Luncheon on the Grass Claude Oscar Monet (1840-1926)
Claude Oscar Monet – Luncheon on the Grass
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Pintor: Claude Oscar Monet
Ubicación: Pushkin State Museum, Moscow (ГМИИ им. Пушкина).
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Monet es uno de los principales defensores del impresionismo. Con sus cuadros sentó las bases del arte pictórico moderno y revolucionó aún más la pintura europea. "Desayuno en la hierba" fue un manifiesto de apoyo a un cuadro homónimo de Édouard Manet, que en 1863 causó sensación en el Salón de los Nobles. Representaba a una mujer desnuda rodeada de hombres vestidos, una impertinencia inaudita en la época.
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Descripción del cuadro de Claude Monet Desayuno en la hierba
Monet es uno de los principales defensores del impresionismo. Con sus cuadros sentó las bases del arte pictórico moderno y revolucionó aún más la pintura europea. "Desayuno en la hierba" fue un manifiesto de apoyo a un cuadro homónimo de Édouard Manet, que en 1863 causó sensación en el Salón de los Nobles. Representaba a una mujer desnuda rodeada de hombres vestidos, una impertinencia inaudita en la época. En 1865, Claude Monet comenzó a trabajar en su propia versión de "Desayuno en la hierba". El lienzo se concibe enorme: 6x4,6 m. Al principio, el artista realiza bocetos y pequeños esbozos en el bosque de Fontainebleau, y luego, por separado, en el estudio, dibuja los modelos masculino y femenino (para los que posó su futura esposa Camille Doncier). Más tarde, el artista combina todo de forma armoniosa, mezclando los modelos con el paisaje. Breakfast on the Grass es una colección de hombres y mujeres elegantes haciendo un picnic al aire libre a la sombra de árboles centenarios. Un corazón tallado en la corteza de uno de los árboles revela el ambiente romántico con el que Monet pintó su obra. La pintura se basa en los principios de luz y sombra. Los rayos del sol atraviesan todo el lienzo del artista y fluyen a través del follaje de los árboles. Monet buscaba desesperadamente la luz y llenó literalmente todo su cuadro con ella, los rayos del sol se posan suavemente sobre diversos fragmentos del cuadro: la tela de los vestidos de las damas, zonas de hierba o piel humana. Desgraciadamente, el lienzo nunca se completó y en 1878 Monet se lo dejó a su casero como pago por su alojamiento. Muchos años más tarde, el artista intenta rehacer la obra maestra olvidada, pero algunas partes están muy dañadas por la humedad, por lo que Monet simplemente recortó lo innecesario y de la idea fundamental sólo quedan fragmentos, que hoy se conservan en el Louvre y un boceto de tamaño natural de la pintura - en el Museo Estatal de Bellas Artes Pushkin de Moscú. Sólo gracias a estos fragmentos que han sobrevivido, los descendientes del impresionista francés pueden admirar todavía hoy el talento que le otorgó Dios.
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Клод Моне начал труд над картиной «Завтрак на траве» в сравнительно молодом возрасте – 25 лет. Это произведение могло стать одним из самых грандиозных в истории искусства, но, к сожалению, так и не было закончено. Размеры картины изначально должны были составить 4x6 метров.
Начать работу над этим полотном его подвигла скандальная одноименная картина Эдуарда Мане, представленная в 1863 году в Салоне Отвергнутых в Париже. Художник, вдохновивший Моне, изобразил на первом плане нагую женщину в окружении одетых мужчин.
Через два года Клод начинает трудиться над своей версией картины. Главной идеей художника было изучение освещения в лесу, теней под кронами деревьев и на поляне. В этой версии картины нет ни одного голого человека. На полотне изображены дамы и мужчины в элегантных нарядах. Кроме того, техника написания этого художника отлична от его вдохновителя. Модели позировали Моне в мастерской, после чего он располагал их силуэты в пейзаже.
Художник спешил при написании картины. «Завтрак на траве» оказался довольно дорогим в связи с задуманными размерами и необходимостью постоянного перемещения Моне между лесом и мастерской.
Отличительной особенностью этой картины являются отраженные на ней лучи солнца, которые проникают сквозь листву и подчеркивают складки элегантных платьев дам. Лучи пронизывают полотно и легко разливаются по изображенным на нем фрагментам: одеждах и лицах людей, на траве и посуде.
«Завтрак на траве» должен был быть представлен в Парижском Салоне через год после начала работы. Однако Моне посчитал, что полотно еще несовершенно. В итоге он так и не завершил работу над этой картиной. Причиной мог явиться приезд к молодому художнику Гюстава Курбе. Он посоветовал юнцу, желающему покорить Парижский Салон своим произведением, умерить свой пыл, хотя до этого всегда благоволил к нему. В 1878 году Моне пришлось отдать картину в качестве оплаты за жилье хозяину гостиницы в Аржантее.
Через несколько лет он решил разыскать свое полотно. Художник нашел его в подвале, где оно хранилось в свернутом виде. За многие годы некоторые фрагменты картины разъела сырость. Моне пришлось восстановить немногие сохранившиеся участки «Завтрака на траве». В итоге от картины остался только центральный и левый фрагмент.
В данное время остатки многострадального произведения искусства хранятся в Лувре. В музее им. Пушкина хранится набросок картины в натуральную величину, по которому можно судить о грандиозности начатой картины Моне.
Интересно, очень! Да, отличаются работы.
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En esta composición se observa un grupo de personas dispuestas en un claro del bosque. La escena presenta una marcada dicotomía entre las figuras vestidas con atuendos burgueses y el entorno natural que los rodea. El autor ha representado a varios individuos reunidos alrededor de lo que parece ser un picnic, con alimentos, frutas y objetos cotidianos esparcidos sobre una tela extendida en el suelo.
La atención se centra particularmente en dos mujeres jóvenes, desnudas o semidesnudas, situadas en primer plano. Su presencia contrasta fuertemente con la vestimenta formal de las otras figuras, generando un choque visual inmediato. Un hombre, también desnudo, está sentado entre ellas. La mirada del espectador es atraída por esta audaz representación de la desnudez femenina en un contexto social convencional.
El bosque circundante se presenta denso y exuberante, con una paleta de verdes dominantes que sugieren humedad y sombra. La luz parece filtrarse a través del follaje, creando un juego de claroscuros que enfatiza las formas y texturas. La pincelada es suelta y vibrante, capturando la atmósfera efímera del momento.
Subyacentemente, la obra plantea una reflexión sobre las convenciones sociales y la moralidad burguesa. La inclusión de figuras desnudas en un entorno recreativo desafía las normas establecidas y sugiere una crítica a la hipocresía de la época. La mirada directa de una de las mujeres hacia el espectador rompe la cuarta pared, invitando a una confrontación con los propios prejuicios y expectativas.
La presencia de otros personajes, vestidos y aparentemente ajenos a la desnudez, podría interpretarse como una representación de la sociedad que ignora o prefiere no ver ciertas realidades. El contraste entre el mundo natural y el mundo artificial también puede simbolizar la tensión entre la libertad individual y las restricciones impuestas por las convenciones sociales. La abundancia de alimentos y objetos sugiere un cierto nivel de prosperidad, pero también una posible decadencia moral.