Harmenszoon Van Rijn Rembrandt (1606-1669) Traductor traducir

El futuro gran artista Rembrandt nació el 15 de julio de 1606 en la fértil era de la prosperidad de todas las áreas de la cultura espiritual en Holanda. Este es el momento en que la literatura nacional, la arquitectura, la pintura y el teatro se desarrollaron especialmente rápidamente. Pero ninguna de las áreas del arte, en esta "edad de oro", ha creado tantos valores culturales reconocidos a nivel mundial como la pintura.

El arte visual de Holanda maduró durante los años de la revolución, la lucha de liberación y el surgimiento posrevolucionario. Obviamente, esta es la razón por la cual la pintura nacional tiene un carácter democrático tan pronunciado. Los artistas holandeses, ya en el siglo XVII, tuvieron una rara oportunidad de expresar abiertamente sus ideas y actitudes ante la realidad circundante. Sus obras se distinguen por un realismo audaz en relación con la imagen del hombre y su vida.

Todo el trabajo de Rembrandt está saturado con la más alta encarnación del realismo holandés, que estaba inusualmente cerca del alma del propio artista. Sus obras son sorprendentes en la amplitud de la cobertura temática, que es muy rara en la historia del arte mundial.

Primeros años

Anteriormente, la infancia de Rembrandt transcurrió en la ciudad de Leiden (Países Bajos), donde su padre tenía un molino a orillas de uno de los afluentes del Rin. El prefijo "Van Rhine" en sí es el apodo genérico del pintor, que literalmente significa "que es del Rin".

Después de graduarse del gimnasio latino, en 1620, el niño pasó aproximadamente un año en la Universidad de Leiden. Fue allí donde aparecieron por primera vez sus habilidades de dibujo. El joven artista comenzó a estudiar con el pintor local Jacob van Swannenbürch. Pero pronto se mudó a Amsterdam, donde encontró un maestro más eminente, Peter Lastman (1583-1633). El nuevo mentor de Rembrandt era un representante de un grupo de artistas holandeses que se dedicaban exclusivamente a retratar temas antiguos y bíblicos.

Las pinturas históricas de Lastman cautivaron al público con coloridos detalles de puestas en escena de la vida de los pueblos antiguos. Su estilo individual era la imagen de emociones fuertes en los rostros de los personajes. Debido a esto, a pesar de la indudable habilidad de ejecución y la capacidad de crear detalles realistas, todas sus pinturas se distinguen por eventos reales y teatrales incluso exagerados. Sin embargo, muchos de los rasgos característicos de la pintura de Lastman influyeron significativamente en el desarrollo del estilo de Rembrandt, a pesar de que solo pasó unos seis meses en su taller.

A la edad de diecinueve años, Rembrandt regresó a su Leiden natal. Aquí comienza a practicar el arte de pintar él mismo. Todas las pinturas del período "Leiden" son ordenadas, con transiciones nítidas de color y luz y un estilo de escritura seco ligeramente estricto, lo que le da a un artista principiante sin experiencia.

Desde el principio, Rembrandt se sintió atraído por el género del retrato. Había pocas órdenes, por lo que el artista practicó incansablemente sobre sí mismo, sus familiares y seres queridos. En este momento, escribe muchos autorretratos, retratándose a sí mismo con varias expresiones faciales: avergonzado, sonriente, riendo, molesto. Entonces Rembrandt comenzó a mejorar su capacidad de transferencia realista de los estados psicológicos de sus héroes. Casi todos los autorretratos tempranos son superficiales, e incluso groseros, debido a la juventud e inexperiencia del artista.

Pero, los primeros experimentos del pintor en el campo de los gráficos impresos, también relacionados con el período de Leiden, son mucho más interesantes. No se conservan datos sobre quién Rembrandt estudió el arte del grabado. Sin embargo, sus primeros grabados ya se distinguen por un gran dominio de la ejecución, así como una profunda comprensión del dibujo.

A juzgar por los grabados de Rembrandt, prefirió elegir personajes para sus obras desde el fondo de la sociedad holandesa. Sus grabados dedicados a los pobres, lisiados y vagabundos eran tan hábiles que llamaron la atención del público sobre su trabajo. Rembrandt tenía más órdenes, los estudiantes comenzaron a acercarse a él, el artista comenzó a predecir un gran futuro.

Al principio, el pintor firmó sus obras con un monograma de su propia obra "RHL": Rembrand Harmen (nombre del padre) Leiden (ciudad natal). Sin embargo, después de mudarse a Amsterdam en 1631, comenzó a firmar con el mismo nombre, como los grandes maestros Raphael y Titsiau.

Después de mudarse a Amsterdam, el pintor comenzó uno de los períodos más exitosos en su trabajo y vida. Casi de inmediato, recibió una orden muy rentable del gremio de cirujanos. En enero de 1632, Rembrandt asistió a una conferencia del destacado médico Nicholas Peters, durante la cual el público presenció la autopsia del ladrón. Los médicos tenían derecho a abrir los cadáveres de los delincuentes condenados a muerte. Esto sucedió extremadamente raramente, por lo que siempre fue un evento real. Este momento fue capturado por el artista en su famosa pintura "La lección de anatomía del Dr. Nicholas Tulp" (1632, Mauritshuis, La Haya).

En el proceso de creación de este trabajo, el autor actúa como un psicólogo profundo que logró notar y transmitir sutilmente una imagen compleja de las relaciones personales. Un grupo de estudiantes, jóvenes cirujanos, en el lienzo está vestido con trajes de fiesta. Para Holanda, una variación del retrato que representa a un hombre en su trabajo favorito era muy común. Tal imagen requería el uso generalizado de artículos para el hogar: la inclusión en la trama de los elementos circundantes que caracterizan la vida del retrato. La tarea más difícil para el artista era mantener el predominio de la imagen del retrato sobre la cotidiana, Rembrandt hizo frente a esta tarea de manera brillante.

En los puntos de vista de los personajes de la imagen, admiración por la conferencia, que demostró un conocimiento sorprendentemente profundo del profesor. Los cirujanos que llegaron estaban tensos, comparando la anatomía de una mano abierta con lo que se representa en un gran libro que yace a sus pies. En este contexto, el médico mismo se ve muy reservado. Como corresponde a un verdadero profesional, el médico no experimenta ningún miedo, ni timidez, ni vergüenza. El Dr. Tulp es confiado, tranquilo, sin miedo a la realidad. Incluso el sirviente del médico, tomando una capa de un cirujano visitante en el fondo de la imagen, no tiene miedo de la vista.

La pintura ayudó a Rembrandt a obtener el reconocimiento del público de Amsterdam. Comenzó a recibir muchas órdenes de retratos de caballeros nobles, a quienes había creado más de cincuenta en los primeros dos años. La popularidad del artista creció junto con su bienestar.

Rembrandt fue un coleccionista apasionado. Gastó la mayor parte del dinero ganado en la compra de obras de arte, trajes antiguos y antigüedades. Durante el inventario de su propiedad, entre las obras de su extensa colección se encontraban pinturas de Rubens, Raphael, Albrecht Dürer, Van Dyck, Peter Brueghel y otros maestros.

Éxito y felicidad personal.

En solo dos años de su vida en Amsterdam, Rembrandt se va a casar. La esposa del pintor era hija de los ricos patricios Saskia van Eilenborch. El artista apreciaba mucho a su esposa y a menudo creaba sus retratos de varias maneras: con el traje habitual de un burgués holandés, o con ropas que la transformaron en la heroína de la mitología bíblica o antigua.

En 1634, Rembrandt pintó su pintura Flora (Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo), en la que Saskia aparece como la diosa de toda la flora de Flora. La mujer está embarazada, su cabeza está decorada con una corona de flores en la que los tulipanes son claramente visibles, lo que indica su origen holandés. Saskia, con una ramita en sus manos, se parece a una princesa de cuento de hadas que camina en el bosque. Es sorprendente cuán hábilmente fue pintada la tela de su ropa, provocando un deseo de tocar el lienzo para sentir la ternura del satén. La imagen, a pesar de la paleta fría, deja una impresión sorprendentemente cálida. La imagen de la joven Saskia es muy conmovedora y muy diferente de la mujer regia, a quien aparece ante nosotros en una imagen pintada un año después.

La obra "Sofonisba toma la copa del veneno" (1634, Museo del Prado, Madrid) fue una de las primeras pinturas sobre un tema histórico. La mujer de la foto es muy similar a Saskia. La trama de la imagen habla de Sofonisbe, hija del comandante cartaginés, que vivió durante la feroz guerra entre Roma y Cartago. Su padre la hace pasar por el Rey Sifax, quien fue asesinado en la batalla con Masiniss, quien, a su vez, quería tomar a la reina como su esposa. Pero, los romanos prohíben este matrimonio, y luego Masinis envía un cuenco de veneno Sofonisbe, bebido por la reina sin dudarlo.

El lienzo "Autorretrato con Saskia de rodillas" (1635-1636, Picture Gallery, Dresden) nos muestra al artista y su esposa, brillando de felicidad. Rembrandt en la imagen del novio, vestido con un elegante traje, sostiene a Saskia en su regazo, también vestida con un vestido viejo, comprado por el artista a un anticuario. El artista irradia diversión transmitida al espectador. Con una mano sostiene suavemente al compañero por la cintura, con la otra levanta un vaso lujoso, como si ofreciera al espectador una bebida para la felicidad de su familia, compartiendo las vacaciones de su alma. En todo el trabajo se puede sentir la ternura y el amor del pintor por su esposa.

Religion y Mitologia

A comienzos de los siglos XVI y XVII, Rembrandt estaba fascinado por la pintura histórica, que, según las tradiciones de la época, incluía historias mitológicas de la antigüedad, así como temas bíblicos. A pesar del hecho de que en muchas de las obras del pintor se traza claramente la influencia de su maestro Lastman, sus lienzos se destacaron significativamente en el contexto general de la floreciente pintura holandesa.

El hecho es que Rembrandt logró magníficamente una interpretación profundamente individual de cada imagen. A pesar de la similitud de color, técnicas de composición y vestuario de sus héroes con las pinturas de Lastman, el artista logró desarrollar su propio estilo único, basado en el deseo de transmitir los verdaderos sentimientos de la persona como podrían ser en realidad. Permaneciendo en el marco de los temas mitológicos y bíblicos tradicionales, las pinturas de Rembandt carecen de exageraciones y teatralidades.

En los lienzos de la serie histórica, el talento de Rembrandt, el narrador, su deseo de mostrar la inconsistencia y la dualidad de la naturaleza humana, en la que, según el maestro, son los motivos de cualquier acto, se revela inusualmente vívidamente.

La filosofía de Pascal hizo una gran influencia en el trabajo del pintor, quien creía que "una persona: algo hermoso, preservar la verdad en sí mismo, por un lado, es un recipiente de incertidumbre y errores eso se contradice a sí mismo ".

La pintura "Descendimiento de la cruz" (1634, Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo) fue una de una serie de pinturas sobre el tema de los pasajes de Cristo encargadas por el Príncipe Frederick Hendrick de Orange of Rembrandt. En el lienzo vemos cómo por la noche parientes y parientes se quitan el cuerpo del Jesús crucificado de la cruz. Un poderoso juego de claroscuro crea un efecto dramático muy fuerte. Los rostros de los personajes son excitados y pálidos. La única fuente de luz arranca del crepúsculo la figura del Cristo atormentado. El origen de la luz no está claro: proviene de algún lugar de arriba o proviene del mismo Señor. La Virgen María es representada como una mujer simple. El rostro de la Madre de Dios también está iluminado. Su figura se encuentra a la derecha, a cada lado de ella hay personas que ayudan a Mary a mantenerse de pie, su condición habla del dolor más profundo. Una tela lujosa se extiende sobre la tierra, sobre la cual se coloca el cuerpo de Cristo.

Rembrandt retrató intencionalmente a todos los participantes en esta acción como personas simples, para enfatizar que la muerte del Hijo de Dios es un dolor universal. Esta pintura, una de las cinco encargadas por el príncipe, el artista repitió más tarde, pero a mayor escala.

El tema del asesinato y resurrección de Cristo continúa en el lienzo "La incredulidad de Santo Tomás" (1634, Museo de Bellas Artes A. Pushkin, Moscú). Aquí hay un episodio donde Jesús resucitado aparece a los apóstoles y muestra heridas. Los discípulos de Cristo cuentan el milagro de Tomás, quien, incrédulo, declara: "Si no veo las heridas de las uñas en mis manos y me meto el dedo en las heridas de las uñas, y no pongo las manos". en sus costillas, no lo creeré ". Unos días más tarde, Jesús nuevamente aparece a los apóstoles, con quienes estaba Tomás. Cristo se acercó a él y le ofreció cumplir lo que Thomas exigía como prueba: meter los dedos en las heridas. El asustado Thomas cumple el pedido y reconoce al Señor con vergüenza.

La imagen está pintada en colores oscuros, y solo la parte central de la composición está iluminada por la luz brillante emitida por la figura de Jesús. El juego inusual de luces y sombras inherentes a los lienzos del maestro transmite la dinámica interna del episodio, su emocionante personaje.

La siguiente obra, dedicada a la trama bíblica, fue la pintura "Belshazzar’s Pier" (1635, National Gallery, Londres). La imagen muestra una historia clásica relacionada con el gobierno y la muerte de Belsasar, el último rey de Babilonia, culpable de la caída de Babilonia (según el Libro del Profeta Daniel).

Cuando Babilonia fue asediada, mantuvo una cantidad suficiente de existencias de alimentos, con lo que los residentes no podían preocuparse por la comida durante mucho tiempo. Pero el rey de Babilonia, Belsasar, inesperadamente, decide organizar una fiesta de lujo en una ocasión completamente insignificante, invitándolo a casi mil nobles y cortesanos. La imagen es la culminación de la historia, cuando en medio de una fiesta a espaldas del rey aparece una mano que escribe ciertas palabras. El rey, cuya figura se encuentra en el centro de la composición y ocupa casi todo su espacio, se da vuelta para comprender lo que está sucediendo. A su derecha, cuando el vino de un vaso precioso se inclina sobre sí mismo, una de las damas festejando se agachó con miedo.

Según el Evangelio, los sabios de la corte del rey Belsasar no podían leer la inscripción mágica. Entonces el gobernante babilónico invita al profeta Daniel, quien descifró las cartas. El texto en la pared del palacio decía: “Dios ha calculado tu reino y le ha puesto fin. Te pesan y tu peso no es grande. Su reino está dividido y dado a los persas y a los medos. Según el relato bíblico, esa noche, el rey del caldeo Belsasar fue asesinado.

La pintura "El sacrificio de Abraham" (1635, Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo), continuó una serie de tramas del libro sagrado. El lienzo está envuelto en el crepúsculo, solo la luz saca tres fragmentos: el cuerpo del joven Isaac con las manos atadas a la espalda, esperando doblarse, un golpe fatal; el rostro de Abraham, pálido por el dolor y el horror, al darse cuenta de que estaba a punto de matar a su propio hijo a instancias de Dios; y la figura de un ángel, como estallando en una composición de nubes, para salvar a los héroes del horror que está sucediendo.

A lo largo de su trabajo, a imagen de una persona, Rembrandt se sintió atraído por sentimientos espectaculares de miedo, dolor, un estado de alegría, dolor, resentimiento, sorpresa: todo lo que es visible a simple vista, y no las experiencias internas ocultas. en el fondo

Esto es especialmente notable en grandes obras de múltiples figuras, como, por ejemplo, la pintura "Blinding Samson" (1636, Shtedelevsky Art Institute, Frankfurt). El lienzo se basa en uno de los episodios dramáticos de leyendas bíblicas.

El poderoso Sansón cae en manos de los enemigos, debido a la traición de su amada, la bella y traicionera Dalila, que traicionó a Sansón por una recompensa. Los atacantes lo ciegan y le clavan dagas en los ojos. El cuerpo heroico de Sansón, resaltado por una luz brillante y brillante, estaba doblado por el dolor. La composición dinámica de la obra está saturada de contrastes de color de oscuridad y luz brillante emitida por la figura de un hombre fuerte, creando una sensación de ansiedad y horror. Alrededor de todo mezclado en una lucha feroz, y en el fondo se ve a Delilah corriendo rápidamente.

Según estudios recientes, otra pintura del maestro, Danae, está estrechamente relacionada con la pintura "Blind Samson". El análisis de los lienzos mostró una estructura absolutamente idéntica, tal vez ambos fueron cortados de una sola pieza. Las obras están conectadas no solo con la base y el tamaño, sino también con la construcción compositiva, lo que le da a las obras una monumentalidad debido al hecho de que las figuras en ellas están representadas en pleno crecimiento. También hay una versión de que el artista regaló ambas obras a Konstantin Heitens, Secretario del Príncipe Frederick Hendrick, gracias a quien Rembrandt tuvo muchas órdenes.

Esta conjetura también es confirmada por las cartas del artista en las que le informa a Hatens que completó dos pinturas que, como muestra de gratitud, me gustaría presentarle. Su trama no está indicada, pero lo más probable es que el autor tuviera en cuenta estos trabajos.

Estos estudios exhaustivos del lienzo "Danae" (1636, el Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo) no son accidentales, esta pintura se ha convertido en una de las mejores creaciones del maestro, y además de esto, también un himno a su amor por Saskia. Rembrandt fechó el lienzo en 1636, pero los expertos en su trabajo atribuyen el trabajo a un período posterior. Esto se debe al hecho de que para el período inicial de la obra del maestro, la fuerza y ​​la profundidad con la que se escribió esta obra aún no eran características. Se llevaron a cabo estudios exhaustivos de rayos X en los laboratorios del Museo Estatal del Hermitage que disiparon todas las dudas: el lienzo fue escrito en la década de 1630, sin embargo, en las siguientes décadas fue objeto de una importante autoría.

La composición del lienzo se basa en la trama de un antiguo mito griego. El rey de Argos, padre de Danai, encarceló a su hija en una torre. Pero el dios supremo Zeus, enamorado de Danae, la penetró, asumiendo la apariencia de una lluvia dorada. Con un sentido mixto de timidez y alegría (la dualidad de la naturaleza humana), Danae busca encontrar el resplandor dorado. Rembrandt no representaba el cuerpo femenino perfecto en la imagen, como era habitual entre otros artistas. Su Danae está lejos de los ideales de belleza perfecta, pero preste atención a su rostro, cuánta esperanza, inspiración, él está lleno de amor y fe. Su pose es inusualmente femenina, y sus gestos están llenos de asombro.

Continuando con el tema de las discusiones activas sobre la imagen, debe tenerse en cuenta que en la persona de Danai hay poca similitud con la conocida apariencia de Saskia. La fluoroscopia realizada resolvió este enigma. El hecho es que el lienzo no estaba destinado a la venta, durante mucho tiempo se almacenó en el taller personal del artista, hasta su completa bancarrota, después de lo cual todas sus cosas fueron incautadas y vendidas.

Rembrandt regresó constantemente a su amado trabajo, reescribiéndolo de acuerdo con un nuevo nivel de visión pictórica profesional o dependiendo del estado mental y del estado de ánimo. Reescribiendo los rasgos faciales de Danai, le dio los rasgos característicos de Gertieu Dirks, la sirvienta que vivía en su casa después de la muerte de su esposa, o se parecía a Hendrikyo Stoffels. Como resultado, el rostro de la heroína es una combinación de características cercanas a las mujeres artistas. Pero la semejanza con Saskia, su primer amor, sin embargo, es mucho más clara.

El destino de la imagen no fue simple, y después de la muerte de Rembrandt. Después de la venta de la propiedad del artista, ella cambió a varios propietarios privados, hasta 1772, cuando fue comprada por Catalina II. Posteriormente, fue colocada en la sala del Hermitage del Estado, donde fue atacada por un maníaco en 1985, quien infligió dos golpes de cuchillo en el lienzo y lo roció con ácido. Afortunadamente, los restauradores aún guardaron la obra maestra, guardándola para la audiencia.

Durante el período inicial de su trabajo, Rembrandt prácticamente no prestó atención al paisaje. Solo después de años, bajo la fuerte opresión de las circunstancias de la vida, el artista volvió sus ojos a la naturaleza y la comodidad que puede brindar al hombre. Sin embargo, en 1638, el pintor crea una hermosa pintura "Paisaje con un puente de piedra" (Ricksmuseum, Amsterdam). El lienzo está lleno de la lucha de la luz y la sombra, la emotividad de la composición y la decisión colorista, y la dinámica general.

Como si se escurriera a través de espesas nubes, una corriente de luz solar brillante fluye hacia dos árboles representados en la parte central de la imagen. Todo lo demás: personas en el bote, que se apresuran a casa asustadas por el comienzo de una tormenta eléctrica, el puente sobre el río se hunde en el crepúsculo. En el único fragmento de la trama iluminada por el sol, son visibles los contornos de una valla vieja y desvencijada, hojas y una persona que pasa.

Maestro no reconocido

Lamentablemente, el tiempo de fama y prosperidad material para Rembrandt no duró mucho. El trabajo del gran maestro fue muy diferente del trabajo de los artistas holandeses de moda. Y como saben, es la moda la que dicta sus gustos a la burguesía, que en ese momento era la clase más grande y exitosa de Holanda. Rembrandt no quería disfrutar de ninguna tendencia de moda; claramente vio su camino en el arte, lleno de rasgos profundamente individuales. El tema principal de la creatividad del artista siempre ha sido el hombre, su vida exterior y sus deseos ocultos, una vida sin fantasías y exagerada, tal como es.

El estilo realista de la obra del artista confundió a los contemporáneos con su pura verdad. Esto condujo a un inevitable conflicto entre el maestro y la sociedad burguesa. El primer choque importante entre Rembrandt y la opinión pública se produjo debido a un gran pedido de un retrato grupal de una compañía de fusileros de Ámsterdam, dirigida por el teniente Willem van Reitenberg y el capitán Frans Bunning Kok, en el que el artista trabajó durante unos dos años.

El trabajo a gran escala "El rendimiento de los tiradores de la compañía Captain Frans Bunning Cock" (o "The Night Watch", Ricksmuseum, Amsterdam), completado por el maestro en 1642, representa un evento histórico memorable, presumiblemente, la participación de Tiradores de Amsterdam en la reunión ceremonial de la reina francesa Maria de Medici en 1639.

La pintura representa la compañía del Capitán Kok, que emerge de un espacio oscuro en un primer plano lleno de luz brillante. Cada personaje está ocupado con su abuelo, crea la impresión de que el episodio fue arrebatado por casualidad. Las flechas en la imagen limpian y desmantelan sus picos, alguien da órdenes, haciendo un gesto activo, el abanderado despliega una tela colorida. En el lado derecho de la imagen hay un anciano golpeando un tambor, un perro ladra cerca de sus pies. Estas acciones diversas, que crean una ligera sensación de caos, llena de ruido y dinámica, dejan una impresión muy viva.

El esquema de color general del lienzo es bastante oscuro, diluido con solo dos manchas amarillas brillantes: en el centro a la derecha, la figura de un hombre bajo, el teniente Willem van Reitenberg, y a la derecha, una niña con un vestido amarillo. Las flechas están intercaladas con transeúntes, lo que da la impresión de cierta confusión. Solo el Capitán Kok, apoyado en su bastón, está hablando absolutamente tranquilo con alguien.

La idea de Rembrandt de retratar a un grupo de personas unidas por un solo impulso de sentimientos cívicos, por desgracia, siguió siendo incomprensible y no fue aceptada por la sociedad de Amsterdam. Los tiradores que pagaron por la orden de subir al lienzo no estaban contentos de que haya personas completamente extrañas en la imagen. Y aún más estaban indignados porque las caras de algunos clientes estaban oscurecidas por otras figuras.

Esta imagen fue un punto de inflexión en la vida del artista. Mientras Rembrandt escribió la pintura, su amada esposa Saskia, que solo tenía treinta años, murió de tuberculosis. Quizás este evento también influyó en el artista, representando en el lienzo a una niña cuya cara recuerda un poco a la joven esposa del pintor.

Una protesta pública grande y controvertida con respecto a la Guardia Nocturna ha socavado la popularidad de Rembrandt, que desde entonces solo ha comenzado a disminuir. El número de pedidos disminuyó, los estudiantes se fueron. En la vida del maestro llegó un período muy difícil.

Perplejo y frustrado, Rembrandt comenzó a buscar la soledad y la comodidad en la naturaleza. Como resultado, el maestro estaba muy interesado en el paisaje, al que antes no le daba importancia. El estado mental del pintor puede evaluarse por los tipos que eligió para sus pinturas: no se trataba de vistas espectaculares, sino de rincones tranquilos, modestos y apartados.

Además de la pintura, los grabados y dibujos de un maestro con no menos talento que sus pinturas pueden ocupar un lugar importante en la vasta herencia de Rembrandt. El artista creó grabados en la técnica de grabado. La esencia de la técnica es rayar un dibujo con una aguja en un tablero de metal recubierto con barniz, que finalmente se trata con ácidos. Luego, se quita el barniz del tablero y las líneas chamuscadas en el metal con ácido se rellenan con pintura. Después de eso, las huellas digitales se hacen desde el tablero sobre papel mojado debajo de la prensa. Tanto el método de grabado como la impresión resultante se llaman grabado. En total, el maestro creó unos trescientos grabados, pertenecientes a los mayores logros mundiales en el campo de los gráficos. Además, alrededor de mil quinientos dibujos del artista han sobrevivido hasta nuestros días.

Un ejemplo de los magníficos gráficos de Rembrandt es su vívido grabado simbólico "Tres árboles" (1643, colección de J. de Bruyne). En el lado izquierdo del grabado, se dibujan numerosas líneas verticales, creando la impresión de que llueve en chorros rápidos. La parte derecha y central del grabado no está moteada con trazos, desde los cuales el cielo y todo el espacio de la composición parecen radiantes, espaciosos, abiertos. Entonces, el artista describió la lucha simbólica y la inevitable victoria de la luz sobre la oscuridad. La naturaleza purificada y resucitada crea una actitud optimista y que afirma la vida. Tres árboles, que se elevan en el lado derecho de la composición, parecen ser el eje de este mundo, el principio que da vida, tan plenamente y claramente incorporado en ellos todo lo que está a su alrededor: en los gruesos troncos, el poder de la tierra paciente. ; en el aleteo de las hojas en las ramas: la libre búsqueda del aire.

A pesar de su fascinación por el grabado, Rembrandt nunca dejó de perfeccionar su estilo de pintura. En los años 40, sus técnicas visuales se volvieron aún más diversas, la estructura compositiva era más audaz, el color era más rico y más temperamental, prevalecieron en él tonos brillantes de colores rojo, marrón y dorado. Los temas predominantes siguen siendo historias bíblicas y evangélicas, que revelan cualidades humanas simples: amor maternal y conyugal, sufrimiento, misericordia, amabilidad. Un ejemplo es la pintura "La Sagrada Familia y los Ángeles" (1645, Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo), está saturada de una ternura, un amor tan asombrosos, en los que se entrelazan lo divino y lo terrenal.

La virgen María que estaba leyendo el libro se interrumpe para enderezar la tapa del Bebé y cerrarlo de una luz extremadamente brillante. El gesto de la Madre de Dios está lleno de amor y cuidado sin fin. Jesús duerme dulcemente, su rostro, como siempre, iluminado por el resplandor divino. En el fondo de la imagen está el esposo de Mary. Este episodio de la vida de una familia joven puede parecer trivial, si no fuera por los ángeles volando en el cielo.

En 1647, Rembandt creó una imagen dramática con un pronunciado erotismo "Susanna y los ancianos" (Museo del Estado, Berlín). Susanna se dirige a la piscina ubicada en su jardín, de repente dos viejos salen del refugio y comienzan a persuadir a la niña para que comparta una cama con ellos. Amenazan a Susanna de que, de lo contrario, sería un falso testimonio de que Susanna había cometido adulterio con otro hombre. La niña se niega categóricamente. Asustada, trata de cubrir su desnudez con un velo, pero uno de los villanos lo rompe y continúa persuadiéndola persistentemente. Los zapatos rojos que dejó Susanna cerca de la piscina son obviamente un símbolo del erotismo del arte holandés del siglo XVII.

Otra pieza de la historia bíblica es la pintura "Cena en Emaús" (Museo del Louvre, París), escrita por el maestro en 1648. La trama de la imagen es clásica seleccionada: la reunión del Cristo resucitado con los discípulos. Pero en la versión de Rembrandt, el lienzo tiene un profundo significado psicológico. Jesús se sienta en el centro de la mesa en una taberna bañada en luz cálida, su mirada es tranquila y concentrada. Prácticamente no vemos los rostros de los apóstoles que acompañan a Cristo: uno de ellos me dará la espalda, el segundo prácticamente no se distinguirá. Pero el artista pinta en detalle la cara del camarero, un joven que sirve una comida a los invitados. El niño es manso, en toda su pose cuidado y reverencia por el querido Invitado. Entonces, el artista enfatiza que para una persona casual, reunirse con Cristo es mucho más importante que para aquellos que lo conocieron durante su vida, porque el Señor elige a sus seguidores de cualquiera.

El amor incondicional de la humanidad también está saturado con la obra "Cristo sanando a los ricos" (1649, colección de J. de Bruyne), que tiene un segundo título: "Una hoja de cien florines". Aquí vemos a Cristo parado en una habitación abandonada ahogada en el crepúsculo. Está rodeado de muchos extraños: ancianos, niños, mendigos, lisiados. Las caras ligeramente sombreadas de los héroes reflejan dolor, duda, necesidad, fe. El maestro transmitió perfectamente el juego de luces y sombras. El grabado fue popular, se conservó la información de que sus impresiones se vendían a muy buen precio.

En 1653, Rembrandt, cumpliendo la orden del acaudalado coleccionista A. Ruffo, creó la pintura "Aristóteles frente al busto de Homero" (Museo Metropolitano de Arte, Nueva York). La pintura se destacó fuertemente en el contexto general del arte pictórico en Holanda. Los artistas de esa época, de acuerdo con la moda, escribieron en colores claros, trazos claros, suaves, suaves y casi transparentes. Por lo tanto, el trabajo del maestro, que amaba los colores ricos, la textura rica, los contrastes de color, era mal percibido por el público. No queriendo cambiar su estilo individual y haber perdido el apoyo y la demanda, el pintor vivió al borde de la ruina.

Además de la falta creativa de demanda, Rembrandt tuvo muchos problemas en su vida personal. Después de la muerte de su esposa, el artista se interesó en la niñera de su joven hijo Titus - Gertieu Dirks, esta relación terminó en un gran escándalo, luego de lo cual Gertieu dejó la casa del pintor para siempre.

Después de un tiempo, Rembrandt volvió a estar en el centro de la indignación pública. En 1649, el artista se interesó en el criado Hendrikie Stoffels, de veinticinco años, que vivía en su casa. El pintor no tenía prisa por legitimar su relación, a fin de no perder el derecho de disponer de la herencia de la esposa fallecida, que quería salvar para el hijo de Tito.En respuesta, el consejo de la iglesia de Amsterdam excomulgó a Hendrickier de la comunión de la noche, exigiendo el fin del vergonzoso asunto extramarital. Pero la mujer no abandonó a Rembrandt e incluso le dio una hija, Cornelia.

El artista dedicó varios de sus lienzos a su nuevo amante, entre ellos: "Retrato de Hendrikyo Stoffels" y "Joven mujer bañándose en un arroyo".

En la pintura "Una mujer joven que se baña en un arroyo" (1654, National Gallery, Londres), la heroína se representa con un vestido ligero, cayendo libremente de sus hombros. Entra cautelosamente al río, levantando el dobladillo de su vestido por encima de sus rodillas. Las partes expuestas de su cuerpo fueron pintadas con gran habilidad. Una sonrisa tranquila llena de ternura juega en el rostro de la joven. Hendrikyo parece que no sospecha que es un modelo para su propio cónyuge en este momento. Ella no está tensa, pero no la toma por sorpresa. Los rasgos faciales son tranquilos y relajados.

En el mismo 1654, Rembrandt pintó la pintura "Betsabé con una carta del rey David" (Museo del Louvre, París), que se considera una de las pinturas más bellas del artista. El trabajo se basa en una trama del Antiguo Testamento, que cuenta cómo una vez que el gobernante de Israel David vio a una niña bañándose desde el techo de su palacio: “Y vio a una mujer desnuda desde el techo; y esa mujer era inusualmente hermosa. ¿Y David envió a averiguar quién es esta mujer? Y le respondieron: Esta es Betsabé, la hija de Eliam, la esposa de Urni Hepyanin. Y David envió sirvientes para llevarla… ”(Segundo Libro de los Reinos). La trama elegida por Rembrandt nos cuenta la historia de un crimen de sangre, adulterio e ira divina. Betsabé recibió una carta de David, la sostiene en sus manos, anticipando la culpabilidad futura (la naturaleza contradictoria del hombre).El hermoso cuerpo de la heroína está literalmente saturado, inundado de luz, en la composición y la decisión colorista del lienzo, se siente la inevitabilidad del destino.

Al no tener más flujo de órdenes y haber perdido a casi todos los estudiantes, el artista, como en su juventud, comenzó a escribir muchos de sus parientes, vecinos y conocidos. Durante este período, se crearon muchos lienzos dedicados a las personas mayores, que tenían suficiente tiempo libre para pasar horas posando.

Una de estas obras es El retrato de un anciano vestido de rojo (1652, Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo). La vejez en la interpretación de Rembrandt no es en modo alguno un marchitamiento de la vida, sino una conclusión digna. La apariencia del héroe, con su rostro cubierto de numerosas arrugas, da testimonio de la sabiduría y la rica experiencia. Todos los eventos en la vida dejan su huella: algunos son heridas en el corazón, otros son arrugas en la cara. Los ojos tranquilos del anciano reflejan el recuerdo eterno de todo lo que vio en su vida, que experimentó, por lo que estaba afligido y por lo que estaba feliz. Y grandes manos callosas testifican cuánto hizo antes de irse.

La pintura "Retrato de una mujer mayor" (Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo), pintada en el mismo año, nos muestra a una heroína que humildemente cruzó las manos sobre su regazo. Su mirada muestra fatiga por las preocupaciones cotidianas.

A Rembrandt le gustaba trabajar pensativa, paciente y escrupulosamente, a veces pasando dos o tres meses en su trabajo, remodelando sin cesar y una y otra vez aplicando pinturas densas y ricas en pigmentos. Rembrandt frotó la pintura en el suelo, logrando el efecto del espacio profundo, esculpió con alivio las caras y las manos de los héroes de una masa de colores bastante gruesa. Como uno de los biógrafos del artista, Arnold Houbraken, escribió: "algunos de sus personajes podrían ser literalmente" tomados por la nariz ", los colores se aplicaron de manera tan espesa".

En 1656, Rembrandt fue declarado en bancarrota, y dos años después su casa, como toda su propiedad, fue vendida por nada. En 1660, el pintor tuvo que establecerse en una cuarta parte de artistas pobres en las afueras de Amsterdam. Solo el hijo maduro Titus, que abrió su propio negocio de venta de arte, se salvó de la muerte por inanición. Rembrandt y su nueva esposa lo ayudaron lo mejor que pudieron.

Las raras naturalezas muertas de Rembrandt, obviamente, pertenecían a períodos de sus meditaciones sombrías, ya que prácticamente todas ellas presentan claramente el tema de la triste fatalidad del mundo animal y vegetal, en el que el artista vio asociaciones con la vida humana.

El lienzo "Carcasa de una carcasa" (1655, Museo del Louvre, París) sirve como un excelente ejemplo de una naturaleza muerta tan triste. La imagen está llena de silencio mortal; Ni siquiera hay un indicio de vida o dinámica en él. En una habitación vacía, una carcasa de toro cortada está suspendida del techo. Quizás incluso ayer este animal, desprevenido por cualquier cosa, pastaba en una pradera verde, y aún hoy está irremediablemente privado de vida. Toda vida en la tierra tiene su propio término, que llegará tarde o temprano.

En el mismo período, se creó la pintura "El jinete polaco" (1655, colección de Frick, Nueva York). La figura del jinete, como la imagen en sí, causó mucha controversia con respecto, incluida la autoría del trabajo. La ropa del joven, un sombrero adornado con pieles y un caftán le dan cierta teatralidad, que no era característica de la manera pintoresca de Rembrandt. El disfraz se parece más a uno oriental y no tiene nada que ver con el polaco. Entonces, ¿de dónde viene este nombre? Aparentemente, el trabajo fue adquirido posteriormente por los polacos. Pero hay un "pero": en 1654 en Amsterdam se publicó el panfleto "El jinete polaco", en defensa de una secta, a la que, según numerosos testimonios, se adhirió el artista. El caballo es representado muy torpemente.lo cual no encaja de ninguna manera para que el mismo Rembrandt pueda escribir al animal así.

En la estricta composición "La bendición de Jacob" (nombre completo: "Jacob bendice a los hijos de José Manasés y Efraín", 1656, Galería de Arte, Kassel) se presenta un evento solemne, bendecido por el viejo Jacob de los tenedores. El lienzo está pintado en el estilo característico de Rembrandt: pinceladas amplias y llamativas, colores vivos y brillantes. La imagen de Jacob está llena de grandeza y dignidad. Levantándose ligeramente sobre la cama, con un ligero gesto, toca la cabeza de su nieta. Ambos niños, temblando de placer, se desplomaron cerca de la cama. Al lado del patriarca está su esposa, mirando la escena con asombro. La colcha de terciopelo rojo en primer plano anima inusualmente el lienzo y le da un toque de solemnidad y significado al momento.

Último período de creatividad

Habiendo perdido su casa, propiedad, su rica colección de pinturas de pintura mundial, Rembrandt escribió a las personas cercanas y queridas: su hijo y Hendrikyo, ayudándolo y apoyándolo en tiempos difíciles.

Una de las mejores obras es el conmovedor "Retrato de la lectura del hijo de Titus" (circa 1656, Kunsthistorisches Museum, Viena). Ante nosotros hay una encarnación viva de juventud, frescura y entusiasmo. El niño vive en su mundo de libros, fantasías y sueños increíbles. Rayos de sol chispeantes corren por el rostro de Titus, que lee con entusiasmo, con una sonrisa en sus labios. Los rasgos faciales y los rizos rojos del niño se asemejan a su madre Saskia.

Con una gran sensación de calidez y ternura, el artista escribe "Retrato de Hendrikyo Stoffels" (circa 1656, Museo del Estado, Berlín). Después de la ruina, el pintor finalmente pudo combinar un matrimonio legal con su amada. Se casaron en algún lugar en la década de 1660, porque en numerosos documentos relacionados con este período, a Hendrikyo ya se la conoce como la esposa de Rembrandt.

En el retrato, una mujer joven y bonita está parada en ropa de casa cerca de la abertura de la ventana. Su mirada se dirige hacia adelante, tal vez ella está esperando a un ser querido que está por venir. El lienzo refleja a la perfección la eterna participación femenina: expectativas, despedidas, encuentros con familiares y el cuidado de ellos.

El lienzo "El evangelista Mateo y el ángel" (1661, el Louvre, París) nos muestra a Mateo, en la interpretación de Rembrandt. Aquí aparece ante nosotros como un hombre fuerte y valiente con una gran experiencia de vida. Ahora, envejecido, se sienta a la mesa y escribe el Evangelio a partir de las palabras de un ángel. El mensaje filosófico del autor se refleja claramente en el trabajo: una persona, que nace, atraviesa el tormento, trabaja, se regocija, sufre, su cara se arruga, su cuerpo se desvanece y luego llega la muerte.

La forma en que el Ángel puso su mano suavemente y con cuidado sobre el hombro del anciano refleja el pensamiento del artista, lo importante que es para todos nosotros, a una edad avanzada, sentirnos cerca de nosotros como una persona cercana y cercana que nos cuidará.

En 1660, Rembrandt finalmente recibió un nuevo pedido grande de la fábrica de telas de Amsterdam. El artista escribe un maravilloso retrato grupal de los ancianos del taller de telas, llamado "Sindiki" (Amsterdam, Ricksmuseum). Caracterizando a sus héroes, el pintor se centra en su modestia profesional y honestidad. Cinco síndicos y un sirviente (cuyo papel subordinado no se siente en absoluto en el lienzo) miran al espectador con una mirada atenta. Los rostros de los héroes expresan honestidad, decencia, mente.

El pintor, historiador y escritor de arte francés Eugene Fromapagen, describió perfectamente la capacidad de Rembrandt para crear composiciones de paisajes inusuales: “están ocupados, aunque no se mueven, hablan, aunque no mueven los labios. Nadie posa, todos viven. "

Las estrictas túnicas en blanco y negro de los héroes se diluyen con paneles dorados y un mantel rojo. En la mesa frente a ellos hay un libro abierto: la tienda Charter, que contiene estándares de calidad para el trabajo de los fabricantes de telas de Amsterdam. El libro está claramente incluido en el retrato a pedido de los clientes del lienzo, sin embargo, el autor logró evitar una sensación de trama exagerada, profundidad total y contenido.

Según la evidencia que sobrevive, esta imagen, como la sensacional Night Watch, causó mucha discusión y debate. El examen de rayos X mostró que el lienzo sufrió dos refinamientos importantes: en 1661 y 1662. Las razones exactas por las que se rehizo el trabajo no nos llegaron.

El destino del gran artista, con los años, se volvió más triste. El rechazo demostrativo de la creatividad, la situación financiera en constante deterioro y la muerte de dos de las personas más cercanas (Hendrikyo murió en 1663, y el artista perdió a su único hijo Titus en 1668), afectó en gran medida el estado mental del artista. Sin embargo, Rembrandt nunca dudó de la lealtad de su propio camino.

A pesar de los juicios, la pérdida de familiares, la bancarrota, una disminución en el número de estudiantes y el número de pedidos, una situación financiera extremadamente pobre, continuó creando, creando nuevas obras maestras de arte verdaderamente realista.

Las obras posteriores de Rembrandt carecen de movimiento, ruido, efectos. Las tramas son tranquilas, como si en ese mismo momento, el artista arrebatara la vida de los héroes, el mundo a su alrededor se congeló, todo se congeló en anticipación del momento fatídico. Dichas pinturas incluyen la pintura "David y Urías" (circa 1665, el Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo), que representa a un hombre saliendo de la tienda con una carta en el pecho. En la carta, la sentencia de muerte a David, quien, sabiendo esto de antemano, lo mira a los ojos con humildad y silencio.

Las mejores obras maestras creadas antes de la muerte.

La pintura "La novia judía" (circa 1666, de Ricksmuseum, Amsterdam) pertenece a las mayores obras maestras del maestro. El lienzo causó mucha controversia. Algunos creían que la imagen representa a una de las parejas bíblicas casadas: Rebekah e Isaac, Rachel y Jacob, o Ruth y Boaz; otros vieron aquí al hijo del artista Titus y su novia Magdalena Val Leu, mientras que otros pensaron que era un retrato de contemporáneos del pintor poeta Miguel de Barrios y su esposa.

Se reconoce universalmente que no importa quiénes sean los personajes que posan para Rembrandt, este trabajo es una de las imágenes más conmovedoras e inusuales de una pareja casada. Otro gran artista, Vincent Van Gogh, la describió de esta manera: "Esta ternura, detrás de la cual acecha el dolor, es infinita, medio abierta, sobrehumana y, al mismo tiempo, tan natural".

Los héroes de la imagen están vestidos con colores rojo anaranjado y amarillo dorado, bañados por una luz intensa y constante, que simboliza la llama brillante de su amor. Toda la pose de un hombre, inclinándose cuidadosamente hacia su esposa, abrazando suavemente su hombro, tocando su pecho con la otra mano, habla de infinito cuidado y ternura por su mujer, amor y admiración por ella. A su vez, la niña toca ansiosamente su mano con la punta de los dedos, está tranquila por su destino, confiada a su nuevo esposo.

La segunda obra maestra más grande del maestro, escrita al final de su vida, fue la pintura "El regreso del hijo pródigo" (1668, Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo). Fue una conclusión brillante al camino creativo de Rembrandt.

Si la "Novia judía" era un himno al amor terrenal y carnal, entonces esta imagen habla del amor de un orden superior, lleno de arrepentimiento, aceptación, perdón, ese amor que todo lo consume y que solo es posible entre un padre y su hijo. El color de la imagen fue elegido muy apagado, con un predominio de colores oscuros. Solo las capas del padre, abrazando a su hijo y de pie a la derecha del hombre, arden con fuego. En el papel del hijo pródigo, Rembrandt se vio a sí mismo toda su vida. Incluso el trabajo "Autorretrato con Saskia en su regazo" se llamó originalmente "Fiesta del hijo pródigo". Este querido artista de la parábola del Evangelio formó la base de varios dibujos.

La composición de la imagen es simple. En primer plano hay un hijo arrodillado, con la esperanza de su perdón, inclinando la cabeza a los pies de su padre. Dos no se miran, no hablan, no ven sus ojos, pero en sus poses hay una gran cercanía y amor que solo puede ser entre dos personas nativas que son infinitamente queridas entre sí. El artista escribe las suelas borradas de los zapatos viejos de su hijo para que comprendamos cuánto tiempo ha viajado antes de aparecer ante su padre agotado, que lo abraza con las manos tensas. Las caras de los personajes principales que rodean a los personajes también son expresivas, son muy expresivas y llenas de reverencia.

El mejor artista, Harmenszoon Van Rijn Rembrandt, que dejó al mundo un rico patrimonio cultural en forma de más de seiscientas pinturas, mil quinientos dibujos y trescientos grabados, murió el 4 de octubre de 1669 en el olvido y la pobreza. Está enterrado en el cementerio Westerkerke en Amsterdam, junto a los que más amó durante su vida: Saskia, Hendrikyo y Titus.

Todas las vicisitudes de la vida creativa y personal del gran artista no pudieron romper su espíritu y socavar su actuación. Al igual que el genio del Renacimiento, Tiziano, Rembrandt creó casi hasta los últimos días de su vida, creando obras maestras sin descanso, tratando de penetrar la esencia de la vida humana y el alma del hombre mismo, que ha sido el personaje principal de sus increíbles pinturas. toda su vida. La invaluable contribución que Rembrandt hizo al arte holandés, que nunca cambió el camino creativo elegido, hizo una verdadera revolución en el arte nacional y mundial y lo colocó en el camino de la evolución continua.

Zhuravleva Tatyana