Pintura española: historia, características Traductor traducir
Introducción
La grandeza de España en la pintura se encuentra en unos pocos artistas selectos que se elevan tan por encima de sus compañeros que ocupan la cumbre del arte europeo. Son El Greco (1541-1614), Diego Velázquez (1599-1660), y Francisco de Goya (1746 1828). Se puede encontrar cierta similitud entre su eminencia y la de Rembrandt en Holanda y Rubens en los Países Bajos españoles, aunque no solo los Países Bajos, norte y sur, un mayor número de menores Viejos maestros , y más artistas que mostraron una gran medida de originalidad en un nivel distinguido, pero también una línea de evolución más consistente.
Es posible subestimar a pintores españoles como Ribera y Zurbarán en comparación con el trío manifiestamente mayor, pero el curso del arte español está roto y vacilante, aparte de las tremendas afirmaciones de los pocos individuos. Si se busca una causa raíz en la historia temprana, es necesario volver a cuando la mayor parte de la península ibérica estaba bajo el dominio de los invasores musulmanes. Recuerde que en 1100 los moros todavía ocupaban dos tercios de la región.
Las regiones cristianas hicieron una reconquista gradual, reclamando la tierra poco a poco y plantando iglesias y su mensaje visual en un distrito tras otro. En Cataluña, las obras aún conservadas en los museos de Barcelona transmiten la fuerza de este cristianismo activo en pinturas de majestuoso estilo románico. No fue sino hasta finales del siglo XV que España se unió como país. Los reinos de Castilla y Aragón se unieron en 1479 bajo Fernando e Isabel. Los moros fueron expulsados de su último punto de apoyo, Granada, en 1492. La prolongada lucha hizo que la extensión de la pintura fuera un proceso lento y desigual. La provincia de Cataluña, la primera en ser liberada de la ocupación musulmana, tuvo la ventaja, en el período gótico de los siglos XIII y XIV, de contactos con Francia e Italia, reflejados débilmente en la obra de Ferrer Bassa (c.1290-1348) En las iglesias góticas de España, con la ampliación de las ventanas a expensas del espacio de la pared que causó la atrofia de la pintura mural, se produjeron enormes retablos con paneles, pintados en un estilo que recuerda al Escuela de pintura de Siena , de artistas como los hermanos Pedro y Jaime Serra y Luis Borrassa (muerto en 1424).
El siglo XV trajo la influencia de los grandes Pintura flamenca escuela, anunciada por la visita de Jan van Eyck quien, como Rubens en una fecha posterior, combinó la función de diplomático con la de pintor. La influencia flamenca en Artistas del renacimiento español Bartolomé Bermejo (activo 1474-95) lo ve ventajoso en Santo Domingo de Silos (Prado). Pero el contacto con el italiano Arte renacentista , tan fructífero en otros lugares, era limitado. Pedro Berruguete (1450-1504) fue una excepción al trabajar en Urbino al mismo tiempo que Piero della Francesca (1420-92). Su sentido de la forma se aceleró en esa atmósfera inspiradora, pero dejó Urbino después de la muerte del duque Federigo en 1482 y el compromiso, y algún conflicto, entre la manera flamenca provincializada y las lecciones de Umbría aparecen en su trabajo posterior.
Pintura española en el siglo XVI: el arte religioso de El Greco
En el siglo XVI, cuando España se convirtió en una potencia mundial con vastas posesiones y fuentes de riqueza en el Nuevo Mundo, así como posesiones diseminadas por Europa, se podría esperar que una escuela nacional vigorosa de pintura surgiría, transformando el carácter algo tentativo o imitativo que la pintura en España había mostrado hasta entonces. Resultó lo contrario. Durante la mayor parte del siglo XVI, la pintura permaneció sin espíritu. Tanto el emperador Carlos V como su hijo Felipe II de España eran mecenas con un sentido del arte, pero los grandes venecianos, especialmente Tiziano, reclamaron la mayor parte de su interés. Felipe también aprobó las fantasías de Hieronymus Bosch (1450-1516), aunque el alto clero español sospechaba herejía en estas extrañas imágenes de los Países Bajos.
El retrato recibió cierto estímulo, pero fue el pintor de la corte internacional Anthonis Mor (1519-1576) de Utrecht, o Antonio Moro, como era conocido en España, el practicante flamenco de un estilo inspirado en el de Tiziano, a quien envió Felipe II. Inglaterra para pintar el retrato de Mary Tudor. Felipe tuvo dos pintores de la corte española, es cierto: Alonso Sánchez Coello (c.1531-88) que formó su estilo sobre el de Moro y su alumno, Juan Pantoja de la Cruz (1551-1608), que lo sucedió. Dignificados y con un elemento de rigidez ceremonial enfatizado por la atención prestada al rico detalle de la indumentaria, sus retratos dan una ligera indicación de lo que Velázquez lograría más tarde.
Pero el siglo XVI no fue solo el siglo del esplendor material de España; también fue la gran batalla de las creencias religiosas en la que estuvo muy comprometida bajo el gobierno de un monarca que era un fanático implacable. Una razón para este fanatismo, y la crueldad y opresión que engendró, se puede encontrar en la lucha de siglos contra los musulmanes en España. Los reyes españoles que habían llegado a considerarse campeones y baluarte principal del cristianismo no vieron más en la oposición protestante a la Iglesia católica que la acción de infieles tan malos como los moros, para ser combatidos con igual crueldad.
El fervor de las creencias religiosas todavía no había encontrado una expresión fuerte en las imágenes de Arte cristiano producido de acuerdo con las estrictas reglas de la Iglesia. No hay una sensación perceptible de emoción profunda en la obra de Luis de Morales (1500-86), aunque su delicada piedad, contenida en un estilo adaptado de pintores flamencos, tal vez trabajando en Sevilla, le valió el título de "lo divino".. Pero después de El Divino Morales, llega un fenómeno extraordinario e impredecible, el advenimiento de El Greco . En su pinturas religiosas Todas las intensidades del sentimiento religioso en España se encienden y estallan en llamas de éxtasis.
Es una paradoja que un pintor que transmite tanto que es esencialmente español haya nacido en Creta. Y, además, es extraño que alguien entrenado en el estilo bizantino de esta isla griega haya injertado en ella Alto renacimiento lecciones aprendidas de Tiziano y Tintoretto en Venecia. Podía pasar como maestro veneciano cuando llegó a España aproximadamente a los 36 años. Pero por el trabajo de sus 37 años posteriores, que pasó principalmente en Toledo, se vuelve inseparable de la historia de la pintura española.
En Toledo, el centro español de la Contrarreforma, sede de la temida Inquisición y de todas las apasionadas intensidades de la creencia, el arte religioso produjo en su vasto estudio iluminado por ventanas altas y estrechas, se convirtió en aspiraciones a lo sublime, exaltaciones febriles de santos y mártires, dramas del alma expresados en el alargamiento de figuras, los inquietos carmines, verdes azulados y amarillos de su colores. Su mejor trabajo El entierro del conde Orgaz , pintado alrededor de 1586-88 para la iglesia de Santo Tomé en Toledo, une el movimiento celeste y el espacio con la austeridad estática de los dolientes, una fila de iconos como uno podría imaginarlos, aunque cada rostro barbudo contiene su propia sugerencia de una violencia interna de sentirse severamente bajo control. Para sus otras obras maestras, ver: El desnudo de Cristo (El Espolio) (1577); Vista de Toledo (1595-1600); Cristo expulsando a los comerciantes del templo (1600); Retrato de un cardenal (1600); Retrato de Felix Hortensio Paravicino (c.1605).
Pintura española en el siglo XVII: Ribera y Velázquez
Aunque El Greco fue exitoso y lo suficientemente estimado en su época como para ser copiado e imitado por sus seguidores en Toledo, como Luis Tristán (1586-1624) y otros, una nueva fase de la pintura española estaba a la mano, al igual que un nueva fase de la historia española. La supremacía de España prácticamente había terminado como resultado de la derrota de la Armada española en 1588, la ruptura del norte de los Países Bajos y la muerte de Felipe II en 1598. Felipe III, su hijo por su tercer matrimonio, dejó el gobierno en manos del duque de Lerma quien, impresionante como aparece en el retrato ecuestre de Rubens ahora en el Prado, derrochó dinero público e involucró a España en la inútil miseria de la Guerra de los Treinta Años.
La decadencia política y económica puede ser un lento declive en el curso del cual el arte a menudo alcanza su nivel más alto, aunque no existe una relación necesaria entre los dos, excepto en el fomento del arte y las letras por aquellos más inclinados a ellos que a la política. Arte barroco español en el siglo XVII refleja a su manera una reacción en toda Europa contra el Manierismo del siglo XVI. Una sensación de realidad que el manierismo no había ofrecido, una proyección de luz y sombra que transmitía un mensaje con una fuerza urgente, era general. Esto fue asimilado por Artistas barrocos españoles crear una sombría magnificencia en la que se pueda discernir un estado de ánimo nacional. El genio del siglo inclinó a los artistas hacia un realismo o naturalismo en el arte religioso, sustituyendo modelos campesinos retorcidos y tipos proletarios en lugar de figuras idealizadas, y representando inquebrantablemente las torturas del martirio en horripilantes detalles. Estas son características encontradas en Italia en el trabajo de Caravaggio cuya influencia fue de largo alcance. Pero Francisco Ribalta (1565-1628), nacido en Solsona en Cataluña, aunque asociado principalmente con Valencia, ya estaba cultivando el tenebrismo estilo antes de que Caravaggio se embarcara en su carrera.
Jusepe Ribera (1591-1652) era de una edad para apreciar ambos. Es posible que haya estudiado con Ribalta, pero a la edad de 25 años se había establecido en Nápoles, donde llegó a ser considerado como el principal seguidor de Caravaggio . Trabajó para los virreyes españoles en Nápoles, y sus fotos fueron enviadas a España para la corte real. Tal vez fue por esta razón, y para afirmar su patriotismo, que habitualmente agregó a su firma el nombre de su lugar de nacimiento ’Jativa’ o su ciudad vecina ’Valencia’.
Nota: En 1600, la colonia española de Nápoles era la segunda ciudad más grande de Europa (después de París) y un importante centro de actividad de Contrarreforma, incluido el arte. (Se jactó de más de 3.000 iglesias y monasterios.) Después de las dos visitas de Caravaggio (1606, 1609-10), se convirtió en un centro de caravaggismo. Ver: Pintar en Nápoles (1600-1700).
Ribera pintó el martirio con sombrío gusto. Al igual que Caravaggio, hizo un drama violento del contraste entre la luz y la sombra densa. Su realismo se ejerció no solo sobre las torturas de la religión sino también sobre temas cotidianos en los que estaba presente la idea del sufrimiento o la deformidad. Un ejemplo es su pintura del erizo cojo y de dientes rotos en pose militar falsa, El niño con pie de palo (1642, Louvre, París), una obra destacada de sus últimos años. Así como el realista reparó a las masas por los tipos que se incluirían en una composición religiosa, Ribera parece haber seleccionado un mendigo napolitano para cumplir con el deber de un gran hombre de la antigüedad clásica. El Arquímedes del Prado es un rufián genial con una prenda de muchos parches amarrados con una cuerda sobre su pecho desnudo y, a juzgar por su expresión, comparte la ironía del pintor. Aunque estaba ausente de España, Ribera fue evidentemente una poderosa influencia, en virtud de sus pinturas, en la difusión del idioma de caravagismo que es bastante diferente del emocionalismo rapsódico de la Barroco .
Un artista que se acerca a la grandeza es Francisco Zurbarán (1598-1664). Trabajó de niño en el estudio del pintor sevillano, Juan de las Roelas (1560-1625), quien trajo una tendencia realista a la pintura en Sevilla en oposición al manierismo prevaleciente de Roma. Zurbarán, que se instaló en Sevilla, tuvo un éxito temprano, las iglesias y los conventos le apilaron por sus piadosas pinturas devocionales. En la mediana edad, sin embargo, su popularidad disminuyó. El estilo fácil de Pintura barroca popularizado por los jóvenes Bartolome Esteban Murillo (1617-82) puso de moda una religiosidad sentimental, que contrastaba con su género realista, al que Zurbarán no podía adaptarse. Lo original que era es un redescubrimiento relativamente moderno. Las sombras oscuras de Ribera y de la escuela napolitana lo ayudaron a imaginar la oscuridad de la meditación monacal. A diferencia de El Greco, pintó al santo o fraile dedicado a la meditación más que a las visiones celestiales. Transmite la psicología del devoto, reflexionando sobre la muerte según las instrucciones de los jesuitas. Su perspectiva realista también le permitió producir pintura de naturaleza muerta en el que el escrutinio de la sustancia material tiene casi la intensidad de un ejercicio religioso.
Es en este contexto de Sevilla que se ve por primera vez a Diego Rodríguez de Silva y Velázquez . Hubo una serie de vínculos con sus contemporáneos para una perspectiva realista. Compartió el entusiasmo general por Caravaggio o al menos por las implicaciones de su estilo. Su estudio de la naturaleza muerta fue tan intenso como el del amigo de su juventud, Zurbarán. Cada corrugación en la jarra de su Waterseller en Sevilla (c.1618-22, Apsley House, Londres) se traza con tanto cuidado como el retratista podría dar a las arrugas de un rostro humano.
En Ribera-fashion le otorgó a los personajes contemporáneos que pintó los nombres de celebridades antiguas: el filósofo Menippus, el fabulista Esopo. Tampoco dudó en retratar a los tristes grotescos y enanos de la corte de Felipe IV de manera tan realista como Ribera pintó al muchacho de pie de palo. Los bodegones o ’cuadros de cocina’ de sus primeros años en Sevilla lo ubican cerca de Caravaggio y sus primeros cuadros religiosos son paralelos a los de Zurbarán; pero después de cierto punto, deja de parecerse a los demás y se vuelve completamente individual en su estilo.
Con raras excepciones, ver Cristo crucificado (1632, Prado) – los sujetos religiosos dejaron de ocuparlo (quizás no del todo para el arrepentimiento de un realista absorto en los asuntos humanos) después de haber sido nombrado pintor de la corte de Felipe IV. Arte retrato luego se convirtió en su principal tarea profesional, pero muestra una sorprendente diversidad de temas. Fue único entre los artistas de la España religiosa en su carrera. pintura mitológica sin embargo, como lo hizo Rembrandt, con un sentimiento anti-idealista. La primera de sus composiciones en atraer la atención de la corte fue el Triunfo de Baco (1628, Prado), también conocido como The Dopers . La alusión clásica, sin embargo, no fue más que un pretexto para una imagen tan vívida como se ha pintado de un grupo de campesinos intensamente españoles.
La mitología sancionó la pintura de la desnudo masculino figura: una rareza en el arte español a excepción de la forma caída y torturada de Cristo en la Cruz. La Forja de Vulcano (1630) y Marte (1639-41), ambos en el Prado, fueron temas que permitieron a Velázquez hacer justicia a la figura masculina, pero es más puramente encantador. La Venus Rokeby (1647-51, National Gallery, Londres), tan poco mitológico como el Danae de Rembrandt. El misterio del espacio y la relación de los objetos lo ocuparon en Las meninas (1656, Prado), uno de los mejores pinturas de retratos , donde el pintor en su gran lienzo mira en la habitación a sí mismo pintando en su lienzo, mientras el rey y la reina que miran por encima del hombro se reflejan en el espejo en el extremo opuesto de la habitación. Un tema complejo también se desarrolla en la acción variada de The Tapestry Weavers (Las Hilanderas) (1659, Prado). Entre sus mejores ejemplos de pintura de historia es La rendición de Breda (Las Lanzas) (1635, Prado) que representa una de las victorias efímeras de España en su batalla perdida contra las provincias rebeldes de los Países Bajos y muestra a Justin de Nassau entregando las llaves de la ciudad al comandante español Spinola en 1625. Pintó algunas Diez años después del evento, la imagen es famosa no solo por su diseño, sino por el intercambio amistoso de cortesías expresadas en el porte del vencedor y vencido en el que algo de la magnanimidad mental de Velázquez puede haber influido en la representación del evento. Era una magnanimidad que mostraba con igual cortesía a sus cuidadores, ya sea un enano de la corte, un bufón idiota, una infanta o el mismo rey melancólico.
Velázquez podría conocer a Rubens en persona y podría estudiar las obras de los maestros del Renacimiento durante sus dos visitas a Italia sin apartarse en lo más mínimo de una forma de pintar completamente propia. En sus obras maduras, ya no es la oscuridad de la sombra lo que golpea al observador. En sus obras maduras, ya no es la oscuridad de la sombra la que golpea el color observador pero utilizado con direcciones infinitas en toques brillantes compensados por el gris plateado. Lo que fue simplemente la imitación de un patrón en una rica prenda de vestir en los retratos de Sánchez Coello , se convierte en una vibración cromática de azules, rosas y grises en Velázquez. Retratos barrocos de la segunda esposa de Felipe IV, Mariana de Austria, y la infanta Margarita. En estas y en sus dos pequeñas vistas de los jardines de la Villa Medici, que resultaron de su segunda visita a Italia, sugiere lo que luego se convertiría en el método del impresionismo.
El ultimo y mejores pinturas barrocas fueron las de Velázquez, quien no dejó una influencia considerable en la pintura española. Su alumno y yerno, Juan Bautista del Mazo (c.1612-1667) lo copió de una manera superficial que en el pasado causó algunas atribuciones erróneas al propio Velázquez. Juan Pareia (c.1606-70), el sirviente de Velázquez también lo imitó. Pero el arte español pasó por otro período de barbecho en el siglo XVIII, aunque por un tiempo una cierta prosperidad regresó al país durante la reacción pacífica de las guerras en las que una posesión tras otra se había perdido.
Pintura española en el siglo XVIII: Goya – El pintor del pueblo
Los pintores de la corte de Felipe V (1683-1746), el primer rey borbónico de España, eran franceses (Ranc, Houasse, Van Loo). Su hijo Fernando VI (1713-59) favoreció a los pintores italianos (Amiconi, Giaquinto). Durante mucho tiempo hubo una escasez de talento nativo a excepción de Luis Meléndez (1716-80), quien continuó hábilmente la tradición española de la naturaleza muerta de Zurbarán y Sánchez Cotán (1560-1627). Luego, una vez más, viene lo extraordinario, el fenómeno impredecible, en Francisco de Goya (1746-1828).
España en la época de Goya sufrió drásticos cambios de fortuna. El benevolente despotismo de Carlos III, que sucedió a Fernando VI y gobernó desde 1759 hasta 1788, trajo consigo la estabilidad económica. La locura de Carlos IV, el sucesor de Carlos III, puso fin a la prosperidad y abrió el camino a la invasión napoleónica y sus horrores concomitantes. En una escala más amplia, el cambio desde antes de la Revolución Francesa al período siguiente afectó a toda Europa. Ningún gran artista pasó por este momento de disturbios sin reflejar de alguna manera sus tormentas y estrés. De esto Goya da una ilustración dramática.
Si El Greco era el artista de la Iglesia y Velázquez de la Corte, Goya era distinto de ambos en ser el artista del Pueblo. Hay un notable contraste entre él y Velázquez. Este último era esencialmente el gran caballero, como Rubens, que llevaba una vida de calma aristocrática en el Escorial, pintando en el crepúsculo fresco de una habitación protegida del resplandor del sol afuera, sin inmutarse por los acontecimientos en el mundo exterior y tal vez el más alejado de Las preocupaciones nacionales de España por ser el hijo de un padre portugués. Goya, hijo de un artesano español de una pequeña ciudad, Josef Goya, maestro de obras de arte en Fuentetodos en Aragón, tuvo una experiencia variada y fue tan receptivo a los eventos que su trabajo es toda una historia de una época de violencia. La última aventura del Rococó La alegría del Antiguo Régimen se refleja en las pinturas, diseñadas para ser copiadas en tapices, que representan escenas de la vida y las diversiones españolas con un toque del estilo decorativo y teatral de Tiepolo. Pero la Revolución Francesa lo hizo crítico con la corte y el clero, y aunque en la mediana edad fue pintor de la corte, primero para Carlos III y luego para Carlos IV, permaneció una corriente revolucionaria en su pensamiento, expresada crípticamente en su dibujo y aguafuerte . Amargado por la sordera que siguió a una enfermedad de unos cincuenta años, sintió aún más intensamente el salvajismo de la guerra y la ocupación del que ha dado su testimonio inmortal. Como Carlos IV y su hijo Fernando prácticamente invitaron a los franceses a hacerse cargo al someter sus disputas al arbitraje de Napoleón, no es de extrañar que Napoleón haya suplantado a su propio candidato familiar, Joseph, o que los retratos de Goya de ellos deberían dar La impresión de una imbecilidad sin piedad caricaturizada.
’Rembrandt, Velázquez y la naturaleza’ fue el resumen de las fuentes de su propia inspiración por parte de Goya. Una reminiscencia de Rembrandt claroscuro se puede encontrar en las sombras de su escena de prisión ; La influencia de Velázquez en los exquisitos grises del retrato póstumo (Prado) de su cuñado, el pintor Francisco Bayeu . En su pintura de los lomos y la cabeza de oveja del mostrador de una carnicería, Goya eligió un tema de naturaleza muerta tan poco convencional como el Buey sacrificado de Rembrandt.
Su devoción a la "naturaleza" se puede tomar para referirse a su interés en la vida humana en todos sus aspectos más que a pintura de paisaje , pero ’naturaleza’ también tenía un significado especial para él. Los objetos que vemos, señaló, no tienen contornos fijos. Al prescindir del esquema en sus pinturas, anticipó un punto cardinal de la técnica impresionista. En otros sentidos, tenía afinidad o influencia en el arte francés del siglo XIX. Los grupos espeluznantes que pintó en sus últimos años con el expresionismo en el que su sordera pudo haberle causado morar, lo vinculan con Honore Daumier (1808-79). 3 de mayo de 1808 incitado Edouard Manet (1832-83) para pintar la ejecución del emperador Maximiliano en una composición similar. En comparación, Goya tiene la ventaja de transmitir un impacto directamente en lugar de tener, como Manet, imaginar un evento histórico desde una gran distancia. Su pintura mitológica fue especialmente creativa: ver, por ejemplo: El coloso (1808-12, Prado, Madrid) y lo horrible Saturno devorando a su hijo (1821, Prado, Madrid).
Pintura española en el siglo XX
En el siglo XIX, después de Goya, el arte en España fue una vez más un campo en barbecho, siendo testigo solo del evocador impresionismo "solar" del pintor catalán Joaquín Sorolla y Bastida (1863-1923), alrededor del cambio de siglo. Pero el siglo XX ha sido testigo de otro desarrollo extraordinario después de un largo intervalo, esta vez en un contexto internacional. La figura más importante en la pintura española del siglo XX es Pablo Picasso (1881-1973). Al igual que Goya, gran parte del arte de Picasso es biográfico, aunque pasó la mayor parte de su vida en Francia. Mejor recordado por su invención de Cubismo (con Georges Braque), posiblemente el más influyente de todos los movimientos de arte Moderno , así como imágenes icónicas como: Les Demoiselles d’Avignon (1907, Museo de Arte Moderno, Nueva York) y Guernica (1937, Reina Sofía, Madrid), fue un artista muy influyente y prolífico en una amplia variedad de medios. Sin embargo, después de 1940, su trabajo nunca más recuperó su antigua gloria. Junto a Picasso y Braque en el movimiento cubista parisino durante el período c. 1910-20, fue Juan gris (1887-1927), (nacido José Victoriano González), quien se convirtió en un destacado teórico del cubismo, al que contribuyó collage y color vivo. Murió joven de asma cardíaca. Unos seis años más joven que Gris, el nacido en Barcelona Joan Miró (1893-1983) primero recurrió a Surrealismo , a lo que contribuyó con una serie de fascinantes estilos de fantasía, más tarde biomórficos, pinturas abstractas . Aunque produjo el trabajo representativo ocasional, se centró en el arte abstracto. Experimentando casi hasta el final de su vida, produjo una notable serie de pinturas monocromas azules (1961, Museo Nacional de Arte Moderno, Centro Pompidou, París). Podría decirse que el pintor español más extraordinario del siglo XX fue Salvador Dalí (1904-89), el clasicista convertido en surrealista, quien inventó el impresionante concepto de "paranoia crítica" para explicar el automatismo en la pintura. Famoso por sus imágenes extrañas y alucinantes, Dali también trabajó en muchos otros medios, incluida la película. A pesar de una larga vida, nunca mejoró en sus pinturas de la década de 1930. Activo en Barcelona, Antoni Tapies (n. 1923) es el pintor español más eminente del período de posguerra. Después de incursionar en el surrealismo, después de Joan Miro y Paul Klee, comenzó a trabajar en medios mixtos, desarrollando el estilo de Matter Painting . En 1958 fue galardonado con el Premio de Pintura en el Carnegie International en Pittsburgh, y el premio de la UNESCO en la Bienal de Venecia.
Las mejores pinturas españolas
Importantes escultores y pintores españoles
Alonso Berruguete (c.1486-1561)
Destacado pintor y escultor manierista español.
Juan de Juni (1507-1577)
Artista francés activo en España; clasificado junto a Alonso Berruguete.
Juan Martinez Montanes (c.1568-1649)
Gran escultor español de la época barroca, famoso por sus esculturas religiosas en madera.
Alonso Cano (1601-1667)
Artista español apodado "el Miguel Ángel español" por su versatilidad.
Colecciones de arte español
Las obras de maestros españoles se pueden ver en muchos de los mejores museos de arte en todo el mundo, en particular los siguientes:
Museu Nacional d’Art de Catalunya, Barcelona (MNAC)
El Museo Nacional de Arte de Cataluña abrió sus puertas en 1995 y reúne los fondos del antiguo Museu d’Art de Catalunya y el Museu d’Art Modern. Entre los pintores y escultores catalanes españoles representados están: Santiago Rusinol, Pau Gargallo, Antoni Gaudi , Ramon Casas, Isidre Nonell y muchos otros.
Museu Picasso, Barcelona
Iniciada por Jamie Sabartes, un amigo cercano de Picasso, la galería fue fundada en 1963 y tiene una de las colecciones más extensas de obras de arte (3.500 artículos) de Pablo Picasso.
Bilbao Guggenheim
Reconocido por su diseño arquitectónico posmodernista, el museo se especializa en formas de arte contemporáneo que incluyen instalación, video y películas, así como pintura, escultura y ensamblaje.
Museo del Prado, Madrid
Hogar de la mejor colección de pintura española del mundo, con obras maestras de El Greco, Murillo, Ribera, Zurbarán y otros antiguos maestros españoles. Los puntos destacados incluyen: Las Meninas de Velázquez; y Nude Maja de Goya.
Reina Sofía, Madrid
Museo nacional de arte del siglo XX de España, posee importantes posesiones de los dos pintores más importantes del siglo XX de España: Pablo Picasso y Salvador Dalí, incluida la famosa pintura contra la guerra Guernica . Otros artistas representados incluyen: Juan Gris, Joan Miró, Eduardo Chillida, Antoni Tapies y otros.
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