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Leonardo Da Vinci (1452-1519)

Introducción

Uno de los mejores Viejos maestros del Renacimiento italiano , Leonardo da Vinci se destacó como pintor, escultor, ingeniero, arquitecto y científico. Junto con Miguel Ángel (1475-1564) y Rafael (Raffaello Santi) (1483-1520), se le considera uno de los tres grandes creadores de Arte del alto renacimiento en Italia (1490-1530). Reconocido como maestro de pintura al óleo , incluidas las técnicas pictóricas de claroscuro (uso de sombra para crear un efecto tridimensional) y sfumato (uso de esmaltes en tonos de color ligeramente diferentes que crean una transición casi imperceptible de claro a oscuro), ambas técnicas son visibles en su obra maestra, Mona Lisa . Desafortunadamente, los dones creativos de Leonardo fueron tan diversos que completó solo un puñado de proyectos artísticos. Aun así, fue responsable de varias obras maestras de Arte renacentista , incluida la Mona Lisa (1503-6, óleo sobre panel, Louvre), uno de los mejores pinturas de retratos ; Hombre de Vitruvio (1492), posiblemente el dibujo más conocido del mundo; y La Última Cena (1495-8, óleo y fresco al temple, Santa Maria delle Grazie, Milán), una de las pinturas bíblicas más conocidas de todos los tiempos. Lamentablemente, solo una fracción de su arte sobrevive (alrededor de 15 imágenes en total), sobre todo debido a su sed de experimentación (a menudo desastrosa) con nuevas técnicas de pintura. Aun así, estas pocas pinturas, junto con una serie de cuadernos de bocetos repletos de ejemplos de dibujar figuras (incluyendo algunos de los mejores dibujos del renacimiento ), más estudios anatómicos, diagramas científicos y sus puntos de vista sobre las técnicas y la estética de la pintura, comprenden un legado que solo rivaliza con Miguel Ángel. Con una reputación establecida como uno de los Mejores retratistas y también uno de los Los mejores pintores de historia , Leonardo es considerado por la mayoría de los expertos en arte como uno de los Mejores artistas de todos los tiempos .

Vida temprana y carrera en Florencia

Nacido Leonardo di ser Piero da Vinci en Vinci, cerca de Florencia, se formó en el prestigioso taller del famoso escultor, pintor y orfebre florentino Andrea del Verrochio (1435-88), donde recibió la mejor educación disponible para un joven artista que creció durante el Renacimiento en Florencia . El estudio estaba en el corazón de las corrientes intelectuales cruzadas del quattrocento , y un punto de partida para varios artistas altamente talentosos, incluidos Domenico Ghirlandaio (1449-94) Perugino (1450-1523) Botticelli (1445-1510) y Lorenzo di Credi (1458-1537).

En Florencia, Leonardo absorbió una amplia gama de habilidades técnicas en dibujo, (incluidos los puntos finos de perspectiva lineal , en el que Verrochio sobresalió) pintura, escultura y modelado, así como orfebrería , metalurgia y escayola. Además, Florencia estaba en el centro de Renacimiento temprano actividad, ser el hogar de artistas eminentes como Donatello (1386-1466), Paolo Uccello (1397-1475), Piero della Francesca (1415-92), Filippo Lippi (1406-69) y Leon Battista Alberti (1404-72), cuyas obras decoraron la ciudad. Los estudios de luz y perspectiva realizados por Piero della Francesca, así como el Tratado de Alberti della Pittura (sobre pintura) tuvieron un impacto significativo en Leonardo, al igual que el tratamiento de la luz y la sombra por Masaccio (1401-28) en el Frescos de la Capilla Brancacci . Otra influencia fue la llegada a Florencia del innovador pintor de Gante. Hugo van der Goes (d.1482), quien trajo consigo una serie de nuevas técnicas de pintura al óleo del norte de Europa.

Como joven aprendiz, Leonardo mostró un talento inmenso, y estaba claro que jugaría un papel importante en Pintura del renacimiento temprano . De hecho, después de ver el ángel de su alumno a la izquierda en El bautismo de Cristo (1470, Galería de los Uffizi), Verrocchio supuestamente decidió dejar de pintar por completo y centrarse en la escultura. Leonardo permaneció con Verrocchio hasta que estableció su propio taller en 1477/8, aunque su apego a su maestro fue tal que continuó colaborando con él durante algunos años.

En 1478, Leonardo era un artista independiente, aunque su comisión inicial para un retablo para la capilla del Palazzo Vecchio nunca se ejecutó. Otras obras que datan de esta época incluyen la Virgen de Benois (c.1478, Hermitage Gallery, San Petersburgo), el retrato Ginerva de Benci (c.1474, Galería Nacional de Arte, Washington DC) y el inacabado San Jerónimo (c.1481, Pinacoteca, Vaticano).

En Milán Con Ludovico Sforza

En 1482, inquieto y ambicioso, Leonardo abandonó su primera comisión a gran escala, La adoración de los magos (comenzada en 1481, Uffizi), y entró al servicio del duque de Milán, Ludovico Sforza, con quien permaneció hasta la caída de este último. poder en 1499. Fue durante este período que Leonardo alcanzó el punto álgido de su carrera artística. Además de pintar y esculpir, sirvió a Ludovico Sforza como ingeniero sénior en numerosas aventuras militares y estuvo activo también como arquitecto y diseñador de festivales. También ayudó al matemático italiano Luca Pacioli en su famosa obra Divina Proportione (1509).

A los pocos años de su mudanza a Milán, su taller estaba lleno de actividad. De 1485 a 1495 completó numerosos estudios sobre pintura, arquitectura, mecánica y anatomía humana, todos los cuales registró en detalle copiosamente ilustrado en una serie de cuadernos.

De hecho, la amplitud de los talentos e intereses de Da Vinci condujo a una gran cantidad de proyectos de arte inacabados. Por ejemplo, durante sus 17 años en Milán, en realidad completó solo seis obras, a veces demorándose sobre una pintura durante años antes de terminarla.

Las principales pinturas del período de Leonardo en Milán incluyen dos versiones de The Virgen de las rocas (1483-85, Louvre; 1490 a 1506-08, National Gallery, Londres), encargado de la Cofradía de la Inmaculada Concepción; el retrato señora con un armiño (Cecilia Gallerani) (1490, Museo Czartoryski, Cracovia); y La Última Cena (1495-8), un pintura mural para el refectorio del Monasterio de Santa Maria delle Grazie. Por desgracia, apenas se completó este último, comenzó a deteriorarse, debido al uso experimental de aceite de Leonardo en yeso seco. Su mayor trabajo por encargo fue colosal escultura de bronce – un monumento a Francesco Sforza, padre de Ludovico, en el patio de Castello Sforzesco. Esto tampoco fue terminado y luego fue destruido.

Años posteriores 1500-19

Después de la caída de su patrón, Ludovico Sforza, en 1499, Leonardo Da Vinci pasó la primera década y media del cinquecento (Siglo XVI) viajando por Italia, trabajando para diferentes maestros. Volviendo primero a Florencia en 1500, se quedó en el monasterio de Santissima Annunziata donde, según Giorgio Vasari (1511-74) en sus Vidas de los artistas , Leonardo creó la caricatura de La Virgen y el Niño con Santa Ana y San Juan Bautista , una obra tan admirada que grandes multitudes viajaron de todas partes de la localidad para verla.

En 1502 ingresó al servicio de Cesare Borgia, el hijo y principal general del papa Alejandro VI. En 1503 fue nombrado miembro de la comisión de artistas responsables de reubicar la estatua de mármol de David de Miguel Ángel (1501-4). En el mismo año comenzó a diseñar un mural decorativo para el gran salón del Palazzo Vecchio en Florencia. Esto tampoco se terminó nunca, aunque su caricatura a tamaño completo del mural sobrevive en copias, en particular por Peter Paul Rubens (c. 1615, Louvre). Al mismo tiempo, comenzó a trabajar en su pintura más famosa: la Mona Lisa (1503-6, óleo sobre panel, Louvre).

En 1506, Leonardo fue invitado a regresar a Milán por su gobernador francés, Charles d’Amboise. Luego, en 1507, fue nombrado pintor de la corte del rey Luis XII de Francia, entonces residente en Milán. Irónicamente, su principal comisión milanesa era por un estatua ecuestre de Gian Giacomo Trivulzio, el general francés que derrocó al patrón original de Leonardo, Ludovico Sforza. Una vez más, el proyecto no se cumplió, aunque se han conservado los dibujos. Durante los siguientes seis años, Leonardo viajó entre Milán y Florencia. De 1514 a 1516, Leonardo vivió en Roma, donde mantuvo un taller y realizó una variedad de proyectos para el Pontífice, el Papa León X (Giovanni de Medici). Sin embargo, debido a su notoria incapacidad para completar los trabajos, estas comisiones papales fueron de menor importancia. Como resultado, a diferencia de Rafael y Miguel Ángel, quienes disfrutaban de la confianza de varios papas y, por lo tanto, estaban profundamente involucrados en el Renacimiento en Roma Leonardo jugó un pequeño papel en el desarrollo artístico de la capital de Italia. Tampoco jugó un papel activo en el Renacimiento en Venecia , pagando solo visitas ocasionales a la ciudad. Fue Florencia la que continuó siendo su base principal mientras estuvo en Italia, aunque, algo sorprendente, su participación en el Familia Medici en Florencia Fue muy limitado.

En 1516, fue creado primer pintor e ingeniero y arquitecto del rey por Francisco I de Francia, quien se convirtió así en el último mecenas de Leonardo. Recibió una generosa asignación y fue alojado en el Chateau de Cloux, donde murió el 2 de mayo de 1519. Según la leyenda, el rey Francisco, acuné la cabeza de Leonardo en sus brazos cuando murió.

Leonardo Da Vinci: como artista

Durante la mayor parte de quinientos años, la reputación de Leonardo Da Vinci como artista se ha basado en un puñado de pinturas que se consideran entre las obras maestras supremas jamás creadas. La calidad virtuosa de estas obras radica en una combinación de estética y técnica pictórica, sobre todo en su habilidad superlativa en el medio relativamente nuevo de pintura al óleo.

Su dibujo único, ejemplificado en su Autorretrato (c. 1510-13, Biblioteca Reale, Turín), también es visible en su gran cuerpo de dibujos, que se puede ver en muchas de las grandes colecciones de arte europeas, especialmente en Colección Real Británica de Arte en el castillo de Windsor en Inglaterra. Desafortunadamente, debido a que ninguno de los proyectos escultóricos de Leonardo se completó, su arte tridimensional solo puede evaluarse a partir de su dibujo . Lo mismo puede decirse de su arquitectura, donde su dominio del tema es claramente evidente a partir de sus diseños arquitectónicos y dibujos.

Leonardo pasó gran parte de su vida tratando de crear pinturas realistas y realistas, en contraste con las obras previamente estilizadas de arte religioso . Al representar a sus Madonnas y otras figuras como personas de la vida real, Leonardo demostró su completo dominio de las técnicas de pintura, incluida la perspectiva, el claroscuro y el sfumato , todo lo cual le permitió crear efectos tridimensionales inmensamente realistas. Este nuevo enfoque de la vida real, junto con su dominio de ambos disegno (diseño y colorito (pigmentos de color) tuvieron un gran impacto en las generaciones sucesivas de artistas, incluido el iconoclasta Caravaggio (1571-1610).

El realismo de Leonardo se debe mucho al estudio que hizo durante toda su vida del cuerpo humano. Comenzó con su aprendizaje de Andrea del Verrocchio, y fue promovido por su disección de cadáveres humanos en hospitales de Florencia, Milán y Roma. Más tarde, en 1510 colaboró ​​con el Dr. Marcantonio della Torre en un trabajo teórico sobre anatomía (finalmente publicado en 1680) para el cual Leonardo realizó más de 200 dibujos. En general, Da Vinci fue el primer pintor en estudiar las proporciones anatómicas de hombres, mujeres y niños, y fue un observador cercano de los efectos de la edad y las emociones en la fisiología humana. También dibujó numerosas figuras que sufren de deformidades faciales o signos de enfermedad, a veces creando un tipo de caricatura Retrato de su sujeto.

El artista intelectual
Leonardo puso gran énfasis en los aspectos intelectuales de la pintura. Esto lo llevó, junto con Miguel Ángel, a defender la idea de que los artistas eran verdaderos pensadores creativos, no simplemente hábiles artesanos.

La pintura de leonardo

Nota: Para análisis e interpretación de obras maestras de Leonardo Da Vinci, consulte Pinturas famosas analizadas .

Paisaje con vistas al Arno (1473)

La primera obra que definitivamente se puede asignar a Leonardo Da Vinci es el famoso dibujo de paisaje en los Uffizi, ( Paisaje con una vista del Arno ) de 1473. Posiblemente nunca en la historia del arte se haya realizado la primera obra de un artista genial. tan individual, tan original o tan complejo como este dibujo, que lleva consigo las semillas de la historia. Este primer paisaje coincide, en su interpretación de la manifestación dinámica de la naturaleza, con los conceptos teóricos y estilísticos desarrollados más tarde por el maduro Leonardo. La visión se captura en un momento dinámico específico y presenta una serie de vistas en perspectiva correspondientes, cada una con su propio punto focal preciso; de esta manera, se aparta totalmente de la tradición representacional con su único punto focal. Esta compleja estructura revela la esencia de Leonardo Art º , su incomparable equilibrio entre voluntad artística y emoción poética; El rechazo de la forma geométrica rígida de la perspectiva albertiana coincide con un tremendo poder emocional.

Bautismo de Cristo (1475-8)

El problema más complejo relacionado con los primeros años de Leonardo Da Vinci es el alcance de su colaboración, mientras todavía es miembro del estudio de Verrocchio, en el famoso Bautismo de Cristo, que todavía está asignado a Verrocchio en los Uffizi. Como ya se mencionó, Botticelli estaba trabajando en el estudio de Verrocchio al mismo tiempo que Leonardo, y CL Ragghianti ha demostrado que toda la pintura es obra de estos dos pintores. La tradición siempre ha atribuido a Leonardo el primer ángel a la izquierda y el paisaje de fondo detrás de él. Se ha decidido que el paisaje en el lado derecho también es obra de Leonardo; La intensidad visionaria con la que se representa esta sección no ha sido lograda por ningún otro artista. En un examen más detallado, vemos que la pintura de la figura de Cristo también tiene rastros de este estilo nuevo, característico e inconfundible, a pesar de una cierta tensión gráfica que podría indicar que Botticelli lo había esbozado previamente; y el tratamiento vívido del agua de donde surgen las figuras también revela la mano del joven Leonardo.

Virgen del clavel (1473-8)

No hay duda de que la Virgen del Clavel , en la Alte Pinakothek, Munich, muestra la influencia de Verrocchio en gran medida. Pero el elemento de novedad en este trabajo se encuentra en la proliferación infinita de relaciones de perspectiva y estructurales que crea, dentro de las figuras de Madonna y Child, clímax y momentos de reposo, vórtices y efectos dramáticos de luz, que se combinan con Un tratamiento complejo e intrincado del paisaje en profundidad. Aquí un rastro de fantasía del norte recuerda la reciente incursión flamenca en el arte florentino, con Van der Goes en Santa Trinita y Van Eyck en el Palazzo Medici; el mundo de fábula inventado por estos Pintores flamencos reaparece vestido con el misticismo único de Leonardo.

Benois Madonna (c.1478)

El llamado Benois Madonna en el Hermitage, Leningrado, es un caso similar; A pesar de algunas variaciones iconográficas, los fundamentos de la composición ya se pueden ver en el bosquejo preparatorio. Este es un dibujo estupendo: definiendo rápidamente la parte superior de las figuras, el pincel del artista sigue la línea de las piernas del niño y la mano de Madonna; Los pentimenti (’pensamientos secundarios’) se convierten en un medio indispensable para enfatizar el movimiento, el juego de luces en la pierna del niño, mientras que la parte inferior del cuerpo se oscurece con una sombra de tinta pesada que da equilibrio al movimiento de las piernas. La relación del movimiento con la emoción (como se puede ver, por ejemplo, en la corriente de movimiento entre el gesto del Niño y su expresión al mirar la flor que le entrega su Madre), da lugar a la continuidad lírica de La figura de la Madre, un tipo que iba a seguir siendo el modelo de la primera Virgen pintada por Rafael como un joven artista en Florencia.

La Anunciación (1475-8)

La obra más famosa e indiscutible de los años formativos de Leonardo Da Vinci es sin duda la Anunciación (1475-8), pintada para el Monasterio de San Bartolomeo a Monteoliveto, ahora en el Galería de los Uffizi, Florencia . Este es un tipo clásico de composición, en el que la estructura de la perspectiva, al menos en lo que respecta al elemento principal y más destacado, actúa como un factor de control y abarca toda la composición dentro de su estrecha red de ejes y ordenadas: se unen en el pequeño montículo junto a la pared en el lado derecho de la pintura. Un primer alejamiento de la tradición hasta ahora considerada históricamente necesaria produce una composición libre e imaginativa donde surgen continuamente relaciones infinitas dentro de la pintura y entre el sujeto principal y el espacio circundante. También vemos que cada episodio presente en el lienzo está organizado en elementos, cada uno de los cuales tiene una existencia autónoma. El gesto de la Virgen, mientras está sentada enmarcada por el ala sobresaliente del edificio, coincide con el reflejo de la luz que cae sobre la piedra, mientras que la estrecha red de perspectiva del seno, el movimiento controlado del gesto suspendido interpuesto, y la retirada de la cabeza, se convierten en señales fugaces de emoción. Este trabajo en sí mismo fue capaz de dar una nueva dirección a Renacimiento Florentino arte, después de los dramas repetitivos de las últimas obras de Donatello y el movimiento hacia formas pasadas de moda en la tradición Careggi por artistas que lucharon por la continuidad.

Retrato de Ginevra de Benci (1478-79)

El Retrato de Ginevra de Benci también está casi completamente pintado en monocromo. Sin embargo, aunque en este caso la pintura está terminada, los tonos de carne muestran una tendencia hacia una palidez lunar tal como lo hacen en la Adoración inacabada, en gran parte monocromática, y la relación de la figura con el espacio se obtiene a través del matorral simbólico, ahora denso y brillante bajo un cielo nocturno, mientras la luz se desvanece y envuelve al mundo en pálidos rayos, la hora descrita por Leonardo como ideal para el pintor. Este retrato probablemente fue pintado en 1478-79 y es quizás la última obra que Leonardo produjo durante su primera estadía en Florencia; en 1478 se fue a Milán, rechazando desdeñosamente las reglas de la Academia Neoplatónica, que lo consideraba, como un hombre sin letras, un objeto de desprecio.

Adoración de los Magos (c.1481)

En la Adoración de los Magos terminada, también en los Uffizi, la visión, en el fondo a la derecha, forma el eje de toda la composición. La escena sagrada tradicional en la iconografía florentina, ilustrada en colores brillantes por los más grandes pintores del quattrocento , y utilizado por Gozzoli y Botticelli como un medio para magnificar y glorificar la Casa de los Medici y su Academia, asume en la mente de Leonardo una dimensión completamente diferente. Alrededor del grupo de la Madre y el Niño, ubicado justo en el centro de la pintura, un mar de figuras emerge de las visiones alucinantes en el fondo; Los personajes se mueven y giran como visionarios místicos en un estado de exaltación profética. A los lados, dos figuras pensativas permanecen inmóviles, absortas en sus pensamientos. El evento ha adquirido una dimensión misteriosa, casi esotérica; la naturaleza entra en el acto divino casi en el umbral de la creación, y presenta una escena de ruina y destrucción a través de la cual los gritos y gestos del hombre resuenan a medida que las asombrosas noticias se escuchan en el extranjero. Aquí nuevamente, como en el Paisaje y la Anunciación , un punto focal central gobierna la perspectiva de la composición y envía ondas de movimiento interno. En este caso, el discurso se ha vuelto mucho más complejo y riguroso; el rechazo de color se ha convertido en una cuestión no de elegir imitar el efecto de la escultura o la arquitectura, sino de representar la atmósfera y la luz. El efecto "inacabado", el " no finito ", ya sea por accidente o por diseño, sirve para multiplicar en la mayor medida posible las reverberaciones de la emoción, la dinámica infinita de los focos de luz, que aquí se despojan de cualquier carácter episódico y se convierten en identificado con la acción humana.

San Jerónimo (1480-2)

También pintado sobre esta época es San Jerónimo de Leonardo, ahora en el Museo vaticano . Las figuras aquí son símbolos casi emblemáticos, y el espacio se profundiza con gradaciones de monocromo, desde los tonos ocres en primer plano, a través de los tonos cálidos y lívidos de la figura, hasta los tonos imperceptiblemente azulados en el fondo izquierdo. Y si, como han señalado algunos historiadores del arte, la dramática repetición en las figuras revela signos del aprendizaje de Leonardo en el estilo Pollaiolo, es la solución de Leonardo en términos de luz y espacio el sello distintivo del nuevo clima del arte.

La virgen de las rocas (1483-5)

Alrededor de 1483, Leonardo recibió de la Cofradía de la Concepción en Milán una comisión para pintar un tríptico que representa a la Virgen, Jesús y dos ángeles; esta se convirtió en la Virgen de las Rocas , posiblemente la más famosa pintura él debía hacer en Milán. (Nota: Parece que el duque de Milán, Ludovico Sforza, tomó posesión de la pintura y obligó a Leonardo a hacer una réplica de la misma. Esto lo hizo en 1495. La primera versión está en el Louvre, la segunda versión está en el Galería Nacional, Londres). No hay duda de que en esta pintura el tratamiento de la luz por parte de Leonardo ha alcanzado su forma más compleja. Dos fuentes de luz, una más definida, en el fondo, la otra más indeterminada, en primer plano, gobiernan la composición, bañando las formas en una reflexión algo acuosa que multiplica la dinámica de la visión hasta el infinito. La textura varía entre la pincelada rápida y una definición gráfica del follaje complejo, y alcanza un efecto atmosférico muy intenso a medida que las dos fuentes de luz captan algunos de los detalles que emergen del resplandor difuso. Su vívida imaginación transfigura los elementos que se encuentran en la pintura del norte de Europa y luego en la moda de Florencia, en obras de tal grandeza poética que han influido en el desarrollo de la forma artística hasta nuestros días. Para más detalles, ver: Virgen de las rocas de Leonardo .

Dama con armiño (1488-90)

Una de las obras más líricas que pintó durante su estancia en la corte lombarda fue el retrato de Cecilia Gallerani, amante de Lodovico il Moro; El maravilloso retrato conocido como la Dama del armiño , en Cracovia. En él, el ímpetu visionario de las últimas obras florentinas parece haber dado lugar a una tranquila contemplación de una forma continua, sobre la cual una luz uniforme produce una sensación de ingravidez, mientras que todo el efecto dramático se concentra en lo grande, hipersensible, casi doloroso. Mano sosteniendo el animal simbólico. Para el análisis, ver: Dama con un armiño de leonardo .

Hombre de Vitruvio (c.1492)

El hombre de Vitruvio (ahora en el Galería de la Academia de Venecia ) es un dibujo de fama mundial con notas adjuntas creado por Leonardo da Vinci alrededor del año 1492 como está registrado en una de sus revistas. Representa a una figura masculina desnuda en dos posiciones superpuestas con los brazos y las piernas separados dentro de un círculo y un cuadrado. A veces denominado Canon de proporciones , se creó como un estudio de las proporciones del cuerpo humano (masculino) según lo descrito por el arquitecto romano. Vitruvio (c.78-10 AEC). Sigue siendo una de las imágenes más copiadas en el mundo de hoy.

La última cena (1495-7)

Alrededor del año 1495, Leonardo Da Vinci comenzó a trabajar en La Última Cena ( Il Cenacolo ) en el refectorio del Monasterio de Santa Maria delle Grazie en Milán. (Nota: para un análisis de este trabajo, ver: La Última Cena de Leonardo .) Para esta obra maestra de Arte cristiano , experimentó con una técnica basada en un empaste usando aceite y témpera, para colocarla en una pared cubierta con una capa de barniz hecha de una mezcla de yeso. Pero la técnica resultó insatisfactoria y la pintura se deterioró rápidamente, hasta tal punto que a mediados del siglo XVI se describió como completamente arruinada, y después de numerosas restauraciones que han continuado hasta nuestros días, el fresco ahora vemos es solo una sombra del original pintado por Leonardo.

Debajo de la bóveda Bramantesque de la sala, la escena se representa sobre un fondo de perspectiva clásica con un punto focal central. Hay un efecto ilusorio de prolongación, ya que la habitación se abre al campo a través de los arcos en el fondo. La amplia escala de las figuras se coloca así dentro de una estructura adaptada a la medida humana de acuerdo con la norma del Renacimiento; Esto da lugar al efecto de monumentalidad que caracterizaría la pintura del siglo XVI. Todas las figuras principales están cuidadosamente organizadas para equilibrarse entre sí y con las figuras de los otros grupos. Este equilibrio calculado se ve reforzado por la luz difusa que se reproduce en todo el trabajo, de modo que la figura de Cristo, que está parcialmente en contra de la luz, se destaca de forma aislada contra el fondo luminoso y calcáreo.

La imagen retrata la escena de la Última Cena de los últimos días de Jesús, tal como se narra en el Evangelio de Juan 13:21, justo después de que Jesús anunció que uno de sus doce apóstoles lo traicionaría. Muestra las reacciones de cada discípulo a las noticias. Un famoso ejemplo de pintura de historia – Muestra el movimiento dramático y el claroscuro (representación de luces y sombras) que caracteriza el estilo maduro de Leonardo.

Cada una de las figuras está colocada de tal manera que ocupa una parte definida del espacio, que apenas varía de una figura a otra (excepto en la parte central, donde la figura de Cristo está separada), y el efecto de esto es concentre la mayor intensidad en el punto central, donde el momento dramático se enfoca y se mantiene para siempre. La tradición de aislar la figura de Judas en el borde exterior de una pintura, que Leonardo siguió en sus bocetos preparatorios para esta obra, se abandonó en la versión final para evitar la fragmentación y la consiguiente disminución del efecto dramático.

La pintura contiene varias alusiones al número 3, (tal vez la Santísima Trinidad). Los discípulos están sentados en grupos de tres; hay tres ventanas; y la figura de Jesús se asemeja a un triángulo.

Los relatos de la minuciosa ejecución de La Última Cena de Leonardo llevaron a muchos a considerarlo como el creador de la idea del pintor como un pensador contemplativo y creativo, en lugar de un simple comerciante cuyo trabajo consistía en cubrir tantos metros cuadrados por día. Esta noción sobre la dignidad del artista fue retomada y desarrollada por Miguel Ángel y otros pintores del siglo XVI.

La última cena no es una verdad pintura al fresco ya que estaba pintada en una pared seca en lugar de en yeso húmedo, y Da Vinci selló la pared de piedra con una capa de brea, yeso y masilla, y luego la pintó con temple. Este método de pintura ha llevado a un deterioro notable a lo largo de los años.

La pintura ha sido objeto de interminables interpretaciones (por ejemplo, en la novela, el Código Da Vinci ), pero la mayoría de las especulaciones no están confirmadas por el estudio científico.

La Mona Lisa (c.1503-6)

Esta exquisita obra del Alto Renacimiento arte de retrato lleva el nombre de su tema, Lisa del Giocondo, nacida Lisa Gherardini, la esposa de un comerciante florentino. En Italia se le conoce como La Gioconda . (’Mona’ es una forma de dirección como ’Señora’ o ’mi señora’). Para interpretación y análisis, ver: Mona Lisa de Leonardo .

La Mona Lisa aportó un elemento revolucionario al desarrollo del concepto renacentista del retrato. Con ciertas excepciones, los retratos de artistas de finales del siglo XV tendían a volverse esquemáticos, pero ahora la relación entre figura y fondo ya no dependía de la recesión habitual de los aviones, incluso en gradación. El efecto en parte presagiado en el Retrato de Ginevra de ’Benci se logra por completo aquí, y la Mona Lisa es un instante de iluminación total, llevada con igual intensidad a las rocas y al cielo en el fondo. La famosa sonrisa ’enigmática’ se convierte así en un vehículo sutil para la refracción de la luz; es como si estuviéramos presentes en el nacimiento de la luz, como si el esplendor de este momento nunca pudiera repetirse, y la luz nunca más tuviera la misma intensidad. Observe el detalle de la cara, que muestra el sutil efecto de sombreado del sfumato , particularmente en las sombras alrededor de los ojos y la boca. Su técnica de sfumato influyó en numerosos contemporáneos, incluidos Andrea del Sarto (1486-1530), el líder de Pintura del alto renacimiento en Florencia después de 1510. La Mona Lisa fue una de las favoritas de Leonardo y lo acompañó en todos sus viajes.

La Mona Lisa es la exposición central en el Museo del Louvre en Paris . Algunos curadores de arte lo valoran en la región de $ 1 mil millones. Su belleza y efecto visual reside en la técnica de pintura al óleo (conocida como sfumato ), creada por Leonardo, que le permitió ejecutar el tipo de sombreado atmosférico sutil que era imposible de producir con el huevo. témperas utilizado por sus contemporáneos.

La Virgen y el Niño con Santa Ana y San Juan Bautista (1500-8)

En 1500, Leonardo regresó a Florencia y se quedó con los monjes de la Santissima Annunziata, para quienes pintó La Virgen y el Niño con Santa Ana (dibujo animado en la Galería Nacional de Londres; imagen en el Louvre). La relación espacial inusual entre las figuras mismas y entre las figuras y el fondo fue una gran innovación estructural, más tarde adoptada por Raphael (1483-1520), Fra Bartolommeo (1472-1517), Andrea del Sarto (1486-1530), así como exponentes de Manierismo , y de hecho imitado por pintores a lo largo del siglo XVI. La importancia de este trabajo se comprenderá mejor si consideramos que fue producido en un momento que quizás representaba el momento más crucial en la pintura de los siglos XV y XVI, cuando la influencia de la enseñanza de los grandes maestros florentinos de la generación anterior aún se demoró, mientras que los jóvenes artistas de la misma generación que Leonardo (entre ellos Botticelli, por ejemplo) se dejaron llevar por las fantásticas imaginaciones de artistas flamencos que los alcanzaron a través de Piero di Cosimo (1462-1522). La obra de Santa Ana inicia un nuevo período en la historia del arte renacentista, tal como lo hicieron a su vez las Santas Familias de Raphel y Doni Tondo de Miguel Ángel. Este es el período que con demasiada frecuencia ha sido definido por el término pseudohistórico clasicismo. De hecho, es todo lo contrario: una forma altamente revolucionaria de establecer la relación entre el hombre y el objeto, con una flexibilidad mucho mayor y una variedad ilimitada, yendo mucho más allá de la representación figurativa y marcando uno de los momentos cruciales en la historia de Art º.

San Juan Bautista (1513-16)

Leonardo regresó a Milán, luego se fue a Roma y de allí huyó a Francia; En su ansiosa y colérica vejez produjo solo una pintura, la de San Juan Bautista , ahora en el Louvre. Esta pintura expresa las consecuencias extremas del tratamiento de la luz por parte de Leonardo; la luz se filtra continuamente del fondo oscuro a los planos más prominentes en primer plano, y se convierte en una expresión del espacio y la fisonomía, fusionándose con la figura y la cara, mientras se inclina hacia adelante y sonríe enigmáticamente, y con la elevación simbólica de el dedo; esto ya no es ’una voz que llora en el desierto’ sino el guardián y testigo de un secreto iniciador, un medio para la comprensión de la esencia de la humanidad y, por lo tanto, la esencia cósmica. Respetado, y de hecho venerado, por la corte, consolado por la compañía de Melzi y Salai, el viejo y medio paralítico Leonardo sintió que su vida estaba llegando a su fin.

Leonardo y el manierismo
El artista del siglo XVI, teórico del arte y biógrafo Giorgio Vasari (1511-74), famoso por su libro Lives of The Artists (1550), identificó la fuente de Pintura manierista como las obras de Leonardo, Rafael (1483-1520) y Miguel Ángel (1475-1564).

Escultura de leonardo

Debido a la falta total de cualquier completado escultura , tenemos poco conocimiento exacto de la actividad de Leonardo Da Vinci en este campo; Sabemos por pruebas documentales y sus propios escritos que se consideraba igualmente talentoso en ambas artes; de hecho, consideraba que era particularmente hábil en la difícil tarea de fundición de bronce. Su actividad juvenil en el estudio de Verrocchio, él mismo escultor y solo en un grado mucho menor pintor, hace que sea muy probable que haya comenzado como aprendiz de escultor, aunque es un hecho que todas las obras de escultura que se han atribuido a Los primeros años de Leonardo, desde la terracota Madonna y el niño en el Museo Victoria and Albert hasta el Retrato de una dama con flores en el Bargello, se asignarán al propio Verrocchio o a Antonio Rossellino. . No hay evidencia documental de ninguna escultura en existencia que pueda atribuirse sin dudar a Leonardo. Esta afirmación no queda invalidada por la existencia de bronces y ceras que han sido asignados a Leonardo con poca justificación, algunos de ellos destinados a la decoración del monumento de Francesco Sforza , otros para el Trivulzio. Monumento. Estos dos monumentos fueron los grandes proyectos que ocuparon la mente de Leonardo durante muchos años, pero nunca se completaron. Se ha hecho referencia al hecho de que Ludovico il Moro encargó un monumento en memoria de Francesco Sforza y ​​que Leonardo completó solo el modelo de arcilla del caballo, que luego fue destruido; Una idea clara de la idea básica de este monumento se puede obtener de la serie de dibujos de punta plateada en el Castillo de Windsor, donde vemos especialmente cómo el tratamiento de Leonardo de la figura del caballo se desarrolló de un dibujo a otro. En uno de los primeros bocetos, imaginó al caballo como una figura en movimiento ejecutando un salto al espacio, una vista que recuerda los estudios de Leonardo en el Antonio Pollaiuolo estilo. Más tarde, el caballo se mostró con las cuatro patas en el suelo, en la tradición clásica, y se introdujeron nuevos desarrollos antes de que se produjera la versión final en 1493. Unos veinte años más tarde, Leonardo participó en un proyecto para un monumento funerario a Giangiacomo Trivulzio, un general al servicio del rey de Francia. Este monumento, en la iglesia de San Celso, Milán, consistía en un sarcófago que actuaba como base para una estatua ecuestre de tamaño natural. De los estudios para este trabajo que nos han llegado, vemos cómo la idea de la composición surgió directamente del plan final para el monumento Sforza. El dinamismo restringido dio un nuevo significado a la iconografía ecuestre tradicional como se ve en la estatua de Marcus. Aurelio o las obras de Verrocchio y Donatello.

Arquitectura de leonardo

No hay obras terminadas para dar testimonio de los estudios de Leonardo Da Vinci en el ámbito de arquitectura ; sabemos que pasó mucho tiempo planeando la cúpula de la catedral de Milán, y existen innumerables planes de fortificaciones que produjo para los duques de Milán y Valentino. Pero la obra arquitectónica más interesante dejada por Leonardo es su borrador Trattato sull’architettura , del cual aún quedan muchas pruebas. Sabemos que este tratado se planeó en dos secciones, la primera es una exposición de la doctrina de las Órdenes y las formas arquitectónicas, la segunda un discurso sobre las técnicas de construcción. A partir de fragmentos y numerosos dibujos que quedan (prototipos del dibujo arquitectónico analítico) es evidente que la tremenda importancia de las teorías de Leonardo radica en el hecho de que proporcionan un vínculo entre las teorías del siglo XV, no solo las de Filippo Brunelleschi y Leon Battista Alberti, pero también incluyen a Filarete y Francesco di Giorgio, y las teorías arquitectónicas clásicas de los adultos. Donato Bramante . Más tarde se convirtieron en el modelo del tratado de Serlio sobre las Órdenes de la arquitectura. Debemos ver en esta preocupación continua con la investigación teórica, que resulta en la creación de un ideal arquitectónico que era más válido como teoría abstracta que como realización práctica, la causa del fracaso de Leonardo para llevar a la práctica sus innumerables ideas.

Obras teóricas: ideas sobre bellas artes

Leonardo llenó innumerables cuadernos con una gran variedad de dibujar , estudios y otras ideas artísticas. Con el tiempo, que asciende a unas 13, 000 páginas de notas y dibujos, estas revistas científicas y artísticas, incluido su Tratado sobre pintura (1651), han sido adquiridas por importantes instituciones como la Biblioteca Real del Castillo de Windsor, el Museo Victoria and Albert, la Biblioteca Británica. en Londres, el Louvre de París, la Biblioteca Nacional de España y la Biblioteca Ambrosiana de Milán, propietaria del Codex Atlanticus de doce volúmenes. El Codex Leicester (Codex Hammer) de Leonardo fue comprado por Bill Gates de Microsoft, y se exhibe anualmente en diferentes ciudades del mundo.

No hay duda de que su trabajo teórico más importante es el Trattato della pittura , aunque desafortunadamente esto también nos ha llegado en forma fragmentaria. Este tratado es, sin duda, la mayor contribución a la teoría de la pintura producida en cualquier momento durante el Renacimiento. Encontramos en él un examen de todos los temas que estaban en discusión en ese momento. La principal de ellas es la disputa sobre la primacía de las artes, que Leonardo resuelve naturalmente a favor de la pintura, que clasifica como una ciencia natural debido a la base científica y matemática de este arte. Siguió las teorías promulgadas por los primeros escritores florentinos sobre la teoría del arte, pero siguió una línea original de desarrollo a través del concepto de "conocimiento conquistado por la experiencia" en oposición a lo que él consideraba como las "ciencias espirituales falaces" de la ciencia platónica y Tradiciones aristotélicas.Y es en este sentido que el valor más alto se asigna a la pintura y se convierte en una ciencia, incluso en un sistema filosófico. La idea generalmente aceptada de la primacía de la pintura entre las artes dio origen a toda una tradición cultural que duró durante todo el siglo XVI, incluso en lugares donde el pensamiento de Leonardo no pudo haber penetrado; Pero la visión de Leonardo de la supremacía de la pintura como una combinación de arte y ciencia, capaz de representar una síntesis de todas las formas de expresión, es absolutamente original. Leonardo consideraba que la esencia de la pintura radicaba en el relieve, en el modelado riguroso mediante luces y sombras; Un segundo factor básico en la pintura es la expresión psicológica, que se manifiesta principalmente a través del ’movimiento’, las características y los gestos. Otra parte importante de laOtra parte importante de laOtra parte importante de laincluso un sistema filosófico. La idea generalmente aceptada de la primacía de la pintura entre las artes dio origen a toda una tradición cultural que duró durante todo el siglo XVI, incluso en lugares donde el pensamiento de Leonardo no pudo haber penetrado; Pero la visión de Leonardo de la supremacía de la pintura como una combinación de arte y ciencia, capaz de representar una síntesis de todas las formas de expresión, es absolutamente original. Leonardo consideraba que la esencia de la pintura radicaba en el relieve, en el modelado riguroso mediante luces y sombras; Un segundo factor básico en la pintura es la expresión psicológica, que se manifiesta principalmente a través del ’movimiento’, las características y los gestos. Otra parte importante de laincluso un sistema filosófico. La idea generalmente aceptada de la primacía de la pintura entre las artes dio origen a toda una tradición cultural que duró durante todo el siglo XVI, incluso en lugares donde el pensamiento de Leonardo no pudo haber penetrado; Pero la visión de Leonardo de la supremacía de la pintura como una combinación de arte y ciencia, capaz de representar una síntesis de todas las formas de expresión, es absolutamente original. Leonardo consideraba que la esencia de la pintura radicaba en el relieve, en el modelado riguroso mediante luces y sombras; Un segundo factor básico en la pintura es la expresión psicológica, que se manifiesta principalmente a través del ’movimiento’, las características y los gestos. Otra parte importante de laLa idea generalmente aceptada de la primacía de la pintura entre las artes dio origen a toda una tradición cultural que duró durante todo el siglo XVI, incluso en lugares donde el pensamiento de Leonardo no pudo haber penetrado; Pero la visión de Leonardo de la supremacía de la pintura como una combinación de arte y ciencia, capaz de representar una síntesis de todas las formas de expresión, es absolutamente original. Leonardo consideraba que la esencia de la pintura radicaba en el relieve, en el modelado riguroso mediante luces y sombras; Un segundo factor básico en la pintura es la expresión psicológica, que se manifiesta principalmente a través del ’movimiento’, las características y los gestos. Otra parte importante de laLa idea generalmente aceptada de la primacía de la pintura entre las artes dio origen a toda una tradición cultural que duró durante todo el siglo XVI, incluso en lugares donde el pensamiento de Leonardo no pudo haber penetrado; Pero la visión de Leonardo de la supremacía de la pintura como una combinación de arte y ciencia, capaz de representar una síntesis de todas las formas de expresión, es absolutamente original. Leonardo consideraba que la esencia de la pintura radicaba en el relieve, en el modelado riguroso mediante luces y sombras; Un segundo factor básico en la pintura es la expresión psicológica, que se manifiesta principalmente a través del ’movimiento’, las características y los gestos. Otra parte importante de lacapaz de representar una síntesis de todas las formas de expresión, es absolutamente original. Leonardo consideraba que la esencia de la pintura radicaba en el relieve, en el modelado riguroso mediante luces y sombras; Un segundo factor básico en la pintura es la expresión psicológica, que se manifiesta principalmente a través del ’movimiento’, las características y los gestos. Otra parte importante de lacapaz de representar una síntesis de todas las formas de expresión, es absolutamente original. Leonardo consideraba que la esencia de la pintura radicaba en el relieve, en el modelado riguroso mediante luces y sombras; Un segundo factor básico en la pintura es la expresión psicológica, que se manifiesta principalmente a través del ’movimiento’, las características y los gestos. Otra parte importante de la Trattato se ocupa de la teoría de las proporciones, abarcando la ley de la perspectiva; esta fue la formulación de lo que podría llamarse un descubrimiento ’de Leonardo; porque aunque la teoría se derivó del sistema de perspectiva tradicional del arte florentino, él la considera desde el punto de vista de los cambios en las proporciones reales a medida que se ven afectados por el movimiento. La última parte del Trattato está dedicada al análisis de la estructura de los músculos.

Leonardo Da Vinci: Pinturas

Las pinturas y dibujos de Leonardo se pueden ver en varios lugares del mundo. mejores museos de arte , incluyendo lo siguiente:

- Paisaje con una vista del dibujo de Arno (c.1473), Uffizi, Florencia.
- La Anunciación (c.1475-8) Óleo sobre panel, Uffizi, Florencia.
- Virgen del clavel (c.1473-8) Óleo sobre tabla, Alte Pinakothek, Munich.
- Benois Madonna (c.1478) Óleo sobre lienzo, Hermitage, San Petersburgo.
- Retrato de Ginevra de Benci (c.1474-79) Galería Nacional, Washington DC.
- San Jerónimo en el desierto (c.1480-2) Témpera / óleo sobre panel, Vaticano.
- Adoración de los Reyes Magos (c.1481) Pintura sobre tabla, Uffizi, Florencia.
- Virgen de las rocas (c.1483-5) Óleo sobre panel (movido a lienzo) Louvre.
- Dama con armiño (1488-90) Óleo sobre tabla de madera, Czartoryski, Cracovia.
- La última cena (1495–8) tempera en gesso, Sta. Maria delle Grazie.
- Virgen de las rocas (1495–1508) Óleo sobre panel, Galería Nacional, Londres.
- Frescos del techo de la Sala delle Asse (c.1498–1499) Castello Sforzesco, Milán.
- Dibujo de la Virgen y el Niño con Santa Ana y San Juan (1500-8), Londres.
- Mona Lisa (c.1503–1506) Óleo sobre álamo, Louvre, París.
- La Virgen y el Niño con Santa Ana (c.1510) Óleo sobre panel, Louvre, París.
- San Juan Bautista (1513–1516) Óleo sobre madera de nogal, Louvre, París.