Escultores Neoclásicos Traductor traducir

Advenimiento del neoclasicismo

En Francia, la tenue ascendencia del rococó durante el período de Regencia condujo a una reacción a favor de un estilo más noble y serio de escultura en la década de 1740 que, como hemos visto, se asoció con un sentimiento de nostalgia por el reinado de Luis XIV. los clasicismo de la década de 1740 y de Bouchardon en particular, sin embargo, no debe considerarse como un rechazo de la Barroco, pero como un desarrollo posterior del clasicismo barroco que se remonta al estilo de finales del siglo XVII en lugar de directamente a Escultura griega o Escultura romana de la antigüedad Solo en Roma, en la década de 1760, la creciente insatisfacción con lo que Jacques-Louis David llamada ’la cola de Bernini’ o el final del barroco, encuentra expresión en una teoría coherente de Escultura neoclásica.

El portavoz de arte neoclásico estaba Johann Joachim Winckelmann (1717-68), el anticuario alemán, que produjo una serie de publicaciones sobre Arte griego que por primera vez intentaron organizar estatuas griegas de acuerdo con su desarrollo estilístico. Winckelmann vio el Barroco como una herencia desafortunada que tenía que ser barrida para que los artistas volvieran a la pureza y simplicidad de antigüedad clásica. Él inesperadamente eligió el estatua en el Vaticano conocido como Laocoon y sus hijos (c.42-20 a. C.), como uno de los principales ejemplos del ’ edle Einfalt und stille Grosse ’ de las mejores obras griegas, pero vio estas cualidades en la moderación y nobleza con que Laocoon sufre su terrible agonía.

La calidad de la moderación siempre había sido admirada por los teóricos clásicos, pero la novedad en el argumento de Winckelmann es que su ideal de simplicidad no es solo una advertencia para evitar una elaboración excesiva, sino una llamada a los artistas para que se purguen de todo lo ajeno a la realización pura. de la idea de su trabajo. Como resultado, una apariencia convincente de la realidad ya no era una condición sine qua non, y el naturalismo por sí mismo fue condenado como imitación de la naturaleza.

Antonio Canova

La teoría y el desarrollo anterior del neoclasicismo fue esencialmente el logro de los extranjeros en Roma, pero el mayor exponente fue Antonio Canova (1757-1822), un italiano que estudió en Venecia. Se convirtió de repente en la doctrina del neoclasicismo, y podemos seguir el cambio en su trabajo y la reacción de sus contemporáneos. Canova nació en Possagno, cerca de Venecia, y había alcanzado una gran reputación en Venecia, especialmente para el grupo de Dédalo e Ícaro (1779). Este trabajo todavía está en un lenguaje barroco inconfundiblemente tardío; La superficie de las figuras está representada minuciosamente y su relación es graciosa y conversacional. Llevó una versión a Roma en 1779, donde se hizo amigo del pintor escocés Gavin Hamilton, quien se había convertido en el árbitro del gusto neoclásico después de la muerte de Winckelmann en 1768. En 1781, el embajador veneciano le dio a Canova un bloque de mármol. para un grupo de Teseo y el Minotauro y, aparentemente por consejo de Hamilton, decidió mostrar el momento de triunfo después de la batalla en lugar de la batalla en sí. El trabajo es revolucionario en su severidad intransigente. Marca el final de la era barroca en la escultura y, en adelante, el nuevo estilo griego gradualmente se convirtió en el estilo oficial de todos los monumentos y proyectos escultóricos a gran escala. Su éxito con el Teseo llevó a la comisión para la tumba del papa Clemente XIV (1784-7) en Ss. Apostoli en Roma. Este proyecto invita a la comparación directa con Bernini, y la realización final de Canova puede verse como una purificación deliberada del concepto de Bernini de la tumba papal; la policromía deslumbrante ha sido reemplazada por mármol de Carrara inmaculado, y las formas curvilíneas y las diagonales fuertes han cedido a un sistema rígido de horizontales y verticales, mientras que las figuras están separadas y separadas entre sí.

El celo de Canova por eliminar las excrecencias de la concepción de Bernini también ha eliminado gran parte de la vitalidad artística. Sus obras menos ambiciosas en las que queda un poco de espíritu rococó son ahora mucho más aceptables que sus tumbas más grandes, pero sus contemporáneos tenían una visión más altruista de sus logros. Milizia, un contemporáneo y partidario de Canova, alabó la tumba de Clemente XIV por sus cualidades griegas. Sin embargo, me siento seguro de que si en Grecia, y durante las épocas más felices del arte griego, se le había requerido esculpir un Papa, el tema no habría sido tratado de una manera diferente al presente ", mientras que los espectadores que vieron el Teseo por primera vez estaban convencidos de que era una copia de un original griego y se sorprendieron al comprobar que estaban equivocados. Sin embargo, Canova siempre aborreció la práctica de copiar obras griegas, ya que para él y para Winckelmann la imitación significaba el regreso al espíritu original de los griegos, cuyo bronce y piedra Las obras maestras fueron la consecuencia natural de una Edad de Oro cuando los artistas y filósofos se unieron en la contemplación de la perfección del cuerpo humano. (Un enfoque adoptado por Escultores renacentistas como Miguel Ángel.) La oposición a Canova, que fue amarga en sus primeros días, se resume en el comentario del director del Academia francesa, quien al ver a Teseo, le preguntó a Canova: Dime, ¿por qué has cambiado tu estilo? ¿Quién te persuadió a abandonar la búsqueda de la naturaleza?

Nota: Franz Xaver Messerschmidt (1736-1783), el escultor germano-austriaco mejor conocido por sus extraordinarios "Jefes de los personajes", fue uno de los primeros neoclásicos.

Jean-Baptiste Pigalle

El asco de la Ilustración ante la frivolidad de la estilo de arte rococó contribuyó al creciente clasicismo de la escultura francesa en el siglo XVIII, pero es irónico que el país de Poussin No produjo ningún escultor neoclásico para comparar con Canova. La estatua desnuda de Voltaire demuestra que los escultores franceses nunca pudieron arrojar un naturalismo barroco residual o alegría rococó. Jean-Baptiste Pigalle (1714-85), que se concibió en un espíritu autoconscientemente clásico. El proyecto se sugirió por primera vez en 1770 en una cena ofrecida por Madame Necker para, entre otros, Diderot, Grimm, d’Alembert y Helvetius. La intención era conmemorar a Voltaire como un ejemplo para la posteridad, ya que, en palabras de Diderot, "la posteridad es para el filósofo lo que el otro mundo es para el devoto". El modelo original presentado por Pigalle mostró a Voltaire envuelto, pero bajo la influencia de Diderot, Pigalle decidió mostrar a Voltaire desnudo y tomó el cuerpo de un veterano de guerra de la misma edad avanzada que Voltaire. Esto avergonzó a la mayoría del grupo original y al propio Voltaire, que temía el ridículo, pero finalmente se resignó y escribió: "Solo puedo admirar la antigüedad en el trabajo de M. Pigalle; desnuda o vestida, no importa, ya que no inspiraré ideas lascivas en las mujeres, sin embargo, me las presentan.

Nota: Para una discusión histórica de la desnudez en la pintura y la escultura, ver: Desnudos femeninos en la historia del arte (Top 20), y también vea Desnudos masculinos en la historia del arte (Top 10).

La estatua está inspirada en una antigua estatua de Séneca que se corta las venas y fue considerada por la próxima generación como un hito en el desarrollo del neoclasicismo, pero también fue condenada por Quartremere de Quincy, el sumo sacerdote del Ideal en Francia. literal y anatómico, y por un biógrafo de Canova porque "la propiedad se ha sacrificado a una apariencia de ciencia". Ambas críticas chocan con la diferencia esencial entre Pigalle y Canova, por mucho que el primero pueda protestar por su Graecismo, ha representado el cuerpo de Voltaire con una precisión naturalista que lo diferencia de la generalidad del modelado de Canova. Se puede hacer una comparación con el heroico Napoleón de Canova, donde el escultor no hace concesiones a la realidad de la apariencia de Napoleón, sino que lo muestra con un físico divino, siguiendo la práctica romana de deificar a sus emperadores.

Un intento de gran alcance para resolver el problema del ’desnudo contemporáneo’ se puede ver en la figura reclinada de Canova de la hermana de Napoleón, Pauline Borghese. Era una mujer notoriamente carente de virtudes antiguas, pero Canova eleva su personalidad coqueta a su forma Ideal, mostrándola como Venus Victoriosa, con una manzana en la mano para otorgar a quien quisiera. Es, por lo tanto, una descripción precisa de su personalidad, pero al mismo tiempo fiel a la práctica antigua de asociar a los grandes con su divinidad más apropiada.

Nota: para obtener una guía sobre los orígenes y el desarrollo del arte tridimensional, incluidos los principales movimientos arquitectónicos, consulte: Historia de la escultura.

Jean-Antoine Houdon

El escultor francés Jean-Antoine Houdon (1741-1828) también había sido influenciado por el clima neoclásico de Roma en la década de 1760, y su San Bruno (1766) para S. Maria degli Angeli en Roma es una representación notablemente lúcida y contemplativa de un sujeto esencialmente barroco. Adoptó un enfoque más pragmático sobre el problema del retrato a su regreso a Francia, eligiendo un estilo apropiado para la ocasión. Su busto de Voltaire, del cual hizo muchas versiones, es una obra maestra de búsqueda del naturalismo, en la que se ve la extraordinaria cabeza del filósofo en el momento de la mayor animación, revelando su ingenio sardónico. Estas bustos de retratos fueron hechos para ser recuerdos de Voltaire para sus amigos, pero la estatua sentada de 1781, para el Instituto, fue una conmemoración pública y la cabeza se eleva a una imagen de dignidad dominante, que, como Rodin Balzac, se destila de la fisonomía del escritor.

Clodion

Claude Michel llamado Clodion (1738-1814) es otro ejemplo de un artista cuyo trabajo tiende a fluctuar entre un estilo y otro según la demanda. Es mejor conocido por sus pequeños grupos de terracota, como Cupido y Psique. que están en el más puro gusto rococó, pero en sus últimos años se vio obligado a aceptar el gusto griego, por lo que adaptó su estilo para incorporar motivos griegos. Tuvo el éxito suficiente en esto para obtener trabajo en el Arc du Carrousel bajo Napoleón, pero la pedantería arqueológica de su Vestal está muy lejos de la seriedad de Canova.

Joseph Nollekens

Los escultores ingleses estuvieron entre los primeros en adoptar las teorías de Winckelmann en Roma, y ​​es probable que Canova aprendiera mucho de su conversación y ejemplo. Muchos de ellos se habían establecido allí para restaurar y copiar antigüedades. escultura de mármol para los clientes ingleses como una forma de mantenerse a sí mismos. Joseph Nollekens ’(1737-1823) una copia del antiguo Castor y Pólux fue hecha para Lord Anson en 1768, y aunque Nollekens probablemente no estaba muy interesado en las teorías de Winckelmann, es una copia precisa y sensible. Su verdadero don era el retrato, y a su regreso a Inglaterra en 1770 estableció una práctica floreciente, haciendo también una serie de diseños rococó para la escultura del jardín. Al igual que Houdon, sus inclinaciones eran hacia el barroco, pero más tarde en la vida produjo retratos de una manera romana severa.

Thomas Banks

Thomas Banks (1735-1805) fue el primer escultor inglés en absorber el espíritu de Winckelmann y producir obras neoclásicas de verdadera convicción. Su primer trabajo de la nueva manera es La muerte de Germánico de 1774, que revela una deuda con el círculo de Gavin Hamilton en su tema estoico y la forma en que la acción del relieve se mantiene paralela al plano frontal, en la forma de un bajorrelieve romano. El alargamiento de las figuras y sus gestos apasionados traicionan la influencia de su amigo, el pintor simbolista suizo. Henry Fuseli, y la combinación de un contorno claro y movimiento agitado le recuerdan a William Blake. La importancia del trabajo de Banks se ha visto ensombrecida por la reputación de Flaxman, pero sus contemporáneos no tenían dudas de su grandeza, a pesar de que tenía poco don para lo monumental.

Nota sobre la apreciación de la escultura
Para aprender a evaluar la escultura neoclásica, vea: Cómo apreciar la escultura. Para trabajos posteriores, consulte: Cómo apreciar la escultura moderna.

John Flaxman

El escultor neoclásico inglés John Flaxman (1755-1826) fue igualmente poco impresionante en obras a gran escala, pero hizo más uso de métodos mecánicos de reproducción, y sus diseños de contornos grabados para Dante y Homero lo hicieron famoso e influyente en Europa. De joven era amigo de William Blake en la Royal Academy, donde ambos se sintieron atraídos por el medievalismo literario de las décadas de 1770 y 80, pero Flaxman era mucho menos imaginativo que Blake. Después de hacer diseños para la fábrica de Wedgwood en 1787, realizó una visita tardía a Roma, donde estudió no solo antigüedades sino también Escultura renacentista italiana. Fue ocupado por Canova, que obtuvo para él la importante comisión para la Furia de Atemas (1791-2) del excéntrico inglés Earl of Bristol y Bishop of Derry. El grupo de Flaxman es una reelaboración bastante académica de la propia idea de Canova para Hércules y Lichas (completada en 1796), pero sus contemporáneos la admiraban mucho. Ocasionalmente, los ricos conocedores como Lord Egremont le pidieron que volviera a trabajar en este estilo ’correcto’, pero a su regreso a Inglaterra en 1792 descubrió, como los prodigios anteriores que llegaron de Roma, que había muy pocos coleccionistas de esculturas en Inglaterra para proporcionar una vida y que sería juzgado como tallador de monumentos. Afortunadamente para él, y para otros escultores, las guerras francesas habían creado un auge en la demanda de monumentos heroicos a los oficiales caídos, y su clasicismo bastante insípido se consideraba completamente apropiado para conmemorar su valor patriótico.

El Monumento a Mansfield (1795) muestra con bastante claridad las fortalezas y debilidades de Flaxman como fabricante de esculturas monumentales. La estructura del monumento, que es independiente, con el Conde de Mansfield apoyado por Justicia y Sabiduría, se deriva de las tumbas papales de Bernini, pero la representación naturalista de Mansfield contrasta con las insípidas figuras alegóricas. El verdadero regalo de Flaxman fue para el bosquejo, por lo que no es sorprendente que haya tenido mucho éxito en el alivio monumental, y en el Monumento a Lushington pudo emplear una suave piedad poética derivada de su estudio de la escultura italiana trecento y la simplicidad etérea del angel, particularmente en el modelo de boceto, recuerda el trabajo de Blake. La simple piedad de Flaxman y su interés por los niños a menudo lo llevaron a una actitud maliciosa que proporcionó un ejemplo desastroso para sus sucesores, pero sus bocetos preliminares, que ahora se conservan en gran medida en el University College de Londres, muestran una mente inventiva y una amplia gama de influencias.

Flaxman es en muchos sentidos una figura de transición, y en su trabajo podemos ver el comienzo de un enfoque específico de la escultura del siglo XIX. El neoclasicismo había abierto el camino hacia una apreciación de otros períodos "primitivos" aparte del griego, en particular el período gótico. Esto condujo al uso del historia del Arte como una especie de diccionario, que podría ser saqueado por estilos y motivos, y ante la idea de que un estilo del pasado podría aplicarse arbitrariamente a una tarea en particular. Flaxman anunció este desarrollo, en un caso ofreciendo al cliente la opción de un diseño clásico o gótico para una tumba monumental; y, en general, su intento de conciliar un estilo "neoclásico despojado" con una piedad "gótica" presagió la pérdida de la autonomía estilística que resultó ser tan peligrosa en el siglo XIX. Igualmente su producción de numerosos monumentos en gran medida idénticos para diferentes clientes condujo a un descuido sobre el final de la obra que resultaría demasiado tentador para sus seguidores, cuya aridez alcanzó una apoteosis en el Albert Memorial (véase también Escultura irlandesa y John Foley.)

Sir Richard Westmacott

El principal rival de Flaxman, Sir Richard Westmacott (1775-1856), fue alumno de Canova, y en raras ocasiones pudo igualar la grandeza de su maestro. El monumento a Charles James Fox (1810-23) es el mejor grupo monumental inglés de la época, y Canova pensó que la figura del negro era tan hermosa como cualquier cosa producida en su época. Pero también fue víctima de la producción en masa y de las tentaciones de un estilo que renunciaba a la textura de la superficie en favor de una suavidad que los asistentes sin talento podrían lograr de manera convincente.

Bertel Thorvaldsen

El sucesor de la reputación europea de Canova fue el escultor neoclásico danés. Bertel Thorvaldsen (1770-1844), quien se acercó a la antigüedad con una elevada mentalidad comparable pero con menos originalidad, y al igual que Flaxman intentó en años posteriores adaptar su estilo a las exigencias de la imaginería religiosa.