Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911) Traductor traducir

El maravilloso artista ruso Valentin Serov tuvo la suerte de nacer en una familia próspera y talentosa. Los padres del pintor eran personas talentosas y versátiles. Alexander Nikolaevich Serov, el padre del futuro artista, fue compositor, autor de las óperas Enemy Force, Judith y Rogneda. Fue considerado el mejor crítico musical de su tiempo y también fue un gran artista original. En su juventud, iba a dedicarse a la pintura, pero luego se interesó por la música y se entregó por completo a ella.

Imágenes de Valentin Alexandrovich Serov

Familia con talento

Fue de su padre que Valentine heredó su extraordinario don, la capacidad de una percepción increíblemente precisa de la forma y el color, así como su gran amor por los animales, que Serov Sr. describió con mayor frecuencia en sus lienzos. Alexander Nikolayevich se casó solo a los cuarenta y cuatro años, ya era un compositor consumado y un hombre maduro. Su elegida fue una joven y talentosa pianista Valentina Semenovna Bergman, una ex alumna del músico.

El único hijo de los Serov nació el 7 de enero de 1865. Desde la infancia, Valentin estuvo rodeado de personalidades creativas y extraordinarias de diversos orígenes sociales, que se reunían regularmente en la casa del compositor y su joven esposa. Incluyeron a todas las personas talentosas de la época, músicos, científicos, escritores, artistas y actores. Entre los amigos cercanos de Alexander Nikolayevich, quien a menudo visitaba su casa, se encontraban el escultor Mark Antokolsky, el escritor Ivan Turgenev, con quien Serov era más cercano y el artista Nikolai Ge, el primero en inculcar al pequeño Valentine, que permaneció con él de por vida, amor para caballos

La familia Serov a menudo realizaba lecturas literarias y conciertos, como espectadores a los que a menudo se invitaba a la criada. Tales veladas educativas no fueron su invención personal, sino más bien un homenaje a la moda de entonces.

El pequeño Valentine a menudo acompañaba a sus padres a la ópera. Y en 1869 primero llevaron a su hijo al extranjero. Después de este viaje, Serov, el más joven, recordó de por vida su visita a la casa del gran Richard Wagner, sin embargo, la impresión indeleble en el niño no fue hecha por el famoso compositor, sino por una jaula con faisanes extravagantes y su gran perro Con una vida tan exteriormente interesante, Valentine desde la infancia no fue mimado por la atención de los padres que vivían en su propio trabajo.

En 1871, cuando el futuro artista tenía solo seis años, su padre falleció. El tiempo de recepciones serenas en la sala de estar y las lecturas literarias son para siempre en el pasado. Ahora vivían con su madre en Munich (de 1872 a 1873). Estos dos años fueron muy fructíferos para el pequeño dibujante. Mientras vivía en un hotel, Serov conoció al ya famoso pintor Kegshing, que estaba interesado en un chico talentoso. Kegshing no solo comenzó a llevar al niño a los estudios, para ayudarlo con consejos profesionales, sino que también influyó en Valentina Semenovna y le recomendó desarrollar y alentar al joven talento de todas las formas posibles.

Creyendo que las habilidades del hijo pueden convertirse en su destino, la madre de Serov comenzó a alentarlas y desarrollarlas conscientemente. Entonces, en 1874, Valentine, de nueve años, con su madre, se mudó a París, donde Ilya Repin estaba en este período. La decisión de Valentina Semenovna de recurrir a Repin con una solicitud para educar a su hijo fue la elección más exitosa en la vida de un futuro pintor.

Fue Ilya Repin quien fue el único maestro que pudo desarrollar y revelar completamente las habilidades del joven Serov. Entonces, el niño comenzó las primeras lecciones de dibujo regulares y serias. Repin en ese momento trabajaba en París en las pinturas "Café" y "Sadko", hizo muchos bocetos de la naturaleza, sin olvidar entregar constantemente tareas al estudiante. El joven Valentin Serov recibió en ese momento gracioso muchos valiosos consejos, sugerencias y aclaraciones, que luego recordó toda su vida. Repin le permitió copiar su trabajo, a veces le pidió que escribiera ciertos objetos de memoria, pero prestó más atención al dibujo de la naturaleza.

El aspirante a artista se rindió por completo a su pasatiempo, pasando todo su tiempo libre en él. Durante el día pintaba, y por la noche hacía bocetos y dibujos sin cesar. Gracias a la actitud seria de su madre, muchas de las obras de los estudiantes de Serov se conservaron perfectamente. En sus primeros álbumes, la mayoría de las pinturas y bocetos dedicados a los caballos. Por supuesto, Serov también pintó otros animales, pero fueron los caballos los que se convirtieron en su amor por la vida.

Este fue sin duda un período fructífero en la formación del gran pintor ruso. Pero con toda la aparente prosperidad, la vida de un niño de nueve años en París era solitaria y aburrida. Su madre, completamente inmersa solo en su trabajo, estuvo constantemente ausente durante el día, y por las noches asistía a la ópera. Valentine se quedó solo durante mucho tiempo, dejado a su suerte. Esta retirada forzada dejó su huella en el personaje de Serov, dándole la hosquedad y el aislamiento que el artista había retenido durante toda su vida.

La influencia de Savva el Magnífico

Como muchos residentes talentosos de Moscú, la madre de Valentin Serov estaba familiarizada con Savva Mamontov, que fue un gran éxito para el futuro artista. Este filántropo e industrial estaba en el centro de la vida espiritual e intelectual de Moscú de la segunda mitad del siglo XIX. Reuniendo todo el color de la intelectualidad artística rusa a su alrededor, Mamontov brindó a los invitados de su propiedad en Abramtsevo una oportunidad única para inspirarse, ser libre, no agobiado por nadie, incluidos los problemas financieros y la vida de la creatividad. Durante más de veinte años, la finca de Mamontov, cerca de Moscú, fue un importante centro de la cultura rusa, donde los artistas, a veces durante todo el verano, vinieron a comunicarse, compartir experiencias y combinar el trabajo con el ocio.

A menudo viviendo con su madre en "Abramtsevo", Valentin Serov desde la infancia participó directamente en casi todas las áreas de la creatividad, que fue desarrollado por este ambiente creativo de entusiastas y personas afines del nuevo arte. Aquí se desarrolló su talento brillante y multifacético. El club Abramtsevo, con el apoyo de Savva Mamontov, abrió dos talleres de arte a la vez: cerámica y corte de carpintería, donde se revivieron las antiguas artesanías y artesanías. También se prestó gran atención al teatro. Serov participó con placer en las presentaciones en el hogar de Mamontov, desempeñó brillantemente papeles cómicos de animales y tuvo un éxito rotundo. No es sorprendente que Valentine haya creado sus primeras y más inspiradoras obras que le dieron fama, como, por ejemplo, The Girl with Peaches, en esta maravillosa propiedad.

Pero, la influencia beneficiosa del círculo de Abramtsevo apareció mucho más tarde, y al principio, llevada a cabo por un joven talento en la finca de Mamontov, no trajo beneficios a su talento. Según el biógrafo del artista Igor Grabar, en el verano de 1875, cuando Valentina Semyonovna trajo por primera vez a su hijo a la finca, el niño abandonó las clases regulares de dibujo y todos sus álbumes, y se dejó llevar por la vida divertida y despreocupada de los niños Mammoth.. Lo que no dejó de reflexionar sobre sus habilidades artísticas. Los pocos dibujos de la época en los álbumes de sus hijos solo sirven como confirmación de que las habilidades innatas sin práctica no significan mucho, porque el talento original del pintor y las habilidades de dibujo se pierden rápidamente sin un trabajo constante para crecer y mantenerlas. No es por nada que dicen que el verdadero genio es el 10 por ciento del talento y el 90 por ciento del trabajo duro.

Así sucedió con Serov, sin un entrenamiento constante para mejorar la precisión del trazo y mostrar el color y la forma, el joven artista comenzó a dibujar mucho peor. Por lo tanto, en el otoño, su madre lo llevó a San Petersburgo, donde el viejo amigo de la familia, el artista Nikolai Ge, comenzó a cuidar el talento de Valentin, cultivándolo y perfeccionándose. Pronto, gracias al cuidado de Ge, se hizo evidente que Serov entró en una nueva ronda de desarrollo.

Entonces, Valentine y su madre se mudaron nuevamente. Esta vez en Kiev, donde pasaron unos tres años, que se convirtió en el más feliz en la vida de madre e hijo. En Kiev, el niño ingresó a la escuela de dibujo, ingresando en la clase de Nikolai Murashko, el viejo amigo de Repin en la Academia de las Artes.

Los mejores educadores

Decidiendo no limitar el desarrollo de su hijo a una educación artística, Valentina Semenovna regresó a Moscú nuevamente y organizó a su hijo en un gimnasio de Moscú. Aquí, la madre del artista volvió a mirar a Repin y le pidió que reanudara las lecciones. La familia del pintor recibió a Serov con los brazos abiertos, y sus lecciones continuaron a un nivel aún más alto.

Repin mismo notó que, a pesar del constante descanso en las clases, Valentin hizo un excelente progreso, y el trabajo muy exitoso inculcó en el niño la creencia de que nuevamente logró retratar todo lo que había planeado. Valentine creía en sí mismo y luego abandonó casi por completo sus estudios en el gimnasio, con gran pasión en su pasatiempo favorito. Al final, el director del gimnasio recurrió a la madre del joven artista con una propuesta para transferir al niño a una institución especial, donde su regalo de pintura podría desarrollarse por completo. Entonces el chico finalmente se mudó a Repin. Ahora, sus estudios en dibujo y pintura no pararon nada más.

Igor Grabar escribió en sus memorias: “Incluso Repin ya lo mira como artista, no como adolescente, e incluso posa para él para un retrato, mientras dibuja al propio Serov. Serov, de 14 años, se ve sombríamente hosco, un hábito de lobo puramente "Serov" reconocible, que conservó hasta los últimos días. Y detrás de este aspecto sombrío acecha un corazón amable y el alma más tierna y pura. Repin pinta un retrato de Serov, y Serov pinta el retrato más exacto de Repin que se haya hecho. Tiene toda la esencia de Repin: su aspecto, su encanto, su sonrisa, incluso su eterna vergüenza, en una palabra, absolutamente todo lo que todos sabíamos muy bien, y que mantuvo hasta 70 años. "

Al ingresar a la Academia de Artes en 1880, Serov terminó en el estudio del famoso profesor Pavel Chistyakov, quien se distinguió por un estilo de enseñanza extremadamente duro, criticando y ridiculizando cada golpe impreciso de sus estudiantes. Estos métodos del profesor ayudaron al artista a desarrollar una manera reflexiva y sin prisas de representar la naturaleza. Al igual que su maestro, Valentin Serov no podía tolerar la prisa y la aproximación en el dibujo y la pintura.

Respondiendo preguntas sobre su minuciosa manera de escribir, el pintor dijo: "De lo contrario, no sé cómo escribir, es mi culpa, no sé cuánto lo amo". De hecho, no sería justo decirlo. que Serov no poseía técnicas de imagen súper rápidas. Exigiendo por sus retratos al menos cuarenta sesiones de posar (y sucedió que este número llegó a cien), el talentoso artista hizo bocetos instantáneos y dominó perfectamente el arte de los bocetos a lápiz de alta velocidad.

Valentin Aleksandrovich, con su habilidad inherente, no solo pudo captar la forma reconocible de la figura y la cabeza, sino también transmitir con un toque claro y preciso todos los rasgos característicos de su apariencia, hasta una expresión capturada al instante en su rostro. Estos bocetos cortos y rápidos son más fuertes que otras obras, puedes juzgar la increíble habilidad del artista.

Dirigiendo su mano sobre los bocetos a gran velocidad de los desfiles y maniobras militares, dibujando oficiales y soldados, Serov no se esforzó en absoluto por la semejanza de retratos, pero, incluso en contra de su voluntad, hizo retratos genuinos. El ojo preciso y la mano inconfundible del maestro no sabían lo contrario. El pintor podía permitirse escribir composiciones complejas sin ningún boceto a lápiz, inmediatamente con un pincel de acuarela. Carbón, un pincel y un lápiz lo obedecieron implícitamente. Por lo tanto, pintó niños que nunca posaron para él con tanta confianza como representaba a los adultos durante meses, agotándolos con largas sesiones de poses.

Solo cinco años después de la admisión, Serov deja la Academia, sintiéndose un maestro listo. Toda su vida futura, su constante superación creativa se lleva a cabo de acuerdo con un horario libre en el trabajo continuo.

En 1885, Serov pintó la pintura "Bueyes" (Galería Estatal Tretyakov, Moscú), un año después, la pintura "Noche de otoño en Domotkanovo" (Galería Estatal Tretyakov, Moscú) e "Invierno en Abramtsevo". Iglesia ”(Galería Estatal Tretyakov, Moscú). La formación del estilo de pintura de Valentin Serov tuvo lugar bajo la influencia de dos pintores venerables: Repin y Chistyakov, y sus escuelas de arte.

Sin embargo, ya a los veinte años, el artista no tenía nada en común con el estilo y la técnica de escritura con ninguno de los maestros, ya que desarrolló su propia y única forma de actuación, que no puede confundirse con ninguna de las técnicas conocidas en el historia del Arte. Esto a pesar del hecho de que las pinturas de Serov son muy diversas en la ejecución.

El pintor nunca se detuvo cuando alguien encontró con éxito y una vez que resolvió el problema, como suele ser el caso con otros pintores. Todo el tiempo buscando nuevos enfoques, trató de elegir para cada trama particular la forma y técnica de expresión artística más apropiadas. A lo largo de todo el período de su trabajo. Serov buscó constantemente y encontró formas aún más precisas de expresar su actitud hacia el objeto, sin estar nunca satisfecho con las que ya usaba.

Innovador de bellas artes rusas

Serov es a menudo llamado el primer impresionista ruso, comparando su trabajo con pinturas de Renoir. Aunque, algunos historiadores del arte creen que el artista ruso estaba incluso por delante de su predecesor en la vivacidad de los colores, la elegancia de la transmisión de luz y la nobleza de los tonos.

Si Renoir a menudo usaba transiciones vagas y nebulosas en su trabajo, creando cierta subestimación, entonces Serov, por el contrario, por todos los medios disponibles para él, demostraba transparencia y profundidad de fondo y un brillante triunfo de la vida en él. En las obras del artista, a menudo puedes ver un extraño cambio de luces y sombras, un desbordamiento inimitable de tonos claros y un juego con reflejos.

Incluso en sus retratos clásicos oscuros, Serov pudo introducir un acento ligero de tal manera que enfatizó y enfatizó la personalidad de la persona representada. Valentin Aleksandrovich prescribió incluso pequeños detalles y objetos con gran fiabilidad, consolidando su fama como un artista muy meticuloso que otorga importancia a cada elemento.

Es de destacar que el artista pintó sus lienzos con las mejores tradiciones del impresionismo mucho antes de que pudiera ver las pinturas de representantes de esta dirección, nacidos en Francia y viajando por Europa a Rusia solo dos décadas después.

Un genio tan sensible, como Serov, con todas sus ideas innovadoras, comenzó a trabajar de una manera completamente nueva e inusual para nuestra escuela de pintura, llamada el nuevo realismo. Podemos juzgar la impresión de que la primera muestra de las obras del joven Valentin Serov realizadas en público, según la grabación realizada en la monografía por Igor Grabar, quien escribió: "La antítesis" verdad de la vida y verdad del arte "puede ser simbolizado en los siguientes nombres: Manet y Courbet en Francia, Aable y Menzel en Alemania, Serov y Repin en Rusia. Recuerdo la primera vez que sentí el significado completo de esta antítesis. Fue en 1888. Para nosotros, los adolescentes de entonces, los días de apertura de las dos únicas exhibiciones de Moscú de esa época, la Periódica y la Móvil, fueron una verdadera fiesta, los días más felices del año… La exhibición fue extremadamente significativa. Ahora está claro que esto no sucedió ni antes ni después… estaba destinada a desempeñar un papel muy importante en la historia de nuestra última pintura… Lo más significativo de todo fue… dos lienzos para entonces desconocidos para Serov, dos de esas perlas, que si fuera necesario nombrar solo cinco de las pinturas más perfectas en toda la pintura rusa más nueva, entonces inevitablemente ambas deberían ser incluidas en esta lista… ".

La monografía trata de dos retratos que elevaron instantáneamente al pintor de veintidós años a una altura inalcanzable. Este trabajo es "Una niña con melocotones" (1887, Galería estatal Tretyakov, Moscú) y "Una niña iluminada por el sol" (1888, Galería estatal Tretyakov, Moscú). El primer lienzo causó sensación durante el período de realismo sombrío y el predominio aparente de los colores oscuros y apagados en la pintura. En este contexto, el impacto emocional de la pintura radiante de Serov, llena de luz solar, cuyos rayos atraviesan la habitación, con una suave transición de todo tipo de sombras, la fascinante calidez de los colores pastel, todo junto no era solo una palabra nueva., pero un nuevo soplo de viento de cambios en el arte ruso.

El propio pintor describió el trabajo en la pintura: “Todo lo que logré fue frescura, esa frescura especial que siempre sientes en especie y que no puedes ver en las pinturas. Escribí durante más de un mes y la atormenté, pobre, hasta la muerte, realmente quería preservar la frescura de la pintura cuando estaba completamente terminada, como viejos maestros… ".

El lienzo representa a un niño específico: Verusha Mamontova, pero el trabajo en sí era mucho más composición que un retrato de una persona en particular que su nombre general: "Chica con melocotones" se hizo famoso. El trabajo es como tejido de la luz solar y la alegría, llenando la habitación hasta el borde, envolviendo todos los objetos con un halo brillante. Rayos de luz se deslizan a lo largo de las paredes, caen sobre un mantel blanco, juegan en los hombros y las mangas del vestido rosa de la niña, penetrando a través de la tela delgada, el cálido "conejito" descansa sobre la piel oscura de las mejillas. Parece como si el aire de la habitación estuviera sonando y transparente, lleno del delicado olor a melocotones y chispeantes chispas de oro.

La pintura está pintada con colores tan llenos de luz que transmiten la realidad con una precisión única que la armonía de la verdadera vitalidad se superpone a la indudable belleza de esta obra y respira literalmente en cada tema representado. Los ojos oscuros de Verusha brillan con espontaneidad infantil, detrás de los cuales también se adivina su inquietud, la niña apenas retiene una sonrisa, ya está impaciente por morder el durazno elegido, que sostiene con una mano bronceada increíblemente pintada. Toda la mirada de la niña, desde un mechón de cabello despeinado hasta una risa en sus ojos, está llena de energía incansable y le da una naturaleza viva y curiosa. Incluso después de más de cien años, la niña de doce años en la imagen continúa viviendo una vida sin preocupaciones.

Incluso los melocotones en la imagen son participantes en la acción. Se explican con una imaginación literalmente sorprendente. Su piel de terciopelo es casi físicamente palpable. Los respaldos de las sillas y el tablero pulido también están increíblemente perfilados. De una manera incomprensible, Serov logra transmitir la textura de las cosas desde el pulido brillante hasta el terciopelo mágico, absorbiendo suavemente la luz y armonizando armoniosamente con la misma piel aterciopelada de un niño. La Sociedad de Amantes del Arte de Moscú otorgó el premio al joven Valentin Serov por este trabajo.

Otro trabajo, "La niña iluminada por el sol" (retrato del primo de Serov, M. Ya. Simonovich), es otro lienzo solar, en el que el artista prestó especial atención a la transmisión del cautivador juego de luces y sombras. Una niña sentada bajo un árbol está envuelta en un patrón de follaje de encaje atravesado por el sol de una tranquila tarde de verano. Su rostro es tranquilo, toda su postura es femenina y relajada, como si estuviera en el reino del descanso y la paz. El desbordamiento calado del resplandor solar inunda la blusa y la piel de la heroína. Están escritos en trazos casi de mosaico, creando un contraste con la inesperadamente suave falda de terciopelo azul-violeta. Una vez más, el pintor pudo transmitir con increíble precisión el desbordamiento aterciopelado de la tela con varios trazos largos. El trabajo traza un ritmo de vida completamente diferente al de "Girl with Peaches", escrito un año antes. Estas dos obras parecen superponerse, como si fueran alegorías pictóricas: infancia y adolescencia, juego descuidado y contemplación soñadora. Mucho más tarde, en noviembre de 1911, justo antes de su muerte, Serov, junto con Igor Grabar, miró este lienzo en la Galería Tretyakov. "Estuvo frente a ella durante mucho tiempo", recuerda Grabar, "mirándola atentamente y sin decir una palabra. Luego agitó la mano y dijo, no tanto a mí como al espacio: "Escribí esto, y luego toda mi vida, no importa cuán hinchado, no salió nada, entonces todo estaba agotado". Grabar recuerda: - mirándola atentamente y sin decir una palabra. Luego agitó la mano y dijo, no tanto a mí como al espacio: "Escribí esto, y luego toda mi vida, no importa cuán hinchado, no salió nada, entonces todo estaba agotado". Grabar recuerda: - mirándola atentamente y sin decir una palabra. Luego agitó la mano y dijo, no tanto a mí como al espacio: "Escribí esto, y luego toda mi vida, no importa cuán hinchada, no salió nada, entonces todo estaba agotado".

Por supuesto, al decirlo, el pintor era demasiado crítico consigo mismo. Todos sus trabajos posteriores solo confirmaron su notable talento, que simplemente buscaba constantemente nuevas formas de expresión, permitiendo a su propietario mostrarnos la realidad a través de nuevas formas de su percepción única.

Vida personal y pública del maestro.

En una carta de Venecia a la novia Olga Trubnikova, Serov en 1887 escribe sobre su fascinación con los "maestros del Renacimiento del siglo XVI": "Fue fácil para ellos vivir sin preocupaciones. Quiero ser así, sin preocupaciones; en este siglo escriben todo difícil, nada alentador. Quiero, quiero algo bueno y solo escribiré algo bueno. Dos años después, en enero de 1889, Olga Trubnikova y Valentin Serov se casaron en San Petersburgo. Después de 10 años, en 1999, el artista retrató a sus hijos Yuri y Sasha en la pintura "Niños" (Museo Ruso, San Petersburgo).

Serov fue un talentoso retratista. Sus primeros modelos fueron personas familiares y cercanas a él: escritores, artistas, artistas. A menudo pintaba retratos de sus amigos: Rimsky-Korsakov, Korovin, Repin, Levitan y Leskov.

Para cada nueva obra, el artista eligió un estilo especial, enfatizando la individualidad de sus personajes. Por ejemplo, al crear la pintura "Retrato de Konstantin Korovin" (1891, Galería Estatal Tretyakov, Moscú), el maestro representó a su amigo de una manera completamente "Korovin", usando grandes trazos libres y los colores inherentes a Korovin, enriqueciendo así al artista. características personales. La ropa para el hogar, una pose libre y todos los alrededores circundantes transmiten con mucha precisión el temperamento y la apariencia de Konstantin.

El Retrato de II Levitan (1893, Galería Estatal Tretyakov, Moscú) fue ejecutado de una manera completamente diferente. Para él, Serov encuentra otros medios gráficos, un color diferente y más moderado. La aristocrática frente alta y la mano elegante se destacan en el lienzo con dos puntos de luz, todo lo demás se absorbe en el tranquilo crepúsculo parduzco. No hay un solo objeto en la imagen, al menos insinuando el tipo de actividad de la persona retratada, aunque Levitan posó en su taller. Para Serov, era mucho más importante transmitir el carácter de su amigo, su romance, melancolía, tristeza constante, consideración y poesía.

Valentin Serov llevó una vida pública activa. Desde 1894, comenzó a participar en la Asociación de exposiciones itinerantes de arte. Tres años más tarde, en 1897, comenzó a enseñar en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú. Entre sus alumnos se encontraban artistas como Pavel Kuznetsov, Nikolai Ulyanov, Nikolai Sapunov, Martiros Saryan y Kuzma Petrov-Vodkin.

Los intereses del artista no se limitaban a animales y retratos de amigos, como dijo el propio Serov: "Todavía soy un pequeño pintor de paisajes". Sus paisajes son sorprendentemente lacónicos y sin pretensiones, lo que no les impide transmitir increíblemente sutilmente el estado de ánimo de la naturaleza circundante. Además, el artista tenía un talento perfectamente desarrollado para elegir rincones increíbles para sus paisajes.

Al pintor le gustaba trabajar principalmente en la imagen de la aldea rusa. Sobre todo le gustó la franja central de Rusia, que describió bella y sutilmente en las pinturas "Mujer en un carro" (1896, Museo Estatal Ruso, San Petersburgo), "Octubre" (1895, Galería Estatal Tretyakov, Moscú), "Invierno" (1898, Museo Estatal Ruso, San Petersburgo), "Gárgaras" (1891, paradero desconocido), "Mujer con un caballo" (1898, Galería estatal Tretyakov, Moscú) y "Striguni en un lugar de riego" (1904, Galería Estatal Tretyakov, Moscú).

A principios del siglo XX, es decir, de 1900 a 1904, el artista fue miembro de la asociación "World of Art". Durante este período, Serov se dejó llevar por la imagen del reformador del zar Pedro I, a quien dedicó varios de sus hermosos lienzos. En este momento, el pintor comienza a estar muy interesado en los procesos políticos que tienen lugar en su tierra natal. Quizás esto es precisamente lo que causó interés en la figura de Peter, que vivió, como el propio Serov en la era del cambio.

El trabajo del artista "Peter I en la caza del perro" (1903, Museo Estatal Ruso, San Petersburgo) es muy revelador. Según la trama de la imagen, el joven rey decide dar una lección a los nobles que se jactaban de su éxito en la caza de perros. Peter decide demostrar a los orgullosos que su suerte depende completamente de la habilidad de los sabuesos. El rey organiza una caza en la que no hay una sola perrera, lo que obliga a los boyardos a hacer frente a la manada. Naturalmente, hay un completo caos, solo por diversión de Peter. Muchos cazadores venerables se caen de sus caballos y no pueden controlar a los perros. En este trabajo, Serov logró transmitir de manera inusual el sabor del invierno ruso y el estado de ánimo de todos los participantes en la escena.

Otra pintura del artista, escrita un poco más tarde, en 1907, "Peter I" (Galería Estatal Tretyakov, Moscú), está dedicada al Gran Reformador ruso. Aquí vemos al mismo tiempo una escena muy patética y muy dinámica, llena del espíritu de las rápidas transformaciones de esa época heroica. Peter I avanza rápidamente para encontrarse con el viento, prácticamente soplando su séquito. La imagen está diseñada para enfatizar la grandeza, la fuerza y ​​la determinación del soberano.

Serov logró ser académico, habiendo sido elegido en 1903 miembro de pleno derecho de la Academia de las Artes. Pero esto no duró mucho. Dos años después, el artista abandonará el estatus honorario en protesta contra la ejecución en masa el 9 de enero de 1905.

El pintor también participó en la organización de la publicación satírica "Zhupel", dibujando para él dibujos animados de orientación política. Además, durante unos quince años, Veerov creó ilustraciones de animales para las fábulas de Krylov. Fueron estos dibujos los que se convirtieron en la creación favorita del artista; los repitió muchas veces, buscando con especial cuidado los rasgos y emociones necesarios. Ya en sus años maduros, Serov creó una serie de obras maestras del neoclasicismo y el modernismo ruso en pintura y gráficos, demostrando una vez más su versatilidad y la búsqueda constante del estilo y la forma de pintar.

En 1907, el maestro visitó Grecia, que le causó una impresión indeleble con sus esculturas y monumentos. Serov creó varias pinturas de paneles decorativos dedicados al tema antiguo: "Odiseo y Navzikaya" (existe en varias versiones) y la leyenda poética sobre "El rapto de Europa" (ambas obras de 1910, Galería Estatal Tretyakov, Moscú). El toro Zeus representado en la última imagen es sorprendentemente animado, con una mirada completamente significativa, mientras que la cara de la niña, por el contrario, es como una máscara antigua, alegóricamente congelada y sin emociones.

Como muchos artistas de la época, Serov colaboró ​​con teatros. Su cortina para el ballet "Scheherazade", una verdadera obra maestra de bellas artes, creada en 1911, fue un éxito rotundo en Londres y París.

El mejor retratista de Rusia.

La gloria de un talentoso retratista se convirtió para Serov en una verdadera esclavitud y una maldición. Después de 1895, las órdenes de retratos de la nobleza burguesa y aristocrática se derramaron sin cesar sobre el artista. A pesar de la enorme laboriosidad, el pintor soñaba con dibujar personas no seculares, sino animales, por lo que trabajó con gran entusiasmo en la creación de ilustraciones para fábulas. Pero, junto con el crecimiento de la habilidad del artista, su fama del mejor retratista de Rusia creció constantemente.

El retrato de SM Botkin (1899, Museo Estatal Ruso, San Petersburgo) habla del pronunciado talento de Serov como artista-psicólogo. El pintor no pudo resistirse a hacer una pequeña cantidad de ironía en los retratos seculares. La elegante Sofya Botkina con un lujoso vestido dorado bordado con flores artificiales se encuentra en un sofá tapizado en seda azul, adornos florales ricamente tejidos. El artista estaba molesto por este lujoso lujo del interior, la excesiva abundancia de oro y la propia dama, a quien llamó la "amante aburrida". La obra, llena de sutil ironía, inmediatamente después de la publicación, fue denominada la "dama en el sofá en el desierto".

De hecho, el artista ha desdibujado tanto el fondo de la imagen que parece extenderse mucho más profundo, como más allá del horizonte. Pero esto no es lo más interesante en el retrato, contra todas las leyes de composición, Serov desplazó a la "amante" posando desde el centro hacia la derecha, y estrictamente en el centro del lienzo plantó un pequeño galgo italiano, escrito con casi más cuidado y amor que su elegante y lujosa amante. El artista estaba seguro de que la presencia de animales agrega naturalidad a las posturas tensas y elaboradas de las personas.

El ejemplo más sorprendente de lo anterior es el "Retrato del Gran Duque Pavel Alexandrovich" (1897, Galería Estatal Tretyakov, Moscú). En él, el príncipe mismo está representado en un tiempo antinatural, como una pose congelada, mientras que su caballo, sensible, vivo y con ojos inteligentes, le da al lienzo dinámica y naturalidad. Para este retrato ceremonial, que fue uno de los primeros retratos de este tipo en la carrera del artista, Serov recibió la medalla de oro del Gran Premio en la exposición mundial en París en 1900.

La imagen en retratos de animales se convirtió en una especie de salida para el artista. Entonces, en "Retrato del conde FF Sumarokov-Elston con un perro" (1903, Museo Estatal Ruso, San Petersburgo), el pintor mismo insistió en la presencia en el lienzo de su amado perro, un joven conde, que, al final, se ve casi más significativo su noble dueño. La misma historia con un magnífico caballo blanco en el "Retrato del Príncipe FF Yusupov" (1903, Museo Estatal Ruso, San Petersburgo).

Según los contemporáneos de Serov, es su pincel el que posee el mejor retrato del último zar ruso.La pintura "Retrato del emperador Nicolás II" (1900, Galería Estatal Tretyakov, Moscú) no fue fácil para el artista, que era el menos adecuado para el papel de pintor de la corte, de acuerdo con sus aspiraciones creativas y disposición espiritual. El pintor ya era famoso, tenía una gran cantidad de órdenes, que a menudo rechazaba debido a la imposibilidad física de hacer todo.

Por supuesto, Serov no quería pintar un retrato del gobernante del poder, pero tampoco podía rechazar al emperador. El retrato no funcionó durante mucho tiempo. Sobre todo, la emperatriz molestó a la pintora, quien constantemente intervino en el proceso creativo con su consejo. Como resultado, Serov no pudo soportarlo y le dio el pincel con la paleta en las manos, ofreciéndole terminar el retrato ella misma, ya que es muy buena pintando. Nunca siendo arrogante Nikolai, se disculpó con el artista por la falta de tacto de su esposa. Pero el retrato aún eludía el ojo agudo del maestro, la imagen del emperador transmitida por él se estaba desmoronando. Serov estaba extremadamente insatisfecho consigo mismo, no podía terminar la imagen fallida, esto habría lastimado demasiado su orgullo para el mejor retratista de Rusia. En el final,el artista tuvo que admitir ante el soberano que no podía continuar, ya que el retrato no tuvo éxito. El emperador Nicolás II, vestido con la chaqueta de un oficial del regimiento Preobrazhenski, reconciliado con la situación, se sentó a la mesa, doblado puso los brazos delante de él y miró al retratista con genuina tristeza. Serov necesitaba esta visión, que revelaba la esencia interna de la personalidad del emperador, que caracterizaba perfectamente su delicadeza y vulnerabilidad.revelando la esencia interna de la personalidad del emperador, caracterizando perfectamente su delicadeza y vulnerabilidad, que Serov necesitaba.revelando la esencia interna de la personalidad del emperador, caracterizando perfectamente su delicadeza y vulnerabilidad, que Serov necesitaba.

Después de muchos años, Konstantin Korovin hablará del lienzo así: "Serov fue el primero de los artistas que captó la suavidad, la inteligencia y, al mismo tiempo, la debilidad del emperador, y los capturó en el lienzo…" En su ejecución, el retrato es casi incompleto, pero cuidadosamente preciso y armonioso, completamente lírico y simple. Todos los contemporáneos observaron una sorprendente similitud del emperador. El artista fue capaz, con los ligeros movimientos del pincel, enfatizado por una ejecución simple y un esquema de color discreto, para concentrar la atención del espectador en los ojos del soberano, mostrando no al emperador, sino a un hombre simple, con sus ansiedades. preocupaciones y expectativas Gracias a este enfoque, el retrato resultó ser muy exitoso. Desafortunadamente, el lienzo original fue destruido en 1917,nos ha llegado una copia original.

A menudo, el artista escribió obras simbólicas. Como, por ejemplo, la pintura "Retrato de la actriz MN Ermolova" (1905, Galería Estatal Tretyakov, Moscú). El arquitecto Fedor Shekhtel, al ver el trabajo, dijo que: "¡Este es un monumento a Ermolova!" Y, de hecho, el lienzo es monumental, y la gran actriz se parece a una escultura antigua o incluso a una columna dirigida hacia arriba. La cabeza de Ermolova está escrita sobre el fondo de un espejo que refleja el techo, lo que crea la ilusión de la ascensión de la figura de la actriz, como una cariátide. La naturaleza monocromática y de cámara del retrato parece elevar a la heroína en un pedestal, al tiempo que enfatiza el sello de exclusividad y soledad de la persona creativa.

Al pintor le gustaba retratar artistas en sus papeles teatrales. Serov creó el maravilloso "Retrato de Francesco Tamagno" (1903, Galería Estatal Tretyakov, Moscú), donde el magnífico cantante es capturado en una boina teatral, y un reflejo simbólico de oro es visible en su garganta. El segundo ejemplo es el "Retrato de Chaliapin" (1905, Galería Estatal Tretyakov, Moscú), que fue famoso por el hecho de que en la vida casi nunca abandonó la imagen del escenario que se había vuelto familiar.

Pero el pico de la habilidad del artista fue "Retrato de Ida Rubinstein" (1910, Museo Estatal Ruso, San Petersburgo), representado en la imagen de Cleopatra. No fue por nada que el coreógrafo Mikhail Fokin consideró que la aparición de la bailarina era indispensable para los ballets de moda Scheherazade y Cleopatra en las famosas temporadas de Diaghilev. La idea era la sofisticación carismática de Art Nouveau, a la Beardsley, y la combinación perfecta con los gustos de esa época. Rubeinstein apareció en Cleopatra, apenas cubierta por una colcha casi transparente, que Lev Bakst inventó especialmente para ella.

La artista combinó brillantemente el arte y la vida en esta imagen, uniendo las imágenes teatrales de la heroína con su elegante apariencia oriental exótica. Cleopatra y Zobeida se unieron para siempre en la silueta de una bailarina, Oriente se fusionó con Egipto en la fina línea de ficción y realidad.

Pero una persona viva en esta fusión paradójica del "teatro de la vida" y la "verdad del arte" está indefensa en su desnudez. La "hermosa desnudez" mitológica de una heroína ficticia se transforma de repente en la desvergonzada "desvestirse" de una persona real específica, y esta fue precisamente la nota más penetrante del retrato.

Naturalmente, cuando el retrato fue presentado al público, estalló un terrible escándalo. "Mi pobre Ida Rubinstein… pobre, desnuda…", comentará el propio Serov, describiendo el escándalo cuando, a pesar de la creciente ola de indignación, el retrato fue adquirido por el Museo de Alejandro III.

La imagen está hecha en estilo Art Nouveau. Los contornos claramente definidos de un cuerpo frágil hacen que la figura parezca en relieve sobre un fondo completamente plano. Una bufanda verde brillante, casi retorcida en un paquete, fluye a lo largo de los elegantes tobillos de una bailarina, que se asemeja a una serpiente a la hora de la muerte. Este momento se teje como por casualidad en un retrato el tema de la muerte inminente. La mirada de la heroína está casi ausente, adiós, de otro mundo, detenida por el artista en ese momento casi esquivo, cuando el ángulo de rotación de la cabeza todavía te permite tocar. No hay duda de que esta es la última mirada ya condenada de la reina egipcia, que envía al mundo antes de convertirse para siempre en piedra.

Este lienzo literalmente sorprendió a Ilya Repin, como un trueno desde un cielo despejado: "… y, como Venus desde el fregadero, apareció" Ida Rubinstein "… Me pareció que el techo de nuestro pabellón resbaladizo cayó sobre yo y me aplastó contra el suelo; me quedé con la lengua pegada a la laringe… ", el artista describió sus impresiones. Naturalmente, la crítica secular sometió el trabajo a un despiadado aplauso:" mala imitación de Matisse "," decadentismo ", "fealdad". Pero, a pesar de todos los gritos violentos y críticos, Serov estaba muy orgulloso de su trabajo.

Cada vez, preparándose para crear un nuevo retrato, el pintor buscaba evitar cualquier repetición del ángulo, pose, entorno o gesto. Echó un vistazo al nuevo modelo, hizo bocetos, buscó la pose más expresiva para el héroe y el interior más adecuado para él.

Serov durante mucho tiempo eligió un escenario adecuado para un retrato de la esposa del anticuario Vladimir Girschman. La artista quería que el interior resaltara el brillo y la gracia de esta socialité, sin simplificar y menospreciar simultáneamente su brillante belleza. La maestra fue muy comprensiva y cálida con Henrietta Leopoldovna, considerándola "inteligente, educada, culta, modesta y sencilla, sin los modales de los advenedizos ricos y, además, muy bonita". La pintura "Retrato de LL Hirschman" (1907, Estado Tretyakov Gallery, Moscú) es una exquisita obra maestra semántica y pictórica de bellas artes.

La composición del trabajo es muy simple. La única figura llamativa en el lienzo es una joven lujosa con un estricto traje negro, que parecía haberse levantado del tocador y se volvió hacia el artista y el público. Tal vez quería examinarse en otro espejo, pero entre ella y la pared opuesta con otro espejo había una artista que detuvo este giro con su pincel y fijó la mirada suave pero exigente de la dama, volviéndolo hacia nosotros. La bella Henrietta Leopoldovna mira al espectador, como en un espejo, su mirada exigente como dirigida a aquellos que la mirarán a través de los siglos. Un estricto traje negro se actualiza solo con una pequeña boa blanca como la nieve, que una mujer endereza coquetamente con su delgado mango de lirio, tachonado de anillos.Una pose elegantemente curvada permite que la heroína se apoye con su segunda mano en el tocador. A diferencia de las lujosas personas de la sociedad, que no le gustaban al artista, aquí vemos a una mujer joven, austera pero hermosa, dotada de carácter y encanto.

Valentin Aleksandrovich creó en el lienzo un juego de espejos, una doble reflexión, que solo se nota desde el lado del pintor y se abre al espectador. Representó no solo la parte posterior de Henrietta Hirschman reflejada en el espejo, sino también su copia borrosa y pequeña visible en el espejo distante, cerrando así un círculo y mostrando al espectador en la reflexión lo que estaba más allá de los bordes del lienzo del retrato. Además, Serov por primera y última vez para toda su obra representa en el lienzo un diálogo abierto entre el modelo y el maestro. Se retrató a sí mismo reflejado en el borde mismo del espejo. Aunque la cara del artista está distorsionada por las facetas, claramente lee la tensión con la que está tratando de trabajar para esta mujer.

La característica imagen de rayos X de Serov asustó tanto a muchas personas seculares que tuvieron miedo de posar para él. El pintor siempre vio claramente y mostró imparcialmente en sus obras la esencia de la persona retratada, la base de su personalidad. Todos sabían que era "peligroso" posar para este artista, aunque Serov nunca engañó las expectativas de los clientes, creando retratos magníficos y muy realistas de los que podrían estar orgullosos.

El maestro mismo siempre ha reconocido que no está interesado en la apariencia de la persona posando, sino en su caracterización, que puede expresarse en lienzo. Las características reveladas por los artistas en sus héroes a menudo eran tan inesperadas para sus dueños que lo acusaron repetidamente de caricatura. El propio maestro comentó sobre esto: “¿Qué pasa si la caricatura se encuentra en el modelo en sí, de qué tengo la culpa? Solo miré, noté. "

Un ejemplo de una caricatura tan finamente pensada y realizada es el "Retrato de la princesa O. Orlova" (1911, Museo del estado ruso, San Petersburgo). Igor Grabar escribió sobre Olga Orlova: "No podía pararse, sentarse, hablar o caminar sin trucos especiales para enfatizar que no era solo una aristócrata ordinaria, sino… la primera dama en la corte". Según las críticas sobrevivientes de los contemporáneos., la princesa no se distinguía por su alta inteligencia, prácticamente no le interesaba el arte, pero era la fashionista más elegante de San Petersburgo, gastaba fortunas en los inodoros parisinos más lujosos. Numerosos Orlova consideraban a Serov, que estaba en la cima de la popularidad, digno de honor durante siglos para mantener la apariencia de esta leona secular de principios del siglo XX. Lo que hizo el artista, sin embargo, a su manera.

La pintora comenzó haciendo que la pose de la princesa fuera absurda, sentada en una baja otomana alta y delgada Orlova, de modo que sus afiladas rodillas sobresalieran hacia arriba y hacia adelante. El lujoso manto se deslizó ligeramente, revelando un elegante hombro blanco. La princesa parece jugar con un collar de perlas, y en este gesto ambiguo se muestra una mano, como si enfatizara el significado y la importancia de su propia persona. El centro compositivo de la imagen era el enorme sombrero negro de la heroína, que claramente es demasiado. Parece golpear a la modelo, bajándola aún más compositivamente.

El pretexto para esta situación era la situación, como si la princesa se hubiera sentado un momento anticipándose a su tripulación, ya se había reunido por completo para la salida. La cara de Orlova expresa la habitual frustración nerviosa causada por la necesidad de esperar. Sus cejas altas se levantan perplejamente, y su barbilla se levanta arrogantemente. Orlova mantiene una postura elaborada, incluso estando sola en expectativa, su arrogancia desafiante es casi vulgar, pero el retratista enfatiza deliberadamente el manierismo y la antinaturalidad de una exquisita socialité.

Detrás de la princesa hay un gran jarrón, casi copiando la silueta de la modelo. Representando en la pared una sombra proyectada por un jarrón, Serov lo distorsiona deliberadamente, en contra de la precisión fotográfica de su ojo. Los contornos de la sombra recuerdan más a la heroína del lienzo con su enorme sombrero. Entonces, el artista insinuó sutilmente que la princesa está tan vacía como el jarrón detrás de ella. No es sorprendente que la princesa misma y sus admiradores estuvieran decepcionados con el retrato, aunque el pintor describió con mucho cuidado los pliegues de tela de un vestido caro, y el reflujo de pieles lujosas y la elegante decoración alrededor de la heroína.

Serov fue acusado de subjetividad a Orlova y de que no utilizó las cualidades más ventajosas de la heroína: su elegancia y alto crecimiento. Sin embargo, esta imagen demostró una vez más la sensibilidad y la visión del artista. El cliente, sin arrepentimiento, presentó el retrato al Museo de Alejandro III (Museo Estatal Ruso de San Petersburgo), expresando la única condición de que no se lo exhibiera en el mismo salón que el retrato del desnudo Ida Rubinstein.

Un amigo del artista Vladimir Dmitrievich von Derviz escribió en sus memorias sobre él: "Valentin Alexandrovich se distinguió por su franqueza y simplicidad absolutamente excepcionales, a pesar de su carácter aparentemente bastante apacible, sabía cómo defender sus puntos de vista y nunca comprometió sus convicciones".

Epílogo

El gran pintor murió inesperadamente, en la mañana del 22 de noviembre de 1911, camino a la casa de los Shcherbatovs, donde estaba programada una sesión de retratos para él. La causa de la muerte prematura de Serov fue un ataque de angina. Habiendo vivido solo cuarenta y seis años, hasta treinta de ellos, Valentin Serov tejió con confianza y entusiasmo los trazos dorados de sus impresionantes obras maestras solares en el lienzo de la Edad de Plata rusa. Al estar en la flor de la vida, el artista trabajó mucho. Adorando el talento del pintor, el poeta Valery Bryusov escribió: “Serov era realista en el mejor sentido de la palabra. Vio con precisión la verdad secreta de la vida, sus obras revelaron la esencia misma de esos fenómenos que otros ojos ni siquiera podían ver. "

Zhuravleva Tatyana