Las vicisitudes del destino: cómo en el Reino Unido cambió la actitud hacia el trabajo de Caravaggio Traductor traducir

LONDRES. El próximo mes, la National Gallery de Londres inaugura la exposición "After Caravaggio" (Más allá de Caravaggio), que presentará el trabajo de los seguidores del maestro italiano de la época barroca. La exposición incluye 49 pinturas proporcionadas principalmente por instituciones educativas en el Reino Unido, como artistas como Orazio Gentileschi, Jusepe de Ribera y Valantin de Boulogne.

Cena en Emaús (1601-02)

La National Gallery tuvo mucha suerte: posee tres pinturas de Caravaggio, una de cada una de las etapas principales de la carrera del artista, pero las circunstancias de la adquisición muestran que su camino a Trafalgar Square fue más accidental de lo planeado. "Cena en Emaús" (La cena en Emaús, 1601), una obra maestra indudable, fue transferida a la galería en 1839, ocho años después de que el propietario no pudiera venderla en una subasta. Durante mucho tiempo se discutió la pintura "Salomé con la cabeza de Juan el Bautista" (Salomé recibe la cabeza de Juan el Bautista, 1609-10), y probablemente no se habría comprado si no fuera por la terquedad de Denis Mahon), el administrador de la galería, que persuadió al consejo a votar en contra de la opinión del director y por la imagen. Y finalmente, "El niño mordido por un lagarto" (Niño mordido por un lagarto, 1594-95), una de las mejores obras juveniles de Caravaggio, que fue vendida a un coleccionista privado estadounidense y solo la prohibición de exportación conservó la imagen para el país.

Pinturas de Caravaggio

A pesar de que hoy Caravaggio es uno de los artistas más importantes y reconocibles en la historia del arte, su personalidad y su trabajo no se entendieron completamente hasta el siglo XX. La rehabilitación de Caravaggio contribuyó a dos exposiciones. La primera se celebró en Florencia en 1922 y se dedicó a artistas italianos de los siglos XVII-XVIII, entre los que Caravaggio desempeñó un papel destacado. La segunda es la exposición de Roberto Longhi en Milán en 1951, donde las obras de Caravaggio y sus seguidores se presentaron por primera vez en el centro de atención.

Posteriormente se realizaron exhibiciones similares en Cleveland (1971) y Nueva York (1985), pero no en el Reino Unido. Y la razón de esto no fue la ausencia de científicos sobresalientes en el trabajo del italiano, sino todo lo contrario. Ellis K. Waterhouse (1905-1985), profesor universitario y especialista en barroco italiano, y Roger Hinks (1903-1963), que publicó la primera monografía sobre Caravaggio en inglés, también trabajaron en Gran Bretaña. Denis Maon (1910-2011), un ferviente defensor y coleccionista de pinturas barrocas italianas, que estudió Caravaggio a lo largo de su larga carrera como historiador del arte. Pero quizás más que cualquier otra contribución, Benedict Nicolson (1914-1978), editor de la revista científica Burlington Magazine, quien publicó un catálogo completo de pinturas de Caravaggio y sus seguidores en la década de 1970, hizo una contribución. Este fue el primer intento serio en la historia para clasificar el trabajo de los artistas Karavagist. Los escritos de Nicholson siguen siendo relevantes para todos los que estudian Caravaggio.

Reevaluar la contribución de Caravaggio a la historia del arte en el Reino Unido tomó un tiempo considerable. Esto fue facilitado en parte por las opiniones despectivas expresadas por John Ruskin (1819-1900) y Roger Fry (1866-1934), dos críticos populares, cada uno de los cuales tuvo una profunda influencia en la formación de los gustos públicos en la segunda mitad del XIX y A principios del siglo XX. Para Ruskin, Caravaggio era sinónimo de "vulgaridad, estupidez e impiedad". En su "Escala de artista", a Caravaggio, Raphael, Guido Reni y Carracci se les asignó un lugar en la categoría "Escuela de error y vicio". El trabajo de Caravaggio Ruskin lo llamó vulgar y depravado, creía que, en busca de la verdad, Caravaggio mostró su incapacidad para ver la belleza del mundo, pero solo "horror y fealdad, y la impureza del pecado".

Fry, que en la mayoría de los asuntos no estaba de acuerdo con Ruskin, en este caso aceptó su punto de vista. Según él, fueron los artistas italianos los que "inventaron la vulgaridad y, más específicamente, la originalidad vulgar en el arte". Fry reprochó a Caravaggio por amar todo lo "cruel y excesivo". Estas declaraciones son consistentes con las palabras de Giovan Pietro Bellori, cuyo relato mayormente negativo, pero extremadamente convincente de la vida de Caravaggio ganó gran popularidad. Bellory criticó a Caravaggio por copiar servilmente la naturaleza, sin ninguna selección, y no es coincidencia que su definición de los seguidores de Caravaggio como "naturalistas" arraigara tan bien entre los críticos del siglo XIX en Gran Bretaña.

Ruskin condenó a Caravaggio no solo por el contenido, sino también por la tecnología. Acusó al artista de abuso de sombras, que pintó "por el bien de la sombra". Y, a pesar de la muy pequeña información biográfica sobre Caravaggio disponible en ese momento (a excepción de las historias de Bellory), tal iluminación en las pinturas se atribuyó al carácter fangoso del artista. A mediados del siglo XIX, el nombre Caravaggio a menudo se asociaba con escenas a la luz de las velas, aunque no pintó una sola pintura con una vela. Las velas son más características de otro artista, Gerrit van Honthorst, y estos dos artistas a menudo se confunden. ¿Cuál es la historia de cómo Van Honthorst atribuyó la "Toma de Cristo" de Caravaggio durante casi dos siglos?

Además, cualquier pintura con fuerte claroscuro comenzó a llamarse "Caravaggio", independientemente de sus estilos o características individuales. Hoy puede parecer sorprendente, pero a mediados del siglo XVII el arte de Caravaggio y sus seguidores cayó en el silencio final, y una revaluación completa de su trabajo ocurrió solo 300 años después. En muchos sentidos, el hecho de que Caravaggio viajó por Italia y nunca abandonó el país, nunca viajó a Europa, como, por ejemplo, Peter Paul Rubens o, en menor medida, Gentileschi y Honthorst, quienes trabajaron en la corte de Karl, contribuido a esta actitud. I. Para apreciar la mayor parte del trabajo de Caravaggio, era necesario venir a Italia, pero muy pocos decidieron este viaje.

Mientras que los museos en el Reino Unido mostraron total desprecio por el trabajo de Caravaggio, los museos estadounidenses, por el contrario, no perdieron la oportunidad de comprar su trabajo. Entonces, "San Juan Bautista en el desierto" (San Juan Bautista en el desierto, 1603-04) fue vendido en 1952 al Museo de Arte Nelson-Atkins en Kansas City. En el mismo año, The Musicians (1595) fueron comprados por el Metropolitan Museum of Art, Nueva York, y Martha and Mary (1598) por el Detroit Institute of Arts. en 1973, solo dos años después de que la pintura no se pudiera vender en una subasta en Londres. El interés ha crecido aún más después de la exposición de Longy en 1951 en Milán.

Curiosamente, el propietario de los Músicos, WG Thwaytes, escribió al Director de la Galería Nacional en febrero de 1952, informando que el Museo Metropolitano ofreció £ 25,000 por la pintura, pero antes de llegar a un acuerdo, le gustaría saber si la galería está interesado en esta foto. La oferta de Thwaites fue rechazada, los "Músicos" obtuvieron debidamente una licencia de exportación y se fueron a Nueva York. Los archivos han conservado información que en esos años la gerencia de la galería no tenía interés en el trabajo de Karavoggio, y el director Philip Hendy no sabía nada de tal artista. Mahon se convirtió en administrador de la Galería Nacional en 1957, cinco años después de la venta de "San Juan Bautista en el Desierto" y "Músicos".

Del mismo modo, las pinturas de los seguidores de Caravaggio abandonaron Gran Bretaña. Un vívido ejemplo fue el Adivino (1620) Valantena, que el noveno duque de Rutland vendió bajo la apariencia de Caravaggio. Hoy la pintura está en el Museo de Arte de Toledo.

A pesar de este resultado, las colecciones públicas y privadas en las Islas Británicas siguen siendo sorprendentemente ricas en pinturas de Caravaggio y sus seguidores. La reevaluación de la creatividad que tuvo lugar en el siglo pasado confirmó su habilidad y verdadera originalidad como artista. Incluso Roger Fry, que de ninguna manera es fanático de su talento, comentó astutamente hace más de cien años que Caravaggio fue en muchos sentidos "el primer artista contemporáneo, el primer artista en hacer una revolución".

Artículo original: Las vicisitudes de Caravaggio: cómo la Galería Nacional aprovechó y perdió oportunidades para adquirir obras del maestro por Letizia Treves © EL ARTE PERIÓDICO

Traducción: Anna Sidorova © Gallerix.ru