas y relaciones estructurales que crean en las figuras de la Virgen y el Niño clímax y momentos de reposo, remolinos y dramáticos efectos de luz que se combinan con un implicado y complejo tratamiento del paisaje en profundidad. Aquí la huella de la imaginación nórdica recuerda la reciente invasión flamenca del arte florentino, con Van der Goos en Santa Trinita y Van Eyck en el Palacio Médicis; el mundo de fábula inventado por estos artistas flamencos reaparece, revestido del misticismo único de Leonardo.
Madonna de Benoit (c. 1478)
La llamada «Madonna de Benoit» situada en el Hermitage, San Petersburgo, presenta un caso similar.
La conexión entre movimiento y emoción (como se ve, por ejemplo, en la corriente de movimiento entre el gesto del Niño y la expresión de su rostro cuando mira la flor que le tiende su Madre), da lugar a la continuidad lírica de la figura de la Madre, un tipo que seguirá siendo el modelo de la primera Madonna pintada por Rafael cuando era un joven artista en Florencia.
Anunciación (1475-8)
La obra más famosa e indiscutible del periodo de formación de Leonardo da Vinci es sin duda la Anunciación (1475-8) pintada para el monasterio de San Bartolomeo-a-Monteoliveto, actualmente en la Galería de los Uffizi de Florencia .
Se trata de un tipo de composición clásica en la que la estructura de la perspectiva, al menos en lo que se refiere al elemento principal y más destacado, actúa como factor de control y abarca toda la composición mediante una estrecha red de ejes y coordenadas, que convergen en un pequeño montículo a lo largo de la pared del lado derecho del cuadro.
El primer alejamiento de las tradiciones consideradas hasta ahora históricamente necesarias da lugar a una composición libre e imaginativa, en la que surgen constantemente infinitas relaciones dentro del cuadro y entre el tema principal y el espacio circundante. Vemos también que cada episodio presente en el lienzo está organizado en elementos, cada uno de los cuales tiene una existencia autónoma.
El gesto de la Madonna sentada enmarcada por el ala saliente del edificio coincide con el reflejo de la luz que cae sobre la piedra, mientras que la red de perspectiva cerrada del pecho, el movimiento controlado del gesto desprendido que interfiere y el recogimiento de la cabeza se convierten en fugaces señales de emoción. Esta obra fue capaz por sí misma de dar una nueva dirección al arte renacentista florentino, tras los dramas repetitivos de las últimas obras de Donatello y el movimiento hacia formas obsoletas en la tradición de los artistas Caredi que buscaban la continuidad.
Retrato de Ginevra de Benci (1478-79)
El Retrato de Ginevra de Benci también está pintado casi totalmente en monocromo. Sin embargo, aunque en este caso la pintura está acabada, los tonos de la carne tienden a una palidez lunar, como en la inacabada y en gran parte monocroma «Adoración», y la relación de la figura con el espacio se consigue mediante el uso de matorrales simbólicos, ahora espesos y brillantes bajo el cielo del atardecer, cuando la luz se desvanece y envuelve el mundo en pálidos rayos, una hora descrita por Leonardo como ideal para el artista.
Este retrato fue pintado probablemente en 1478-79 y puede ser la última obra que Leonardo realizó durante su primera estancia en Florencia; se marchó a Milán en 1478, rechazando desdeñosamente las reglas de la Academia neoplatónica, que le consideraba, como analfabeto, objeto de desprecio.
Adoración de los Magos (c. 1481)
En la completa «Adoración de los Magos», también en los Uffizi, la visión del fondo a la derecha es el eje de toda la composición. La escena sagrada tradicional de la iconografía florentina, ilustrada con colores resplandecientes por los más grandes artistas del Quatrocento, utilizada por Gozzoli y Botticelli como medio de exaltación y glorificación de la Casa de Médicis y de su Academia, adquiere en la mente de Leonardo una dimensión completamente diferente.
Alrededor del grupo de la Madre y el Niño, en el centro del cuadro, un mar de figuras surge de visiones alucinatorias en el fondo; los personajes se mueven y retuercen como videntes místicos en estado de exaltación profética. A los lados, dos figuras melancólicas permanecen inmóviles, sumidas en sus pensamientos.
El acontecimiento ha adquirido una dimensión misteriosa, casi esotérica; la naturaleza entra en un acto divino casi en el umbral de la creación y presenta una escena de destrucción y aniquilación a través de la cual se oyen los gritos y los gestos de los hombres que anuncian al mundo la sorprendente noticia. También aquí, como en Paisaje y Anunciación, el foco central controla la perspectiva de la composición y envía ondas de movimiento interior.
Aquí el discurso se volvió mucho más complejo y riguroso; el abandono del color se convirtió en una cuestión no de imitar el efecto de la escultura o la arquitectura, sino de transmitir atmósfera y luz. El efecto de «incompletitud» - «non finito «- accidental o intencionadamente, sirve para maximizar los ecos de emoción, la dinámica infinita de los focos de luz, que aquí se despojan de todo carácter episódico y se identifican con la acción humana.
San Jerónimo (1480-2)
También de esta época es el cuadro de Leonardo «San Jerónimo», hoy en el Museo Vaticano. Las figuras aquí son casi símbolos emblemáticos, y el espacio se profundiza con gradaciones de monocromía, desde los tonos ocres del primer plano, pasando por los tonos azulados-calcáreos de la figura, hasta los tonos imperceptiblemente azulados del fondo izquierdo.
Y si, como han señalado algunos historiadores del arte, la dramática repetición en las figuras revela signos del aprendizaje de Leonardo en el estilo de Pollaiolo, es la solución de Leonardo a la luz y al espacio lo que marca el nuevo clima en el arte.
Virgen en las rocas (1483-5)
Hacia 1483, la Congregación de la Concepción de Milán encargó a Leonardo un tríptico que representaba a la Virgen, Jesús y dos ángeles; éste se convirtió quizá en el cuadro más famoso que pintó en Milán. Parece ser que el duque de Milán, Ludovico Sforza, se apoderó personalmente del cuadro y obligó a Leonardo a realizar una copia del mismo. Lo hizo en 1495. La primera versión se encuentra en el Louvre, la segunda en la National Gallery de Londres.
Sin duda, en este cuadro el tratamiento de la luz por Leonardo alcanza su forma más compleja. Dos fuentes de luz -una más definida, al fondo, la otra más indefinida, en primer plano- controlan la composición, bañando las formas en un reflejo algo acuoso que multiplica hasta el infinito la dinámica de la visión. La textura varía entre pinceladas rápidas y la definición gráfica de un follaje complejo, y consigue un efecto atmosférico muy intenso cuando dos fuentes de luz arrebatan algunos detalles que emergen del resplandor saturado.
Su vívida imaginación transformó elementos característicos de la pintura del norte de Europa, entonces en boga en Florencia, en obras de tal grandeza poética que han influido en el desarrollo de la forma artística hasta nuestros días. Para más detalles, véase: «La Virgen en las rocas» Leonardo .
Dama con armiño (1488-90)
Una de las obras más líricas que pintó durante su estancia en la corte lombarda fue un retrato de Cecilia Gallerani, la amante de Lodovico el Moro.
El bello retrato conocido como La dama del armiño, se encuentra en Cracovia. En él, el impulso visionario de la obra florentina reciente parece haber dado paso a una contemplación serena de una forma continua sobre la que la luz uniforme crea una sensación de ingravidez, y en la que todo el efecto dramático se centra en la mano grande, hipersensible, casi dolorosa, que sostiene el animal simbólico. Para un análisis, véase: «La dama del armiño» Leonardo .
El Hombre de Vitruvio (c. 1492)
«Hombre de Vitruvio» (actualmente en la Galería de la Academia de Venecia) - es un dibujo famoso en todo el mundo, con notas adjuntas, creado por Leonardo da Vinci hacia 1492, según consta en uno de sus diarios.
Muestra una figura masculina desnuda en dos posturas superpuestas con los brazos y las piernas separados dentro de un círculo y un cuadrado. A veces llamado Canon de las proporciones, fue creado como estudio de las proporciones del cuerpo humano (masculino) descritas por el arquitecto romano Vitruvio (c. 78-10 a.C.). Hoy en día, esta imagen sigue siendo una de las más copiadas del mundo.
Última Cena (1495-7)
Hacia 1495 Leonardo da Vinci comenzó a trabajar en La Última Cena ) Il Cenacolo) en el refectorio del Convento de Santa Maria delle Grazie en Milán. (Nota: para un análisis de esta obra véase: La Última Cena de Leonardo). Para esta obra maestra del arte cristiano, experimentó con una técnica basada en el impasto utilizando óleo y temple, para ser colocada sobre una pared cubierta con una capa de barniz hecha con una mezcla de gesso. Pero la técnica resultó insatisfactoria y el cuadro se deterioró rápidamente, hasta el punto de que a mediados del siglo XVI se calificó de completamente arruinado y, tras numerosas restauraciones que continúan hasta nuestros días, el fresco que vemos ahora es una mera sombra del original pintado por Leonardo.
Bajo las bóvedas bramantescas de la sala, la escena se desarrolla en una perspectiva clásica con un foco central. Se produce un efecto ilusorio de alargamiento, ya que la sala domina el campo a través de los arcos del fondo. La amplitud de las figuras se sitúa así en una estructura adaptada a la escala humana según las normas del Renacimiento; se produce así el efecto de monumentalidad que caracterizará la pintura del siglo XVI. Todas las figuras principales están cuidadosamente dispuestas para equilibrarse entre sí, así como las figuras de otros grupos. Este equilibrio calculado se ve reforzado por la luz difusa que incide sobre toda la obra, de modo que la figura de Cristo, que está en parte a contraluz, destaca sobre el luminoso fondo de tiza.
El cuadro representa la escena de la Última Cena de los últimos días de la vida de Jesús, relatada en Juan 13, 21, justo después de que Jesús anuncie que uno de sus doce apóstoles le traicionará. Se muestra la reacción de cada discípulo ante esta noticia. Un famoso ejemplo de pintura de historia muestra el movimiento dramático y el claroscuro (representación de luces y sombras) que caracterizan el estilo maduro de Leonardo.
Cada una de las figuras está dispuesta de manera que ocupa una determinada parte del espacio que apenas cambia de una figura a otra (excepto en la parte central, donde se destaca la figura de Cristo), y el efecto de esto es concentrar la mayor intensidad en el punto central, donde se focaliza y se mantiene para siempre el momento dramático. La tradición de aislar la figura de Judas en el borde exterior del cuadro, que Leonardo siguió en sus bocetos preparatorios para esta obra, fue abandonada en la versión definitiva para evitar la fragmentación y la consiguiente reducción del efecto dramático.
El cuadro contiene varias alusiones al número 3 (posiblemente a la Santísima Trinidad). Los discípulos están sentados en grupos de tres; hay tres ventanas; y la figura de Jesús se asemeja a un triángulo.
Los relatos sobre la minuciosa ejecución de Leonardo «de la Última Cena» llevaron a muchos a considerarle el creador de la idea del artista como pensador contemplativo y creativo, más que como un mero artesano cuyo trabajo consiste en cubrir tantos metros cuadrados al día. Esta idea de la dignidad del artista fue recogida y desarrollada por Miguel Ángel y otros pintores del siglo XVI.
La Última Cena no es una verdadera pintura al fresco, porque fue pintada sobre una pared seca en lugar de yeso húmedo, y da Vinci selló la pared de piedra con una capa de resina, gesso y masilla y luego pintó sobre ella con témpera. Este método de pintura provocó un notable deterioro con el paso de los años.
La pintura ha sido objeto de un sinfín de interpretaciones (por ejemplo, en la novela «El Código Da Vinci» ), pero la mayoría de las especulaciones no están respaldadas por investigaciones académicas.
Mona Lisa (c. 1503-6)
Esta exquisita obra del arte del retrato del Alto Renacimiento lleva el nombre de su heroína, Lisa del Giocondo, de soltera Lisa Gherardini, esposa de un comerciante florentino. En Italia se la conoce como La Gioconda . («Mona» es una forma de dirigirse a ella, como «Señora» o «Mi Señora»). Para la interpretación y el análisis, véase: Mona Lisa de Leonardo .
La Gioconda introdujo un elemento revolucionario en el desarrollo del concepto renacentista del retrato. Con algunas excepciones, los retratos de los artistas de finales del siglo XV habían tendido a ser esquemáticos, pero ahora la relación entre la figura y el fondo ya no dependía de la habitual recesión de planos en gradación uniforme. El efecto anticipado en parte en Retrato de Ginevra de Benci, se consigue aquí plenamente, y la Gioconda es un momento de iluminación total, representada con igual intensidad a través de las rocas y el cielo del fondo.
La célebre «enigmática» sonrisa se convierte en un sutil medio de refracción de la luz; es como si asistiéramos al nacimiento mismo de la luz, como si el esplendor de este momento no pudiera repetirse jamás y la luz nunca volviera a tener la misma intensidad. Obsérvense los detalles faciales que muestran el sutil efecto del sfumato, especialmente en las sombras alrededor de los ojos y la boca. Su técnica del sfumato influyó en muchos contemporáneos, entre ellos Andrea del Sarto (1486-1530), líder de la pintura del Alto Renacimiento en Florencia después de 1510. La Gioconda era la favorita de Leonardo y le acompañaba en todos sus viajes.
La Mona Lisa es la pieza central del Museo del Louvre de París . Algunos conservadores de arte calculan que su valor ronda los mil millones de dólares. Su belleza e impacto visual radican en la técnica de pintura al óleo (conocida como sfumato) creada por Leonardo, que le permitió ejecutar el tipo de sutiles sombras atmosféricas que no podían conseguirse con la pintura al temple al huevo utilizada por sus contemporáneos.
Virgen con el Niño, Santa Ana y San Juan Bautista (1500-8)
En 1500 Leonardo volvió a Florencia y se alojó con los monjes del monasterio de Santissima Annunziata, para los que pintó «Virgen con el Niño y Santa Ana» (dibujo en la National Gallery, Londres; pintura en el Louvre). Las inusuales relaciones espaciales entre las propias figuras y entre éstas y el fondo constituyeron una gran innovación estructural que fue adoptada posteriormente por Rafael (1483-1520), Fra Bartolomeo (1472-1517), Andrea del Sarto (1486-1530) y los representantes del manierismo, y de hecho imitada por artistas de todo el siglo XVI.
La importancia de esta obra se comprenderá mejor si tenemos en cuenta que fue realizada en un periodo que representaba quizá el momento más crucial de la pintura de los siglos XV y XVI, cuando aún persistía la influencia de la enseñanza de los grandes maestros florentinos de la generación precedente, y los artistas más jóvenes de la misma generación que Leonardo (entre ellos, por ejemplo, Botticelli) se sentían atraídos por las fantasías fantásticas de los pintores flamencos, que les llegaron a través de Piero di Cosimo (1462-1522).
La obra inicia un nuevo periodo en la historia del arte del Renacimiento, al igual que «Las Sagradas Familias» de Rafael y «Doni Tondo» de Miguel Ángel lo hicieron a su vez. Se trata de un periodo definido con demasiada frecuencia con el término pseudohistórico «clasicismo». De hecho, es todo lo contrario: una forma revolucionaria de expresar la relación entre el hombre y el objeto, con una flexibilidad mucho mayor y una variedad ilimitada, que va mucho más allá de la representación figurativa y lleva la marca de uno de los momentos decisivos de la historia del arte.
San Juan Bautista (1513-16)
Leonardo regresó a Milán, viajó a Roma y de allí huyó a Francia; en una vejez ansiosa y colérica sólo pintó un cuadro, «San Juan Bautista», hoy en el Louvre.
Este cuadro expresa las consecuencias extremas del tratamiento de la luz de Leonardo; la luz se filtra constantemente desde el fondo oscuro hacia los planos más destacados del primer plano y se convierte ella misma en expresión del espacio y de la fisonomía, fundiéndose con la figura y el rostro cuando se inclina hacia delante y sonríe enigmáticamente, y con el levantamiento simbólico del dedo; ya no es "la voz de un hombre que grita en el desierto", sino el guardián y el testigo del misterio de la iniciación, un medio para la realización de la esencia de la humanidad y, por tanto, de la esencia cósmica. Respetado y honrado por sus cortesanos, reconfortado por la compañía de Melzi y Salai, el viejo Leonardo, semiparalizado, siente que su vida toca a su fin.
Leonardo y el manierismo
El pintor, teórico del arte y biógrafo del siglo XVI Giorgio Vasari (1511-1574), famoso por su libro «Vidas de los artistas» (1550), identificó las obras de Leonardo, Rafael (1483-1520) y Miguel Ángel (1475-1564) como la fuente de la pintura manierista.
La escultura de Leonardo
Debido a la ausencia total de esculturas terminadas, tenemos poca información precisa sobre las actividades de Leonardo da Vinci en este campo; sabemos por pruebas documentales y sus propios escritos que se consideraba igualmente dotado en ambas artes - de hecho, se consideraba particularmente hábil en la difícil tarea de la fundición en bronce.
Su actividad juvenil en el taller de Verrocchio, que era escultor y en menor medida pintor, hace muy probable que comenzara como aprendiz de escultor, aunque es un hecho que todas las obras escultóricas, que se atribuyen a los primeros años de Leonardo, desde la Virgen con el Niño en terracota del Victoria and Albert Museum hasta el Retrato de dama con flores del Bargello, deben atribuirse al propio Verrocchio o a Antonio Rossellino .
No existen pruebas documentales de la existencia de esculturas que puedan atribuirse sin reservas a Leonardo. Esta afirmación no es refutada por la existencia de esculturas de bronce y cera que han sido atribuidas a Leonardo con poca justificación, algunas de ellas destinadas a decorar el monumento de Francesco Sforza, otras para el monumento de Trivulzio . Estos dos monumentos fueron grandes proyectos que ocuparon el pensamiento de Leonardo durante muchos años, pero nunca llegaron a realizarse.
Ya se ha mencionado que Ludovico el Moro encargó un monumento en memoria de Francesco Sforza, y Leonardo sólo completó un modelo de arcilla del caballo, que posteriormente fue destruido; una clara impresión de la idea básica de este monumento puede obtenerse de la serie de dibujos a punta de plata en el castillo de Windsor, donde es particularmente evidente cómo la actitud de Leonardo hacia la figura del caballo evolucionó de un dibujo al siguiente.
En uno de sus primeros bocetos representó al caballo como una figura en movimiento dando un salto en el espacio, lo que recuerda a los bocetos de Leonardo al estilo de Antonio Pollaiuolo . Posteriormente, el caballo se representó con las cuatro patas en el suelo, según la tradición clásica, y se introdujeron nuevas modificaciones antes de crear la versión definitiva en 1493. Unos veinte años más tarde, Leonardo trabajaba en el diseño de un monumento funerario a Giangiacomo Trivulzio, general al servicio del rey de Francia. Este monumento, situado en la iglesia de San Celso de Milán, consistiría en un sarcófago que serviría de base a una estatua ecuestre de tamaño natural.
A partir de los bocetos conservados de esta obra, podemos ver cómo la idea de la composición surgió directamente del plan definitivo del monumento de los Sforza. El sobrio dinamismo dio un nuevo significado a la iconografía ecuestre tradicional vista en la estatua de Marc. Aurelio o en las obras de Verrocchio y Donatello.
La arquitectura de Leonardo
No hay obras terminadas que atestigüen las investigaciones de Leonardo da Vinci en arquitectura . Sí sabemos que dedicó mucho tiempo a diseñar la cúpula de la catedral de Milán, y existen innumerables planos de fortificaciones que creó para los duques de Milán y Valentino.
Pero la obra arquitectónica más interesante que nos ha dejado Leonardo es su proyecto Trattato sull’architettura, del que se conservan numerosos testimonios. Sabemos que este tratado fue concebido en dos partes, la primera una exposición de la doctrina de los órdenes y de las formas arquitectónicas, la segunda un discurso sobre las técnicas de construcción. De los fragmentos conservados y de los numerosos dibujos (prototipos del dibujo arquitectónico analítico) se desprende que la gran importancia de las teorías de Leonardo radica en que constituyen un vínculo entre las teorías del siglo XV -no sólo las de Filippo Brunelleschi y Leon Battista Alberti, sino también las de Filarete y Francesco di Giorgio- y las teorías arquitectónicas clásicas del maduro Donato Bramante . Más tarde se convirtieron en el modelo del tratado de Serlio sobre los órdenes arquitectónicos.
En esta constante preocupación por la investigación teórica, que conducía a un ideal arquitectónico más fundamentado como teoría abstracta que como realización práctica, debemos ver la razón por la que Leonardo fue incapaz de llevar a buen término sus innumerables ideas.
Obras teóricas: ideas sobre las bellas artes
Leonardo llenó innumerables cuadernos con un gran número de esbozos, bocetos y otras ideas artísticas. Estos diarios científicos y artísticos, incluido su Tratado de la pintura (1651), que acabaron sumando unas 13.000 páginas de notas y dibujos, fueron adquiridos por importantes instituciones como la Biblioteca Real del Castillo de Windsor, el Victoria and Albert Museum, la British Library de Londres, el Louvre de París, la Biblioteca Nacional de España y la Biblioteca Ambrosiana de Milán, que posee el Codex Atlanticus, de doce volúmenes. Codex Leicester (Codex Hammer) Leonardo fue adquirido por Bill Gates de Microsoft y se expone anualmente en varias ciudades del mundo.
Sin duda su obra teórica más importante es «Tratado de la pintura», aunque desgraciadamente también ha llegado hasta nosotros de forma fragmentaria (no en su totalidad). Este tratado es, sin duda, la mayor aportación a la teoría de la pintura realizada durante el Renacimiento. En él se examinan todos los temas debatidos en la época. El principal de ellos es la disputa sobre la primacía de las artes, que Leonardo resuelve naturalmente a favor de la pintura, a la que califica de ciencia natural por la base científica y matemática de este arte. Se adhirió a las teorías enunciadas por los primeros autores florentinos sobre la teoría del arte, pero siguió una línea original de desarrollo a través del concepto de "conocimiento adquirido por la experiencia" en contraposición a lo que consideraba las "ciencias espirituales erróneas" de las tradiciones platónica y aristotélica.
Y es en este sentido que la pintura adquiere su valor más elevado y se convierte en una ciencia, incluso en un sistema filosófico. La idea generalmente aceptada de la primacía de la pintura entre las artes dio lugar a toda una tradición cultural que continuó a lo largo del siglo XVI, incluso allí donde el pensamiento de Leonardo no pudo penetrar. Pero el punto de vista de Leonardo sobre la superioridad de la pintura como arte y ciencia combinados, capaz de representar una síntesis de todas las formas de expresión, es absolutamente original.
Leonardo creía que la esencia de la pintura reside en el relieve, en el modelado estricto mediante luces y sombras; el segundo factor importante de la pintura es la expresión psicológica, manifestada principalmente a través del «movimiento», los rasgos faciales y los gestos. Otra parte importante del Trattato está dedicada a la teoría de la proporción, que incorpora la ley de la perspectiva; ésta fue la formulación de lo que puede llamarse «el descubrimiento» de Leonardo, pues, aunque la teoría se derivaba del sistema de perspectiva tradicional del arte florentino, él la considera desde el punto de vista del cambio de las proporciones reales bajo la influencia del movimiento. La última parte «del Trattato» está dedicada al análisis de la estructura de los músculos.
Leonardo da Vinci: pinturas
Las pinturas y dibujos de Leonardo pueden verse en varios de los mejores museos de arte del mundo, incluida una galería completa de su obra en el sitio web Gallerix, aquí: Leonardo da Vinci pinturas .
Paisaje con vistas al Arno (c. 1473) dibujo, Uffizi, Florencia.
Anunciación (c. 1475-8) óleo sobre tabla, Uffizi, Florencia.
Virgen con clavel (c. 1473-8) Óleo sobre tabla, Alte Pinakothek, Múnich.
Virgen de Benoit (c. 1478) Óleo sobre lienzo, Museo del Hermitage, San Petersburgo.
Retrato de Ginevra de Bensi (c. 1474-79) National Gallery, Washington.
San Jerónimo en el desierto (c. 1480-2) Temple/óleo sobre tabla, Vaticano.
Adoración de los Magos (c. 1481) Subpintura sobre tabla, Uffizi, Florencia.
Virgen en las Rocas (c. 1483-5) Óleo sobre tabla (transferido a lienzo) Louvre.
Dama con armiño (1488-90) Óleo sobre tabla, Czartoryski, Cracovia.
La Última Cena (1495-8) temple sobre gesso, Santa Maria delle Grazie.
Virgen en las rocas (1495-1508) óleo sobre tabla, National Gallery, Londres.
Frescos del techo de la Sala delle Asse (c. 1498-1499) Castel Sforzesco, Milán.
Virgen y Niño con Santa Ana y San Juan (c.1500-8) dibujo, Londres.
Mona Lisa (c.1503-1506) Óleo sobre madera de algodón, Louvre, París.
Virgen con el Niño y Santa Ana (c. 1510) Óleo sobre tabla, Louvre, París.
San Juan Bautista (1513-1516) Óleo sobre madera de nogal, Louvre, París.
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