Henri Russo (1844-1910) Traductor traducir

Al igual que muchos genios que se adelantaron a su época, Henri Rousseau no supo durante su vida ni la fama ni la riqueza. Un artista talentoso, que trabajó hasta los 41 años como empleado ordinario en el departamento de aduanas de París, encontró la fuerza de voluntad para abandonar su estilo de vida habitual y dedicarse por completo a la pintura. Lo único que apoyó a Rousseau en su hobby fue una fe inquebrantable en su propio talento, lo que le permitió convertirse en uno de los más grandes maestros de su época. Sorprendentemente, el deseo de imitar las técnicas del pasado transfirió al artista directamente al futuro; su forma creativa se volverá muy característica de muchos maestros del siglo XX. El arte "ingenuo" de Russo, al ritmo del impresionismo, pronto se separó en una escuela completamente diferente. El estilo original del pintor, repleto de elementos de fantasmagoría, fue admirado por Pablo Picasso y Robert Delaunay, dándole al propio Rousseau solo un medio mínimo de subsistencia durante su vida.

Juventud tormentosa

Comenzando su carrera como artista a la edad de cuarenta y un años, Henri Russo fue autodidacta. Al llegar de las provincias a París y establecerse como un funcionario menor, Rousseau pintó en todas partes: mientras estaba de servicio en el trabajo, aprovechando el favor de sus superiores y de noche en casa. Pobre, pero paciente, modesto, pero confiado en su genio, se convirtió en uno de los principales y más reconocidos maestros de la vanguardia artística, que fue admirado por contemporáneos progresistas y generaciones de descendientes.

Una vez que el propio Rousseau escribió una nota autobiográfica para el libro "Retratos del siglo siguiente" - "Nacido en Laval en 1844 en una familia con ingresos modestos y desesperados, se vio obligado a dedicarse a la profesión equivocada, lo que lo atrajo a su amor por arte ". Es cierto, el libro nunca salió.

El padre de un artista autodidacta era Julien Russo, un hojalatero hereditario de una ciudad del oeste de Francia, Laval. Y su madre es hija de un oficial del Gran Ejército de Napoleón. El padre de Henri quería desesperadamente hacerse rico, por lo tanto, después de comprar una casa en las afueras de la ciudad, deja su oficio como hojalatero y trata de establecer un negocio de reventa de varios productos. Pero, por desgracia, su trabajo está agotado, y desde entonces la pobreza desesperada se ha asentado en la casa de Russo.

Afortunadamente, a pesar de la extrema necesidad, la familia del futuro artista pudo enviar a su único hijo a estudiar primero en la escuela y luego al Liceo. Henri era un estudiante promedio, aunque logró obtener varios premios escolares, distinguiéndose en canto y aritmética. Estos logros aparentemente insignificantes se señalan en todas partes en su biografía, no porque Rousseau se convirtió en artistas de fama mundial, sino porque también escribió un increíble vals llamado así por su primera esposa: "Clemence".

Después de entrenar, Henry toma un trabajo en la oficina de abogados, donde comete un gran error. A la edad de diecinueve años, instigado por sus amigos, Rousseau roba una pequeña cantidad de dinero del departamento de contabilidad, pero esto es suficiente para poner fin a la carrera de su abogado y ser investigado. En la corte, Henry tiene que aceptar un acuerdo, hasta siete años de servicio militar, por solo un año en prisión.

El Regimiento Russo, estacionado en Francia, nunca participará en hostilidades en el extranjero. Incluso cuando Napoleón III envía el cuerpo militar francés a México para apoyar a su protegido Maximiliano en la lucha por el trono imperial, la futura vanguardia no participa en la expedición. Aunque, mucho más tarde, el poeta Guillaume Apollinaire (1880 - 1918) escribe un poema sobre la estancia de Rousseau en el colorido país azteca, el artista nunca intenta refutarlo, así como otros mitos sobre su vida.

En 1868, el padre de Rousseau muere, y Henry, como único sostén de la familia, recibe el despido del ejército. Después de abandonar su regimiento, que estaba ubicado en París, se sumerge de lleno en la ajetreada vida de la gran ciudad. En primer lugar, el joven encuentra trabajo y se quita la vida, ubicado no lejos de Le Bon Marche, el primer centro comercial de varios pisos en la capital francesa.

El joven se enamora de inmediato de la hija de la señora de la casa, Madame Buatar. En 1869, toma a Clemence Buatar como esposa. A pesar de la constante debilidad (Clemence estaba enfermo de tuberculosis), el cónyuge ayuda a Henri a ganar dinero para toda la vida, haciendo incansablemente cosiendo por encargo. Los fines de semana, los amantes a menudo caminan en hermosos parques parisinos. Es cierto que la felicidad de Henri y Clemence se ve ensombrecida por el hecho de que sus hijos mueren uno tras otro en la infancia.

De los siete hijos de cónyuges amorosos, solo dos sobreviven: la hija de Julie-Clemence y el hijo de Henri-Anatole. La esposa de Russo, constantemente atormentada por la tuberculosis, era demasiado débil para cuidar a los niños ella misma, por lo que desde el nacimiento fueron criados por una niñera que vivía en un suburbio de París. En 1888, Clemence muere. Henri Russo nunca olvidará a su amada esposa. Incluso durante su vida, él le dedicaría un vals de su propia composición, y después de su muerte creará una y otra vez sus retratos.

Pequeño arte vivo oficial

En 1871, el joven Russo consiguió un trabajo permanente en la aduana del Departamento de Impuestos Especiales, que en el siglo XIX recaudaba impuestos de los bienes importados a París. La inspección de bienes en las puertas de la ciudad es una ocupación aburrida y monótona, pero no limita la libertad interior de la persona que la realiza.

Durante uno de los siguientes turnos, un pequeño empleado instala un caballete en el patio del edificio del departamento y comienza a dibujar. Desafortunadamente, las pinturas pintadas por Russo hasta 1877 no sobrevivieron. La excepción es solo una, que representa una escena de batalla en el contexto del paisaje local.

Pronto, el entonces famoso artista Felix Clement (1826-1888), que ayudó al joven Russo con consejos, presenta al aspirante a pintor a uno de los representantes del arte oficial francés de esa época, el barón Leon Jerome. Después de eso, Rousseau alquiló su primer taller y en 1885, con el apoyo del barón, exhibió por primera vez dos de sus obras en el Salón de los Miserables.

Un año después, en 1886, el artista Paul Signac (1863 - 1935), interesado en la obra de Henri Russo, lo invita a participar en una nueva exposición. Signac consideró que el mejor lugar para las obras de un pintor tan original era el Salón de Artistas Independientes, creado por representantes del arte de vanguardia. El hecho es que todos los primeros intentos de crear salones independientes terminaron en fracaso, como por arte de magia, comenzaron a parecerse al Salón oficial, que no se adaptaba a los pintores progresistas que sentían una creciente necesidad de exhibirse por separado.

Para Rousseau, era obvio que los círculos de arte oficiales representados por el Salón, con su antigua tradición académica, habrían rechazado para siempre la autodidacta, al menos desde el principio. Por lo tanto, desde ese momento hasta el final, Henri Russo permanecerá fiel al nuevo "salón sin jurado".

Ya en 1886, después de haber exhibido cuatro de sus obras en un salón independiente, el aspirante a artista será muy apreciado por pintores tan famosos como Paul Gauguin (1848-1903) y Puvi de Chavannes (1824-1898), quienes quedaron encantados con la habilidad. de Rousseau para transmitir momentos dramáticos con la ayuda de muchos tonos de negro. Pero, en general, sus obras siguen siendo incomprensibles para el público, aún más, son ridiculizadas, los académicos afirman que incluso un niño es capaz de dibujar así.

Afortunadamente, Rousseau fue muy resistente al sarcasmo y las críticas del público. Incluso llega a un acuerdo con Argus, según el cual se le enviaron todos los artículos de revistas y recortes de periódicos, que contenían reseñas y comentarios sobre su trabajo. En previsión del reconocimiento universal de su talento indiscutible, el artista los pegó pedantemente en un cuaderno, que finalmente se hizo más grueso. Es de los periódicos que Russo se entera una vez que el Ayuntamiento de París le otorgó una medalla. Feliz, inmediatamente ordena mencionar el premio en su tarjeta de presentación, pero luego resulta que tenía prisa: se trataba de otro artista con el mismo nombre.

Preocupado por la muerte de su esposa para encontrar fondos para el mantenimiento normal de los niños y comprar pinturas, Rousseau, con la esperanza de ganar dinero y quedar impresionado por la Exposición Mundial de París en 1889, en la que Francia presentó a su famosa Torre Eiffel, la artista. vuelve a la música y escribe el libreto para vodevil. Desafortunadamente, no trajo un centavo.

Después de retirarse del servicio en 1893, después de años de servicio, Rousseau recibe una pensión exigua y solo puede soñar con el momento en que su pasatiempo favorito: la pintura, finalmente comenzará a generar ingresos decentes. Mientras tanto, Russo se ve obligado a dar clases de violín y dibujar pinturas por encargo, vendiéndolas a precios ridículos. Aunque, solo un año después, su obra "La guerra", expuesta en el Salón de los Independientes, recibe una amplia respuesta, en particular, el escritor Alfred Jary (1873 - 1907) la admira, con cuya luz, el artista Henri Russo recibe el sobrenombre de "Oficial de Aduanas" (Le Douanier), fijado a él de por vida.

Pronto, toda la familia Russo se muda, quién está donde. En 1895, la hija del artista se va con su esposo en Angers, ubicado en el oeste de Francia, y el pintor se muda con su hijo Henri-Anatole a vivir a Montparnasse, la famosa zona en la orilla izquierda del Sena, que más tarde se convirtió en un lugar de encuentro favorito para las vanguardias artísticas e intelectuales. Allí, en Montparnasse, Rousseau conoce a Josephine Le Tensorer, una mujer que vivía en el barrio y se ganó el corazón de la artista. Durante mucho tiempo, Josephine descuidó las confesiones de amor del pintor y aceptó convertirse en su esposa solo después de la prematura muerte de Henri Anatole.

Como francmasón amante de la libertad, Henri Russo todavía se casó en la iglesia con su nuevo amor en 1898. La situación financiera de la familia era bastante deplorable, por lo tanto, para ayudar a su esposo, Josephine intentó vender su trabajo en su tienda de suministros de oficina, y el artista, a su vez, continuó dando lecciones pagas. Sin embargo, los domingos, Rousseau, a pesar de su necesidad, en el marco de la Sociedad Filotécnica, cuyo objetivo principal era educar a las masas, enseñaba a todos los que querían pintar en acuarela, pastel y también, con orgullo y placer, compartía Su experiencia en la pintura de porcelana y cerámica.

Mendigo Genio

Solo cinco años después, en 1903, el pintor se convierte en viudo por segunda vez y, tratando de sobrellevar el dolor, se dedica por completo al trabajo. Debo decir que su carrera como artista finalmente comenzó a ganar impulso rápidamente. En 1903, participó nuevamente en dos salones de arte: Artistas independientes (en marzo) y en el primer Salón de otoño, que se inauguró en octubre. Pero el pintor todavía tiene una gran necesidad. Afortunadamente, la modesta pero generosa familia papuana, que vivía en el vecindario, a menudo lo invitaba a cenar, y su amiga Marie Bisch, que se dedica al comercio a pequeña escala, más de una vez ayuda a Russo en situaciones financieras críticas.

El punto de inflexión ocurre solo en 1906, cuando el artista conoce a Robert Delaunay (1885 - 1941) y al poeta Guillaume Apollinaire. Nuevos amigos admiran abiertamente el talento del pintor, y Pablo Picasso (1881–1973), que adquirió accidentalmente el Retrato de una mujer de Bris Henri Russo en 1908, organiza un magnífico banquete en honor del autor.

Una de las amigas de Picasso, Fernanda Olivier, describe a Rousseau: "Este hombre respetable y ligeramente encorvado que es más propenso a trotar que caminar, su cabello es gris pero grueso, a pesar de su edad, tiene los hábitos de un pequeño rentista, y su cara es un poco asustado, pero amable. Se sonrojó fácilmente cuando estaba avergonzado o cuando alguien se opuso a él. Asintió a todo lo que se le dijo, pero se sintió que se mantuvo distante y simplemente no se atrevió a expresar sus pensamientos. "

Entre los amigos de Rousseau se encontraba Alfred Jary (1873 - 1907), el artista lo conoció en el momento en que aún no se había escrito el último trabajo: "Rey Ubu" (1896), que lo convirtió en el famoso fundador del teatro del absurdo. Quizás es precisamente la pasión por lo impactante y la provocación lo que une a Rousseau y Jary. Según el joven escritor, el ingenuo arte del oficial de aduanas, franco e intransigente, impacta al hombre promedio. Una vez, Zhari ordenó al pintor su retrato. La imagen, desafortunadamente, no ha llegado a nuestros días, pero se sabe que Russo retrató a su amigo con un camaleón y una lechuza. Fry estaba encantado! Paga el dinero de Rousseau de la herencia parental y en todas partes ensalza su talento. El artista apreciaba esta amistad. Fue él quien extendió una mano amiga y protegió al joven excéntrico cuando la suerte lo cambió en 1897, y Zhary, sin dinero en su bolsillo, terminó en la calle.

Henri Rousseau tenía una voz clara e infantil, todos lo consideraban ingenuo y simple, pero ¿era realmente así? La confianza inquebrantable en su propio genio permitió al pintor convertirse en una persona decidida con una resistencia extraordinaria y una ingenuidad casi infantil, un artista muy original.

En diciembre de 1907, Rousseau, debido a su descuido y credulidad, volvió a ir a prisión por fraude, aunque, de hecho, fue su víctima. Para obtener libertad, aunque solo sea para dar clases de caridad los domingos, el artista escribe una petición a la corte: “En cuanto a su amabilidad, pido al menos la libertad condicional para poder seguir trabajando. Te ruego que no destruyas mi carrera, por la que trabajé tan duro. Afortunadamente, la solicitud de Rousseau fue concedida después de las vacaciones de Navidad.

Trucos amistosos

Según los contemporáneos, Rousseau generalmente trabajaba con una simple camisa blanca de lino, pero siempre se ponía un traje cuando organizaba recepciones en su taller. El coleccionista alemán Wilhelm Ugde, el primero en dedicar un libro completo al artista en 1911, fue uno de los clientes habituales en las fiestas del oficial de aduanas. Así es como describió la calle donde se encontraba la casa de Rousseau: “Solo tiene unos pocos pasos de largo y luego descansa contra un muro de piedra. Parece que estamos en algún lugar de la provincia y no en París. En las habitaciones de la planta baja, el propietario vive con su familia, y arriba están los apartamentos de los invitados. En una de las puertas hay un letrero: "Lecciones de retórica, música, dibujo, solfeo". Llamamos y entramos: Russo nos encuentra. "

Casi todos los sábados por la noche, entre sus pinturas y amigos, el oficial de aduanas toca el violín para artistas, coleccionistas y amantes del arte. Está enamorado de nuevo, pero Leonia, una viuda de 59 años, se niega a convertirse en su esposa. En estas noches, a menudo se podía conocer al dueño de la casa donde vivía Rousseau: el señor Keval, un hombre respetable y tranquilo que era el colega de Russo para trabajar en el departamento de aduanas de París. Entre los invitados, a menudo era posible ver a Ambroise Vollard, quien compró pinturas del artista y lo invitó con él más de una vez a fiestas artísticas. Henri Rousseau estaba en un brote emocional: finalmente llegó el momento de probar los frutos de muchos años de arduo trabajo: una situación financiera estable, reconocimiento universal. Eso es solo salud… El pintor ha estado preocupado durante mucho tiempo por las heridas no curadas en sus piernas, que, al final, causaron gangrena.

Brillante artista, Henri Russo murió el 2 de septiembre de 1910 en el Hospital Municipal de Necker en París. Fue enterrado en una fosa común. Robert Delaunay, Ambroise Vollard y Paul Signac vinieron a ver al artista en su último viaje.

Un año después, Delaunay organiza a su costa un nuevo entierro de los restos del artista. Y Guillaume Apollinaire escribirá en su lápida un epitafio compuesto por él: “¡Adiós, nuestro buen amigo Russo! Escúchanos: Delaunay con su esposa, Keval y yo. Te regalaremos pinceles, pinturas y lienzos para que puedas pintar retratos de estrellas a tu antojo. "

Trabajo temprano

Al mirar las primeras pinturas de Henri Russo, uno de los críticos exclamará: "Es sincero e ingenuo, algo parecido a las primitivas". El segundo crítico está de acuerdo: "Esta pintura es bastante seca y dura, pero muy interesante, porque su ingenuidad lleva a la idea de los primitivistas italianos". Incluso los burladores y los ardientes opositores del trabajo original de Rousseau reconocieron al maestro como un primitivista sobresaliente.

Aunque los lienzos son "Caminando por el bosque" y "Encuentro en el bosque", el pintor está aún más cerca de la pintura nacional de la era rococó del siglo XVIII que de las primitivas italianas. Esto se debe en gran medida al motivo tradicional claramente visible de las escenas galantes (fiestas galantes), muy característico del artista francés Antoine Watteau (1684-1721), cuyas pinturas se exhibieron en el Louvre. Por cierto, fueron sus reproducciones las que adornaron las paredes del taller de Russo.

Las obras del período temprano en Rousseau lo distinguieron mucho de sus contemporáneos, los impresionistas. Esto se puede ver claramente en el sofisticado esquema de colores de las pinturas "Encuentro en el bosque" y "Caminata en el bosque", en las que el pintor representa árboles reales e imaginarios utilizando una gran cantidad de diferentes tonos de marrón y verde.

En la primera imagen, el bosque es denso e intransitable, en la segunda, claro y transparente. Todos los planes a largo plazo están hechos con pequeños trazos vagos, lo que facilita la percepción visual, neutralizando un bosque oscuro demasiado saturado. El cielo, que ocupa un tercio de la imagen, redujo deliberadamente los árboles en la distancia, todo esto habla del intento del artista. autodidacta para determinar de alguna manera los límites del espacio, darle profundidad, es decir, mostrar la perspectiva de que para Rousseau, privado de conocimientos y habilidades académicas, fue un verdadero obstáculo. Quizás por eso, más tarde abandonó deliberadamente cualquier perspectiva en sus lienzos.

La pintura "Encuentro en el bosque" muestra a los amantes montando a caballo y mirándose. Están vestidos con trajes típicos del siglo XVIII. El cabello largo de la mujer se suelta libremente sobre sus hombros, un motivo que está presente en muchas imágenes femeninas del cepillo de Rousseau. La fuerza de los sentimientos, los abrazos mutuos, la ternura en la mirada del hombre crean un efecto claro de la presencia de esta pareja en el lienzo, a pesar de que sus cuerpos son prácticamente invisibles detrás de la exuberante vegetación. Amando solo en su propio mundo, aparecieron por un corto tiempo detrás del bosque, y parecía que estaban a punto de desaparecer de la vista para siempre.

En el lienzo "Caminando por el bosque" vemos a una mujer muy parecida a Clemence, que parecía congelarse, tal vez estaba asustada por los ecos de la cabalgata, el susurro alarmante de las hojas o el crujido repentino de una rama.

Imágenes femeninas

Las imágenes femeninas, así como las imágenes de animales, ocuparon un lugar enorme en la obra del artista. Dos grandes retratos femeninos, pintados por Rousseau con un pequeño espacio, son composiciones muy similares. Ambas representan mujeres vestidas de negro de cuerpo entero. El formato de las obras y las poses de los personajes permiten atribuir las pinturas al género de los retratos del desfile. Quizás ambos se hicieron por encargo, aunque la identidad de las modelos seguía siendo desconocida.

El primer lienzo - "Retrato de una mujer" (nombre alternativo "Retrato de la Sra. M.") fue creado alrededor de 1895. Fue esta pintura la que fue adquirida a un precio muy modesto en 1908 por otro artista brillante: Pablo Picasso (1881 -1973), que estaba muy entusiasmado con eso. Este trabajo también se conoce como Jadwiga, aunque no hay evidencia de que el nombre del modelo coincida.

Hay una leyenda según la cual la niña en el lienzo era una hermosa mujer polaca que encantó al pintor. Y aunque esta versión no tiene evidencia, el hecho permanece: a Rousseau le gustó este nombre. Él mismo los llamó el personaje principal de la obra de su propia composición: "La venganza del huérfano ruso". Quizás fue ella quien encarnó para el artista una cierta imagen de la mujer ideal. Con el mismo nombre, el maestro llamará a la heroína de su otro lienzo: "Sueño" (1910).

La composición del primer retrato se asemeja a una fotografía escenificada de una tienda en ese momento. Una figura femenina se encuentra en un balcón lleno de floreros contra una cortina masiva, rodeada de un paisaje fantástico. En manos de Jadwiga hay una rama de árbol. Este detalle es de particular interés porque es un símbolo tradicional de la muerte. Esto se puede explicar, si crees que los partidarios de la teoría de la existencia real de esta mujer, que afirman que en el momento de escribir el lienzo, Jadwiga ya estaba muerta. Esta suposición se confirma indirectamente por el hecho de que el artista eligió el color negro para el vestido de la mujer, que siempre enfatizó la naturaleza dramática especial de la escena representada.

La mujer en el segundo retrato está representada en medio de una emocionante variedad de vegetación. Su mano descansa sobre su muslo, y sus piernas asomándose por debajo de su vestido apenas tocan el suelo, lo que crea la ilusión de movimiento. En la parte inferior del lienzo vemos a un gatito jugando con una bola de hilo, aportando vivacidad y espontaneidad al tono oficial del retrato.

Russo termina su famosa obra "The Sleeping Gypsy", también dedicada a la imagen femenina, justo un mes después de la muerte de su único hijo, Henri Anatole.

En 1897, exhibió la obra en el Salón de los Independientes, acompañándola con una leyenda escrita en el cuadro: "Un depredador, abrumado por la sed de sangre, se congela en su lugar, sin atreverse a atacar a una víctima profundamente somnolienta". La figura de la gitana con su bufanda y sus ropas coloridas, contrastando fuertemente con la tez oscura, recuerda un poco a las mujeres orientales de las pinturas de artistas académicos. Fue este trabajo el que Russo propuso activamente para adquirir las medidas de su ciudad natal de Laval, en memoria de sí mismo.

El artista incluso escribió al alcalde de la ciudad: "Aquí todo está bañado por la luz de la luna". Por supuesto, el ayuntamiento rechazó su oferta. La obra desaparece y se redescubre solo en 1923 y, dado que no todas las pinturas de Rousseau eran ampliamente conocidas, causa mucha controversia y rumores. Muchos lo consideran falso, una broma, que se atribuyó a otro artista: Derain. Quienes no dudaron de la verdadera autoría de la pintura, la consideraron como un paso muy decisivo por parte del pintor del realismo al surrealismo.

Pronto, Rousseau se apartó de los impresionistas, aunque aún compartía su disgusto por los cánones tradicionales de las bellas artes. El impresionismo implicaba la libertad creativa que era tan necesaria para Rousseau. Su arte, basado en una interpretación completamente plana de todas las formas, no solo no tiene en cuenta las reglas estándar para representar las perspectivas adoptadas en el Renacimiento, sino que también las descuida conscientemente. El artista simplifica la forma, creando su propio estilo único de pintura. Las proporciones reales están distorsionadas aquí, la elaboración del color del volumen está ausente y la sombra no existe en absoluto. Rousseau no quería retratar la realidad aburrida y mundana, pasando a través de su rica imaginación todas las imágenes y formas.

El arte del artista se asemeja mucho a cuadros decorativos pintados con figuras multicolores de textura suave y forma sin pretensiones. Su pintura "El niño con la marioneta" causa una impresión extraña que hace que uno se estremezca. El maestro primero delinea los contornos de la figura de un niño que se asemeja a una muñeca de porcelana, dejándola sin escribir, luego trabaja en el fondo de la imagen y vuelve a la figura nuevamente. Rousseau, como Emil Bernard (1868-1941) y Paul Gauguin, ignora por completo los principios de la perspectiva clásica. Además, el pintor da una preferencia clara a las convenciones sustantivas, en lugar de detalles aburridos.

Retratos infantiles

Los pinceles Russo poseen muchos retratos infantiles. No se sabe por qué el tema de los niños era tan importante para el artista, si eran obras hechas a medida, si el artista sentía la pérdida de sus seis hijos. Se desconoce la respuesta exacta a esta pregunta, solo podemos suponer que, al retratar a los niños, el pintor intentó con la ayuda de pinturas, pinceles e imaginación para revivir las imágenes de sus seres queridos. Muchos de los retratos de niños de Rousseau están en gran formato.

Por ejemplo, un niño con un vestido rojo se ve tan grande que parece que su figura apenas cabe en el lienzo. Aparentemente, el niño está sentado: las piernas dobladas por las rodillas y casi escondidas en la hierba hablan de esto. La figura en sí parecía flotar entre el cielo y la tierra, lo que suaviza imperceptiblemente la sensación de excesiva masa. Al igual que "El niño con la marioneta", el niño en esta imagen también tiene una extraña muñeca en la mano, que se asemeja a un adulto con rasgos faciales.

En otra imagen del mismo período: "Boda campesina", vemos a una novia que nos mira con humilde reverencia. Las figuras de las personas a su alrededor son tan planas que parecen estar cortadas por separado de papel de colores y pegadas al paisaje de fondo. Incluso a pesar de los árboles cuidadosamente ordenados por la letra "V" y algún perro incómodo ubicado en primer plano, que teóricamente debería haber sido una designación compositiva de la perspectiva, no pudieron borrar la impresión de collage hecha por esta pintura.

La figura de la novia es la dominante indiscutible de la imagen, es ella quien, con su cinturón blanco como la nieve, parece conectar a los personajes restantes en un solo grupo. En el lienzo, el artista indicó simbólicamente la continuidad de las generaciones, con la ayuda de un largo velo de la novia, que cubría ligeramente a la anciana sentada cerca, que obviamente es la abuela de la novia o el novio. La figura de un anciano sentado por separado del grupo de personajes principales, cuyas piernas están escondidas en la hierba, evoca pensamientos sobre la conexión entre la modernidad y la eternidad, la vida y la muerte, la tierra y el cielo. La solemnidad con la que todo el grupo se encuentra debajo de los árboles nuevamente recuerda a una tienda del siglo XIX. Fue en poses tan estáticas que la gente se congeló frente a una lente fotográfica contra el fondo de un paisaje plano pintado: “¡No nos movemos! ¡No respires! ". Es posible que mientras trabajaba en la" Boda ", el pintor se inspirara en alguna fotografía, pero no se sabe nada sobre los motivos de su atractivo para este tema, ni sobre las personalidades de los prototipos de los personajes. Aunque El hombre parado a la derecha de la novia se parece remotamente al artista mismo.

Trabajos simbólicos

En 1906, Henri Rousseau presentó al público su nuevo trabajo: "Libertad, llamando a los pintores a participar en la 22ª exposición de Artistas Independientes", que, incluso estando en la exposición del Salón de los Independientes, hace que los visitantes solo se rían. Solo un círculo cercano de amigos admira el nuevo trabajo del artista, mientras que el resto no puede entender ni el diseño en sí ni las formas de su implementación.

Amigo del pintor, el ladrón Delaunay exclama: “En otra época, habría pintado las paredes de los palacios por orden de los patrones. En el nuestro, se ve obligado a ser un bufón para los habitantes, es muy serio, muy tranquilo. ¡Qué ironía sin sentido del destino! Russo celebra el Salón con su nuevo trabajo, que lo convirtió en un artista de pleno derecho, en todos los sentidos. El centro de trabajo compositivo es la figura alegórica de la Libertad, representada de una manera que recuerda a la académica. Ella toca la trompeta, tradicionalmente un símbolo de adoración.

Un año después, Rousseau vuelve a divertir a la audiencia en el Salón de los Independientes con su trabajo "Los representantes extranjeros llegaron bajo la bandera de la paz para saludar a la República". En el lienzo, reconocemos a los seis presidentes de la República Francesa (vestidos de negro) parados en el podio, el emperador ruso (en uniforme amarillo y azul), el rey de Inglaterra (en el lado izquierdo), y también en el derecha: Franz Joseph de Austria, Peter I de Serbia, William II de Alemania, Leopold II de Bélgica, George I de Grecia, el persa Shah y rey ​​de Etiopía. La república, vestida con túnica roja y una gorra frigia (el tocado de la era de la Revolución Francesa de 1789) se alza triunfalmente sobre todo, sosteniendo una rama de olivo en la mano extendida. Esta extravagancia multicolor, coloreada por banderas extranjeras, pasa bajo el lema escrito en tres pedestales negros que se encuentran en el primer plano del lienzo: “Trabajo, libertad, igualdad. ”Y en el fondo vemos personas reunidas en círculo para comenzar su baile navideño.

Al artista le gustaban mucho las alegorías, tan populares entre los representantes de los círculos políticos. En repetidas ocasiones, Rousseau participó en varios concursos, que de vez en cuando son organizados por las autoridades de París para decorar las instalaciones de varios departamentos. El pintor siempre quiso recibir un pedido oficial, bien pagado y prestigioso, porque, en primer lugar, sentía constantemente la necesidad de dinero y, en segundo lugar, todavía soñaba con el reconocimiento universal.

Sin embargo, el oficial de aduanas no ha logrado conquistar ni a uno ni a otro. Además, todo el tiempo había personas que usaban la debilidad de este artista y su ingenuidad inherente para interpretar repetidamente al pobre Rousseau. Incluso llegó al punto de que el pintor casi fue a los Campos Elíseos para agradecer personalmente al Presidente de la República Francesa por otorgarle su principal premio estatal: la Orden de la Legión de Honor, cuyo premio fue anunciado al artista. por bromistas malvados.

India exótica

Una vez, la madre del artista Robert Delaunay, sucumbiendo a las súplicas de su hijo, decidió pedir una pintura Russo. Sus historias sobre un viaje exótico a la India inspiraron al Oficial de Aduanas para crear un lienzo diseñado en tonos verdes ricos típicos de la selva tropical. En el centro de la imagen vemos la figura de una mujer de cabello negro, un encantador de serpientes, que recuerda mucho a una antigua deidad mística. Las serpientes negras, como hipnotizadas por los sonidos mágicos de sus pipas, se arrastran lentamente de todas partes, y si a primera vista son apenas distinguibles, cuando la apariencia se acostumbra a una variedad abigarrada y comienza a distinguir detalles, los ves más y más. Sorprendentemente, su movimiento en el lienzo se siente casi físicamente. Los ojos de la figura femenina, que son el único punto brillante en la imagen, agregan un tono místico al lienzo, su tremendo poder atractivo es sorprendente.

Un río iluminado por una luna llena, un velo espeso y misterioso de plantas que brillan en todos los tonos de verde, un pájaro rosado exótico, flores amarillas brillantes y brillantes: toda la escena irradia un paraíso increíble y tranquilidad. Las líneas verticales de la figura y las plantas que la rodean se suavizan con los rayos horizontales de luz que vienen del mes.Esto distingue fundamentalmente la composición de "La hechicera" de Rousseau de su "Guerra", donde la construcción horizontal de todo el lienzo crea el efecto de descomposición y simboliza la destrucción y la destrucción.

La sorpresa desagradable está algo cerca del encantador de serpientes. En esta imagen vemos a una mujer asustada por un oso. La figura de la mujer nuevamente se parece a la diosa mítica, o Eva del Antiguo Testamento, perdida en el Jardín del Edén. Sus caderas redondas están ligeramente cubiertas por el pelo que cae hasta las rodillas. Al igual que en The Caster, la mujer está rodeada por los mismos árboles extraños con follaje brillante y, en el fondo, a orillas de un lago mágico, que representa densos bosques de árboles extraños. Y en las profundidades, la figura de un cazador al acecho apenas se nota. Cuando la veas, el alma se calmará; ciertamente disparará y salvará a la mujer del depredador.

Los contemporáneos escribirán una declaración de un crítico italiano dedicado a Rousseau: “Vive en un mundo extraño, fantástico y real al mismo tiempo, cercano y lejano, a veces divertido, a veces trágico. Le encantan muchos colores, frutas y flores, animales salvajes y pájaros fabulosos. Vive, trabaja inconsciente, concentrado y paciente, se encuentra con el ridículo y los gritos hostiles cada vez que decide romper su soledad para presentar su creación al mundo. "

Retrato amigo

El héroe de la imagen "Chaise of Father Juniet" (1908) es un personaje real: un vendedor de verduras, un antiguo amigo de Rousseau (aunque su verdadero nombre era Claude Junier). Su tienda en Montparnasse se encontraba a pocos metros del taller del pintor. Junier siempre ayudó a un artista que a menudo carece de dinero para productos. A veces, Junier, junto con sus amigos, llevaba a Rousseau a montar en su chaise, que le servía para transportar mercancías. La mascota de Juniera, una yegua que Rosa sacó una tumbona. El vendedor de verduras tenía una gran debilidad por los caballos y los perros, uno de los cuales se muestra en la imagen junto a la calesa.

Al crear el lienzo, el artista utilizó una fotografía tomada en Klamar en 1908. Rousseau transfirió la composición de la fotografía al lienzo, añadiéndole un perro en el camino y varias figuras. Mientras el pintor trabajaba en la pintura, su taller fue visitado por el artista estadounidense Max Weber (1881-1961). Considerando el trabajo, Weber llamó la atención del autor sobre el desequilibrio de tamaño entre los perros y otros objetos y personajes. Rousseau respondió: "Todo debe permanecer como está".

Quizás el artista tenga razón, confiando solo en su propia visión, porque cuando miras este trabajo durante mucho tiempo, comienza a parecer que es absolutamente desproporcionado y, por lo tanto, un perro misterioso que le da a la imagen un toque de fabulosa. Son las proporciones alteradas y la perspectiva perturbada, abundantemente complementada por elementos de fantasmagoría, lo que le da a las escenas cotidianas de Rousseau este elemento de atractivo y misterio.

Cinco personas y un perro están sentados en una tumbona. Todos ellos están representados frente al espectador, como si estuvieran alineados en una línea, como un grupo del lienzo "Boda campesina", pero en un ángulo claro con respecto a los asientos del sillón y la dirección de la carretera. El lienzo tiene un tamaño impresionante, muy característico de las obras de arte decorativo, y esto, según los críticos, lo hace similar a los "tapices de mil flores": magníficas alfombras populares en el siglo XV en las que se tejieron adornos coloridos de fantasía. plantas

Por primera vez, el artista utiliza un lienzo absolutamente liso en la pintura, gracias al cual los trazos son casi invisibles. Todo el color de la imagen está claramente dividido en dos escalas: negro, blanco y rojo en primer plano, y ocre, verde y azul, en el "fondo".

Paisajes de la ciudad

Una parte menos conocida pero no menos importante del patrimonio creativo de Rousseau son los paisajes urbanos. Numerosos tipos de París y sus suburbios tenían una gran demanda comercial, por lo tanto, el artista, constantemente limitado por los medios, tuvo que escribirlos incansablemente. En aquellos tiempos lejanos, las afueras de París todavía estaban poco construidas y literalmente enterradas en la prístina vegetación de los bosques. El artista hizo bocetos para futuras pinturas inmediatamente con pinturas al óleo, sin usar gouache o carbón. Escribe con confianza desde la vida, directamente sobre lienzo, solo dibujando de vez en cuando.

Prescribiendo fragmentos individuales al aire libre con movimientos bruscos del pincel, Rousseau completa la imagen que ya está en el taller, finalizando cuidadosamente los detalles de cada componente. Dos de los ejemplos más famosos de paisaje urbano en el trabajo de Rousseau son los lienzos "Fábrica de muebles en Alfortville" y "Vista desde el puente Sevri". En ellos, el pintor representaba una interpretación libre de la fábrica para la producción de sillones y sillas en Alfortville y uno de los distritos de Sevri en las afueras del suroeste de la capital francesa.

La fábrica de muebles en Alfortwigle fue escrita diez años antes que The View from Sevri Bridge. Cuando miras la imagen, el cielo llama tu atención de inmediato, con nubes extrañas. A la izquierda hay un río, y al fondo hay un puente. Pero ambos elementos son, más bien, de importancia secundaria. Toda la construcción compositiva de la pintura proviene de la acera ondulada, que inesperadamente crea la impresión de la perspectiva correcta, rara en las pinturas de Russo. El edificio de la fábrica en sí se parece mucho a una casa de cartón de un escenario teatral, y las figuras de personas a su alrededor no parecen naturales. Todo esto hace que la escena sea muy condicional, casi surrealista.

Un elemento llamativo de la imagen es la figura de un pescador en primer plano. Inicialmente, su imagen era solo una necesidad compositiva. Sin embargo, después de que se completó el personaje, el artista descubrió que este pescador, esperando la picadura, simboliza una cierta existencia fuera del tiempo y el espacio, encarnando así la eternidad en la imagen. Es este enfoque distintivo de la representación del tiempo lo que distingue claramente a Rousseau de los impresionistas, que se caracterizaron por admirar un momento separado de la vida.

El centro compositivo de la segunda imagen es el puente sobre el Sena, que conecta sus costas boscosas. El bote blanco y negro, ubicado en primer plano, es muy expresivo, su casco es extrañamente similar a la cara de un hombre. Pequeñas figuras de peatones se fusionan con casas sombreadas por el follaje rojo. Los techos rojo y verde grisáceo combinan perfectamente con la gama del paisaje de otoño. Un globo, un ala delta y un avión simbolizan las tres épocas de la conquista del cielo, que a menudo se mencionaron en la prensa de la época, y que el propio Rousseau admiraba.

Sueños

En 1910, Henri Russo crea su mayor obra maestra: el lienzo "Dream", exhibido por él en el mismo año en el 26º Salón de los Independientes. Todos sus amigos y colegas afirman unánimemente que el trabajo merece las mejores críticas. El poeta Guillaume Apollinaire escribe sobre ella en uno de sus artículos: “Creo que este año nadie se atreve a reír. Puede preguntar a los artistas: todos son unánimes, todos los admiran, incluso este sofá al estilo de Louis - Philippe, perdido en un bosque virgen. Y tienen razón. "

Russo proporciona el trabajo con los siguientes comentarios: “Jadwig tiene un sueño mágico. En silencio se quedó dormida con la flauta de un seductor desconocido. Cuando un mes arroje luz sobre flores y árboles verdes, animales e incluso depredadores, congélese y escuche los maravillosos sonidos de la música. Andre Breton (1896 - 1966) notará, unos años más tarde: “Estoy cerca de decir: este gran lienzo absorbió toda la poesía y todos los secretos de nuestro tiempo. Se caracteriza por la inagotable frescura de los descubrimientos… "

La pintura "Sueño", que se ha convertido en una de las últimas obras de Russo, se considera la voluntad del artista. Entrelazadas, las plantas crean una ilusión de espacio en el lienzo, que se refleja en todo el esquema de color de la imagen. La sensación de profundidad se enfatiza con tonos iridiscentes de verde. Los monos se divierten en ramas extrañas, donde se ven pájaros exóticos brillantes en todas partes, y debajo, debajo de ellos, los depredadores deambulan por la hierba. Solo un músico negro se para en la espesa hierba y toca su flauta, como si no notara nada a su alrededor. Tanto los personajes como las plantas se separan del espacio real, su forma característica y su verdadera condición, pero todos están escritos con tanto cuidado que parecen increíblemente plausibles. Como si anticipara su desaparición, Henri Russo nos deja un legado de un verdadero paraíso. Con su "Sueño",El artista iluminó la próxima generación con el camino hacia el arte surrealista, adelantado a su tiempo.

En el mismo 1910, Rousseau pintó otra imagen: "El ataque del jaguar en el caballo", comprada más tarde por la mecenas Ambroise Vollard. El propio artista estaba orgulloso de la obra. "¡Veintidós tonos de verde!" - el pintor le dijo con orgullo al famoso crítico italiano Argendo Soffichchi, quien se le acercó para ver un nuevo trabajo. Sofficchi se sorprendió por la manera pintoresca de Rousseau. Después de dibujar con un lápiz todos los contornos de plantas exóticas, el artista aplicó varios tonos de verde en trazos separados, prescribió cada fragmento varias veces y limpia cuidadosamente la paleta con cada cambio de color.

Entre extraños

A pesar de que las simpatías personales de Rousseau siempre estuvieron del lado de la pintura académica, recibió reconocimiento solo entre los contemporáneos más progresistas: los artistas de vanguardia fueron sus mejores amigos toda su vida. La forma creativa del propio artista se atribuye al primitivismo, gracias a su estilo original y a su amor por los artistas primitivos italianos, como Fra Angelico (c. 1400 - 1455) y Giotto (1267 - 1337), que trabajó en el Siglos XIV y XV, cuando aún no se habían descubierto las leyes de una perspectiva clásica, cuya ausencia se convertiría en un verdadero sello distintivo de todo el trabajo de Rousseau. "Solo en 1885, después de numerosas decepciones, pude dedicarme al arte, estudiarme, aprender la naturaleza y seguir el consejo de Jerome y Clement", dice Henri Russo sobre sí mismo.

En busca de su propio estilo, Russo trabajó mucho en el Louvre, creando copias de las obras maestras de los grandes maestros del pasado. El pintor recibió permiso para trabajar en el famoso museo gracias a su amigo Félix Clemente (1826-1888), quien, como el propio Rousseau, era un artista autodidacta. Pero, a diferencia del oficial de aduanas, Clement fue reconocido y amable por las autoridades. Él, el afortunado ganador del Gran Premio de Roma de la República Francesa, recibió un pago por alojamiento y entrenamiento en Italia. El inteligente Clemente, un amigo devoto y consejero delicado, nunca se dejó ridiculizar ni burlarse de Rousseau y sus pinturas. Por el contrario, él siempre insistió en que el artista permaneció fiel a su estilo y no se desvió del camino elegido. Clemente presenta al oficial de aduanas a Leon Jerome (1824 - 1904),quien trabajó en ese momento en la encarnación artística de las elevadas escenas de la mitología antigua y las tramas orientales antiguas. Jerome, la estrella del arte oficial, pertenecía a un grupo de artistas: pompis, llamados así por su pomposo lujo inherente a sus lienzos y su esplendor pretencioso, y por los tocados característicos de sus antiguos héroes, que recuerdan los cascos de los bomberos (pompiers).

Con raras excepciones, como Clemente y Jerónimo, los amigos de Russo pertenecían principalmente al círculo de Artistas Independientes. Fueron los representantes del neoimpresionismo, en particular Georges Cera (1859-1891) y Paul Signac (1863-1935), quienes fueron los primeros en reconocer a un maestro brillante y original en Rousseau en 1886. Signac apreció mucho su talento como colorista, y Camille Pissarro (1831-1903) fue admirado en voz alta por las obras del artista, reconociendo que se trataba precisamente de "sentimientos en primer lugar". Robert Delaunay, el primero, junto con su esposa Sonia (1885 - 1979), uno de los fundadores del arte abstracto, expresó su admiración por el artista.

Delaunay y Russo se hacen amigos, a pesar de que el oficial de Aduanas no siempre penetra en la esencia de la investigación creativa de su amigo. "¿Por qué Robert rompió la Torre Eiffel?" - La sincera pregunta de Rousseau sobre la pintura de Delaunay llevó a la aparición de la leyenda sobre el oficial de aduanas como un genio ingenuo que nunca entendió realmente las técnicas figurativas del arte de vanguardia.

El autor de esto, como muchas otras leyendas sobre la vida del artista, fue el poeta modernista Guillaume Apollinaire. Creó mitos sobre Rousseau, pasando a través de su imaginación poética la historia de su vida, y el artista, a su vez, inmortalizó su imagen en el lienzo. Apollinaire describió el proceso de escribir su propio retrato: “Primero, midió mi nariz, boca, mis oídos, mi frente, mis brazos, todo mi cuerpo y transfirió con mucha precisión todas estas medidas a su lienzo, reduciéndolo de acuerdo con El tamaño del marco. (…) No me moví, mirando con admiración lo ansioso que estaba por el trabajo de su imaginación, sin permitir que nadie interfiriera en el proceso creativo, para no perturbar la armonía de la imagen. ¡Y con qué precisión matemática representaba la figura de un hombre!Si mi retrato no tuviera nada en común con mi apariencia, esto no habría sucedido por culpa de Rousseau, sino por algún error de cálculo molesto. Sin embargo, incluso aquellos que no están familiarizados conmigo me reconocieron en la imagen. En el papel de la musa del poeta, el lienzo representa a la artista y amiga íntima de Apollinaire, Marie Lorensen (1883 - 1956).

Una tarde en la historia del arte.

Aquí hay un ejemplo de una de las historias relacionadas con la vida de Russo y sus amigos. Una tarde de enero de 1908, Rousseau y Apollinaire aparecieron en Bago Lavoir, donde Pablo Picasso (1881 - 1973), un artista de Cataluña, instaló su taller en una pequeña casa de madera. El oficial de aduanas, con un sombrero de fieltro suave, ocupa un lugar destacado en la mesa, dejando ropa exterior y un bastón en la puerta. En la pared cuelga el trabajo del artista autodidacta "Retrato de la Sra. M." (Ese mismo misterioso "Jadwiga"). La pared en sí está decorada con banderas, linternas y un gran cartel con la inscripción "En honor a Rousseau". Los invitados presentes están muy animados, algunos ya han visitado la taberna cercana.

Apollinaire recita solemnemente la oda que escribió para esta noche: “Nos hemos reunido para honrarte con vino, que vierte a Picasso. Hay razones para beber, y beberemos y nos alegraremos: "¡Viva Rousseau!" Alrededor de la mesa reunidos: los artistas Georges Braque (1882 - 1963), Marie Lorensen y Andre Derain (1880 - 1954), el escritor Andre Salomon, el poeta Max Jacob (1876-1944) y dos mujeres estadounidenses: la famosa escritora Gertrude Stein (1874-1946) y Alicia Toklas. El vino fluye como el agua, Rousseau toma el violín y toca el vals que una vez escribió para Clemence. Luego llega a Picasso y en voz baja le dice al oído: "Somos los dos mejores artistas de la época". Entonces Apollinaire se levanta de nuevo y lee un poema que cuenta el viaje de Rousseau a México inventado por él: "¿Recuerdas, Rousseau,el paisaje azteca? Bosques donde crecían piñas y mangos, monos alegres, pulpa de sandía, ¿Raza calentó al emperador Maximiliano? "Sus pinturas provienen de México, donde el sol ardiente y los disturbios de la naturaleza". Un artista que nunca ha estado en este país ni siquiera intenta objetar, porque hoy es el día tan esperado de su triunfo.

Más tarde, una amiga de Picasso, Fernanda Olivier argumentará que la recepción festiva en Bateau Lavoir fue una broma, un engaño. Sin embargo, Andre Salomon escribe en sus memorias: "En Bato Lavoir, solo teníamos una tarea: queríamos darle a Rousseau las vacaciones que merecía". Esta técnica en Bato Lavoir fue uno de los momentos clave en la historia del desarrollo de la pintura moderna: fue allí donde se conocieron dos generaciones de artistas, gracias a quienes nació el nuevo arte.