Sandro Botticelli (1445-1510) Traductor traducir

Desafortunadamente, hay muy pocos datos confiables sobre la vida del mejor artista Alessandro da Marianno Vanni di Amedeo Filippepi, conocido por nosotros bajo el nombre de Sandro Botticelli. Se sabe que Alessandro nació en Florencia en 1445 en la familia del curtidor Marpano Filippepi y su esposa Emeralda, que ya tenía tres hijos, Giovanni, Simone y Antonio. No hay información exacta sobre cómo Alessandro recibió el apodo "Botticelli" ("barril"), que se convirtió en su segundo nombre. Quizás esto es lo que sus padres lo llamaron en la familia o uno de sus hermanos mayores. Los escasos datos sobre la infancia del gran artista solo dicen que el cuarto hijo del curtidor creció como un niño muy observador, curioso pero doloroso.

Alrededor de los trece años, Sandro comenzó a estudiar joyería bajo el liderazgo de su hermano Antonio, quien tenía su propio taller. El arte de la joyería, con su dibujo meticuloso y meticuloso de todos los detalles de un producto futuro en la etapa de boceto, capturó el corazón del joven y lo ayudó a comprender su verdadera vocación. Entonces, ya a principios de la década de 1460, Botticelli comenzó a visitar el taller de uno de los pintores italianos más famosos de su tiempo, Fra Filippo Lippi (c. 1406-1469).

Fra Filippo tenía una biografía rica e inusual. Durante más de diez años estuvo en el orden de los monjes carmelitas, abandonados por él en 1431. Ya un artista famoso, Lippi, en 1456, encendió una pasión desenfrenada por la joven monja Lucretia Buti. Secuestró a su amada de un convento en Prato para casarse con ella. Solo gracias a la intercesión del santo patrón del pintor, el duque Cosimo de Medici, los recién casados ​​pudieron vivir con relativa seguridad. Una vida tan inusual dejó una huella notable en el personaje del maestro, se distinguió por su libre pensamiento y su constante deseo de perfección y descubrimientos. Irónicamente, el hijo de Lippi y Lucretia Filippino, con quien Sandro había conocido desde una edad temprana, más tarde se convirtió en su alumno.

Giorgio Vasarn, quien estuvo involucrado en la compilación de la biografía de Botticelli, describió los años de su entrenamiento de tal manera: "Se convirtió en un seguidor de su maestro y lo imitó tanto que Fra Filippo lo amó y pronto lo crió a tal en una medida que nadie podría pensar ". Desafortunadamente, esta es la única información sobre este período de la vida del artista.

La revolucionaria obra de Filippo Lippi "La Virgen bajo el velo" (1465, Galería de los Uffizi, Florencia), pintada como una imagen del altar de una de las iglesias de Florencia, en la que, por primera vez en la historia del arte renacentista italiano, una joven de Florence apareció en la forma de la Madre de Dios, sorprendió tanto al joven Botticelli que creó muchos de estos lienzos. Sandro repitió casi por completo esta obra gentil e inspirada en su obra "Madonna and Child with an Angel" (1465-1467, Galería del Hogar Educativo, Florencia). Esta pintura repite por completo la composición de Lippi, reproduciendo con toda precisión todos los detalles, hasta la ubicación de los pliegues del velo que cubre la cabeza de la Madonna. Una composición muy similar tiene varias otras obras del artista.

Cabe señalar que al copiar la composición del profesor, el joven artista introdujo nuevas entonaciones en su trabajo. Su imagen de la Virgen es más reflexiva y pacífica. Para no distraer al espectador de los héroes del lienzo, Botticelli abandonó el complejo paisaje de fondo. Centrarse en la imagen, con un tono de grandeza divina y una coloración inusualmente lírica, se ha convertido en un rasgo característico de muchas de las primeras obras del artista.

Habiendo comprendido completamente la precisión y la sofisticación del dibujo de Lippi, y adoptando su manera de transmitir el estado emocional de los personajes, Sandro dejó su taller en 1467, a la edad de veintidós años. Pero el pintor no terminó su entrenamiento en esto. Para expandir y mejorar sus habilidades, el joven pintor visitó el taller de Andrea Verrocchio, el famoso escultor, pintor y joyero italiano, cuyos estudiantes incluyeron a Leonardo da Vinci y Pietro Perugino.

Si aprendió de Lippi Botticelli el dominio virtuoso de la línea, de Verrocchio adoptó el arte de crear una atmósfera especial a través del modelado de aire ligero. Con la ayuda del conocimiento prestado de diferentes maestros, Sandro realizó brillantemente obras como Madonna en el Rosario (alrededor de 1470, Galería Uffizi, Florencia), Madonna en la Logia (alrededor de 1467, Galería Uffizi, Florencia) y Madonna con el bebé y dos ángeles ”(1468-1469, Museo Capodimonte, Nápoles). Todas las imágenes en los lienzos son inusualmente tranquilas y sublimemente sofisticadas, y la composición compositiva de las obras es muy reflexiva.

Las primeras pinturas del artista se distinguen por la ausencia de un modelo complejo en blanco y negro, el papel principal en ellas se le da a un dibujo dotado de un impulso expresivo. Con la ayuda de una sola línea, Botticelli reveló y como si transformara el rostro inmaculadamente limpio y brillante de sus oraciones divinas, enfatizando el refinamiento, la nobleza y su pertenencia a otro mundo más exaltado. Al trabajar en estas imágenes, el pintor no buscó mostrar el mundo real, sino un país ideal y soñador que solo existía en su imaginación. Ya en las primeras obras independientes de Botticelli apareció un plástico fascinante, que determinará para siempre el estilo individual del pintor.

Natación libre

Después de dejar a su último maestro en 1469, Botticelli establece su propio taller en la casa de su padre, que se encuentra en el distrito de Via Maria Novella de Santa Maria Novella. Durante este período, el artista crea su famoso retablo "Altar de Ambrogio" (también conocido como "La Virgen y el Niño con los Santos María Magdalena, Juan el Bautista, Francisco, Catalina de Alejandría, Kozma y Damián", 1467-1470, Galería de los Uffizi Florencia)

La composición de la imagen es muy típica para esa época y es una variación del tema bíblico de "Adoración del bebé". María con el bebé en brazos se sienta en el centro del lienzo, alrededor del cual se encuentran los santos. El hecho de que los grandes mártires Kozma y Damián se encuentren entre los adoradores del niño Jesús y su madre puede indicar que la pintura podría haber sido encargada por la casa gobernante de los Medici en Florencia en ese momento, cuyos patrocinadores celestiales eran estos santos. Es sorprendente que la precisión matemática con la que Botticelli calculó la construcción del color de la imagen, distribuyendo magistralmente los colores rojo, azul violeta, azul y marrón, es sorprendente. Con acentos brillantes, el artista resaltó las figuras de los personajes principales: Madonna, Baby Jesus, Kozma y Damian. Al mismo tiempo, el fondo arquitectónico del lienzo parece plano y teatral, debido a la completa falta de perspectiva.

Se sabe con certeza que en 1470 Sandro Botticelli finalmente recibió su, posiblemente, primer pedido oficial. El lienzo que representa una imagen alegórica de "Fuerza" (Galería de los Uffizi, Florencia) debía entrar en el ciclo de pinturas "Virtudes", diseñado para decorar los respaldos de las sillas en la sala principal del Tribunal Comercial.

Esta orden jugó un papel importante en la carrera del artista, ya que le permitió ingresar al círculo de pintores florentinos cercanos a la familia Medici. Botticelli lo realizó, centrándose en los gustos de su época. Representó en el lienzo una figura femenina cuya imagen personifica la fuerza moral y, más bien, una especie de melancolía reflexiva en lugar de decisiva. La alegoría de "Fuerza" en la interpretación de Botticelli, por extraño que parezca, absolutamente no lleva energía valiente. Además, su figura con una ligera inclinación de la cabeza, enfatizada por el movimiento elegante de sus manos sosteniendo la vara sin poder, crea una sensación de fragilidad interna e incluso de rotura. Incluso a pesar de que la heroína del trabajo se sienta en una silla cómoda, su pose todavía da la impresión de inestabilidad.

En la interpretación de los pliegues, el modelado general de la figura femenina y el estudio meticuloso de los elementos decorativos del trono, la influencia de Verrocchio se lee claramente. Pero ya en esta imagen también se manifiestan sus propios "hallazgos artísticos" de un maestro muy joven: un cierto alargamiento de proporciones, delicadeza en la creación de la cara y un elegante movimiento plástico especial.

Al igual que muchos artistas del Renacimiento, Botticelli a menudo traicionaba a sus héroes como un retrato directo con personas que conocía: amigos, clientes y quizás amantes. Por ejemplo, es difícil no darse cuenta de que la heroína de la pintura "Fuerza", la Virgen María de la imagen del altar "Madonna y el niño con dos ángeles", así como Santa Catalina del retablo "Altar de Sant’Ambrogio "Son inusualmente similares. Los historiadores del arte sugieren que para todas estas obras, el artista utilizó el mismo modelo real que vivía en Florencia en ese momento.

Después de haber obtenido cierto reconocimiento entre los contemporáneos, Botticelli en 1472 se unió al Gremio de San Lucas, declarándose así mismo como un maestro libre. El artista abrió un gran taller en el que reunió asistentes y aprendices. Filippino Lippi fue uno de sus primeros alumnos.

Entre 1470 y 1472, Botticelli creó la llamada "Virgen de la Eucaristía" (Museo Isabella Stewart Gardner, Boston). Repitiendo casi por completo la construcción compositiva de "Madonna y niño con dos ángeles", el artista se centró en la interpretación simbólica de la trama.

La Virgen con el Bebé en sus brazos se alza en el contexto de un paisaje visible detrás de los elementos arquitectónicos. Juan el Bautista se para frente a ellos, sosteniendo en sus manos un plato con mazorcas de maíz y uvas, que sirve como símbolos del sacrificio expiatorio de Cristo. La presencia en la imagen de estos elementos le dio un nombre. Aunque el simbolismo religioso, extremadamente común en el arte de esa época, es bastante común en las obras de los siglos XV-XVI, no era típico de las obras de Botticelli ni de los fondos de paisajes en el fondo de sus pinturas. Quizás estos elementos se inspiraron en las primeras pinturas de Leonardo da Vinci.

El lienzo "San Sebastián" (1473, Museo del Estado, Berlín) fue creado por Botticelli para la iglesia de Santa Maria Maggiore. El trabajo se realiza de acuerdo con las tradiciones clásicas y, por lo tanto, es recibido positivamente por los florentinos. Al año siguiente, el día de San Sebastián, la imagen se presentó al público en general en la columna de la iglesia para la que fue creada, un hecho que dice que el artista ganó cierta fama en su ciudad natal. Hay evidencia de que en 1474 el pintor fue invitado a Pisa para crear murales en el cementerio de Camposanto, ubicado al lado de la Catedral de Pisa. No se sabe por qué, pero Botticelli no cumplió con sus obligaciones y regresó a Florencia.

Patronos majestuosos

Un papel decisivo en el destino del gran pintor fue interpretado por una de sus mejores obras "Adoration of the Magi" (1473, Galería Uffizi, Florencia), encargada por el banquero Giovanni (Gaspra) di Zanobi Lamy. Realmente hermoso trabajo fue destinado a decorar la capilla Lamy, ubicada en la iglesia del sitio de Maria Novella. El cliente era una persona muy influyente en Florencia y tenía relaciones cálidas y amistosas con representantes de la familia Medici. No es difícil notar que entre los héroes de la escena religiosa representada por el pintor, hay retratos explícitos de miembros de este apellido. Resulta que el banquero presentó a Botticelli a la corte de los Medici, de modo que el artista incluiría en la composición de la trama bíblica un retrato grupal de representantes de la élite florentina.

El lugar central en la composición, de acuerdo con todos los cánones aceptados, está ocupado por la sagrada familia: la Virgen María, Jesús y José. Están rodeados por varias filas de representantes de las tres generaciones de los Medici, cerca de Lorenzo el Magnífico y el propio Botticelli, que se acercaron para postrarse ante el Bebé. Todos los personajes en el lienzo están algo idealizados y son, más bien, una pista de una persona específica, en lugar de su copia de retrato. Sin embargo, esto fue suficiente para los contemporáneos del artista.

Por ejemplo, en la figura de un anciano, tocando respetuosamente las piernas del bebé, los contemporáneos reconocieron fácilmente al fallecido Cosimo Medici. El primer biógrafo de Botticelli, Vasari, escribe sobre esto: “Y vemos una expresividad especial en el anciano, quien, besando los pies de nuestro Señor y derritiéndose con ternura, muestra perfectamente que logró el objetivo de su largo viaje. La figura de este rey es un retrato a tiempo completo de Cosimo el Viejo de Medici, el más vivo y el más similar de todos los que han sobrevivido hasta nuestros días. Al lado del anciano, vemos a los Reyes Magos arrodillados ante Jesús: estos son los hijos fallecidos de Cosimo: Giovanni y Pierrot. Y en el lado izquierdo de la imagen está el nieto de Cosimo Lorenzo Medici. Lorenzo está rodeado de sus mejores amigos, el filósofo Pico della Mirandola, señalando con la mano a la sagrada familia y el poeta Lngelo Polppsapo, que inclinó la cabeza sobre el hombro de Lorenzo.

En el centro del grupo, ubicado en el lado derecho del lienzo, vemos al hermano menor de Lorenzo, quien era su co-gobernante, Giuliano, vestido con una capa oscura. Detrás de él hay un anciano, muy probablemente un filósofo Giovanni Argiropulo, justo por encima del filósofo hay un anciano con ropa azul, que se señala con un dedo: este es el cliente del trabajo, el banquero Lamp. Botticelli mismo está en el primer plano de la imagen, envuelto en una capa dorada ocre.

Esta obra le ganó al pintor no solo la fama, sino también la buena voluntad de los representantes de una de las familias más nobles e influyentes de Florencia, lo que lo involucró en turbulentos eventos históricos. Cuando, el 26 de abril de 1478, durante una misa solemne en la Catedral de Florencia, un nativo de la familia Nazzi hizo un intento de asesinato casi exitoso contra los hermanos Medici. Como resultado, Giuliano murió y Lorenzo, aunque siguió vivo, se vio obligado a huir urgentemente de la ciudad.

Más tarde, cuando Lorenz Medici recuperó por completo su posición, primero ordenó el arresto y la ejecución de absolutamente todos los miembros de la familia de la Nación, sin hacer una excepción a nadie. Luego, los Medici ordenaron a Botticelli que pintara retratos de las paredes ejecutadas de su palacio, como una advertencia a aquellos que se atreven a invadir la vida de los representantes de su familia. A pesar de lo extraño de la orden, ayudó a fortalecer la reputación del pintor, que recibió un arreglo especial del propio Lorenzo. Estos increíbles murales no han llegado a nuestros días.

Durante los años siguientes, Botticelli estuvo exclusivamente involucrado en las numerosas órdenes de sus nuevos patrocinadores. La mayor parte del trabajo del maestro estaba destinado a decorar la lujosa villa Medici en Castello. Las dos obras más famosas del artista: "Primavera" (1478, Galería de los Uffizi, Florencia) y "El nacimiento de Venus" (1484, Galería de los Uffizi, Florencia) pertenecen a este período tranquilo y fértil de la vida de Sandro.

Trabajando en la creación de su "Primavera", el artista se inspiró en "Fasti", el calendario poético de Ovidio. La compleja construcción compositiva de la obra se compone de varios grupos dispuestos por separado, interconectados solo por movimiento interno. Al mismo tiempo, gracias precisamente a estos detalles, así como al ritmo del lienzo, que, como la música invisible, impregna el trabajo, la imagen se vuelve única.

En el lado derecho de la imagen, Botticelli localizó un Marshmallow alado. Golpeado por la extraordinaria belleza de la ninfa Chloris, el dios del viento está tratando de cautivarla para casarse por la fuerza. Pero, arrepentido de sus actos, Zephyr convierte a su amada en Flora, que vemos en el mismo grupo de héroes. El pintor captura el momento mismo del comienzo de la Transformación: la figura de Chloris parece fusionarse en su próxima encarnación. El hecho de que la ropa de estas dos figuras femeninas esté magistralmente pintada por el maestro revolotea en diferentes direcciones, sugiere que estas dos imágenes aún no están conectadas y están, por así decirlo, en diferentes espacios del ser.

La joven y bella Flora avanza fácilmente, literalmente, bañando todo el espacio circundante con delicadas flores, simbolizando la llegada de la primavera. En el centro de la composición hay una elegante figura de Venus sobre un fondo de vegetación oscura. Su vestido está hecho de la mejor tela, cosida con hilos de oro. El hecho de que ella es la diosa del amor, enfatiza la simbólica y lujosa capa escarlata que complementa su atuendo.

La imagen de Venus en el lienzo es interpretada por Botticelli, como las imágenes de la Virgen María creadas por él anteriormente. El rostro de la diosa griega expresa tristeza, modestia y timidez, y su cabeza, ligeramente inclinada hacia la derecha, está cubierta con un velo de gas muy delgado que solo enfatiza estas cualidades.

El Cupido de ojos dorados alados se eleva sobre Venus, apuntando desde su arco hacia un grupo de gracias divinamente bellas que bailan en el lado izquierdo del lienzo. Una venda de seda blanca como la nieve, atada a los ojos de un pequeño travieso, está diseñada para evitar que realice un disparo preciso. Gracias a este conmovedor personaje, Botticelli dirige nuestra atención a un grupo de tres ninfas (cuyo significado simbólico se lee de derecha a izquierda, como Belleza, castidad y placer), dando vueltas lentamente en un baile redondo. Sus cuerpos delgados han enfatizado alargado proporciones, y movimientos elegantes y suaves forman un movimiento circular rítmico claramente construido. Los giros fáciles y las curvas de figuras de tres gracias, la conexión elegante de sus manos y pies transmiten el ritmo hacia adelante del baile.

Posibles modelos para las figuras de niñas son las bellezas Simonetta Vespucci y Katerina Sforza, la última de las cuales se representa como Belleza. Al crear imágenes de bellezas forestales, el pintor muestra ingenio en la imagen de sus peinados. En una de las gracias, el cabello está recogido en un moño, en la otra fluye sobre los hombros con ondas de luz, y en la tercera, su espalda está cubierta con una corriente dorada libre.

En el borde izquierdo de la imagen, junto a los traficantes, está el mensajero de los dioses Mercurio. Su mirada, dirigida al cielo, dirige la atención del espectador hacia una nube de tormenta que amenaza este bendito paraíso. Con un gesto ligero pero confiado, el joven no le permite penetrar en el maravilloso jardín, en el que las ramas densamente entrelazadas de los naranjos refuerzan el ritmo único de todo el trabajo, que Botticelli está inusualmente hábilmente construido.

El artista mostró el máximo cuidado y precisión en la imagen de las diversas variedades de plantas representadas en la imagen. Estudió cuidadosamente todo lo que creció en la primavera en las cercanías de Florencia. Entonces, los investigadores "identificaron" en el lienzo más de cincuenta especies de hierbas y flores. Solo en una corona de flores en la cabeza de Flora y su collar se ven claramente acianos, margaritas, eléboro, lirios del valle, hojas de mirto, bígaros, nomeolvides, flores de granada, semillas de amapola, ranúnculos, violetas, flores y bayas de fresas..

Este hecho muestra que Botticelli pensó cuidadosamente no solo en las decisiones rítmicas complejas de las composiciones de sus obras, sino también en cada detalle, hasta la sutil reflexión lógica de la ubicación de todos los actores, sujeta a una estricta regularidad.

Otra obra maestra del maestro: "El nacimiento de Venus", está escrita de una manera ligeramente diferente. La pintura, que es una de las obras de arte más famosas del mundo, como Spring, tiene un prototipo poético que sirvió de inspiración para el artista. Los hitos literarios de la pintura son los textos de Homero, los "Stans" de Poliziano y las obras de Virgilio.

A diferencia de "Primavera", en la pintura "El nacimiento de Venus" no vemos un rincón limitado del Jardín del Edén, como si estuviera oculto del mundo por una densa vegetación, sino el espacio abierto del cielo y el mar. Botticelli describió el período de la madrugada, cuando la neblina nocturna recién dispersada presentó a la bella Venus al mundo. La Diosa de la Belleza, recién nacida de la espuma del mar, se encuentra en una enorme concha marina, llevada a la orilla por un golpe de Zephyrs. La aparición de la belleza en la tierra es triunfante: las rosas vuelan bajo sus pies y la diosa Oro se apresura a encontrarla, llevando a una joven belleza una preciosa capa, con delicadas flores bordadas.

La estructura compositiva de la imagen es bastante simple y clara. Venus misma sirve como la encarnación de la belleza ideal, sus rasgos golpean con impecabilidad y armonía. Como muchas imágenes femeninas de Botticelli, la sombra de la tristeza yace en el rostro de Venus, solo enfatizada por los mechones de cabello dorado desarrollados por el viento. Toda la pose de la diosa se asemeja a la famosa estatua antigua de Venus Pudik (del latín - "modesto, casto, tímido"), también conocida como Venus de Medici.

La composición de la composición está dominada por un ritmo lineal sutil que imparte movimiento a todas las formas representadas, dándoles volumen y creando la ilusión de espacio y profundidad. El color transparente, frío y claro, que está dominado por combinaciones de colores pálidos (tonos verdes pálidos del mar, cabello dorado de Venus, ropas azules de malvaviscos, un vestido blanco y un manto carmesí oscuro de una ninfa que se encuentra con ella), dan el trabajo. Una armonía y expresividad especial. Esta obra, como Spring, se ha convertido en una de las pinturas más famosas del pintor.

Reconocimiento Vaticano

El 27 de octubre de 1480, Botticelli, junto con los artistas Cosimo Rosselli, Pietro Perugino, Domenico Ghirlandaio y otros hacen un viaje a Roma, donde fueron invitados por el Papa Sixto IV, para decorar los frescos de la "Gran Capilla", más tarde llamada el Sixtina

En este momento, la gloria del artista ya era tan grande que Sixto IV lo puso a la cabeza de otros pintores involucrados en el trabajo. Dado que los contemporáneos, por encima de todas las demás obras, apreciaron precisamente las composiciones realizadas por el artista "Castigo de los levitas en ascenso", "Tres tentaciones de Cristo" y "Juventud de Moisés", esto estaba justificado. Los frescos del maestro complementan perfectamente uno de los conjuntos monumentales más grandes y solemnes del siglo XV. Las obras son sorprendentes en su acción acelerada, dinamismo y emoción de las imágenes.

El magnífico fresco "La juventud de Moisés" (1480-1482, Capilla Sixtina, Roma) es una de las obras más monumentales del maestro y cuenta la historia del personaje del Antiguo Testamento Moisés, cuya misión era la eliminación de los judíos de Egipto. Botticelli representó varias escenas de la vida del héroe bíblico, que ocurrieron en diferentes momentos e incluidas por el artista en una composición. Tal enfoque a la construcción de la pintura indica la atracción del pintor por los famosos ejemplos anteriores de arte monumental. Los eventos en el trabajo se desarrollan de derecha a izquierda: aquí Moisés mata al egipcio; luego, huyendo de la venganza del faraón, llega al país de Madián, donde ayuda a alimentar las ovejas a las hijas de José; luego, Moisés se quita las sandalias para ir a la zarza ardiente, desde donde el Señor lo llamó, imponiéndole la misión de salvación del cautiverio de su pueblo. El último episodio muestra el éxodo de Egipto de los hijos de Israel. A pesar de la congestión aparentemente excesiva de la composición, cada una de las escenas se destaca fácilmente de la serie general. Todas las imágenes se interpretan de manera muy condicional y con gran imaginación del artista. El espectador se presenta con un mundo antiguo bastante idealizado en el que muchos héroes se visten con trajes modernos de Botticelli. Todas las imágenes de los personajes se enfatizan armoniosa y hermosa.

El fresco "Castigo de los levitas" (1481-1482, Capilla Sixtina, Roma) consta de varias escenas. En el lado izquierdo están los levitas, que tienen la intención de apedrear a Moisés, luego hay una escena de fumar el incensario del sumo sacerdote Aarón, cuya llama, con una ola del bastón de Moisés, quema a los rebeldes. La composición está cerrada por un grupo de apóstatas, que la tierra misma absorbe. Se suponía que el contenido semántico del fresco contribuiría al establecimiento de la autoridad papal. Como muestra de respeto por el cliente, el artista a menudo representaba un roble en los frescos, el símbolo heráldico de Sixto IV y la combinación de colores de su escudo de armas: azul y amarillo. Todas las escenas bíblicas se desarrollan en el contexto de magníficos paisajes.

La obra "Las tres tentaciones de Cristo" (1481-1482, Capilla Sixtina, Roma), también creada por Botticelli para la capilla romana, muestra episodios del Evangelio (Mateo: 4, Lucas: 4), que cuenta la tentación de Jesús por el Diablo. En la primera parcela, ubicada en la esquina superior izquierda, le ofrece a Cristo que convierta las piedras en pan, y recibe la respuesta: "El hombre no vivirá solo de pan"; la parte central de la composición los representa de pie en el techo del templo, donde el tentador convence al Hijo del Señor para que se precipite; La tercera trama, ubicada en la esquina superior izquierda, muestra una escena en la que el Diablo le pide a Jesús que se doblegue ante él.

Las escenas en sí fueron creadas por Botticelli de tamaño pequeño, y todo el primer plano de la obra está ocupado por el ritual de limpieza del leproso. En este trabajo, como en La adoración de los magos, el artista representa a sus contemporáneos, quienes, en su plan, son testigos de la purificación en curso. Se cree que en la esquina inferior izquierda de la composición se representa un autorretrato de Botticelli y un retrato de su alumno y amigo Filippino Lippi. En el lado opuesto está el sobrino del papa Sixto IV, Girolamo Riario, envuelto en una capa roja.

Como escribió el biógrafo del pintor, Vasari, Botticelli, trabajando en los murales de la capilla, "ganó la mayor fama y gloria, y del papa obtuvo una cantidad decente de dinero, que inmediatamente despilfarró y despilfarró mientras estaba en Roma, porque vivió su vida como siempre descuidado. En el otoño de 1482, todos los frescos fueron terminados, y los pintores que trabajaron en ellos dejaron Roma y se fueron a su Florencia natal. "

Exito y fama

El taller de Botticelli, que ya había alcanzado la mayor fama, se desbordó con una gran cantidad de pedidos en la década de 1480, que el artista no tenía forma de manejar por sí mismo, por lo tanto, toda la parte principal del trabajo fue realizada por su estudiantes, que imitaban perfectamente el estilo pintoresco del artista. Durante este período de gracia, Botticelli recibe una nueva orden de su mecenas Lorenzo di Pierre Francesco Medici.

La obra "Pallas y el Centauro" (1482, Galería de los Uffizi, Florencia) fue para demostrar a todo el mundo y a sus descendientes lo fuerte y poderosa que fue la dinastía Medici y lo sabia que gobernó Florencia. A pedido de Lorenzo el Magnífico, el trabajo se realizó como una alegoría de la "edad de oro" de Florencia, desde la época de los Medici.

Botticelli, por su propia voluntad, amplió aún más el alcance de la trama, añadiéndole la idea de la lucha entre el bien y el mal. La composición de la imagen se basa en el contraste: contrasta la bella imagen de la diosa con el feo Centauro. El vestido de Pallas está ricamente decorado con emblemas de la casa de los Medici. La diosa se representa en el contexto de un hermoso paisaje con un cielo claro y profundo sobre su cabeza. Detrás del Centauro, vemos edificios antiguos en ruinas que simbolizan la ignorancia y el caos.

Se cree que la inspiración para la creación de este lienzo sirvió como las ideas del filósofo Marsilio Ficino: "La bestia en nosotros es el instinto, la persona en nosotros es la razón". Esta suposición agrega otra posible interpretación del trabajo: Botticelli divide visualmente a una persona en dos principios: el divino, conectado con la esfera del espíritu, las altas aspiraciones y la razón, y el animal, que representa exclusivamente las necesidades del cuerpo físico. Desde el punto de vista de tal interpretación de la trama, el gesto de Pallas se convierte en la personificación de su poder sobre los instintos naturales. Un hecho interesante es que la cara del Centauro retrata un profundo sufrimiento, una expresión característica de la imagen de los santos en las pinturas de Botticelli.

La obra "Venus y Marte" (1482-1483, National Gallery, Londres), es otra obra multifacética del maestro. El nido de avispas con insectos que lo rodean, representado en la esquina superior derecha de la composición, indica que la pintura fue encargada por un representante de la casa Vespucci, de la cual es el símbolo heráldico del género. Una posible razón para escribir este lienzo fue la boda de uno de los miembros de la casa. Todo el primer plan, alargado horizontalmente, está ocupado por las figuras de Venus, reclinadas en sus pensamientos, y el relajado y dormido Marte. Justo detrás de ellos con las armas del formidable dios de la guerra hay pequeños sátiros.

En Florencia, la segunda mitad del siglo XV, la astrología se generalizó, por lo que los personajes representados en el lienzo pueden interpretarse como una imagen alegórica de los planetas, y no solo de los dioses olímpicos. El color de la obra se distingue por la moderación majestuosa, y el lienzo mismo respira paz. La construcción compositiva es ligera y muy equilibrada.

En 1485, Botticelli creó otra obra increíble: "El altar de Bardi" (Museo del Estado, Berlín). La imagen del altar, cuyo nombre completo suena como "Madonna y Juan el Bautista y Juan el Evangelista", fue pintada por orden de Giovanni Agnolo Bardi y estaba destinada a la capilla de su familia en la iglesia de Santo Spirito.

La canonicidad estricta se distingue por la construcción compositiva de esta obra del maestro. En el centro de la imagen, en el ornamentado trono, se sienta la Reina del Cielo, con el Bebé en sus brazos, a ambos lados están los santos: Juan el Bautista y Juan el Teólogo. Todas las figuras se encuentran en el fondo de una glorieta de jardín con tres arcos, que compara las imágenes con estatuas antiguas.

El Altar Bardi es muy diferente de otros trabajos anteriores de Botticelli. Todas las líneas están afinadas y claras, incluso algo rígidas, lo que se nota claramente en el "adorno" formado por el follaje. La imagen de la Madonna, que el artista representó anteriormente de manera muy majestuosa y solemne, está llena de entonaciones completamente nuevas. Aquí, vemos ante todo una madre, llena de ansiedad y tristeza, en anticipación del difícil destino de su hijo. Especialmente frágiles son los rasgos faciales y las manos alargadas de Mary, enfatizando su imagen sobrenatural. Los símbolos teológicos que hacen alusión a la encarnación de Cristo juegan un papel importante en la obra: lirios, aceitunas, palmas y laureles.

Tales composiciones atraen al artista cada vez más, a partir de la década de 1480. Son las imágenes del altar las que él estudia con más cuidado, eligiéndolas entre las muchas órdenes entrantes. Las obras más destacadas de este período son El Altar de San Bernabé (otro nombre es Madonna on the Throne with Saints Catherine of Alexandria, Augustine, Barbara, John the Baptist, Ignatius and Archangel Michael, circa 1487, Galería de los Uffizi, Florencia), Madonna con granada "(circa 1487, Galería de los Uffizi, Florencia) y" Madonna Magnificat "(otro nombre es" La Majestad de la Virgen ", circa 1483-1485, Galería de los Uffizi, Florencia).

Gracias a estas y otras obras, la fama de Botticelli tronó en toda Italia. Hay un caso conocido cuando el duque de Milán preguntó quién es el mejor pintor de Florencia y escuchó una respuesta definitiva: Botticelli, "que puede escribir perfectamente tanto en la pared como en la pizarra, y cuyas pinturas son extraordinarias en fuerza y ​​perfectas. dimensiones."

El retrato, aunque no era un género favorito del pintor, todavía ocupaba un lugar importante en su trabajo. En las imágenes de sus contemporáneos, Botticelli se esforzó por adherirse a las tradiciones predominantes del retrato de perfil florentino, aunque a veces se permitió llevar a la obra algunos de los logros de los maestros holandeses. No todas las obras ahora atribuidas al pintor pueden considerarse su propia obra. Lo más probable es que algunos de ellos fueron escritos por sus alumnos. El primer retrato atribuido al pincel del gran Botticelli es el "Retrato de un hombre joven" (1470, Galería Palatina, Florencia). Representado en él es un florentino muy joven, con grandes ojos mirando arrogantemente al espectador, vestido con una chaqueta roja y un capuchino tradicional de color cereza oscuro. Un joven se levanta contra un cielo azul transparente.

Alrededor de 1474, Botticelli escribió el misterioso Retrato de una persona desconocida con la Medalla de anciano Cosimo Medici (Galería de los Uffizi, Florencia). El trabajo tiene una serie de características. Entonces, un joven retratado contra un magnífico paisaje primaveral, con ambas manos presiona una medalla contra su pecho con un retrato de Cosimo Medici grabado en él. Botticelli idealizó un poco la imagen del modelo, suavizando sus características y enfatizando sus características: un contorno claro del contorno de la cara y un aspecto directo y claro. Los intensos colores negro y rojo, en el traje de la persona retratada, crean un acorde de color inusualmente fuerte. El paisaje circundante aporta matices emocionales. Toda la entonación de la obra libera tensión: obvia antinaturalidad al girar la cabeza, una mirada tristeun gesto incierto de manos y un fuerte contraste de color del fondo y la ropa del héroe.

Composicionalmente, la construcción de obras ha cambiado desde la segunda mitad de la década de 1470. El pintor ya no usa el fondo del paisaje, y todo el espacio circundante se simplifica enormemente, mientras que la figura del modelo, generalmente ubicada en tres cuartos o un perfil, ocupa casi todo el espacio de la imagen. Los retratos femeninos están claramente idealizados, por ejemplo, "Retrato de Simoneta Vespucci" (circa 1480, Museo del Estado, Berlín), y las modelos se ubican principalmente en el perfil. Las cuatro versiones sobrevivientes de Retrato de Giuliano Medici (Galería Nacional de Washington, Carrera Academy en Bérgamo, Colección Armchair en Milán y Museo del Estado en Berlín) se distinguen por un estilo de escritura muy peculiar. No se sabe con certeza si al menos una de estas obras pertenece al pincel del propio Botticelli.La construcción compositiva de todas las versiones del retrato de Giuliano es casi idéntica. El modelo siempre se encuentra casi de perfil sobre un fondo claro. Una línea delgada y suave es el principal medio de expresión.

La mayoría de los retratos de Botticelli se caracterizaron por una entonación melancólica especial. Las identidades de la mayoría de los jóvenes representados por el maestro seguían siendo desconocidas para nosotros. Sin embargo, el pintor prefirió pintar a personas que conocía bien o admiraba por sus cualidades espirituales. En los retratos realizados en los años 1482-1490, se manifiesta el deseo del artista de una interpretación más realista de la imagen. Los retratos del pincel del maestro se vuelven más psicológicos, las innovaciones también aparecen en la construcción compositiva, por ejemplo, en la pintura "Retrato de un hombre joven" (circa 1483, Galería Nacional, Londres), el modelo se encuentra frente al retratista.

Giro brusco

Los turbulentos acontecimientos políticos en Florencia a principios de la década de 1490 influyeron significativamente en la vida de Sandro Botticelli. En 1492, Lorenzo el Magnífico murió. Piero Medici, que heredó el poder de su padre, resultó ser un gobernante mediocre, que llevó a todo el hogar Medici al exilio de su ciudad natal debido a una serie de graves errores políticos. Como resultado, un feroz luchador por la fe y el ascetismo llegó al poder, el monje dominicano Girolamo Savonarola.

Savonarola se ha opuesto durante mucho tiempo a la tiranía de la familia Medici, acusándolo de corrupción y amor excesivo por el lujo y el libertinaje. Incluso el Papa provenía de un feroz defensor de la fe, los sermones ardientes del monje resonaron en las almas de muchos ciudadanos, lo que más tarde llevó a Savonarola al poder. Debo decir que la gente realmente siguió voluntariamente al monje, aparentemente cansado del lujoso estilo de vida de sus gobernantes, incluso en el corazón de Botticelli, el dominicano pudo plantear dudas sobre la lealtad del camino creativo elegido. No había nadie para apoyar al pintor, sus alumnos y amigos también quedaron impresionados por el nuevo gobernante, y su querido hermano Giovanni murió. Como resultado, el artista tomó una posición de esperar y ver, sin unirse a ninguno de los lados del conflicto entre Savonarola y los Medici.

El monje militante organizó un verdadero "día de juicio" para Florencia. El 7 de febrero de 1497, se encendió un incendio en la Plaza Signoria, en la que la gente del pueblo, impresionada por el sermón dominicano, quemó instrumentos musicales, joyas, lujosos vestidos de mujer, pinturas que no cumplían con la moral cristiana, así como los condenados por Savonarola como la encarnación del pecado. Este día se volvió fatal para la historia del arte: muchos artistas jóvenes, incluidos los estudiantes del propio Botticelli, trajeron y arrojaron sus obras a la "llama purificadora". El pintor no participó directamente en el acto de arrepentimiento de los "pecadores", tal vez porque sus piernas debilitadas ya no le permitían caminar de forma independiente.

El reinado de Savonarola no fue muy largo, el 23 de mayo de 1498, la gente de Florencia quemó al monje calumniado con el mismo fanatismo con el que quemó magníficas obras de arte un año antes. Por extraño que parezca, en Botticelli, la ejecución del dominicano causó una impresión aún mayor que sus sermones. El pintor comenzó a ser atormentado por la culpa y los episodios de desesperanza, su alma se precipitó al sueño de la renovación religiosa. Como resultado, las dudas y el dolor en el alma del artista lo hicieron insociable. La fama del maestro comenzó a desvanecerse, las órdenes se hicieron cada vez menos.

En el último período de su trabajo, Botticelli crea varias pinturas, ya sea encargadas por los devotos de Savonarola, o pintadas bajo la influencia de sus sermones. Estas últimas incluyen dos imágenes del altar "Luto de Cristo" (1495, Museo de Poldi Pezzoli, Milán y 1500, Antigua Pinacoteca, Munich). Las obras destacan por la nueva interpretación del artista del drama cristiano, como un dolor humano intolerable. Todos los personajes representados en estas dos obras están atrapados por un dolor interminable por una víctima inocente. Por orden de los "piagnoni" (literalmente "llorón") - adherentes de Savonarola, el pintor escribe "La Última Comunión de San Isronim" (circa 1498, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York) para Francesco del Puglieze; y "San Agustín" (1490-1495, Galería de los Uffizi, Florencia), para Giacomo y Giovannidi Bernardo.Estas raras órdenes permitieron al artista mantenerse a flote de alguna manera.

En 1502, la salud del maestro finalmente se debilitó. En este momento, según la calumnia de los malvados y las personas envidiosas, se inició una demanda contra Botticelli por los cargos de su pecado de sodomía. La razón más probable para tal sospecha fue que el pintor nunca había contraído matrimonio legal en toda su vida. Estos eventos complicaron aún más la vida del maestro, y ocho años después, a la edad de sesenta y cinco años, el gran Sandro Botticelli falleció. Está enterrado en el cementerio de la iglesia florentina de Onis.