Francisco Zurbarán: pintor religioso español, caravagista Traductor traducir

Biografía: primeros años de vida y obras

Uno de los más devotos de España. Viejos maestros y creador de algunas de las imágenes más intensas de Pintura española Francisco Zurbarán nació en la localidad española de Fuente de Cantos, provincia de Badajoz (Extremadura), hijo de un próspero comerciante de ascendencia vasca. En 1614 se convirtió en aprendiz del pintor Pedro Díaz de Villanueva en Sevilla. Tres años después se mudó a Llerena, la ciudad más importante de la región, donde se casó con María Páez , una heredera nueve años mayor que él. Después de tener tres hijos, su esposa falleció, y en 1623 se casó con otra mujer de Llerena, Beatriz de Morales , una viuda. Zurbarán permaneció en Llerena durante once años y durante su estadía estuvo fuertemente influenciado por el quietismo español, un movimiento católico que promovió la comprensión de Dios a través del silencio sumiso y un programa de tareas penitenciales, todo lo cual, naturalmente, tuvo un efecto significativo sobre su pintura de bellas artes. Sigue siendo uno de los más activos.
contribuyentes a Arte católico de contrarreforma en España.

En 1626, aceptó una comisión del monasterio dominicano de San Pablo el Real, Sevilla, para pintar una serie de pinturas de óleo por su capilla oratoria. Una de estas obras, Cristo en la Cruz (1627, Instituto de Arte de Chicago), efectivamente hizo su reputación. Influenciado por la dramática luz y sombra del pintor italiano Caravaggio (1573–1610), el tenebroso español Francisco Ribalta (1565-1628) y el modelado de los españoles Barroco artista Juan Martínez Montañes (1568–1649), la pintura presenta un Cristo naturalista cuyo impacto escultórico se realza con un fondo oscuro y una fuerte iluminación. Aunque la quietud límpida del cuerpo indica muerte, la tensión descendente se introduce por su hundimiento descendente, que hace que la cabeza de Jesús caiga sobre su hombro. Una obra maestra del catolicismo Arte cristiano, es un ejemplo perfecto de la naturalidad y claridad que exige la campaña de propaganda contrarreforma.

Alcanzando la madurez en Sevilla

En 1629, Zurbarán se mudó a Sevilla, donde se estableció (hasta alrededor de 1640) como el pintor líder en Andalucía. Durante este tiempo recibió comisiones por retablos y otros pinturas religiosas para monasterios y conventos de varias órdenes (cartujos, capuchinos, dominicanos, jeronimitas, entre otros), así como catedrales y otras autoridades eclesiásticas. La mayoría de las comisiones involucraban la representación de los famosos santos de las órdenes monásticas involucradas. Por ejemplo, para el Monasterio de la Calzada de la Merced, Sevilla, produjo una serie de obras (por ejemplo, Pedro el Apóstol, 1628, Prado, Madrid) que ilustran la vida de San Pedro Nolasco, el fundador de la Orden.

Sus primeras obras a menudo muestran la simplicidad sin adornos de la escultura de madera. Las figuras, ubicadas cerca de la superficie de la imagen, están fuertemente modeladas por una iluminación dramática contra fondos oscuros. Durante la década de 1630 su estilo realista, ejemplificado en su famosa Apoteosis de Santo Tomás de Aquino (1631), uno de sus mejores pinturas barrocas – da paso a una expresión más mística en obras como La adoración de los pastores (1638), influenciada por la figuración y la rápida pincelada del gran artista napolitano español Jose Ribera (1591-1652), y la intimidad de Velázquez (1599-1660).

Pintor del rey

En 1634, Zurbarán viajó a Madrid para completar una comisión real que le fue otorgada por instigación de Velázquez (1599–1660), ahora pintor de la corte del rey Felipe IV, que supervisaba la decoración del nuevo Palacio Real de Madrid. Para el Salón de los Reinos en el Palacio del Buen Retiro, Zurbarán creó diez pinturas de historia representando los trabajos de Hércules y una escena de batalla, La defensa de Cádiz contra los ingleses, este último es parte de una serie que incluyó la película de Velázquez Rendición de Breda (1635). Contrariamente a la tradición del siglo XVII de modelar héroes mitológicos sobre figuras clásicas, Zurbarán eligió, en cambio, hacer de Hércules un individuo robusto y terrenal de fuerza excepcional. Su éxito fue debidamente reconocido con el título honorífico de pintor para el rey.

Además de sus numerosas series de pinturas, Zurbarán también ejecutó muchas obras individuales, incluidas más de cuarenta pinturas de San Francisco de Asís. El éxtasis místico de estas imágenes está perfectamente ilustrado por los ojos hacia arriba y la boca abierta de San Francisco en Meditación (1635-1640). Al mismo tiempo, Zurbarán produjo una serie de exquisitos pinturas de bodegones, como Naturaleza muerta con limones, naranjas y una rosa (1633), y su obra maestra Naturaleza muerta con naranjas (1633).

Disminución y caída

A finales de la década de 1630, a pesar de estar en la cima de sus poderes creativos, la fortuna de Zurbarán cayó en picada. Primero, en 1639, Zurbarán se vio profundamente afectado por la muerte de su esposa Beatriz de Morales. Esto fue seguido por el repentino colapso de la economía española: una recesión que restringió severamente los ingresos y gastos de sus principales mecenas, las órdenes religiosas españolas. Al mismo tiempo, su austero estilo de pintura se estaba volviendo cada vez menos adecuado para la creciente moda religiosa de la piedad tierna, que comenzó a favorecer el sentimentalismo de enfoque suave del maestro nacido en Sevilla. Bartolomé Esteban Murillo (1617-82).

En un intento por compensar estas pérdidas, Zurbarán comenzó a exportar al mercado sudamericano, particularmente a centros religiosos como Lima y Buenos Aires. También incorporó un emocionalismo más manifiesto en pinturas como Cristo cargando la cruz (1653). Sin embargo, después de un tercer matrimonio (en 1644) y cuatro hijos adicionales para mantener, le resultó cada vez más difícil llegar a fin de mes. En 1658, se mudó a Madrid, donde imitó el estilo de Velázquez. arte de retrato como Doctor en Derecho (c.1658–1660). Lamentablemente, su arte ya no era apreciado, y murió en la miseria en agosto de 1664.

El arte de Zurbarán: una guía breve

El aspecto austero del realismo religioso en España está mejor representado por Francisco de Zurbarán. Las órdenes religiosas ascéticas naturalmente lo convirtieron en su pintor, y su mejor trabajo está asociado con las leyendas monásticas. Su estilo es, paradójicamente, apretado, lineal y, sin embargo, totalmente pictórico. Utiliza libremente la amplia y oscura sombra de los caravagianos, pero la mantiene en armonía con su actitud positiva. color. Modula sus superficies lisas para que expresen todo tipo de textura. Su arte es a la vez enfático y reticente, completamente de otro mundo, incluso cuando parece más específico. Es, a su manera, uno de los pintores católicos y serios más intransigentes que el mundo haya visto, y de todos Barroco español pintores del siglo XVII, quizás los más españoles.

Campeona del monasticismo ascético

Francisco de Zurbarán nació en 1598 de una familia campesina en el pueblo de Fuente de Cantos, en el norte de Andalucía. Desde aquí fue a Sevilla, donde primero estudió con un seguidor de Morales, luego con Juan de Roelas, y un oscuro diseñador de bordados, Pedro Díaz de Villanueva. Algunos historiadores piensan que el discreto brillo de los hilos de seda bien colocados puede haber proporcionado sugerencias para el manejo muy sutil de su pintura por Zurbarán. Pronto se convirtió en el pintor favorito de las órdenes monásticas más antiguas y ascéticas: agustinos, dominicanos, cartujos, franciscanos. Cabe recordar que las reformas instituidas por el Concilio de Trento habían tenido un doble efecto sobre las formas de piedad católica. En las órdenes monásticas, que se enlistaron en gran medida en las crueldades de la Santa Inquisición, la Contrarreforma produjo un nuevo énfasis en la fe y un retorno a la disciplina severa. De este monasticismo regenerado y endurecido, Zurbarán es el cronista visual, único por su poder y veracidad.

El piadoso sentimentalismo de su rival Murillo

Pero entre los laicos, particularmente entre las mujeres, la Contrarreforma, apoyada hábilmente por la Orden de los Jesuitas, fomentó un nuevo y altamente emocionalizado pietismo, por no decir sentimentalismo. La Madre de Dios, ya sea en la Natividad o en Su Asunción en medio de las nubes, debe ser una niña muy bonita y atractiva, los santos monásticos abrazan al niño Cristo, o abrazan apasionadamente los pies del Cristo crucificado. El ataque a las sensibilidades es implacable. Por supuesto, Murillo es el pintor que visualiza más plenamente este pietismo sentimental. Zurbarán de vez en cuando le hace concesiones, y cuando lo hace, en sus Madonnas, Sagradas Familias, Marías juveniles en oración o tejiendo, a menudo es sentimental hasta el punto de la tontería.

Santa Bonaventura refiriendo a Santo Tomás de Aquino al Crucifijo

Dado que hay muy poco desarrollo en el estilo de Zurbarán, podemos omitir obras tempranas relativamente poco importantes y pasar a una obra maestra de su temprana madurez como St. Bonaventura que refiere a Santo Tomás de Aquino al Crucifijo (Berlín). Fue pintado en 1629, como uno de una serie para un convento franciscano. Como todas esas series, se dispersó cuando se suprimieron las órdenes religiosas y las imágenes individuales se dispersaron en muchas galerías. La leyenda detrás de esta imagen es que el gran maestro dominicano de teología, Tomás de Aquino, visitando la celda del teólogo franciscano, Bonaventura, en París, le preguntó la fuente de su sabiduría divina. Bonaventura, volviendo la espalda a los estantes cargados con los libros de los grandes padres de la Iglesia, levanta una cortina y señala un crucifijo. Tomás de Aquino levanta las manos con asombro. Detrás de él, un grupo de cuatro franciscanos observa la escena con edificación y deleite.

Esta es una de las imágenes más dramáticas de una época y raza que valora lo dramático. Pero el drama es reservado y noble. Sin el conocimiento de la leyenda, uno sentiría una especie de emergencia moral. Esa impresión simplemente se profundiza cuando nos damos cuenta de que un espíritu demasiado racionalizador está siendo llamado a la verdadera fuente de todo conocimiento válido. Técnicamente, hay pocos Zurbarans más finos que este. Es difícil, o en la frase del pintor "fuerte", pero su rigidez es muy expresiva y preciosa. Gran parte del efecto depende de la sutil modulación de los bordes aparentemente duros y uniformes. Aquí quizás yace la superioridad técnica de Zurbarán sobre Ribera. Composicionalmente, la observación de áreas oscuras y claras (la silla, los libros de Bonaventura sobre la mesa y los estantes, las cortinas, el crucifijo, la mano y la manga blanca de Thomas Aquinas, la apertura de la puerta) es brillante e incluso emocionante, presentando un elemento de animación en un diseño generalmente muy estático. Una vez más, las áreas amplias, aparentemente planas, están muy cuidadosamente variadas para sugerir la textura de las cosas de lana o seda, carne, madera, vitela, todo esto con indicaciones mínimas de mayor refinamiento, como esperamos más bien en un Pintor de género holandés que en un pintor español de leyendas religiosas. Es esta paradoja de una exquisitez en el trabajo muy parecida a la de un pintor que, por casualidad, parece completamente no pintor, lo que constituye gran parte del atractivo estético de un fino Zurbarán.

Apoteosis de Santo Tomás de Aquino

La más grandiosa, la más renacentista en sentimiento, de las composiciones de Zurbarán es la Apoteosis de Santo Tomás de Aquino (1631, Sevilla). Abajo, en un claustro, ocho monjes o clérigos regulares miran hacia arriba a una visión donde Santo Tomás, con su pluma y libro, se encuentra en una nube que sostiene a los Cuatro Doctores Latinos sentados. La disposición de las cinco figuras es un semicírculo acortado, que se repite en lo alto y más lejos por cuatro figuras sagradas en el cielo superior. En sus líneas generales, la composición se remonta a una composición simétrica del Renacimiento, como la de Disputa sobre el Sacramento por Rafael. La sepultura del conde Orgaz, en Toledo, por El Greco podría haber sido el intermediario, aunque las composiciones de Raphael eran completamente accesibles en forma de grabado.

El efecto de la apoteosis de Santo Tomás de Aquino se basa en gran medida en el éxito con el que las figuras realistas se ajustan a una composición que naturalmente requeriría la estilización de las figuras. Pocas imágenes expresan tanta espiritualidad a través de elementos terrenales. Zurbarán ubica su visión en una logia a través de los arcos de los cuales se mira a una plaza de la catedral española. Incluso las nubes que sostienen a sus santos glorificados parecen tan capaces de soportar el peso como el techo de una caverna de piedra caliza. No hay nada de la poesía convencional que generalmente caracteriza tales temas y composiciones; en cambio, solo una prosa devocional varonil y sonora.

San Hugo entrando al refectorio

Las imágenes pintadas en 1636 para un monasterio cartujo están bien Zurbarans, siendo libres de Renacimiento influencia. Lo más llamativo de la serie es la entrada de San Hugo en el Refectorium (Sevilla). Siete cartujos severos están sentados alrededor de una mesa en el momento de decir gracia. Desde la derecha, el viejo y decrépito cofundador de la orden, San Hugo, se tambalea sin ser observado, excepto por el camarero. La severidad general y la rigidez de la composición se ven animadas por el gran cuadro en la pared y por la visión a través de una puerta a la derecha. El efecto depende menos de las características estilísticas que de la energía de caracterización y los refinamientos de la mano de obra que ya hemos descrito.

Labores de Hércules

En 1637, Zurbarán fue llamado a Madrid para pintar los trabajos de Hércules para el palacio real del Buen Retiro. El trabajo, en el que los asistentes sin duda participaron, revela sus limitaciones. Utilizó modelos vulgares, exageró todos los esfuerzos musculares y, en general, le fue tan mal con el tema como cualquier aficionado italiano de la generación anterior a él. De hecho, ¿algún español ha pintado alguna vez un tema clásico con alguna convicción, por no decir con poesía? El sentido de una juventud más bella y grandiosa del mundo parece simplemente carecer del temperamento nacional.

Retrato de suso

El Dr. Kehrer escribe que el principal esfuerzo de Zurbarán fue pintar la figura única de la manera más monumental. Siendo este el caso, quizás esté mejor representado por sus mejores figuras individuales que por sus composiciones. Eminente entre muchos retratos ideales es el del místico alemán, Suso, Sevilla. Es notable por la gentileza con la que se expresa el éxtasis religioso, y esta ternura se repite en un paisaje idílico. Entre los pocos retratos puros, ninguno es más fino que el de un cartujo de lectura (Hispanic Society, Nueva York). Como de costumbre, Zurbarán enfatiza, quizás un poco demasiado, la conciencia de un espectador. Pero la pintura es del tipo más sobrio, las modulaciones de las sombras del mayor refinamiento y todo lo que revela un carácter melancólico pero firme.

Retratos de mujeres santas

Probablemente los Zurbarans más famosos y populares son sus retratos completos e ideales de las santas más queridas. Los representa como grandes damas de su propia España. Por lo tanto, sus ricos trajes le dan oportunidades como colorista, como sus súbditos monásticos no pueden permitirse. Elegir entre ellos es difícil. La más virginal y decorativa es la Santa Isabel. Aún mejor, por su orgullo español, es la St. Mathilda en Estrasburgo. Para dar al personaje y al rico disfraz un valor total, todas las imágenes de este tipo están pintadas sin accesorios y con el fondo más simple. Cabe señalar que el efecto es tan masivo como rico.

Pintura de bodegones

Posiblemente el técnico exquisito en Zurbarán sea aún más evidente en algunos bodegones que investigaciones recientes le han devuelto. Al representar las hileras de recipientes de metal y cerámica dispuestos en un largo oblongo, Zurbarán ordena el énfasis espectral de nuestros surrealistas modernos, mientras que, a diferencia de ellos, sugiere las texturas variadas con reticencia pero por completo. La obra muestra al pintor puro liberado de la presión religiosa.

Retrato de san francisco

Sobre los últimos años de Zurbarán hay poco que notar, excepto una intensificación de su sentimiento religioso y una expresión del mismo que ocasionalmente se aparta de su declaración simple habitual y alista misterio. Tal es el caso de St. Francis (National Gallery, Londres), donde incluso con la cara y los ojos casi ocultos en la sombra existe el sentido más pleno de oración apasionada. El manejo de los bordes de la figura es extremadamente fuerte y delicado.

En los últimos años hay indicios de una infeliz influencia de la maravilla juvenil, Murillo, en ciertas Madonnas altamente sentimentales. Quizás el último y más notable monumento de sí mismo es la extraña imagen en una colección privada en Madrid que representa al artista anciano y demacrado que admira al Cristo crucificado. Es una imagen muy dolorosa, en cierto sentido una mala imagen, pero también es una imagen muy impresionante por su expresión de profunda compasión religiosa. Poco después de pintarlo, en 1664, a los sesenta y seis años, Zurbarán murió.

Legado

Sobre su propia España dejó una impresión duradera. En la época victoriana Gustave Courbet Lo consideraba una maravilla. Cuando a finales del siglo xvm se proscribieron las órdenes religiosas españolas, los museos del mundo se alegraron de comprar sus cuadros dispersos, con el resultado de que tal vez sea de todos Artistas barrocos españoles El más accesible para los amantes del arte en general. Su incisivo arte religioso es una declaración simple y completa y ningún pintor necesita menos comentarios críticos. Es fácil ver sus limitaciones. Considerarlos como defectos sería una tontería, porque de estas limitaciones él hizo cualidades positivas en su ilustración realmente maravillosa del tema de la piedad ascética.

Las obras de Francisco Zurbarán se pueden ver en el mejores museos de arte a traves del globo.