Escultura británica moderna Traductor traducir

Historia y caracteristicas

La ruptura con lo tradicional naturalismo era solo parte de un nuevo movimiento en el arte que luego sería aceptado y adoptado a escala internacional. Este movimiento comenzó en París hacia fines del siglo XIX cuando comenzaron a suceder cosas interesantes en la pintura. Los artistas comenzaban a trabajar de nuevas maneras que estaban en contra de los métodos tradicionales aceptados de la época. Estos experimentos en pintura, que luego se extendieron a escultura, tendrían consecuencias de largo alcance de hecho. De hecho, iban a cambiar toda la concepción del arte para el siglo XX y dar paso a un nuevo conjunto de modernistas. estética que continuaría cambiando por el resto del siglo.

El público británico estuvo expuesto por primera vez a estas tendencias en arte Moderno en 1910, a través de una serie de exposiciones organizadas en Londres por Roger Fry, uno de los principales de Gran Bretaña críticos de arte. En este momento, el movimiento original de arte moderno, Impresionismo, estaba cambiando a un segundo movimiento, diferente de nuevo, conocido como Post impresionismo. El primer movimiento se refería casi exclusivamente a la pintura y al realismo natural, pero el segundo también era proporcionar los primeros experimentos en arte plástico lejos de los métodos tradicionales de trabajar y ver.

A principios de este siglo, el público británico era notablemente resistente a los cambios de cualquier tipo en materia de arte. Incluso las pinturas de la escuela impresionista, establecidas desde hace mucho tiempo y muy apreciadas en otros países, no se tomaron en serio en Inglaterra en ese momento. Y al no haber aceptado a los impresionistas fácilmente comprensibles, que pintaron temas realistas reconocibles de una manera directa e imprevista, el público británico apenas estaba listo para entender a los postimpresionistas, que intentaban rechazar la imitación y la imitación tradicional. realismo en el arte por completo. De modo que aunque estas primeras exposiciones de arte moderno – como el Show de armería en Nueva York: abrió los ojos de algunos artistas que trabajaban en Inglaterra, la reacción fue en general de desaprobación furiosa. De hecho, la tormenta creada por la primera visión del ’arte moderno’ (como se etiquetó entonces hace tantos años) en este país apenas ha muerto hasta el día de hoy, y por una muy buena razón. A partir de ese momento, el arte se convertiría cada vez más en una actividad especializada y, por lo tanto, cada vez más difícil de comprender para la persona no capacitada.

En pocas palabras, la razón de la desaprobación casi unánime del nuevo movimiento fue la diferencia entre arte representativo, que representaba las cosas naturales de una manera reconocible que todos podían entender, y no representativa o arte abstracto, lo que no fue así, y de lo que muy pocas personas en ese momento podían esperar tener la cabeza o la cola.

Primero admitamos que la forma más fácil posible de juzgar cualquier obra de arte es por su semejanza con las cosas naturales reconocibles. Si se elimina ese método simple de juzgar el arte, la persona promedio pierde el único estándar de crítica de arte que conoce. Tal vez ahora podamos comenzar a entender por qué el arte moderno causó tantos sentimientos negativos, ya que todas las obras de arte eran representativas en ese momento en Inglaterra, casi todos podrían considerarse con derecho a tener opiniones firmes sobre Art º, incluso si nunca había estado dentro de una galería de arte o visto una exposición de arte en su vida.

Esto también explica por qué no fue el arte ’abstracto’ (o el arte no representativo) lo que causó tanta irritación a la persona promedio, sino aquellas obras más numerosas que se ubicaron en algún punto entre lo abstracto y lo reconocible, obras en las que el artista utilizó reconocibles cosas naturales pero las había distorsionado o incluso reorganizado de acuerdo con lo que él sentía que su trabajo necesitaba. Esto realmente enfureció al público de esa época. Un trabajo puramente abstracto que podrían ignorar por no tener interés pictórico o ilustrativo. Las obras no mostraban nada reconocible y, por lo tanto, no había nada en ellas para llamar la atención del público en general o para que hablaran. El trabajo distorsionado era otra cuestión, ya que mostraba cosas reconocibles que deliberadamente parecían equivocadas. La distorsión fue, por lo tanto, un insulto directo al conocimiento del público sobre cómo deberían verse las cosas y, por lo tanto, un insulto directo a su condición de críticos de arte. La distorsión, particularmente de la figura humana, dejó a la persona promedio sin respuesta, excepto el ridículo, y en las circunstancias el ridículo mismo se volvería ridículo. Porque, sin ser tontos, no podemos señalar como error que las manos en una figura esculpida son demasiado grandes cuando son dos veces más grandes, o que el escultor ha hecho la cabeza demasiado pequeña cuando solo tiene la mitad del tamaño debe estar de acuerdo con las proporciones humanas normales. Distorsiones de tal magnitud eran claramente deliberadas y parte de la intención definida del escultor.

Jacob Epstein (1880 – 1959)

Todo esto puede ayudar a explicar por qué el nuevo movimiento en el arte se encontró con tanta resistencia en Gran Bretaña y por qué, veinte años después de su presentación al público británico, la gente todavía se sentía lo suficientemente fuerte sobre el "arte moderno" como para desfigurar una obra tallada por el primer artista moderno. escultor para practicar en Inglaterra. El trabajo fue el memorial en Hyde Park al naturalista WH Hudson. El escultor fue el artista más controvertido. Jacob Epstein , quien fue una figura dominante en el arte británico casi hasta su muerte en 1959. Epstein también fue responsable de las figuras ’ Noche ’ y ’ Día ’ que talló para la estación de metro de St. James’s Park. En la Tate Gallery hay un bronce de él llamado ’ The Visitation ’ y hay otro bronce magnífico, ’ Madonna and Child ’, en el Convento del Santo Niño Jesús en Cavendish Square, Londres, que modeló en 1952.

De Epstein escultura de piedra provocó una pasión de disgusto público y denuncia de prensa con cada nuevo trabajo. Su modelado para bustos de retratos y los bronces, por otro lado, siendo más representativos, menos distorsionados y, por lo tanto, menos en el estilo moderno, gozaron de considerable favor. El manejo libre y brillante de los retratos modelados, muy a la manera del gran escultor expresionista francés Auguste Rodin (1840-1917), fue especialmente admirado. Estos también son excelentes retratos, son inconfundibles ’semejanzas’, y son más originales e inventivos en composición y técnica. La gente no podía conciliar el arte innegable y la seguridad técnica de su modelado con sus tallas en piedra. Las fuertes cualidades de diseño de estas tallas con sus simplificaciones escultóricas y distorsiones intransigentes siempre trajeron una tormenta de protesta pública. De hecho, durante la década de 1930, una de estas obras, una figura titulada ’ Génesis ’, en realidad ganó dinero en un espectáculo paralelo de Blackpool donde se exhibió, no por sus cualidades escultóricas o estéticas, sino por su valor de choque popular como ’odio ’objeto.

Dibujado a obras serias de carácter histórico y Arte bíblico, La obra maestra más grande y atemporal de Epstein es la monumental Biblia estatua titulado Adam (1938, Harewood House, Leeds, Reino Unido). Otros ejemplos de su Arte cristiano incluyen: Lázaro (1947-48, Oxford, New College Chapel); Cristo en Majestad, 1954-5, Catedral de Llandaff); y San Miguel y el Diablo (1956-8, Catedral de Coventry).

Eric Gill

El arte moderno se hizo más aceptable para los amantes del arte en las obras de Eric Gill , cuyo uso de sus simplificaciones y distorsiones fue mucho menos agresivo que el de Epstein. Al igual que Epstein, Gill fue un tallador directo. De hecho, Gill difícilmente admitiría que alguien que modeló una estatua primero en arcilla y luego dejó que otra persona la copiara en piedra fue un escultor. Su trabajo siempre está "diseñado" muy conscientemente, pero sus figuras son siempre representativas y el estilo en el que trabajó está mucho más cerca de la escultura tradicional que de la escultura moderna. Su trabajo proporcionó un compromiso claro entre lo tradicional y lo nuevo que resultó completamente aceptable para un gran número de personas en este país. Todavía hay muchos escultores que trabajan de esta manera, utilizando una representación reforzada por los dispositivos de diseño, simplificación y distorsión de algunas de las formas anteriores de la escultura moderna. Algunos de Eric Gill arte publico La escultura se puede ver en Broadcasting House. Representa a Prospero y Ariel, el viejo y el Sprite de La tempestad de Shakespeare. Otro grupo del mismo tema está en la Galería Tate. Sin embargo, Gill estaba quizás en su mejor momento en bajorrelieve, y se pueden ver ejemplos en Londres en la Catedral Católica de Westminster. Esculpió ’ Las Estaciones de la Cruz ’ para este edificio durante la Primera Guerra Mundial.

Henry Moore

Sin embargo, el más importante de los escultores ingleses modernos fue Henry Moore (1898-1986), quien realizó su primera exposición en 1928 y, a su debido tiempo, estableció una reputación internacional como uno de los más grandes escultores del siglo XX. Su trabajo varió entre escultura semi-representacional y escultura formal no representativa o abstracta. Destaca sobre todo por su exploración de abstracción biomórfica, gran parte de sus obras se basaron en el tema ’figura reclinada’. A veces, estos grabados son claramente reconocibles como figuras humanas, en otros la forma se corta con agujeros, y algunas partes de la figura incluso se eliminan por completo, otros aparecen nuevamente como grupos de piedras o rocas de aspecto natural que apenas parecen tocadas por el escultor. cincel. Todos, sin embargo, sea cual sea el estilo, transmiten fuertemente el sentido de la presencia de la figura. Se nos dice que lo más importante para Moore es el material que usa, la piedra misma. Explicó que las formas curvas y los agujeros naturales en las piedras, la forma en que el viento y el agua los han usado, lo fascinaron, al igual que las misteriosas cuevas en laderas y acantilados. Hay ejemplos del trabajo de Moore en la Tate Gallery. Uno se llama ’ Figura reclinada ’. Tiene las curvas y los agujeros que tienen las rocas desgastadas por el clima y, sin embargo, sugiere una mujer tendida en el suelo. Otros trabajos en Londres incluyen una ’ Figura reclinada drapeada ’ y una pantalla abstracta en piedra Portland en el edificio Time-Life. También se pueden ver muchos ejemplos en la Galería Tate. Un ejemplo particularmente bueno de Moore escultura de bronce es Locking Piece (1963-4, Millbank, Londres: Fundación Henry Moore).

Barbara Hepworth

Otro importante escultor británico es Barbara Hepworth (1903-1975). Al igual que Henry Moore, realizó su primera exposición en 1928; De hecho, estos dos escultores vinieron del mismo distrito y asistieron a las mismas escuelas de arte. Pero aparte de un breve período durante la década de 1930 cuando trabajaban en problemas similares en escultura, sus objetivos eran básicamente diferentes. La figura humana nunca aparece en la obra típica de Barbara Hepworth. Su escultura es completamente abstracta en su intención: una forma de arte no objetivo, basado en formas geométricas y otras formas básicas. Sus tallas tienen títulos como ’formas’, ’esferas’, ’escultura con color’, etc., títulos que enfatizan el hecho de que no están destinados a representar o sugerir ningún ser vivo. Hay uno en el Galería de arte Tate, por ejemplo, llamado ’ Forma bicéntrica ’. Otros trabajos en Londres de Barbara Hepworth incluyen las figuras abstractas en el frente del Festival Hall, ’ Meridian ’ en la Casa del Estado y ’ Orpheus ’ en latón en la Casa Milliard. En Nueva York, su monumento a Dag Hammarsjold – Single Form (1961-4) – se encuentra al lado del Edificio de las Naciones Unidas. Hepworth comenzó a trabajar de la misma manera abstracta a partir de principios de la década de 1930 en adelante, lo que no era muy temprano para escultura abstracta en Inglaterra. Su trabajo no despertó la misma muestra de disgusto público que la de Epstein y Moore, aunque quizás fue más fiel a los primeros principios del arte moderno y la abstracción asociada.

Ben Nicholson

Como hemos visto, fue difícil para el público volverse tan apasionado por una obra de arte completamente abstracto como pudieron, y lo hicieron, por obras que mostraban distorsiones de la figura humana. El pintor y escultor inglés. Ben Nicholson (1894-1982) produjo en este momento, durante la década de 1930, un tipo único de monocromo escultura en relieve – titulado "relieves blancos". Estas obras consistieron en paneles de aglomerado en bajo relieve en un espíritu geométrico formal. Son una forma muy abstracta de arte concreto y son interesantes, aparte de sus valores estéticos, ya que se encuentran a medio camino entre la pintura y la escultura. Durante la segunda mitad del siglo XX, la división entre pintura y escultura se hizo muy difícil de definir. Las pinturas a menudo se construían en alto relieve, el marco tradicional y la forma rectangular formal de la imagen a menudo se abandonaban, transformando la imagen en una especie de relieve en 3-D. La escultura, por otro lado, comenzó a parecerse a relieves poco profundos, a veces en plástico o materiales de desecho, que colgaban de la pared como una imagen. Un escultor llamado Cesar (Cesar Baldaccini) (1921-98) incluso utilizaba chatarra, generalmente en forma de carrocerías de automóviles que se comprimían comercialmente en fardos o fardos para el comercio de chatarra. A partir de estas esculturas creadas por César, que incluyen relieves semiesculturales que se parecen mucho a algunas de las pinturas del pintor de "acción" estadounidense, Jackson Pollock (1912-56).

Con el final de la Segunda Guerra Mundial, varios nuevos escultores británicos comenzaron a surgir como artistas importantes, pero no fue hasta la década de 1950 que su trabajo logró una distinción real para la escultura británica a nivel internacional. Este fue un logro sorprendente e inesperado para un país cuyo público había resistido con tanta fuerza la influencia del arte moderno. Hasta entonces, los únicos artistas modernos en Gran Bretaña que habían podido desarrollar la escultura lo suficiente como para alcanzar una reputación internacional en el extranjero fueron Jacob Epstein, Henry Moore y Barbara Hepworth. Por lo tanto, fue muy sorprendente cuando todo un grupo de escultores británicos, no solo Henry Moore y Barbara Hepworth, cuyas reputaciones ya estaban hechas, sino que incluyeron a una generación más joven de escultores, ganaron muchos premios y distinciones con trabajos aclamados y exhibidos en toda Europa. y Norteamérica y Sudamérica. Y continuaron ganando premios y aclamaciones durante la década de 1950.

Reg Butler, Lynn Chadwick y Kenneth Armitage

Los escultores destacados en este grupo más joven fueron Reg Butler (1913-81), Lynn Chadwick (1914-2003) y Kenneth Armitage (1916-2002). La tendencia general de su trabajo en ese momento fue la última etapa de la representación, donde la representación está desapareciendo y el resumen se ha hecho cargo. Sus formas escultóricas son básicas y pertenecen a la geometría, pero hay ecos humanos inquietantes en la obra, particularmente en su silueta general. Para lograr un sentido de "masa" escultórica, Kenneth Armitage aumentó el tamaño de los cuerpos de sus figuras y redujo la importancia de sus extremidades. Las cabezas, los brazos y las piernas se convierten en simples perillas o adiciones en forma de palo a la figura. Armitage también ha llevado esta idea un paso más allá al usar no una sino muchas figuras formadas en una sola gran forma. El trabajo de Lynn Chadwick, quien ganó un premio con su diseño para un monumento al ’Prisionero político desconocido’, estaba menos preocupado por la figura humana que Armitage y Butler. Sus esculturas crean un extraño mundo imaginativo de seres como insectos, pájaros y bestias puntiagudas, afilados, angulosos y amenazantes.

Reg Butler, quien en 1953 ganó el Gran Premio en el Concurso Internacional de Escultura con su maqueta (modelo de boceto pequeño) por un monumento al ’Prisionero político desconocido’, muestra en su trabajo posterior un regreso a una forma de trabajo más tradicional. Su trabajo de esta manera es totalmente representativo. Las superficies modeladas tienen el mismo tipo de textura que el trabajo de Rodin, pero las figuras están ligeramente distorsionadas para enfatizar la pose. Aunque son representativos, estas obras son muy "modernas" en su efecto. Hay una ’ Chica ’ de bronce, típica de esta fase en el trabajo de Butler, en la Tate Gallery, donde también hay ejemplos del trabajo de Chadwick y Armitage. Para un escultor internacional que trabaja en un estilo no muy diferente, vea al artista suizo Alberto Giacometti (1901-1966).

Escultura de metal

No hay espacio para mencionar todos los diversos estilos y métodos de trabajo utilizados durante la década de 1950. Algunos escultores trabajaban en el idioma de constructivismo, otros en el medio de arte cinético (móviles y otras esculturas móviles). El metal se usaba cada vez más, a menudo en forma de piezas cortadas o forjadas de hierro soldadas entre sí. Otros escultores utilizaron piezas de máquinas y chatarra que soldaron juntas como piezas reconocibles.

Para otros escultores asociados con el cinético, ver: Naum Gabo (1890-1977) y Jean Tinguely (1925-1991). Para aquellos involucrados con el metal, ver: Mark Di Suvero (nacido en 1933) y Richard Serra (nacido en 1939).

Durante la década de 1950 se mostró mucho interés en el tratamiento textural de la superficie de la escultura. La textura puede emerger de forma bastante natural a través del carácter del material y la forma en que se forma. Arcilla modelada suave, o escultura de terracota obviamente tiene una calidad de superficie bastante diferente de la de la madera o la piedra cinceladas; mientras que la piedra dura tiene una calidad de superficie diferente a la de la piedra blanda. Los escultores "modernos" anteriores estaban muy ocupados con la idea de las superficies correctas para los diferentes materiales que usaban; La ’verdad al material’ era una de sus reglas de trabajo. El amor de Henry Moore por las superficies de piedra ’naturales’ se llegó a través de esta convicción. Pero en la década de 1950, algunos pintores y escultores se interesaron por la textura de la superficie por sí misma.

Eduardo Paolozzi

Un escultor que ha llevado el uso de la textura quizás a sus límites extremos es Eduardo Paolozzi (1924-2005). Paolozzi nació en Edimburgo de padres italianos en 1924. Hizo mucho uso de superficies ricamente texturizadas en sus bronces que obtuvo mediante el uso de chatarra y artículos de metal impresos antes de ser fundidos. Además, también ha habido una gran cantidad de experimentos con nuevos materiales y con nuevos métodos de uso de materiales. Hemos visto Arte de ensamblaje hecho de materiales ’basura’ o ’encontrados’. (Véase, por ejemplo, Empire II del escultor estadounidense Robert Rauschenberg.) Se han utilizado neumáticos de motor, maquinaria desgastada, materiales de desecho y todo tipo de basura improbable en la ’escultura’ contemporánea. A veces, el escultor presenta estos materiales tal como son, pero a menudo están fundidos en bronce, lo que sin duda les proporciona más dignidad y prestigio como ’objetos de arte’. (Ver, por ejemplo, Ale Cans por Jasper Johns.)

Anthony Caro

Otra figura influyente en la escultura británica de posguerra que comenzó a trabajar con metal fue Anthony Caro (1924-2013). Asistente de Henry Moore a principios de la década de 1950, Caro cambió del arte figurativo representativo a la escultura abstracta de metal después de conocer al escultor abstracto estadounidense. David Smith (1906-1965), en 1959. Su innovador estilo de abstracción se ejemplifica en Early One Morning (1962, Tate Gallery, Londres).

Nuevos materiales en escultura moderna

Experimentos como estos pueden considerarse ejercicios a través de los cuales el artista aprende sobre el carácter de su material, sus cualidades y sus posibilidades de desarrollo. El uso de un material nunca antes utilizado para hacer esculturas significa, por supuesto, que el artista tiene que inventar una nueva forma de trabajar. Él ha visto en este material un nuevo tipo de belleza que quizás nadie ha apreciado antes y debe desarrollarlo de una manera que lo satisfaga como artista. Cualquier material utilizable, tradicional o no, sugerirá su propia forma correcta de tratamiento a un artista sensible. Por lo tanto, los materiales nuevos o no tradicionales no solo pueden proporcionar un nuevo enfoque para un artista creativo, sino que también pueden conducir al descubrimiento de nuevos tipos de belleza. El mérito de cualquier técnica, sin embargo, depende completamente del mérito del artista que la usa. El trabajo de un mal artista seguiría siendo malo, incluso si fuera fundido en oro puro. El trabajo de un buen artista creativo puede ser bueno incluso si trabaja en materiales de desecho.

Collage

Los productos de experimentos como estos tienden a ser abstractos. El escultor hace que el material sea el tema de su trabajo, no usa el material para imitar otra cosa. Tales obras permanecen abstractas incluso cuando se utilizan objetos reales reconocibles en la escultura. Para que esta forma de usar objetos no sea representativa, los objetos se usan por sí mismos. Este dispositivo se ha utilizado en la práctica del arte moderno desde sus comienzos. Fue introducido por los primeros postimpresionistas en sus pinturas y esculturas. Usaron trozos de periódicos impresos, hule y otros materiales que pegaron en sus pinturas por su patrón o textura. Esta forma de trabajar se conoció como ’ collage ’y se ha desarrollado de diversas maneras en pintura y escultura. Ya en 1914, los pintores usaban materiales y artículos reales para crear esculturas tridimensionales (o sólidas) de acuerdo con los principios de Cubismo (ver trabajos de Archipenko) y su movimiento hermano Futurismo (ver trabajos de Umberto Boccioni) La idea fue utilizada en gran medida por el Surrealismo movimiento y lo vemos también en el trabajo de artistas que experimentaron con la textura durante la década de 1950. Fijaron materiales fuertemente texturizados a sus pinturas. (Se han utilizado de este modo sacos gruesos, redes de pesca, sacos de cebolla y todo tipo de material, a menudo con un rico efecto).

En manos de artistas posteriores, el ’collage’ se convirtió en popular o ’ arte pop ’pero las fotografías y recortes de revistas generalmente se emplean para este tipo de trabajo. (Los victorianos también utilizaron ampliamente la idea para cubrir pantallas, etc., como un álbum de recortes). La inclusión de objetos reales agrega una nueva calidad a una obra de arte y muchos artistas se han aprovechado de esto. Ya se ha mencionado el uso de piezas de maquinaria de chatarra reconocibles, junto con ’Ensamblajes’ que llevan la idea al límite. Los ensamblajes son arreglos de objetos y partes de objetos y pertenecen al lenguaje de la escultura ’chatarra’.

Ready Mades

Otra forma de usar objetos reales fue introducida en 1913 por un artista francés, Marcel Duchamp (1887-1968) – considerado como el padre de arte basura – quien exhibió una rueda de bicicleta sin adornos y ’factory fresh’. Este fue quizás el primer ejemplo de este tipo de pensamiento y las exposiciones de esta naturaleza llegaron a ser conocidas por los escultores como ’ mades listos ’. El artista estaba llamando la atención sobre la belleza de un producto muy ordinario y sin consideración de su edad. Duchamp repitió esta actuación dos años después con una pala de nieve, a la que llamó " En avance de un brazo roto ". Desde entonces, los ’mades listos’ han aparecido regularmente en exposiciones.

Una variación de este aspecto del realismo apareció en la exposición ’ Escultura británica en los años sesenta ’, celebrada en la Galería Tate en 1965. Titulada ’ Bebé montado ’, comprendía una pequeña mesa y un armario de esquina con muy pocas adiciones. Sugiere un niño pequeño sentado en un caballo, pero su interés principal radica en el hecho de que está completamente fundido en bronce. Difícilmente podría parecer más real, más como una mesa y un armario si todavía estuviera en su estado original.

Nuevos métodos y técnicas escultóricas

Vemos que las intenciones e ideas de los pioneros del arte moderno, después de muchos años de resistencia positiva, se han afianzado en Inglaterra. Pero cualesquiera que sean las razones de la mayor tolerancia por parte del público durante la década de 1950, ha permitido a los artistas aquí desarrollar su trabajo con mayor libertad. En consecuencia, la escultura británica ha sido capaz de sacudirse todas las restricciones restantes de las formas tradicionales de trabajo. Ahora hay pocas barreras en el camino del escultor, él es libre de trabajar de la forma que desee.

El genio español Pablo Picasso (1881-1973) demostró que un artista era libre de cambiar su forma de trabajar varias veces a lo largo de su vida. En materia de arte, este cambio ya no necesita ser un proceso emocional o instintivo prolongado de cambio lento, el lento desarrollo inevitable de los artistas que trabajan durante largos períodos de tiempo. Tampoco, argumentan los jóvenes escultores desafiantes de hoy, necesita que el aprendizaje de su oficio le lleve a un escultor toda la vida. El asistente pagado del escultor ha vuelto. Excepto que hoy no es probable que sea un tallador de piedra profesional, porque aunque Henry Moore y Barbara Hepworth han empleado durante mucho tiempo a talladores de piedra como asistentes pagados, los escultores están reaccionando actualmente contra la piedra como material para la escultura debido a sus fuertes asociaciones tradicionales Los asistentes profesionales empleados por los escultores en la era actual del arte contemporáneo tienen más probabilidades de ser expertos en software informático o expertos en diseño asistido por computadora.

La escultura moderna debe ser nueva

Todo esto es una reacción contra las formas tradicionales de trabajo: cuanto más se aleje un artista del trabajo tradicional, más ’moderno’ o ’contemporáneo’ o actualizado y con visión de futuro es probable que sea su trabajo. De hoy arte posmodernista está siendo hecho por nuevas generaciones de artistas posmodernos quienes nacieron mucho después de la batalla original contra el tradicionalismo, librada por los activistas del cubismo. Pero el arte no alcanza una especie de "perfección" y luego permanece así para siempre, porque lo que es correcto para una edad puede ser bastante incorrecto para otra. Es una tontería decir que una estatua es repugnante o mala simplemente porque no se parece a una tallada en la Italia renacentista hace 400 años o en la antigua Grecia hace 2.000 años. Un buen trabajo de arte de vanguardia no es mejor ni peor que el buen trabajo realizado cientos o miles de años atrás. Pero es y debe ser diferente. Si no es así, entonces es simplemente una copia de algo del pasado y no expresa verdaderamente los pensamientos, sentimientos o ideas del artista o de su tiempo.

Recursos adicionales

Se pueden ver ejemplos de escultura británica moderna del período 1930-70 en varios de los mejores museos de arte y jardines de esculturas en todo el mundo.