Historia de la pintura 
Traductor traducir
La pintura es una de las artes antiguas, que durante muchos siglos ha evolucionado desde pinturas rupestres paleolíticas hasta los últimos movimientos del siglo XX e incluso del siglo XXI. Este arte nació casi con el advenimiento de la humanidad. Los pueblos antiguos, que ni siquiera se daban cuenta de sí mismos como humanos, sentían la necesidad de representar el mundo a su alrededor en la superficie. Pintaron todo lo que vieron: animales, naturaleza, escenas de caza. Para dibujar, usaron algo similar a las pinturas hechas de materiales naturales. Estos eran colores terrosos, carbón, hollín negro. Los pinceles estaban hechos de pelo de animal, o simplemente pintados con los dedos.
Como resultado de los cambios, surgieron nuevos tipos y géneros de pintura. El período antiguo fue seguido por el período de la antigüedad. Los pintores y artistas deseaban reproducir la vida real que los rodeaba, tal como la ve el hombre. El deseo de precisión en la transmisión provocó la aparición de los fundamentos de la perspectiva, los fundamentos de las construcciones en blanco y negro de varias imágenes y el estudio de esto por parte de los artistas. Y ellos, en primer lugar, estudiaron cómo representar el espacio volumétrico en el plano de la pared, en pintura al fresco. Algunas obras de arte, como el espacio volumétrico, el claroscuro, comenzaron a usarse para decorar habitaciones, centros de religión y entierros.
El siguiente período importante en la pintura pasada es la Edad Media. En este momento, la pintura era de naturaleza más religiosa, y la cosmovisión comenzó a reflejarse en el arte. La creatividad de los artistas se dirigió a la pintura de iconos y otras melodías de religión. Los principales puntos importantes que se suponía que el artista debía enfatizar no eran tanto un reflejo preciso de la realidad, sino una transferencia de espiritualidad incluso en una amplia variedad de pinturas. Los lienzos de los maestros de la época eran llamativos en su expresividad de contornos, picantes y coloridos. La pintura medieval nos parece plana. Todos los personajes de los artistas de esa época están en la misma línea. Y muchas obras nos parecen algo estilizadas.
El período de la Edad Media gris reemplazó el período más brillante del Renacimiento. La era del Renacimiento trajo nuevamente un punto de inflexión en el desarrollo histórico de este arte. Nuevos estados de ánimo en la sociedad, una nueva visión del mundo comenzó a dictarse al artista: qué aspectos de la pintura revelar más completa y claramente. Los géneros de pintura como el retrato y el paisaje se convertirán en estilos independientes. Los artistas expresan las emociones del hombre y su mundo interior a través de nuevas formas de pintar. Los siglos XVII y XVIII explicaron un crecimiento aún más serio de la pintura. Durante este período, la Iglesia Católica pierde su significado, y los artistas en sus obras reflejan cada vez más los verdaderos tipos de personas, la naturaleza, la vida cotidiana y cotidiana. En este período, también se formaron géneros como el barroco, el rococó, el clasicismo y el manierismo. Surge el romanticismo, que luego es reemplazado por un estilo más espectacular: el impresionismo.
A principios del siglo XX, la pintura cambió drásticamente y apareció una nueva dirección del arte moderno: la pintura abstracta. La idea de esta dirección es transmitir la armonía entre el hombre y el arte, para crear armonía en combinaciones de líneas y reflejos de color. Este arte no tiene objetividad. Ella no persigue la transmisión exacta de una imagen real, sino que transmite lo que está en el alma del artista, sus emociones. Un papel importante para esta forma de arte son las formas y los colores. Su esencia es transmitir objetos previamente familiares de una manera nueva. Aquí, los artistas tienen plena libertad de sus fantasías. Esto dio un impulso al surgimiento y desarrollo de las tendencias modernas, como el arte abstracto, vanguardista, subterráneo. Desde finales del siglo XX hasta la actualidad, la pintura ha cambiado constantemente. Pero, a pesar de todos los nuevos logros y tecnologías modernas, los artistas siguen siendo fieles al arte clásico: la pintura al óleo y la acuarela, crean sus obras maestras con pinturas y lienzos.
Natalia Martynenko
Historia del Arte
La historia de la pintura es una cadena interminable que comenzó con las primeras pinturas realizadas. Cada estilo crece de los estilos que estaban frente a él. Cada gran artista agrega algo a los logros de artistas anteriores e influye en artistas posteriores.
Podemos disfrutar pintando por su belleza. Sus líneas, formas, colores y composición (disposición de las partes) pueden complacer nuestros sentimientos y permanecer en nuestros recuerdos. Pero el disfrute del arte aumenta cuando aprendemos cuándo y por qué y cómo se creó.
La historia de la pintura estuvo influenciada por muchos factores. Geografía, religión, características nacionales, eventos históricos, el desarrollo de nuevos materiales, todo esto ayuda a dar forma a la visión del artista. A lo largo de la historia, la pintura ha reflejado un mundo cambiante y nuestras ideas al respecto. A su vez, los artistas proporcionaron algunos de los mejores registros sobre el desarrollo de la civilización, a veces revelando más que la palabra escrita.
Pintura prehistórica
Los habitantes de las cavernas fueron los primeros artistas. Se encontraron dibujos a color de animales que datan de 30,000 a 10,000 AC en las paredes de las cuevas en el sur de Francia y España. Muchos de estos dibujos están sorprendentemente bien conservados, porque las cuevas han sido selladas durante muchos siglos. Los primeros humanos pintaron los animales salvajes que vieron a su alrededor. Se encontraron figuras humanas muy groseras hechas en puestos de vida en África y el este de España.
Los artistas de las cavernas llenaron las paredes de la cueva con dibujos en ricos colores brillantes. Algunas de las pinturas más bellas se encuentran en la cueva de Altamira, en España. Un detalle muestra un bisonte herido, que ya no puede pararse, probablemente la víctima de un cazador. Está pintado en un color marrón rojizo y está delineado simplemente, pero hábilmente, en negro. Los pigmentos utilizados por los artistas de la cueva son ocre (óxidos de hierro que varían en color de amarillo claro a naranja oscuro) y manganeso (metal oscuro). Se trituraron en un polvo fino, se mezclaron con grasa (posiblemente con aceite graso) y se aplicaron a la superficie con un cepillo. A veces los pigmentos toman la forma de bastones, similares a los crayones. La grasa mezclada con pigmentos en polvo hizo una pintura y barniz, y las partículas de pigmento se unieron. Los residentes de la cueva hicieron cepillos con pelos de animales o plantas, y herramientas afiladas hechas de silicio (para pintar y rascar).
Incluso hace 30,000 años, la gente inventó las herramientas y materiales básicos para pintar. Los métodos y materiales se han mejorado y mejorado en los siglos posteriores. Pero los descubrimientos del habitante de la cueva siguen siendo los principales para pintar.
Pintura egipcia y mesopotámica (3400-332 a. C.)
Una de las primeras civilizaciones apareció en Egipto. De los registros escritos y el arte dejado por los egipcios, se sabe mucho sobre sus vidas. Creían que el cuerpo debería ser preservado para que el alma pudiera vivir después de la muerte. Las Grandes Pirámides eran tumbas complejas para los gobernantes egipcios ricos y poderosos. Gran parte del arte egipcio fue creado para las pirámides y tumbas de reyes y otras personas importantes. Para estar absolutamente seguros de que el alma continuará existiendo, los artistas crearon imágenes de un hombre muerto en piedra. También reprodujeron escenas de la vida humana en pinturas murales en cámaras funerarias.
Las técnicas egipcias de bellas artes se han mantenido sin cambios durante siglos. En un método, la acuarela se aplicó a superficies de arcilla o piedra caliza. En otro proceso, los contornos fueron tallados en paredes de piedra y pintados con acuarelas. Probablemente se usó un material llamado goma arábiga para adherir pintura a la superficie. Afortunadamente, el clima seco y las tumbas selladas impidieron que algunas de estas acuarelas se derrumbaran por la humedad. Muchas escenas de caza de los muros de las tumbas en Tebas, que datan de alrededor de 1450 a. C., están bien conservadas. Muestran cómo los cazadores persiguen pájaros o peces para pescar. Estas parcelas todavía se pueden identificar hoy porque fueron pintadas de forma ordenada y cuidadosa.
La civilización mesopotámica, que duró desde 3200 hasta 332 a. C., se encontraba en un valle entre los ríos Tigris y Éufrates en el Medio Oriente. Las casas en Mesopotamia fueron construidas principalmente de arcilla. A medida que la arcilla se ablanda con la lluvia, sus edificios se desmoronaron, destruyendo cualquier pintura mural que pudiera ser muy interesante. Lo que se ha conservado es cerámica decorada (pintada y cocida) y coloridos mosaicos. Aunque los mosaicos no pueden considerarse pinturas, a menudo influyen en él.
Civilización del Egeo (3000–1100 a. C.)
La tercera gran cultura temprana fue la civilización egea. Los egeos vivían en islas frente a la costa de Grecia y en la península de Asia Menor aproximadamente al mismo tiempo que los antiguos egipcios y mesopotámicos.
En 1900, los arqueólogos comenzaron a excavar el palacio del rey Minos en Knossos en la isla de Creta. Las excavaciones descubrieron obras de arte escritas alrededor del año 1500 antes de Cristo. en un estilo inusualmente libre y elegante de la época. Obviamente, los cretenses eran personas despreocupadas y amantes de la naturaleza. Entre sus temas favoritos en el arte estaban la vida marina, animales, flores, deportes, procesiones en masa. En Knossos y otros palacios del Egeo, las pinturas se pintaron en paredes de yeso mojado con pinturas hechas de minerales, arena y tierra ocre. La pintura estaba saturada de yeso húmedo y se convirtió en una parte permanente de la pared. Estas pinturas más tarde se llamaron frescos (de la palabra italiana "fresco" o "nuevo"). A los cretenses les gustaban los brillantes tonos amarillos, rojos, azules y verdes.
Pintura clásica griega y romana (1100 a. C. - 400 a. C.)
Los antiguos griegos decoraban las paredes de los templos y palacios con frescos. De fuentes literarias antiguas y de copias romanas del arte griego, podemos decir que los griegos pintaron pequeñas pinturas e hicieron mosaicos. Se conocen los nombres de los maestros griegos y un poco de su vida y obra, aunque muy pocas pinturas griegas sobrevivieron a los siglos y las consecuencias de las guerras. Los griegos no escribían mucho en las tumbas, por lo que su trabajo no estaba protegido.
Jarrones pintados son todo lo que sobrevivió de la pintura griega de hoy. La cerámica era una gran industria en Grecia, especialmente en Atenas. Los contenedores tenían una gran demanda, se exportaban, así como la mantequilla y la miel, y para fines domésticos. La primera pintura de jarrón se realizó en formas geométricas y adornos (1100-700 aC). Los jarrones estaban decorados con figuras humanas en esmalte marrón sobre arcilla clara. En el siglo VI, los artistas del jarrón a menudo pintaban figuras humanas negras sobre arcilla roja natural. Los detalles fueron tallados en arcilla con una herramienta afilada. Esto permitió que el rojo apareciera en las profundidades del relieve.
El estilo de figura roja finalmente reemplazó al negro. Es decir, viceversa: las figuras son rojas y el fondo se ha vuelto negro. La ventaja de este estilo era que el artista podía usar un pincel para crear contornos. El pincel da una línea más floja que la herramienta de metal utilizada en jarrones rizados negros.
Los murales romanos se encontraron principalmente en villas (casas de campo) en Pompeya y Herculano. En el año 79 dC, estas dos ciudades fueron completamente enterradas por la erupción del Vesubio. Los arqueólogos que excavaron esta área pudieron aprender mucho sobre la antigua vida romana de estas ciudades. Casi todas las casas y villas en Pompeya tenían pinturas en sus paredes. Los pintores romanos prepararon cuidadosamente la superficie de la pared, aplicando una mezcla de polvo de mármol y yeso. Pulieron la superficie con un acabado de mármol. Muchas de las pinturas son copias de pinturas griegas del siglo IV a. C. Las elegantes poses de las figuras pintadas en las paredes de la Villa de los Misterios en Pompeya inspiraron a los artistas del siglo XVIII, cuando la ciudad fue excavada.
Griegos y romanos también pintaron retratos. Un pequeño número de ellos, principalmente retratos de momias, hechos al estilo griego por artistas egipcios, se han conservado alrededor de Alejandría, en el norte de Egipto. Fundada en el siglo IV aC por Alejandro Magno de Grecia, Alejandría se convirtió en el principal centro de la cultura griega y romana. Los retratos fueron pintados con la técnica de encáustica sobre madera y se colocaron en forma de momia después de la muerte de la persona representada. Las pinturas encáusticas hechas en pintura mezclada con cera de abejas fundida se almacenan durante mucho tiempo. De hecho, estos retratos todavía se ven frescos, aunque se hicieron en el siglo II a. C.
Pintura cristiana y bizantina primitiva (300–1300)
El Imperio Romano declinó en el siglo IV dC Al mismo tiempo, el cristianismo estaba ganando fuerza. En 313, el emperador romano Constantino reconoció oficialmente la religión y él mismo adoptó el cristianismo.
La aparición del cristianismo influyó mucho en el arte. Los artistas recibieron instrucciones de decorar las paredes de las iglesias con frescos y mosaicos. Hicieron paneles en capillas de iglesias, ilustraron y decoraron libros de iglesias. Bajo la influencia de la Iglesia, se suponía que los artistas comunicaban las enseñanzas del cristianismo de la manera más clara posible.
Los primeros cristianos y artistas bizantinos continuaron la técnica del mosaico que aprendieron de los griegos. Se colocaron pequeñas piezas planas de vidrio o piedra de colores sobre cemento húmedo o yeso. A veces se usaban otros materiales sólidos, como piezas de arcilla cocida o concha. En el mosaico italiano, los colores son especialmente profundos y completos. Los artistas italianos hicieron el fondo con piezas de vidrio dorado. Representaban figuras humanas en colores vivos sobre un fondo de oro brillante. El efecto general fue plano, decorativo y no realista.
Los mosaicos de artistas bizantinos eran a menudo incluso menos realistas y aún más decorativos que los motivos de los primeros cristianos. "Bizantino" es el nombre dado al estilo de arte que se desarrolló alrededor de la antigua ciudad de Bizancio (ahora Estambul, Turquía). La técnica del mosaico combinaba perfectamente con el gusto bizantino de las iglesias bellamente decoradas. Los famosos mosaicos de Theodora y Justiniano, realizados alrededor del año 547 dC, demuestran un gusto por la riqueza. Las joyas de las figuras brillan y los vestidos de corte de color brillan con el telón de fondo de oro brillante. Los artistas bizantinos también usaron oro en frescos y paneles. El oro y otros materiales preciosos se usaron en la Edad Media para separar los objetos espirituales del mundo cotidiano.
Pintura medieval (500-1400 años)
La primera parte de la Edad Media, de aproximadamente 6 a 11 siglos de nuestra era, generalmente se llama la Oscuridad. En este momento de disturbios, el arte se almacenaba principalmente en monasterios. En el siglo V dC, las tribus Warran del norte y centro de Europa recorrieron el continente. Durante cientos de años, dominaron Europa occidental. Estas personas produjeron arte en el que el elemento principal es el patrón. Estaban especialmente interesados en estructuras de dragones y pájaros entretejidos.
Lo mejor del arte celta y sajón se puede encontrar en manuscritos de los siglos VII y VIII. Las ilustraciones de libros, la iluminación y la pintura en miniatura, practicadas desde finales de la época romana, se generalizaron en la Edad Media. La iluminación es la decoración de texto, letras mayúsculas y campos. Se utilizaron oro, plata y colores brillantes. Una miniatura es una imagen pequeña, a menudo un retrato. Este término se usó originalmente para describir un bloque decorativo alrededor de las letras iniciales en un manuscrito.
Carlomagno, coronado emperador del Sacro Imperio Romano a principios del siglo IX, trató de revivir el arte clásico de finales del período romano y principios del cristianismo. Durante su reinado, los artistas en miniatura imitaron el arte clásico, pero también transmitieron sentimientos personales a través de sus temas.
Muy pocas pinturas murales se han conservado desde la Edad Media. Las iglesias construidas durante el período románico (siglos 11-13) tenían varios grandes frescos, pero la mayoría desaparecieron. En las iglesias del período gótico (siglos XII-XVI) no había suficiente espacio para pinturas murales. La ilustración del libro fue la obra principal del pintor gótico.
Entre los mejores manuscritos ilustrados se encontraban libros de relojes: colecciones de calendarios, oraciones y salmos. Una página de un manuscrito italiano muestra iniciales cuidadosamente elaboradas y una escena marginal finamente detallada de San Jorge matando a un dragón. Los colores son brillantes y parecen piedras preciosas, como en vidrieras, y el oro parpadea sobre la página. Diseños frondosos y florales exquisitamente delicados bordean el texto. Los artistas probablemente usaron lupas para hacer un trabajo tan complejo y detallado.
Italia: Cimabue y Giotto
Los artistas italianos de finales del siglo XIII todavía trabajaban al estilo bizantino. Las figuras humanas se hicieron planas y decorativas. Las caras rara vez tenían expresión. Los cuerpos no tenían peso y parecían flotar, en lugar de pararse firmemente en el suelo. En Florencia, el artista Cimabue (1240-1302) intentó modernizar algunos de los viejos métodos bizantinos. Los ángeles en "Madonna on the Throne" son más activos de lo habitual en las pinturas de la época. Sus gestos y rostros muestran un poco más de sentimientos humanos. Cimabue agregó a sus pinturas un nuevo sentido de monumentalidad o grandeza. Sin embargo, continuó siguiendo muchas tradiciones bizantinas, como un fondo dorado y una disposición estampada de objetos y figuras.
Fue el gran artista florentino Giotto (1267-1337) quien rompió con la tradición bizantina. Su serie de frescos en la Capilla de la Arena en Padua deja atrás el arte bizantino. En estas escenas de la vida de María y Cristo, hay emociones reales, tensión y naturalismo. Todas las cualidades del calor humano y la simpatía están presentes. La gente no parece completamente irrealista o celestial. Giotto sombreó los contornos de las figuras, y colocó sombras profundas en los pliegues de la ropa para dar una sensación de redondez y fuerza.
Para sus pequeños paneles, Giotto utilizó tempera de huevo puro, un medio que fue perfeccionado por los florentinos en el siglo XIV. La claridad y el brillo de sus colores deberían haber influido mucho en las personas acostumbradas a los colores oscuros de los paneles bizantinos. Las pinturas al temple dan la impresión de que la suave luz del día cae sobre el escenario. Tienen una apariencia casi plana, en contraste con el brillo de la pintura al óleo. El temple al huevo siguió siendo la pintura principal hasta que el aceite lo reemplazó casi por completo en el siglo XVI.
Pintura medieval tardía al norte de los Alpes
A principios del siglo XV, los artistas del norte de Europa trabajaban en un estilo completamente diferente de la pintura italiana. Los artistas nórdicos lograron realismo al agregar innumerables detalles a sus pinturas. Todo el cabello estaba elegantemente contorneado, y cada detalle de cortinas o pisos estaba instalado con precisión. La invención de la pintura al óleo simplificó el detalle de los detalles.
El artista flamenco Jan van Eyck (1370-1414) hizo una gran contribución al desarrollo de la pintura al óleo. Cuando se utiliza el temple, los colores deben aplicarse por separado. No pueden sombrearse bien, porque la pintura se seca rápidamente. Con un aceite que se seca lentamente, el artista puede lograr efectos más complejos. Sus retratos de 1466-1530 se realizaron en tecnología petrolera flamenca. Todos los detalles e incluso la reflexión especular son claros y precisos. El color es duradero y tiene una superficie dura y esmaltada. Se preparó un panel de madera imprimado de la misma manera que Giotto preparó sus paneles para el temple. Van Eyck creó la pintura en capas de un color sutil llamado esmalte. La témpera probablemente se usó en el sotobosque original y para deslumbramiento.
Renacimiento italiano
Mientras Van Eyck trabajaba en el norte, los italianos se estaban mudando a la edad de oro del arte y la literatura. Este período se llama Renacimiento, que significa renacimiento. Los artistas italianos se inspiraron en la escultura de los antiguos griegos y romanos. Los italianos querían revivir el espíritu del arte clásico, que glorifica la independencia humana y la nobleza. Los artistas del Renacimiento continuaron pintando escenas religiosas. Pero también enfatizaron la vida terrenal y los logros de las personas.
Florencia
Los logros de Giotto a principios del siglo XIV marcaron el comienzo del Renacimiento. Los pintores italianos del siglo XVII lo continuaron. Masaccio (1401-1428) fue uno de los líderes de la primera generación de artistas del Renacimiento. Vivió en Florencia, una rica ciudad comercial donde comenzó el arte renacentista. En el momento de su muerte a finales de los años veinte, revolucionó la pintura. En su famoso fresco "El dinero del tributo", coloca figuras escultóricas sólidas en un paisaje que parece ir muy lejos. Masaccio pudo haber estudiado la perspectiva del arquitecto y escultor florentino Brunelleschi (1377-1414).
La técnica mural fue muy popular en el Renacimiento. Fue especialmente adecuado para pinturas grandes, porque los colores en el mural son secos y perfectamente planos. La imagen se puede ver en cualquier ángulo sin reflejos ni reflejos. Además, los murales son asequibles. Por lo general, los artistas tenían varios ayudantes. El trabajo se realizó en partes, porque tenían que terminarse mientras el yeso aún estaba húmedo.
El estilo completo "tridimensional" de Masaccio era típico de la nueva dirección progresiva del siglo XV. El estilo de Fra Angelico (1400-1455) es un enfoque más tradicional utilizado por muchos artistas del Renacimiento temprano. Estaba menos preocupado con la perspectiva y más interesado en los patrones decorativos. Su "Coronación de la Virgen" es un ejemplo de temple en la actuación más bella. Colores divertidos y vibrantes sobre un fondo dorado y acentuado con oro. La imagen parece una miniatura ampliada. Las figuras largas y estrechas tienen poco en común con Masaccio. La composición está organizada en amplias líneas de movimiento que giran alrededor de las figuras centrales de Cristo y María.
Otro florentino que trabajó en un estilo tradicional fue Sandro Botticelli (1444-1515). Las líneas rítmicas que fluyen conectan las secciones del Botticelli "Primavera". La figura de Spring llevada por el viento del oeste barre hacia la derecha. Tres gracias bailan en círculo, los alegres pliegues de sus vestidos y los elegantes movimientos de sus manos expresan los ritmos del baile.
Leonardo da Vinci (1452-1519) estudió pintura en Florencia. Es conocido por su investigación científica e inventos, así como por sus pinturas. Muy pocas de sus pinturas se han conservado, en parte porque a menudo experimentó con diferentes métodos para crear y aplicar pintura, en lugar de utilizar métodos probados y confiables. La Última Cena (escrita entre 1495 y 1498) fue hecha en aceite, pero, desafortunadamente, Leonardo la pintó en una pared húmeda, lo que hizo que la pintura se agrietara. Pero incluso en mal estado (antes de la restauración), la imagen tenía la capacidad de excitar las emociones de todos los que la ven.
Una de las características distintivas del estilo de Leonardo fue su método de retratar las luces y la oscuridad. Los italianos lo llamaron luz tenue "sphumato", que significa humo o niebla. Las figuras de la "Virgen de las Rocas" están veladas en una atmósfera de esfumato. Sus formas y características están sombreadas suavemente. Leonardo logró estos efectos utilizando gradaciones muy sutiles de tonos claros y oscuros.
Roma
La culminación de la pintura renacentista tuvo lugar en el siglo XVI. Al mismo tiempo, el centro de arte y cultura se mudó de Florencia a Roma. Bajo el papa Sixto IV y su sucesor, Julio II, la ciudad de Roma fue gloriosa y ricamente decorada por artistas del Renacimiento. Algunos de los proyectos más ambiciosos de este período se lanzaron durante el papado de Julio II. Julio encargó al gran escultor y pintor Miguel Ángel (1475-1564) que pintara el techo de la Capilla Sixtina y tallara una escultura para la tumba del Papa. Julius también invitó al pintor Raphael (1483-1520) para ayudar a decorar el Vaticano. Con sus asistentes, Rafael pintó cuatro habitaciones de los apartamentos del Papa en el Palacio del Vaticano.
Miguel Ángel, un nativo florentino, desarrolló un estilo monumental de pintura. Las figuras en su pintura son tan sólidas y voluminosas que parecen esculturas. El techo Sixtino, que tomó 4 años de Miguel Ángel, consta de cientos de figuras humanas del Antiguo Testamento. Para completar este grandioso fresco, Miguel Ángel tuvo que acostarse boca arriba en el bosque. El rostro pensativo de Jeremías entre los profetas que rodean el techo, algunos expertos consideran el autorretrato de Miguel Ángel.
Rafael llegó a Florencia desde Urbino cuando era muy joven. En Florencia, absorbió las ideas de Leonardo y Miguel Ángel. Cuando Rafael fue a Roma a trabajar en el Vaticano, su estilo se convirtió en uno de los más grandes en belleza. Especialmente amaba sus hermosos retratos de la Virgen y el Niño. Han sido reproducidos por miles; Se pueden ver en todas partes. Su Madonna del Granduka tiene éxito debido a su simplicidad. Atemporal en su paz y pureza, es tan atractivo para nosotros como lo es para los italianos de la era de Rafael.
Venecia
Venecia era la principal ciudad renacentista del norte de Italia. Fue visitado por artistas de Flandes y otras regiones que sabían sobre los experimentos flamencos con pintura al óleo. Esto estimuló el uso temprano de la tecnología petrolera en la ciudad italiana. Los venecianos aprendieron a pintar en lienzos muy estirados, en lugar de en los paneles de madera comúnmente utilizados en Florencia.
Giovanni Bellini (1430-1515) fue el mejor artista veneciano del siglo XV. También fue uno de los primeros artistas italianos en utilizar el óleo sobre lienzo. Giorgione (1478-1151) y Tiziano (1488-1515), el más famoso de todos los artistas venecianos, fueron aprendices en el taller de Bellini.
El maestro de ingeniería petrolera Tiziano pintó enormes lienzos en colores cálidos y saturados. En sus pinturas maduras, sacrificó detalles para crear efectos deslumbrantes, como en "Madonna Pesaro". Usó pinceles grandes para hacer grandes trazos. Sus colores son especialmente ricos porque pacientemente creó esmaltes de colores contrastantes. Por lo general, los esmaltes se aplicaban a una superficie templada marrón, lo que le daba a la imagen un tono uniforme.
Otro gran artista veneciano del siglo XVI fue Tintoretto (1518-1594). A diferencia de Tiziano, generalmente trabajaba directamente en lienzo sin bocetos ni contornos preliminares. A menudo distorsionaba sus formas (las torcía) por el bien de la composición y el drama de la trama. Su técnica, que incluye trazos amplios y contrastes dramáticos de luz y oscuridad, parece muy moderna.
El artista Kyriakos Teotokopoulos (1541-1614) era conocido como El Greco ("griego"). Nacido en la isla de Creta, que fue ocupada por el ejército veneciano, El Greco fue entrenado por artistas italianos. Cuando era joven, fue a estudiar a Venecia. La influencia combinada del arte bizantino, que vio a su alrededor en Creta, y el arte renacentista italiano, hizo que la obra de El Greco fuera sobresaliente.
En sus pinturas, distorsionaba las formas naturales y usaba colores aún más extraños y más sobrenaturales que Tintoretto, a quien admiraba. Más tarde, El Greco se mudó a España, donde la tristeza del arte español influyó en su obra. En su dramática visión de Toledo, se desata una tormenta sobre el silencio mortal de la ciudad. Azules fríos, verdes y tonos blanco azulados se extienden sobre el paisaje.
Renacimiento en Flandes y Alemania
La edad de oro de la pintura en Flandes (ahora parte de Bélgica y el norte de Francia) fue el siglo XV, la época de Van Eyck. En el siglo XVI, muchos artistas flamencos imitaron a los artistas del Renacimiento italiano. Sin embargo, algunos flamencos continuaron la tradición flamenca del realismo. Luego, se extendió la pintura de género: escenas de la vida cotidiana, que a veces eran encantadoras y otras fantásticas. Jerome Bosch (1450-1515), que precedió a los artistas de género, tenía una imaginación inusualmente vívida. Inventó todo tipo de criaturas extrañas y grotescas para La tentación de San Antonio. "Peter Bruegel el Viejo (1525-1569) también trabajó en la tradición flamenca, pero agregó a sus escenas de género la perspectiva y otras características del Renacimiento.
Albrecht Dürer (1471-1528), Hans Holbein el Joven (1497-1543) y Lucas Cranach el Viejo (1472-1553) fueron los tres artistas alemanes más importantes del siglo XVI. Hicieron mucho para mitigar el sombrío realismo de la pintura alemana temprana. Durero al menos una vez visitó Italia, donde quedó impresionado por las pinturas de Giovanni Bellini y otros italianos del norte. A través de esta experiencia, inculcó en la pintura alemana un conocimiento de la perspectiva, un sentido del color y la luz, y una nueva comprensión de la composición. Holbein aprendió aún más logros italianos. Su dibujo sensible y su habilidad para elegir solo los detalles más importantes lo convirtieron en un retratista.
Pintura barroca
El siglo XVII es conocido en el arte como el período barroco. En Italia, los artistas Caravaggio (1571-1610) y Annibale Carracci (1560-1609) presentaron dos puntos de vista contrastantes. Caravaggio (nombre real Michelangelo Merisi) siempre se ha inspirado directamente en las realidades de la vida. Uno de sus principales problemas era copiar la naturaleza con la mayor precisión posible, sin glorificarla de ninguna manera. Carracci, por otro lado, siguió el ideal de belleza del Renacimiento. Estudió escultura antigua y el trabajo de Miguel Ángel, Rafael y Tiziano. El estilo de Caravaggio deleitó a muchos artistas, especialmente el español Ribera y el joven Velázquez. Carracci inspiró a Nicolas Poussin (1594-1665), un famoso pintor francés del siglo XVII.
España
Diego Velázquez (1599-1660), el pintor de la corte del rey español Felipe IV, fue uno de los mejores artistas españoles. Fanático del trabajo de Tiziano, era un maestro en el uso de colores ricos y armoniosos. Ningún artista podría crear mejor la ilusión de tejidos ricos o piel humana. El retrato del pequeño príncipe Philip Prosper muestra esta habilidad.
Flandes
Las pinturas del artista flamenco Peter Paul Rubens (1577-1640) representan la encarnación del estilo barroco a todo color. Están llenos de energía, color y luz. Rubens rompió con la tradición flamenca de pintar cuadros pequeños. Sus lienzos son enormes, llenos de figuras humanas. Recibió más pedidos y pinturas más grandes de las que pudo completar. Por lo tanto, a menudo dibujaba solo un pequeño boceto a color. Luego, sus asistentes transfirieron el boceto a un gran lienzo y terminaron la pintura bajo la dirección de Rubens.
Holanda
Los logros del pintor holandés Rembrandt (1606-1669) se encuentran entre los más destacados de la historia. Tenía un don maravilloso: capturar y transmitir con precisión las emociones humanas. Al igual que Tiziano, trabajó durante mucho tiempo en la creación de pinturas de varias capas. Los colores terrenales (amarillo ocre, marrón y marrón rojizo) fueron sus favoritos. Sus pinturas están hechas principalmente en colores oscuros. La importancia de las partes oscuras de múltiples capas hace que su técnica sea inusual. El énfasis es transmitido por una iluminación brillante en relación con las áreas brillantes.
Jan Vermeer (1632-1675) estaba en uno de los grupos de artistas holandeses que escribieron escenas modestas de la vida cotidiana. Era un maestro dibujando cualquier textura: satén, alfombras persas, costras de pan, metal. La impresión general del interior de Vermeer es una habitación alegre y soleada llena de artículos icónicos del hogar.
Pintura del siglo XVIII
En el siglo XVIII, Venecia produjo varios artistas hermosos. El más famoso fue Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770). Decoró los interiores de palacios y otros edificios con grandiosos murales coloridos que representan escenas de riqueza. Francesco Guardi (1712-1793) era muy hábil con un pincel, con solo unas pocas manchas de color podía evocar la idea de una pequeña figura en un bote. Vistas espectaculares de Antonio Canaletto (1697-1768) cantaron la gloria pasada de Venecia.
Francia: estilo rococó
En Francia, el gusto por los colores pastel y los acabados intrincados a principios del siglo XVIII llevó al desarrollo del estilo rococó. Jean Antoine Watteau (1684-1721), el pintor de la corte del rey Luis XV, y más tarde Francois Boucher (1703-1770) y Jean Honore Fragonard (1732-1806) se asociaron con las tendencias del rococó. Watteau pintó visiones de ensueño, una vida en la que todo es divertido. En el corazón del estilo están los picnics en parques, fiestas en el bosque, donde los caballeros divertidos y las damas elegantes se divierten en la naturaleza.
Otros artistas del siglo XVIII representaron escenas de la vida ordinaria de la clase media. Al igual que el holandés Vermeer, Jean Baptiste Simeon Chardin (1699-1779) apreció historias caseras simples y bodegones. Sus colores son sobrios y tranquilos en comparación con Watteau.
Inglaterra
En el siglo XVIII, los británicos desarrollaron por primera vez una escuela de pintura separada. El núcleo consistía principalmente en pintores de retratos, influenciados por artistas del Renacimiento veneciano. Sir Joshua Reynolds (1723-1792) y Thomas Gainsborough (1727-1788) son los más famosos. Reynolds, quien viajó por Italia, siguió los ideales de la pintura renacentista. Sus retratos, encantadores y conmovedores, no son particularmente interesantes en color o textura. Gainsborough, por otro lado, tenía un brillo. Las superficies de sus pinturas brillan con un color radiante.
Pintura del siglo XIX
El siglo XIX se ve a veces como el período durante el cual el arte contemporáneo comenzó a tomar forma. Una de las razones importantes de la llamada revolución en el arte en ese momento fue la invención de la cámara, que obligó a los artistas a reconsiderar el propósito de la pintura.
Un desarrollo más significativo fue el uso generalizado de pinturas prefabricadas. Hasta el siglo XIX, la mayoría de los artistas o sus asistentes hicieron sus propias pinturas moliendo pigmentos. Las primeras pinturas comerciales fueron inferiores a las pinturas a mano. Los artistas de finales del siglo XIX descubrieron que los tonos azul oscuro y marrón de las pinturas anteriores se volvieron negros o grises durante varios años. Nuevamente comenzaron a usar colores puros para preservar su trabajo, y a veces porque intentaron reflejar con mayor precisión la luz solar en las escenas de la calle.
España: Goya
Francisco Goya (1746-1828) fue el primer gran artista español en aparecer desde el siglo XVII. Como artista favorito de la corte española, hizo muchos retratos de la familia real. Los personajes reales están equipados con ropa elegante y hermosas joyas, pero en algunas de sus caras todo lo que se refleja es vanidad y avaricia. Además de los retratos, Goya pintó escenas dramáticas como el 3 de mayo de 1808. Esta pintura representa una actuación de un grupo de rebeldes españoles de soldados franceses. Los audaces contrastes de colores claros y oscuros y sombríos, perforados por salpicaduras rojas, causan un horror sombrío del espectáculo.
Aunque Francia fue un gran centro de arte en el siglo XIX, los pintores paisajistas ingleses John Constable (1776-1837) y Joseph Mallord William Turner (1775-1851) hicieron una valiosa contribución a la pintura del siglo XIX. Ambos estaban interesados en la pintura de la luz y el aire, dos aspectos de la naturaleza que los artistas del siglo XIX exploraron por completo. El alguacil usó una técnica conocida como división o color roto. Usó colores contrastantes sobre el color de primer plano. A menudo usaba una espátula para aplicar el color con fuerza. La pintura "Hay Wain" lo hizo famoso después del espectáculo en París en 1824. Esta es una escena simple de producción de heno en el pueblo. Las nubes se desplazan sobre prados cubiertos de manchas de sol. Las pinturas de Turner son más dramáticas que las de Constable, que pintó las majestuosas vistas de la naturaleza: tormentas, paisajes marinos, puestas de sol brillantes, altas montañas.A menudo, una bruma dorada oculta parcialmente los objetos en sus pinturas, haciéndolos parecer flotando en el espacio infinito.
Francia
El período del reinado de Napoleón y la Revolución Francesa marcó el surgimiento de dos tendencias opuestas en el arte francés: el clasicismo y el romanticismo. Jacques-Louis David (1748-1825) y Jean-Auguste Dominique Ingres (1780-1867) se inspiraron en el antiguo arte griego y romano y el Renacimiento. Destacaron los detalles y utilizaron el color para crear formas sólidas. Como artista favorito del gobierno revolucionario, David a menudo escribió eventos históricos de ese período. En sus retratos, como Madame Recamier, buscaba la simplicidad clásica.
Theodore Gerico (1791-1824) y el romántico Eugene Delacroix (1798-1863) se rebelaron contra el estilo de David. Para Delacroix, el color era el elemento más importante en la pintura y no tenía la paciencia para imitar las estatuas clásicas. En cambio, admiraba a Rubén y los venecianos. Eligió temas coloridos y exóticos para sus pinturas, que brillan con luz y están llenas de movimiento.
Los artistas de Barbizon también formaron parte del movimiento romántico general, que duró desde aproximadamente 1820 hasta 1850. Trabajaron cerca de la aldea de Barbizon en el borde del bosque de Fontainebleau. Se inspiraron en la naturaleza y terminaron las pinturas en sus estudios.
Otros artistas han experimentado con objetos cotidianos ordinarios. Los paisajes de Jean Baptiste Camille Corot (1796-1875) reflejan su amor por la naturaleza, y sus estudios sobre el cuerpo humano muestran una especie de calma equilibrada. Gustave Courbet (1819-1877) se llamó a sí mismo realista porque retrataba el mundo tal como lo veía, incluso su lado áspero y desagradable. Limitó su paleta a solo unos pocos colores sombríos. Edouard Manet (1832-1883) también tomó la base de sus historias del mundo exterior. La gente se sorprendió por sus coloridos contrastes y trucos inusuales. En las superficies de sus pinturas a menudo hay una textura plana y estampada de trazos. Los métodos de Manet para aplicar efectos de luz a la forma han afectado a los artistas jóvenes, especialmente a los impresionistas.
Trabajando en las décadas de 1870 y 1880, un grupo de artistas conocidos como impresionistas quería retratar la naturaleza exactamente como era. Fueron mucho más lejos que Constable, Turner y Manet al estudiar los efectos de la luz en color. Algunos de ellos han desarrollado teorías científicas del color. Claude Monet (1840-1926) a menudo escribió la misma mirada en diferentes momentos del día para mostrar cómo cambia en diferentes condiciones de iluminación. Cualquiera que sea el tema, sus pinturas consisten en cientos de pequeños trazos de pincel ubicados uno al lado del otro, a menudo en colores contrastantes. A distancia, los trazos se mezclan para crear la impresión de formas sólidas. Pierre Auguste Renoir (1841-1919) utilizó los métodos del impresionismo para capturar las vacaciones de la vida parisina. En su Baile en el Moulins de la Galette, la gente con ropas de colores brillantes se agolpaba y bailaba alegremente.Renoir pintó todo el cuadro con pequeños trazos. Los puntos y trazos de pintura crean una textura en la superficie de la pintura, lo que le da un aspecto especial. Multitudes de personas parecen disolverse en la luz solar y el color parpadeante.
Pintura del siglo XX
Varios artistas pronto quedaron insatisfechos con el impresionismo. Artistas como Paul Cezanne (1839-1906) sintieron que el impresionismo no describía la fuerza de las formas en la naturaleza. A Cézanne le encantaba dibujar bodegones, porque le permitían concentrarse en la forma de las frutas u otros objetos y su disposición. Los objetos de sus bodegones se ven sólidos porque los redujo a formas geométricas simples. Su técnica de teñir manchas de pintura y trazos cortos de colores intensos, uno al lado del otro, muestra que aprendió mucho de los impresionistas.
Vincent Van Gogh (1853-90) y Paul Gauguin (1848-1903) reaccionaron al realismo de los impresionistas. A diferencia de los impresionistas, que dijeron que consideraban objetivamente la naturaleza, a Van Gogh le importaba poco la precisión. A menudo distorsionaba los objetos para expresar sus pensamientos de manera más creativa. Utilizó principios impresionistas para colocar colores contrastantes uno al lado del otro. A veces exprimía la pintura de los tubos directamente sobre el lienzo, como en The Field of Yellow Corn.
A Gauguin no le importaba el color manchado de los impresionistas. Aplicó suavemente el color a grandes áreas planas que separó entre sí con líneas o bordes oscuros. Coloridos pueblos tropicales proporcionaron la mayoría de sus historias.
El método de Cézanne para crear espacio usando formas geométricas simples fue desarrollado por Pablo Picasso (1881-1973), Georges Braque (1882-1963) y otros. Su estilo se hizo conocido como cubismo. Los cubistas pintaron objetos como si pudieran verse desde varios ángulos a la vez, o como si fueran desmantelados y ensamblados en un lienzo plano. A menudo, los objetos no eran como nada existente en la naturaleza. A veces, los cubistas tallaban figuras de tela, cartón, papel tapiz u otros materiales y las pegaban en el lienzo para hacer un collage. Las texturas también variaron, agregando arena u otras sustancias a la pintura.
Las tendencias más recientes se han centrado menos en el tema. La técnica de composición e imagen comenzó a ganar más énfasis.
- Pintura española: historia, características
- Pintura de bellas artes: historia, medios, géneros
- Pintura Plein-Air: historia, características
- Pintura acrílica: historia, técnicas, ventajas de los acrílicos
- Museum AS Pushkin presenta la obra única de Valentina Deopik
- Exposición "Sueño de madreperla. En memoria de Albert Martynenko"