Claroscuro en pintura Traductor traducir

¿Cuál es la definición y el significado de claroscuro?

Aunque no existe una definición precisa, el término bellas artes «claroscuro» (del italiano «claro-oscuro» o del francés «clair-obscur») describe el marcado contraste de luces y sombras en la pintura, el dibujo o el grabado y la habilidad demostrada por el artista al controlar las sombras para crear la ilusión de formas tridimensionales.

La cuestión es que la densidad de la forma sólo se revela en presencia de la luz. (Por ejemplo, sólo cuando se acerca el amanecer los objetos o figuras – hasta entonces detectados sólo como manchas ligeramente más oscuras que su entorno – adquieren volumen y apariencia tridimensional.) Y si la luz procede de una única fuente, ilumina los objetos según un determinado conjunto de reglas. El claroscuro describe cómo el artista representa la iluminación tridimensional de los objetos, creando la ilusión de formas sólidas.

Origen

Se cree que el pintor de principios del Renacimiento Mazaccio (1401-1428) (cf. Obras como «La Santísima Trinidad» (1428) y «El milagro con la estatua» (1426)), así como los pintores del Alto Renacimiento Leonardo da Vinci (1452-1519) y Rafael (1483-1520) – utilizaron por primera vez el claroscuro para crear la ilusión de relieve – especialmente en el modelado del cuerpo humano. Sin embargo, el término se aplica más a menudo a obras producidas durante los periodos manierista y barroco, especialmente a las pinceladas de Caravaggio (1571-1610). (y sus seguidores Caravaggisti) y Rembrandt (1606-1669).

Existe un término separado «chiaroscuro print», que se refiere a xilografías coloreadas impresas en diferentes bloques, cada uno usando tintas de diferentes colores – un proceso inventado por el alemán Hans Burgkmayr en 1508; mientras que «chiaroscuro drawing» es un dibujo sobre papel coloreado donde normalmente la luz se representa con gouache blanco y la oscuridad – con tinta.

¿Cuál es la diferencia entre claroscuro y tenebrismo?

Y El claroscuro y el estilo manierista de pintura conocido como tenebrismo (de la palabra italiana «tenebroso» que significa «turbio») se ocupan del tratamiento de la luz y la sombra en la pintura o el dibujo bidimensional. Y a primera vista, las pinturas de tenebristas pueden parecerse mucho a las que contienen fuertes efectos de claroscuro .

Sin embargo, existe una clara diferencia teórica entre ambos términos. Como se ha descrito anteriormente, claroscuro – es una técnica pictórica de sombreado utilizada específicamente para dar a los objetos tridimensionales una sensación de volumen, es decir, para hacerlos aparecer como cuerpos tridimensionales. Y tenebrismo – es una técnica compositiva de oscuridad-luz en la que ciertas zonas de un dibujo se dejan oscuras (es decir, completamente negras), permitiendo que una o dos zonas aparezcan muy iluminadas cuando se iluminan.

El sombreado se utiliza para conseguir un efecto puramente dramático (a veces se denomina «iluminación dramática»). No es necesario modelar: no se intenta dar a las figuras una sensación de tridimensionalidad. De hecho, la oscuridad del tenebrismo es puramente negativa, mientras que la sombra del claroscuro introduce matices positivos.

Algunos cuadros de Caravaggio combinan el estilo tridimensional del claroscuro y la iluminación dramática del tenebrismo. Los mejores ejemplos de esta combinación son La llamada de San Mateo (1600), El martirio de San Mateo (1600), La cena de Emaús (1601.), Crucifixión de San Pedro (1601), Conversión en el camino de Damasco (1601), y Entierro de Cristo (1601-03).

¿Cuál es la diferencia entre sfumato y claroscuro?

Como ya se ha señalado, el claroscuro implica el uso combinado de luz y sombra. Sin embargo, el encuentro de estos dos valores puede dar lugar a líneas o contornos nítidos. Leonardo da Vinci fue pionero en la técnica del sfumato, para suavizar la transición de la luz a la oscuridad. En sus apuntes sobre pintura dice que la luz y la sombra deben combinarse «sin líneas ni límites, como el humo» (en italiano «sfumato» significa «desaparecido gradualmente como el humo»). Sfumato suele utilizar varios esmaltes transparentes para crear un espectro tonal gradual de oscuro a claro, eliminando así los contornos afilados no deseados. El sfumato se ilustra en los rostros de la Virgen de las Rocas y en el suave sombreado del rostro de la Gioconda (c.1503, Louvre). La técnica del sfumato también fue dominada por Giorgione (1477-1510) y por Correggio (1490-1534).

Origen e historia del claroscuro

El primer uso del sombreado tridimensional en el estilo claroscuro se atribuye tradicionalmente a Apolodoro, un famoso pintor ateniense del siglo V. Esta técnica, que se mantuvo en una forma algo primitiva durante el periodo artístico bizantino (c. 400-1400), se perfeccionó en Occidente a finales de la Edad Media y hacia 1400 se había convertido en un elemento habitual tanto de la iluminación como de la pintura evangélica.

Véase también nuestro ensayo sobre el valor de las obras de arte: Cómo valorar cuadros .

El claroscuro en el Renacimiento

El claroscuro en la Europa septentrional del siglo XV se convirtió en una técnica importante para todos los artistas religiosos tras la visión de Santa Brígida en Suecia, que afirmó haber visto la luz emitida por el niño Jesucristo. En sus posteriores representaciones de la Natividad y otras escenas con el Niño Jesús, artistas renacentistas como Hugo van der Goos (1440-1482) hicieron a menudo de esta luz sagrada la principal fuente de iluminación, recurriendo en gran medida al claroscuro. Leonardo ) Virgen en las rocas) fue otro influyente pionero de esta técnica. Varios artistas, entre ellos Tintoretto (1518-1594), extendieron el enfoque compositivo a Jesús adulto en las escenas de la Última Cena. Mientras que la mayoría de las pinturas religiosas con la técnica del claroscuro durante el Renacimiento servían para crear escenas de serenidad y reposo, los pintores manieristas como Caravaggio, Paolo Veronese (1528-1588), Giovanni Baglione (1566-1643), Georges de Latour (1593-1652) y otros – tendieron a utilizarla con mayor efecto dramático, sobre todo teniendo en cuenta la experiencia anterior de artistas como Hugo da Carpi (1455-1523).

Para otra técnica ilusionista en pintura, véase: escorzo .

Claroscuro durante el Barroco

La pintura barroca se basó en gran medida en el uso de la sombra para su efecto dramático. Fue Caravaggio quien aplicó la iluminación dramática para lograr el mayor efecto con su método de shadowbrism – una técnica que se extendió por toda Europa bajo el nombre de Caravaggism . Debido a la influencia de Caravaggio en Nápoles, la técnica del claroscuro se hizo especialmente popular en la ciudad, que era la segunda más grande de Europa después de París. Para una breve guía, véase: Pintura de Nápoles (1600-1700). Para más información sobre el arte de principios del siglo XVII, véase: La escuela napolitana de pintura (c.1600-56); para la evolución posterior, véase: Barroco napolitano (c.1650-1700).

El claroscuro se convirtió en una característica del arte del Barroco español en manos de artistas como Francisco de Zurbarán (1598-1664) y el napolitano Josepe de Ribera (1591-1652), mientras que también lo utilizó el pintor alemán de Roma Adam Elsheimer (1578-1610), cuyas escenas nocturnas ocupaban una posición intermedia entre el claroscuro puro y el tenebrismo puro . Dos de los más grandes artistas del norte de Europa, Peter Paul Rubens y Rembrandt, llevaron el claroscuro a nuevas cotas de tridimensionalidad dramática: Rubens, en obras como «Deposición desde la cruz» (1608-12, «Onze-Lieve-Vrouwe-Kerk», Amberes) y Consecuencias de la guerra (1638, Palazzo Pitti); Rembrandt, en cuadros como «Conferencia sobre anatomía del Dr. Nicolas Tulip» (1632, Mauritshuis), «Sacrificio de Isaac» (1635, Hermitage) y «Betsabé» (1654, Louvre). Otras figuras notables del barroco del siglo XVII son Gerrit van Honthorst (1592-1656) y Gerrit Dawe (1613-1675), pertenecientes a la escuela holandesa del barroco , Jacob Jordans (1593-1678) barroco flamenco y el pintor boloñés Gwerchino (Giovanni) Francesco Barbieri) (1591-1666).

El claroscuro durante el siglo XVIII y principios del XIX

Esta tradición fue mantenida durante el periodo Rococó por artistas como Fragonard (1732-1806) en obras tales como «Swing» (1767, Wallace Collection) y «Bolt» (1777, Louvre), y por Antoine Watteau (1684-1721) en sus escenas de vacaciones. En Inglaterra recurrieron al claroscuro el expresionista romántico Fuseli (1741-1825) en «La locura de Lady Macbeth» (1784, Louvre) y Joseph Wright of Derby (1734-97) en «Experimento con un pájaro en una bomba de aire» (1768, National Gallery, Londres). En España Goya utilizó varios claroscuros claros y fuertes en obras como «Cristo en la Cruz» (1780, Museo del Prado), «Desnudo de Maya» (1800, Prado), «Saturno devorando a su hijo» (1821, Prado).