Ugolino da Siena (Italian, Siena, active by 1317–died ?1339/49) – The Last Supper Metropolitan Museum: part 2

Aquí se presenta una composición de carácter religioso, presumiblemente un episodio central de la tradición cristiana. La escena transcurre en un espacio interior delimitado por una arquitectura que sugiere un comedor o refectorio. Una mesa rectangular, cubierta con un lienzo blanco, ocupa el plano principal y concentra la atención sobre los personajes reunidos alrededor de ella.
El autor ha dispuesto a doce figuras masculinas, ataviadas con ropas de colores sobrios –verdes, marrones, ocres– que contrastan con el rojo del personaje central. Todos están sentados en posición semicoracada, inclinándose hacia la mesa y sosteniendo recipientes que parecen contener alimentos o bebidas. Se observa una marcada uniformidad en sus rostros, aunque se intenta diferenciar a cada uno mediante ligeras variaciones en la barba y la expresión. Un halo dorado rodea las cabezas de todos los presentes, indicando su carácter sagrado.
El personaje situado en el centro, vestido con un manto rojo, destaca por su posición ligeramente más elevada y por la forma en que se inclina hacia adelante, como si ofreciera algo a aquellos que le rodean. Su rostro, aunque sereno, denota una profunda melancolía o resignación. La luz incide sobre él de manera particular, acentuando su figura y creando un punto focal dentro del conjunto.
La composición es estática y ordenada, con una marcada simetría en la disposición de los personajes. Esta rigidez formal contribuye a crear una atmósfera de solemnidad y recogimiento. No obstante, se percibe cierta tensión en las expresiones faciales de algunos comensales, que sugieren una conciencia del significado trascendental del momento que están viviendo.
Más allá de la representación literal de un banquete, esta pintura parece aludir a temas como la comunión, el sacrificio y la traición. La disposición de los personajes alrededor de la mesa evoca un sentido de comunidad y fraternidad, pero también anticipa la ruptura y el sufrimiento que se avecinan. El color rojo del manto central podría simbolizar tanto la pasión divina como la sangre derramada. La uniformidad en las vestimentas y los rostros sugiere una pérdida de individualidad frente a un destino común. En definitiva, la obra invita a la reflexión sobre la naturaleza humana, el pecado y la redención.