Arte abstracto: definición, historia, tipos, características Traductor traducir

Definición y significado

El término ’arte abstracto’ – también llamado " arte no objetivo ", "no figurativo", "no representativo", "abstracción geométrica" o " arte concreto "- es un término general bastante vago para cualquier pintura o escultura que no retrata objetos o escenas reconocibles. Sin embargo, como veremos, no hay un consenso claro sobre la definición, los tipos o el significado estético del arte abstracto. Picasso pensó que allí no fue tal cosa, mientras que algunos críticos de arte consideran que todo el arte es abstracto, porque, por ejemplo, ninguna pintura puede esperar ser más que un resumen (abstracción) crudo de lo que ve el pintor. Incluso los comentaristas principales a veces no están de acuerdo sobre si un lienzo debe estar etiquetado como "expresionista" o "abstracto"; tome, por ejemplo, la acuarela Ship on Fire (1830, Tate) y la pintura al óleo Snow Storm – Steam Boat off a Harbour’s Mouth (1842, Tate), ambos de JMW Turner (1775-1851). Un ejemplo similar es Nenúfares (1916-20, National Gallery, Londres) de Claude Monet (1840-1926). Además, hay una escala móvil de abstracción: de semi-abstracto a totalmente abstracto. Entonces, aunque la teoría es relativamente clara – abst El arte de los hechos está separado de la realidad : la tarea práctica de separar lo abstracto de lo no abstracto puede ser mucho más problemática.

¿Cuál es la idea detrás del arte abstracto?

La premisa básica de la abstracción: por cierto, una cuestión clave de estética – es que las cualidades formales de una pintura (o escultura) son tan importantes (si no más) que sus cualidades representativas.

Comencemos con una ilustración muy simple. Una imagen puede contener un dibujo muy malo de un hombre, pero si sus colores son muy hermosos, sin embargo, puede parecernos una imagen hermosa. Esto muestra cómo una calidad formal (color) puede anular una representacional (dibujo).

Por otro lado, una pintura fotorrealista de una casa adosada puede demostrar un representacionismo exquisito, pero el tema, el esquema de color y la composición general pueden ser totalmente aburridos.

La justificación filosófica para apreciar el valor de las cualidades formales de una obra de arte se deriva de la declaración de Platón de que:

"Las líneas rectas y los círculos son… no solo hermosos… sino eterna y absolutamente hermosos".

En esencia, Platón significa que las imágenes no naturalistas (círculos, cuadrados, triángulos, etc.) poseen una belleza absoluta e inmutable. Por lo tanto, una pintura se puede apreciar solo por su línea y color: no necesita representar un objeto o escena natural. El pintor, litógrafo y teórico del arte francés Maurice Denis (1870-1943) estaba haciendo lo mismo cuando escribió: "Recuerde que una imagen, antes de ser un caballo de guerra o una mujer desnuda… es esencialmente una superficie plana cubierta de colores ensamblados en un cierto orden ".

Algunos artistas abstractos se explican a sí mismos diciendo que quieren crear el equivalente visual de una pieza musical, que se pueda apreciar por sí mismo, sin tener que hacer la pregunta "¿de qué se trata esta pintura?" Whistler, por ejemplo, solía dar títulos musicales a algunas de sus pinturas como Nocturne: Blue and Silver – Chelsea (1871, Tate Collection). (Ver también: Evaluación de arte: cómo apreciar el arte .)

Tipos de arte abstracto

Para simplificar las cosas, podemos dividir el arte abstracto en seis tipos básicos:

Algunos de estos tipos son menos abstractos que otros, pero todos se preocupan por separar el arte de la realidad.

Arte abstracto curvilíneo

Este tipo de abstracción curvilínea está fuertemente asociada con Arte celta , que empleó una variedad de motivos abstractos que incluyen nudos (ocho tipos básicos), patrones entrelazados y espirales (incluido el triskele o el triskelion). Estos motivos no eran originales de los celtas: muchas otras culturas tempranas habían estado utilizando estos diseños celtas durante siglos: ver, por ejemplo, los grabados en espiral en la Tumba del Pasaje Neolítico en Newgrange en Co Meath, creada unos 2000 años antes de la aparición de los celtas. Sin embargo, es justo decir que los diseñadores celtas dieron nueva vida a estos patrones, haciéndolos mucho más intrincados y sofisticados en el proceso. Estos patrones más tarde reaparecieron como elementos decorativos en los primeros manuscritos iluminados (c.600-1000 CE). Más tarde regresaron durante el Movimiento de Renacimiento Celta del siglo XIX y el influyente movimiento Art Nouveau del siglo XX: especialmente en portadas de libros, textiles, papel tapiz y diseños de chintz de personajes como William Morris (1834-96) y Arthur Mackmurdo (1851-1942).) La abstracción curvilínea también se ejemplifica con el "patrón infinito", una característica generalizada de Arte islámico .

Arte abstracto relacionado con el color o la luz

Este tipo se ejemplifica en las obras de Turner y Monet, que usan el color (o la luz) de tal manera que separan la obra de arte de la realidad, ya que el objeto se disuelve en un remolino de pigmento. Ya se han mencionado dos ejemplos del estilo de abstracción expresiva de Turner, a los que podemos agregar su Interior en Petworth (1837, Tate Collection). Otros ejemplos incluyen la secuencia final de pinturas de Nenúfares de Claude Monet (1840-1926), El Talismán (1888, Musée d’Orsay, París) de Paul Serusier (1864-1927), líder de Les Nabis , y varias obras fauvistas de Henri. Matisse (1869-1954). Varias de las imágenes expresionistas de Kandinsky pintadas durante su tiempo con Der Blaue Reiter se acercan mucho a la abstracción, al igual que Deer in the Wood II (1913-14, Staatliche Kunsthalle, Karsruhe) de su colega Franz Marc (1880-1916). El pintor checo Frank Kupka (1871-1957) produjo algunas de las primeras pinturas abstractas muy coloridas, que influyeron Robert Delaunay (1885-1941) que también confió en el color en su estilo de orfismo inspirado en el cubismo. La abstracción relacionada con el color resurgió a fines de la década de 1940 y 50 en forma de Color Field Painting, desarrollada por Mark Rothko (1903-70) y Barnett Newman (1905-70). En la década de 1950, surgió un tipo paralelo de pintura abstracta relacionada con el color, conocida como Abstracción lírica .

Abstracción geométrica

Este tipo de arte abstracto intelectual surgió desde aproximadamente 1908 en adelante. Una forma rudimentaria temprana fue Cubismo , cubismo específicamente analítico, que rechazó la perspectiva lineal y la ilusión de profundidad espacial en una pintura, para centrarse en sus aspectos bidimensionales. La abstracción geométrica también se conoce como arte concreto y arte no objetivo. Como es de esperar, se caracteriza por imágenes no naturalistas, típicamente formas geométricas como círculos, cuadrados, triángulos, rectángulos, etc. En cierto sentido, al no contener absolutamente ninguna referencia o asociación con el mundo natural, es la forma más pura de abstracción. Se podría decir que el arte concreto es para la abstracción, lo que el veganismo es para el vegetarianismo. La abstracción geométrica es ejemplificada por Black Circle (1913, Museo Estatal Ruso, San Petersburgo), pintada por Kasimir Malevich (1878-1935) (fundador del suprematismo); Broadway Boogie-Woogie (1942, MoMA, Nueva York) por Piet Mondrian (1872-1944) (fundador del neoplasticismo); y Composición VIII (La vaca) (1918, MoMA, Nueva York) de Theo Van Doesburg (1883-1931) (fundador de De Stijl y Elementarism). Otros ejemplos incluyen las fotos de Homenaje a la Plaza de Josef Albers (1888-1976), y Op-Art originado por Victor Vasarely (1906-1997).

Arte abstracto emocional o intuitivo

Este tipo de arte intuitivo abarca una mezcla de estilos, cuyo tema común es una tendencia naturalista. Este naturalismo es visible en el tipo de formas y colores empleados. A diferencia de la abstracción geométrica, que es casi antinatural, la abstracción intuitiva a menudo evoca la naturaleza, pero en formas menos representativas. Dos fuentes importantes para este tipo de arte abstracto son: Abstracción orgánica (también llamada abstracción biomórfica) y Surrealismo . Podría decirse que el pintor más famoso especializado en este tipo de arte fue el ruso Mark Rothko. Vea: Pinturas de Mark Rothko (1938-70). Otros ejemplos incluyen lienzos de Kandinsky como Composition No.4 (1911, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen), y Composition VII (1913, Tretyakov Gallery); El típico cajero, Gabel und Nabel (1923, Colección privada) de Jean Arp (1887-1966), Mujer (1934, Colección privada) de Joan Miró (1893-1983), Inscape: Morfología psicológica no 104 (1939, Colección privada) por Matta (1911-2002); e Divisibilidad infinita (1942, Allbright-Knox Art Gallery, Buffalo) por Yves Tanguy (1900-55). En escultura, este tipo de abstracción se ejemplifica en The Kiss (1907, Kunsthalle, Hamburg) por Constantin Brancusi (1876-1957); Madre e hijo (1934, Tate) de Barbara Hepworth (1903-1975); Pip gigante (1937, Museo Nacional de Arte Moderno, Centro Georges Pompidou) de Jean Arp; Tres figuras de pie (1953, Museo Guggenheim, Venecia) de Henry Moore (1898-1986).

Arte abstracto gestual

Esta es una forma de expresionismo abstracto, donde el proceso de hacer la pintura se vuelve más importante de lo habitual. La pintura se puede aplicar de formas inusuales, la pincelada suele ser muy floja y rápida. Famosos exponentes estadounidenses de pintura gestual incluir Jackson Pollock (1912-56), el inventor de Action-Painting, y su esposa Lee Krasner (1908-84) quien lo inspiró con su propia forma de pintura por goteo; Willem de Kooning (1904-97), famoso por su serie de obras Mujer ; y Robert Motherwell (1912-56), conocido por su serie Elegy to the Spanish Republic . En Europa, esta forma es ejemplificada por Tachisme , así como por el Grupo Cobra, especialmente Karel Appel (1921-2006).

Arte abstracto minimalista

Este tipo de abstracción era un tipo de volver a lo básico arte de vanguardia , despojado de todas las referencias y asociaciones externas. Es lo que ves, nada más. A menudo toma una forma geométrica, y está dominado por escultores, aunque también incluye algunos grandes pintores. Para obtener más información sobre el arte minimalista, consulte a continuación ("Abstracción posmoderna").

Orígenes e historia

Pinturas abstractas de la Edad de Piedra

Hasta donde podemos ver, el arte abstracto comenzó hace unos 70,000 años con grabados prehistóricos : a saber, dos piezas de roca grabadas con patrones geométricos abstractos, que se encuentran en la cueva de Blombos en Sudáfrica. Esto fue seguido por los abstractos puntos rojo-ocre y plantillas de mano descubierto entre los Pinturas rupestres de El Castillo , fechado en 39,000 a. C., el grabado neandertal en Cueva de Gorham, Gibraltar , y la imagen claviforme en forma de club entre los Pinturas rupestres de Altamira (c.34,000 a. C.). A partir de entonces, los símbolos abstractos se convirtieron en la forma predominante del paleolítico. arte rupestre , superando en número a las imágenes figurativas por 2: 1. Ver: Signos abstractos prehistóricos .

Del realismo académico a la abstracción

Hasta finales del siglo XIX, la mayoría de la pintura y la escultura seguían los principios tradicionales del realismo clásico, tal como se enseñaba en las grandes academias de Europa. Estos principios establecieron que el primer deber del arte era proporcionar una escena u objeto reconocible. Por mucho que se vea afectada por las demandas de estilo o medio, una obra de arte tuvo que imitar o representar la realidad externa. Sin embargo, durante el último cuarto del siglo XIX, las cosas comenzaron a cambiar. El arte impresionista demostró que el estricto estilo académico de la pintura naturalista ya no era la única forma auténtica de hacer las cosas. Luego, durante el período 1900-1930, desarrollos en otras áreas de arte Moderno proporcionó técnicas adicionales (que implican color, un rechazo de la perspectiva tridimensional y nuevas formas), que se utilizarían para promover la búsqueda de la abstracción.

Los artistas comienzan a alejarse de la realidad

El primero de los principales movimientos de arte moderno Subvertir el estilo académico del realismo clásico fue el impresionismo (fl.1870-1880), cuya paleta a menudo era decididamente no naturalista, aunque su arte se mantuvo firmemente y claramente derivado del mundo real, incluso si el trabajo final de Claude Monet sobre sus nenúfares El género parecía más parecido a la abstracción. La aparición del arte abstracto también fue influenciada por el Movimiento Art Nouveau (c.1890-1914).

Kandinsky, el expresionismo y el fauvismo demuestran el poder del color

El uso del color y la forma para mover al espectador fue primordial en el desarrollo del arte abstracto. El impresionismo, incluidas las variantes del puntillismo neoimpresionista y el postimpresionismo, ya habían llamado la atención sobre el poder del color, pero el expresionismo alemán lo convirtió en la piedra angular de la pintura. Uno de sus líderes Wassily Kandinsky (1866-1944) publicó un libro titulado ’On The Spirtual In Art’ (1911), que se convirtió en el texto fundamental de la pintura abstracta.

Kandinsky estaba convencido por las propiedades emocionales de la forma, la línea y, sobre todo, el color en la pintura. (Tenía una sensibilidad anormal al color, que podía oír y ver, una condición llamada sinestesia). Creía que una pintura no debía analizarse intelectualmente, sino que debía llegar a aquellas partes del cerebro que se conectan con la música.

Aun así, advirtió que el arte serio no debe ser guiado por el deseo de abstracción para convertirse en mera decoración. La mayoría de los expresionistas alemanes (por ejemplo, Ernst Kirchner, Karl Schmidt-Rottluff, Max Ernst, Alexei Jawlensky, Oskar Kokoschka, Franz Marc, August Macke y Max Beckmann) no eran pintores abstractos, pero su vívida paleta, junto con los escritos teóricos de Kandinsky, alertaron a otros artistas más inclinados a lo abstracto al poder del color como medio para lograr sus objetivos.

El estilo parisino de vanguardia del fauvismo (1905-08) simplemente subrayó el efecto del color con obras como Red Studio (1911, MoMA, NY) de Henri Matisse.

El cubismo rechaza la perspectiva y la profundidad pictórica

El cubismo (1908-14) fue una reacción contra la belleza decorativa del impresionismo. Picasso (1881-1973) y Georges Braque (1882-1963) desarrollaron este nuevo estilo en etapas: primero, cubismo prototipo (ver semi-resumen de Picasso Les Demoiselles d’Avignon , 1907, MoMA, NY); entonces Cubismo analítico (ver Nude Descending a Staircase No.2 , 1912, Philadelphia Museum of Art) de Marcel Duchamp (1887-1968); entonces Cubismo sintético , que estaba más orientado al collage. Su concepto básico era alejarse del arte bonito pero trivial del impresionismo, hacia una forma de arte más intelectual que explorara nuevos métodos para retratar la realidad.

En particular, rechazaron el método académico de representar la realidad mediante el uso de la perspectiva lineal (profundidad) para crear el efecto tridimensional habitual en una pintura. En cambio, mantuvieron todo en un plano plano bidimensional, sobre el cual presentaron diferentes ’vistas’ del mismo objeto: un proceso similar a tomar fotografías de un objeto desde diferentes ángulos, luego cortar las fotos y pegarlas en un superficie plana. Este método de usar una superficie plana para representar la realidad tridimensional, sacudió el arte hasta sus cimientos. Aunque la mayoría de las obras cubistas todavía se derivan de objetos o escenas en el mundo real, y por lo tanto no pueden considerarse totalmente abstractas, el rechazo del movimiento a la perspectiva tradicional socava completamente el realismo natural en el arte y, por lo tanto, abre la puerta a la abstracción pura.

Los escultores abstractos de inspiración cubista incluyen: Constantin Brancusi (1876-1957), quien también fue influenciado por el arte africano y oriental.
Raymond Duchamp-Villon (1876-1918), que utilizó dispositivos cubistas para representar el movimiento, y Jacques Lipchitz (1891-1973).

Para un estilo abstracto de pintura de principios del siglo XX que intentó combinar la composición cubista con el color y la música, ver: Orfismo . Un movimiento de arte británico anterior a la guerra, fuertemente influenciado por el idioma cubista, fue Vorticismo (1913-14), fundada por Percy Wyndham Lewis (1882-1957).

El Italiano Futurismo El movimiento (1909-13), fundado por Marinetti (1876-1944) y ejemplificado por Gino Severini (1883-1966) y Giacomo Balla (1871-1958), también fue influenciado por el cubismo, y a su vez inspiró a numerosos pintores con su énfasis en movimiento y tecnología. En escultura, el mayor efecto del futurismo fue en el desarrollo del arte cinético, influyendo en escultores abstractos como Naum Gabo (1890-1977) y Alexander Calder (1898-1976) (conocido por sus móviles).

NOTA: "Tubismo", inventado por Fernand Leger (1881-1955), era una forma de cubismo que utilizaba piezas cilíndricas y esféricas, en lugar de las piezas superpuestas planas del cubismo, e incluía numerosos motivos de máquina, que reflejaban la fe futurista de Leger en la tecnología. Ver, por ejemplo, funciona como: Soldados jugando a las cartas (1917, Museo Estatal Kroller-Muller, Otterlo); El mecánico (1920, Galería Nacional de Canadá); Tres mujeres (Le Grand Dejeuner) (1921, Museo de Arte Moderno, Nueva York).

El suprematismo y De Stijl presentan nuevas formas geométricas

La pintura y la escultura de bellas artes tradicionales se basan en formas tomadas del mundo real, de las cuales hay ejemplos ilimitados. En contraste, los artistas abstractos están obligados a confiar en formas artificiales y no naturales. Por lo tanto, el arte abstracto generalmente se ocupa de la producción de varias formas geométricas. Y el tamaño y el carácter de estas formas, su relación entre sí, así como los colores utilizados en todo el trabajo, se convierten en los motivos definitorios de la abstracción.

Suprematismo ruso

El movimiento de arte abstracto ruso conocido como Suprematismo , que fue nombrado por su líder Kasimir Malevich (1878-1935) por su afirmación de la supremacía de la sensación en el arte, apareció en 1915. Sin duda influenciado por Kandinsky, que ya había comenzado a producir una serie de obras concretas, Malevich produjo una serie de destacadas pinturas abstractas de vanguardia (bloques rectangulares de color liso que flotan sobre un fondo blanco) que estaban décadas por delante de su tiempo. Los vio como sucesores de las imágenes de iconos tradicionales de la Iglesia Ortodoxa Rusa en el estilo bizantino de la Antigüedad. En 1927, su teoría suprematista fue publicada en un libro titulado Die Gegenstandlose Welt (El mundo no objetivo). Lyubov Popova (1889-1924), junto con Alexander Rodchenko (1891-1956) considerado uno de los cofundadores del estilo ruso de Constructivismo (una escuela preocupada por el espacio, nuevos materiales, forma tridimensional, así como la ciencia y la reforma social) fue otro miembro importante del movimiento suprematista. Otro movimiento artístico ruso interesante que introdujo nuevas imágenes fue Rayonismo (o Luchism) (1912-14), fundada por Mikhail Larionov (1881-1964) y Natalya Goncharova (1881-1962). Los escultores abstractos que fueron influenciados por las ideas suprematistas / constructivistas incluyeron a Sophie Taeuber-Arp (1889-1943) y Naum Gabo (1890-1977).

De Stijl

De Stijl era el nombre de una revista de diseño y estética holandesa y un movimiento de arte de vanguardia, dedicado a la abstracción geométrica (arte no objetivo), que fue fundada y dirigida por Theo Van Doesburg (1883-1931). Su figura principal fue Piet Mondrian (1872-1944), que es famoso por su serie de cuadrículas rectangulares simples, que usan solo colores negro, blanco y colores primarios, un estilo que llamó Neoplasticismo ( Nieuwe Beelding ). Uno de los pioneros más influyentes del arte concreto durante el período 1920-1944, desarrolló su estilo geométrico preciso como una contradeclaración al caos emocional y la incertidumbre de la primera mitad del siglo XX. Involucrado con el grupo abstracto Cercle et Carre (1929-31), así como con el Grupo Abstraction-Creation (1930-6), se mudó a Nueva York en 1938, y supuestamente fue el primer pintor en trabajar para la música gramatical.

Van Doesburg fue menos dogmático, presentando una forma más relajada de neoplasticismo, llamada Elementarismo . También fue responsable, en 1930, de acuñar el término "Arte concreto". Lamentablemente murió en 1931, pero sus ideas fueron continuadas no solo por estudiantes de la Escuela de diseño Bauhaus (donde había dado una conferencia), pero también por el grupo Abstraction-Creation , dirigido por el artista belga Georges Vantongerloo (1886-1965) y los pintores franceses Jean Helion (1904-87) y Auguste Herbin (1882-1960). Otros miembros del grupo incluyeron la crema de abstraccionistas europeos, como Jean Arp (1886-1966), Naum Gabo (1890-1977), El Lissitzky (1890-1941), Antoine Pevsner (1886-1962), Barbara Hepworth (1903-1975) y Ben Nicholson (1894-1982). El ex arquitecto suizo Bauhaus, escultor y diseñador Max Bill (1908-94) fue otro seguidor que ayudó a promover el género en Suiza, Italia, Argentina y Brasil.

Abstracción Surrealista y Orgánica

Paralelamente al desarrollo del concretismo de estilo geométrico, durante las décadas de 1920 y 1930, los exponentes del surrealismo comenzaron a producir una gama de imágenes cuasianaturales de fantasía. Los principales ejemplos de este estilo de Abstracción Biomórfica / Orgánica fueron Jean Arp y Joan Miró ninguno de los cuales, como confirman sus muchos bocetos preparatorios, se basó en la técnica del automatismo. Su compañero surrealista Salvador Dalí (1904-89) también produjo algunas pinturas extraordinarias como The Persistence of Memory (1931, MoMA, NY) y Soft Construction with Boiled Beans (1936, Philadelphia Museum of Art). Jean Arp también fue un escultor activo especializado en abstracción orgánica, al igual que los escultores ingleses Henry Moore (1898-1986) y Barbara Hepworth (1903-1975). (Ver: Escultura británica moderna 1930-70.) Varios artistas abstractos europeos buscaron refugio en América, donde encontraron e influenciaron a una nueva generación de pintores abstractos indígenas. Estos emigrantes influyentes incluyeron pintores como Hans Hofmann (1880-1966), Max Ernst (1891-1976), Andre Masson (1896-1987), Arshile Gorki (1904-48), Yves Tangy (1900-55) y otros. Como sucedió, a pesar de la controversia que rodea a Nueva York Show de armería En 1913, la ciudad estaba desarrollando un gran interés en la abstracción. El Museo de Arte Moderno fue fundado en 1929, y el Museo de Pintura No Objetiva (más tarde renombrado Museo Samuel R Guggenheim), en 1939.

Nota: Para dos coleccionistas de pintura y escultura abstracta de la primera mitad del siglo XX, ver: Solomon Guggenheim (1861-1949) y Peggy Guggenheim (1898-1979).

Nota: Para una abstracción vanguardista en Gran Bretaña (c.1939-75), consulte: Escuela St Ives .

Expresionismo abstracto: más color, no más geometría

Aunque los artistas europeos de la posguerra mantuvieron su interés en el arte abstracto a través del Salon des Realites Nouvelles en París, en 1945 el centro del arte moderno se había trasladado a Nueva York, donde la vanguardia estaba representada por Escuela de nueva york de Expresionismo abstracto . Surgido de la Gran Depresión y la Segunda Guerra Mundial, este movimiento, nunca asociado con un programa coherente como tal, fue dirigido por Jackson Pollock (1912-56), Mark Rothko (1903-70), Willem De Kooning (1904-97), Clyfford Still (1904-80), Barnett Newman (1905-70) y Adolfo Gottlieb (1903-74). La próxima generación incluyó pintores como Robert Motherwell. El nombre del movimiento fue acuñado por Robert Coates, crítico de arte del New Yorker. Las ramas incluyen ’Pollock’ Pintura de acción ’y de Rothko’ Pintura de campo de color ’, y el curioso’ Impresionismo abstracto ’de Philip Guston (1913-80).

Pintura Expresionista Abstracta sigue siendo un término vago, a menudo confusamente aplicado a artistas que no son verdaderamente abstractos ni expresionistas, que describe una forma de pintura abstracta (no figurativa, no naturalista) en la que el color tiene prioridad sobre la forma; este último ya no es geométrico. Las primeras obras de este estilo generalmente llenaban lienzos a gran escala, cuyo tamaño fue diseñado para abrumar a los espectadores y atraerlos a otro mundo. La preocupación de los expresionistas abstractos con los efectos visuales, especialmente el impacto del color, era un reflejo de su objetivo principal: involucrar y explorar las emociones humanas básicas. Por lo tanto, una pintura expresionista abstracta se siente mejor intuitivamente en lugar de entenderse: la pregunta que se plantea es típicamente: ’¿qué te hace sentir?’ – en lugar de "¿qué está diciendo?"

Debe enfatizarse que este fue un movimiento amplio, que abarca diferentes estilos, incluyendo (como se mencionó) trabajos que fueron semi o no abstractos, así como aquellos caracterizados por la forma en que se aplicó la pintura, como Las pinturas de Jackson Pollock (goteado y vertido), y las obras de Willem de Kooning (pincelada gestual). Para dos trabajos tempranos interesantes que ilustran los diferentes estilos de estos dos artistas, vea: Mujer sentada (1944, Museo Metropolitano de Arte) por Willem de Kooning y Pasifas (1943, Metropolitan) por Jackson Pollock. El hecho de que fuera el primer gran movimiento artístico nacido en los EE. UU. Le dio un peso y una importancia adicionales: al menos en la mente de los críticos.

Más tarde, el expresionismo abstracto generó una serie de estilos individuales bajo el paraguas de Abstracción post-pictórica , una tendencia anti-gestualista. Estos estilos individuales incluyen: Pintura de borde duro , Pintura de manchas de color, Movimiento de color de Washington, Abstracción lírica estadounidense y Lienzo en forma. El expresionismo abstracto también provocó respuestas vanguardistas de varios otros artistas, incluidos Cy Twombly (1928-2011), cuyo garabato caligráfico es dibujo parcial, graffiti parcial; y el escultor abstracto californiano Mark Di Suvero (nacido en 1933) conocido por sus esculturas de hierro / acero a gran escala.

Europa: Art Informel, Tachisme & Cobra Group Gestualism

En Europa, un nuevo movimiento artístico conocido como Art Informel surgió a fines de la década de 1940. Visto como la versión europea del expresionismo abstracto, en realidad era un movimiento paraguas con una serie de sub-variantes. Estos mini-movimientos incluyen: (1) Taquismo , un estilo de pintura abstracta marcado por manchas y toques de color, fue promovido como la respuesta francesa al expresionismo abstracto estadounidense. Una influencia clave fue el artista estadounidense de vanguardia. Mark Tobey (1890-1976), cuyo estilo de pintura caligráfica completa anticipó el de Pollock. Miembros importantes incluyeron a Jean Fautrier (1898-1964), Georges Mathieu (1921-2012), Pierre Soulages (n. 1919), y el artista portugués Maria Helena Vieira da Silva (1908-92) y el expresionista abstracto estadounidense Sam Francis (1923-94). (2) La vanguardia Grupo Cobra , que practicaba el estilo gestual o de "pintura de acción" del expresionismo abstracto estadounidense. Fue fundada por pintores, escultores y artistas gráficos del grupo danés Host , el grupo holandés Reflex y el grupo belga surrealista revolucionario , que incluye: Asger Jorn (1914-73), el escritor belga Christian Dotremont (1922-79), Pierre Alechinsky (nacido en 1927), Karel Appel (1921-2006) y Constant (CA Nieuwenhuys) (1920-2005). Pol Bury (1922-2005) también fue miembro, pero en 1953 dejó de pintar para explorar la escultura cinética. (3) Abstracción lírica , un estilo más tranquilo y armonioso de Art Informel . Los miembros principales incluyen: Lobos (Alfred Otto Wolfgang Schulze) (1913-51), Hans Hartung (1904-89), Jean-Michel Atlan (1913-60), Pierre Soulages (n. 1919), Georges Mathieu (1921-2012), y Jean-Paul Riopelle (1923-2002). Otros subgrupos incluyen Forces Nouvelles y Art Non Figuratif .

Op-Art: la nueva abstracción geométrica

Uno de los estilos más distintos de pintura abstracta geométrica que surgió de la era modernista fue el Movimiento Op-Art (una abreviatura de ’arte óptico’) cuyo sello distintivo era el compromiso del ojo, por medio de patrones geométricos complejos, a menudo monocromáticos, para hacer que vea colores y formas que realmente no estaban allí. Los principales miembros incluyeron al pintor y diseñador gráfico húngaro Victor Vasarely (1908-97), y al pintor inglés Bridget Riley (nacido en 1931). El movimiento desapareció a principios de la década de 1970.

Abstracción posmoderna

Desde el comienzo de posmodernismo (desde mediados de los 60) arte contemporáneo ha tendido a fragmentarse en escuelas más pequeñas y locales. Esto se debe a que la filosofía predominante entre los movimientos de arte contemporáneo ha sido desconfiar de los grandes estilos de principios del siglo XX. Una excepción es el Minimalismo escuela, un estilo de abstracción geométrica de vuelta a lo básico ejemplificado por artistas posmodernos como escultores Donald Judd (1928-94) Sol LeWitt (1928-2007), Robert Morris (n. 1931), Walter de Maria (n. 1935), y Carl Andre (nacido en 1935). Otro escultor minimalista importante es Richard Serra (n. 1939) cuyas obras abstractas incluyen Arco inclinado (1981, Federal Plaza, Nueva York) y La materia del tiempo (2004, Guggenheim Bilbao). Los pintores abstractos destacados asociados con el minimalismo incluyen Ad Reinhardt (1913-67) Frank Stella (n. 1936), cuyas pinturas a gran escala involucran grupos entrelazados de formas y colores; Sean Scully (n. 1945) el pintor irlandés-estadounidense cuyas formas rectangulares de color parecen imitar las formas monumentales de las estructuras prehistóricas; así como Jo Baer (nacido en 1929), Ellsworth Kelly (n. 1923), Robert Mangold (n. 1937), Brice Marden (n. 1938), Agnes Martin (1912-2004) y Robert Ryman (nacido en 1930).

En parte, una reacción contra la austeridad del minimalismo, el neoexpresionismo fue principalmente un movimiento figurativo que surgió desde principios de la década de 1980 en adelante. Sin embargo, también incluyó a varios pintores abstractos destacados, como el ganador inglés Howard Hodgkin (nacido en 1932), así como a artistas alemanes. Georg Baselitz (nacido en 1938), Anselm Kiefer (nacido en 1945) y otros. Entre los otros artistas abstractos aclamados internacionalmente que lograron reconocimiento durante las décadas de 1980 y 1990, se encuentra el escultor británico Anish Kapoor (n. 1954), conocido por sus trabajos a gran escala en piedra labrada en bruto, metal fundido y acero inoxidable. Tanto Hodgkin como Kapoor son ganadores del Premio Turner.

Colecciones de arte abstracto

El arte no representativo se puede ver en la mayoría de los mejores museos de arte del mundo. Las siguientes instituciones tienen colecciones notables