Arte público:
definición, historia, tipos Traductor traducir

En teoría, el término «arte público» (arte público o municipal) se refiere a cualquier obra de arte diseñada y colocada en un espacio accesible al público, desde un jardín público hasta una pared en el interior de un edificio abierto al público. En la práctica, sin embargo, dado que una proporción significativa de estas obras de arte acaban ocultas en almacenes o instituciones públicas privadas, una definición más exacta puede ser

Arte público es un término genérico que incluye cualquier obra de arte adquirida con fondos públicos o que ha pasado a ser de dominio público (por donación, exposición pública, etc.), independientemente de su ubicación en la comunidad y de quién la vea.

Tipos de arte público

La mayoría de los tipos de arte público que han sobrevivido desde la antigüedad son diversos tipos de obras de piedra: monumentos funerarios, estatuas y otras esculturas religiosas o arquitectónicas. Hoy en día, sin embargo, la categoría de arte público incluye un gran número de obras de bellas artes, decorativas y plásticas.

Junto con la arquitectura y la escultura, incluye la pintura, las vidrieras, la cerámica, los mosaicos, los tapices, y numerosos tipos de arte contemporáneo, como el arte del paisaje, el Assemblage, Instalaciones y Performances (junto con los Eventos que las acompañan - Happenings), etc.). Incluye exposiciones temporales como «Bolas de nieve» Andy Goldsworthy (Londres, 2000), exposiciones temporales (por ejemplo, los huevos Fabergé) o estructuras arquitectónicas temporales en honor de acontecimientos concretos (por ejemplo, la Cúpula del Milenio de Londres).

Lugares y objetos para el arte público

Los lugares destinados al arte urbano suelen estar situados en centros urbanos y pueden incluir plazas, plazoletas o zonas peatonales, vías principales, accesos a edificios públicos como oficinas gubernamentales, oficinas judiciales, centros municipales de servicios públicos y transporte, aeropuertos, museos y bibliotecas, campus universitarios o de escuelas superiores, etc. Además, pueden colocarse obras de arte en edificios de la administración estatal y local, así como en iglesias y otros lugares públicos de culto.

Algunos tipos de arte público (obras de tierra medioambientales) pueden situarse en zonas remotas; otros tipos de arte público (hologramas, fuegos artificiales) pueden proyectarse en el cielo nocturno. El arte informático se está convirtiendo en una característica integral de este último .

Los orígenes del arte público

Las ciudades griegas fueron las primeras defensoras de las virtudes edificantes del arte religioso y social (principalmente la escultura), capaz de ser visto y apreciado por toda la comunidad. El ejemplo supremo de arte social en la Grecia antigua es el Partenón (c. 447-422 a.C.) de la Acrópolis de Atenas.

Más tarde, las autoridades romanas erigieron estatuas masivas del emperador romano en todos los rincones del imperio para demostrar la grandeza de Roma. Este concepto de estética comunitaria o propaganda fue utilizado activamente tanto por las comunidades paganas como por las cristianas posteriores.

La Iglesia romana, influida por la oriental, creó los magníficos mosaicos de Rávena, y Roma celebró el final de la Edad Media construyendo las grandes catedrales medievales, románicas y góticas de Francia, como Chartres, Reims, Amiens y Notre Dame de París. Adornadas con bellas obras de arte religioso, como estatuas, mosaicos, esculturas en relieve, retablos, y vidrieras, estas estructuras monumentales eran obras de arte público concebidas para inspirar a la sociedad con su majestuosa belleza y su devoción religiosa. Para más detalles, véanse Escultura medieval (400-1000); Escultura románica (1000-1200); y Escultura gótica (c. 1150-1280).

Arte público renacentista (c. 1400-1600)

Pero, sin duda, la edad de oro del arte público fue el Renacimiento italiano, cuyas obras -a diferencia de las del Renacimiento septentrional- estaban totalmente patrocinadas por la Iglesia o las autoridades civiles. Los frescos de la Capilla Scrovegni de Giotto en Padua, la estatua de bronce del David de Donatello, las esculturas de mármol de la Piedad y del David de Miguel Ángel dan testimonio de este auge del arte cristiano .

Barroco (c. 1600-1700)

El siglo XVII fue testigo de la última gran campaña de propaganda religiosa emprendida por la Iglesia católica para recuperar su grandeza y autoridad tras la Reforma. La Contrarreforma católica utilizó el estilo dramático del Barroco en la arquitectura (por ejemplo, la renovada catedral de San Pedro de Roma y sus accesos) y las formas inspiradoras del arte bíblico en la escultura (por ejemplo, la catedral de San Pedro de Roma). El Éxtasis de Santa Teresa, Capilla Cornaro, Roma, obras de Bernini) y en la pintura (por ejemplo, obras de Rubens, Caravaggio y Velázquez) para transmitir su mensaje a los feligreses de toda Europa.

Arte público 1700-1900

En los siglos XVIII y XIX, debido en parte al declive del mecenazgo de la Iglesia católica, el arte público en Occidente se limitó en gran medida a conmemorar a obispos, reyes y otros héroes seculares (por ejemplo, la Columna de Nelson en Trafalgar Square en Londres o el Arco del Triunfo en París), y a crear nuevas obras de arquitectura urbana.

En Estados Unidos, ejemplos de ello fueron obras maestras de la arquitectura pública como el Capitolio y el Instituto Smithsoniano de Washington, D.C., la Catedral de San Patricio de Nueva York (1858-79, de James Renwick) y la Estatua de la Libertad en el puerto de Nueva York (1886, de Frederick-Auguste Bartholdi). (Para más información, véase: Arquitectura estadounidense, y sobre los diseñadores, véase: Arquitectos estadounidenses)

En Europa, entre los ejemplos de arte público se incluyen estructuras como la neoclásica National Gallery de Londres; los impresionantes edificios neogóticos del Parlamento británico (1839-52, diseñados por Sir Charles Barry); la Ópera de París (1860-75, diseñada por Charles Garnier); la Torre Eiffel (1887-89), diseñada por Gustave Eiffel (1832-1923) y Stéphane Sauvestre; y muchos otros. Véase también: Arquitectura del siglo XIX .

Arte público en el siglo XX

Como ya se ha mencionado, el arte público de los siglos XX y XXI se ha ampliado espectacularmente en cuanto a función, forma y medios de expresión. La evolución política ha llevado a ampliar las funciones del arte público con fines propagandísticos. Quizá el ejemplo contemporáneo más destacado del uso del arte público con fines políticos sea el realismo socialista, que surgió en la Unión Soviética por iniciativa de Stalin para apoyar la búsqueda de la autosuficiencia industrial del país a partir de 1927. El realismo socialista pretendía glorificar los logros del régimen comunista mediante la exhibición generalizada de carteles monumentales, pintura y escultura heroica.

Al mismo tiempo, el dictador nazi de Alemania, Adolf Hitler, organizaba exposiciones fotográficas diseñadas para demonizar a los judíos en la sociedad y una enorme exposición de arte público en Múnich de pintura y escultura moderna prohibida llamada «Arte degenerado» . Su intento de genocidio de los judíos dio lugar a un nuevo género , el arte del Holocausto, y a monumentos públicos conmemorativos.

En México, en las décadas de 1920 y 1930, artistas como Diego Rivera (1886-1957), David Alfaro Siqueiros (1896-1974) y José Clemente Orozco (1883-1949), ayudaron a crear el movimiento Frescos Mexicanos, en el que los edificios públicos se decoraron con pinturas murales a gran escala, normalmente con ideas políticas nacionalistas.

Quizá la forma más reciente de arte público del siglo XX, el Land Art (Arte del paisaje), ejemplificado por monumentales obras de tierra como Spiral Jetty, creada en Utah (1970) por Robert Smithson, y el cercado de once islas de Florida con tela rosa (1983) por Christo y Jeanne-Claude (n. 1935).

Arquitectura

Tal vez la forma más abierta y accesible de arte público, el diseño de edificios del siglo XX está dominado por Arquitectura de rascacielos, dando forma al paisaje urbano con torres cada vez más altas.

Graffiti

Este término, derivado de la palabra italiana «graffio» que significa «rayar», se refiere al arte callejero «ilegal» pintado en edificios de zonas públicas de la ciudad por artistas callejeros» libres «. Probablemente, los cuatro artistas callejeros más conocidos son Keith Haring (1958-1990), Jean-Michel Basquiat (1960-88), Banksy (n. 1973-4) y David Wojnarowicz (1954-1992), cada uno de los cuales ha disfrutado de un gran éxito comercial.

Uno de los nuevos movimientos artísticos contemporáneos, el arte callejero del graffiti incluye el graffiti territorial, el arte de guerrilla agresivo (ahora llamado «post-graffiti») y el graffiti de plantilla. En comparación, el término arte callejero «» incluye imágenes tradicionales de graffiti, así como pegatinas, carteles callejeros, proyecciones de vídeo e instalaciones callejeras. Se utiliza habitualmente para distinguir la decoración artística contemporánea de espacios públicos del graffiti territorial o de guerrilla y del vandalismo visual. Ninguna de estas formas de creación artística no estatal «» entra en la definición de arte público patrocinado por el Estado. Para más información, véase Arte del graffiti .

Tradicional

Más recientemente, el arte público incluye obras tradicionales como la escultura conmemorativa, la escultura arquitectónica (por ejemplo, la aguja de Dublín de Ian Ritchie , conocida como «aguja»), la escultura limpia (por ejemplo Chicago de Picasso ), murales (por ejemplo, una copia en tapiz del edificio de la ONU a partir de un óleo «Guernica» (1937) de Pablo Picasso).

«Chicago Picasso», escultura monumental sin título del maestro español Pablo Picasso (1881-1973), es una de las obras más famosas del arte urbano. Instalada el 15 de agosto de 1967 en la Plaza Daley del Loop de Chicago, este monumento familiar mide 15 metros de altura, pesa 162 toneladas y costó 351.959 dólares.

El propio Picasso renunció a todos los honorarios. La escultura fue fabricada por la United States Steel Corporation (Gary, Indiana) antes de ser desmontada y transportada a su hogar en Chicago. El tema exacto de la escultura sigue sin estar claro.

Arte público contemporáneo

Entre los representantes contemporáneos más destacados del arte público se encuentran los siguientes artistas (y sus obras): Louise Bourgeois ) Maman, 1999, Museo Guggenheim Bilbao); Jean Tinguely ) Fuente de Stravinsky, 1983, explanada del Centro Pompidou); Claes Oldenburg ) Apple Core, 1992, Museo de Israel, Jerusalén); Bruce Nauman ) Corridor of Green Light, 1970, Museo Samuel Guggenheim, Nueva York); Richard Serra ) Arco inclinado, 1981, Federal Plaza, Nueva York); Marc Di Suvero ) Ángel de la tormenta, 1973-4, Place Chabas, Chalon-sur-Saône); Anthony Gormley ) Angel of the North, 1994-8, Gateshead, Reino Unido); y Anish Kapoor ) Cloud Gate, 2004, Millennium Park, Chicago).

Planes «Porcentaje para el arte»

Recientemente, los gobiernos municipales de algunos países han apoyado una política de recaudación de fondos para edificios financiados con fondos públicos, a saber, el Esquema «Porcentaje para el Arte». Normalmente se trata de reservar el 1% del coste de construcción de un edificio (hasta una cantidad máxima fija) para la compra de obras de arte, que luego se exponen al público.

Los museos de arte son el mejor arte público moderno

Quizá el mejor arte público de la era moderna sea la red mundial de museos y galerías de arte públicos. Estas instituciones aportan dos beneficios artísticos muy diferentes a la sociedad. En primer lugar, pueden poseer una belleza arquitectónica excepcional, ejemplificada por el Centro Pompidou de París o el Guggenheim de Bilbao.

Centro Pompidou
Este templo del arte posmoderno, construido en 1971-7 según diseños de Renzo Piano y Richard Rogers, alberga el Museo Pompidou, el museo francés de arte moderno. Esta gran estructura exenta con armazón de acero es un buen ejemplo de cómo la arquitectura estética puede convertirse en arte público.

Colecciones

Además de bellezas arquitectónicas, los museos albergan vastas colecciones de arte prehistórico, pinturas, esculturas, grabados y otras obras sobre papel, cerámica, mosaicos, cristalería, metalistería, tapices, manuscritos iluminados y caligrafía, así como formas contemporáneas como ensamblaje, instalación y videoarte .

Algunos de los principales museos de arte con las mayores colecciones de arte abiertas al público son: La Galería Uffizi de Florencia, el Museo del Hermitage de San Petersburgo, el Louvre de París, el Prado de Madrid, el Complejo Museístico Pinakothek de Múnich, el Museo Victoria and Albert de Londres y, por supuesto, el Museo Metropolitano de Arte, el Museo Samuel Guggenheim y el Museo de Arte Moderno de Nueva York.