Escultura abstracta, historia, tipos de arte no objetivo Traductor traducir

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Introducción: escultura del siglo XIX: figurativa y funcional

Siglo xix escultura era figurativo y funcional, y estaba dominado por el creciente materialismo de las sociedades a ambos lados del Atlántico. Probablemente la mayor parte de todas las comisiones escultóricas se dirigieron a la conmemoración de figuras importantes (por ejemplo, el Albert Memorial en Londres), eventos (por ejemplo, emigración a América, The Estatua de la Libertad ) o lugares (por ejemplo, Washington, el edificio del Capitolio de los Estados Unidos ; París, el Arco del Triunfo ). Irónicamente, sin embargo, la creciente funcionalidad del arte, más visible en la arquitectura de los rascacielos de América del siglo XIX, que no requería una decoración escultórica interna o externa, puede haber ayudado a allanar el camino para la introducción de la abstracción. Pero antes de que esto pudiera suceder, era necesario romper el dominio que el arte académico tradicional mantenía sobre la teoría y la práctica de la pintura y la escultura. Picasso y Braque debidamente obligados.

Cubismo: revolución a principios del siglo XX

La invención de Cubismo (fl.1908-14) por Pablo Picasso (1881-1973) y Georges Braque (1882-1963) sacudieron el mundo del arte hasta sus cimientos. Aquí había una forma de arte abstracto que (en su pintura) rechazó la perspectiva lineal y se centró por completo en el plano de la imagen. A pesar de la nueva semi-abstracción introducida en The Kiss (1907, Muzeul de Arta Craiova) por Constantin Brancusi (1876-1956), y en Crouching Figure (1907, Museum of Modern Art, Vienna) de Andre Derain (1880-1954), nunca antes se había visto nada como el cubismo. Aunque los pintores fueron los primeros en aplicar los principios cubistas, los escultores no se quedaron atrás. Las obras se volvieron más geométricas; La perspectiva se hizo más plana y más fragmentada. Pronto, una serie completamente nueva de trabajos en 3-D comenzó a surgir. Los ejemplos incluyen: Woman Walking (1912, Private Collection) de Alexander Archipenko (1887-1964); The Rock Drill (1913-14, MoMA, NY) por Jacob Epstein (1880-1959); El gran caballo (1914, Museo Nacional de Arte Moderno, París) por Raymond Duchamp-Villon (1876-1918); Hombre con guitarra (1915, MoMA, NY) por Jacques Lipchitz (1891-1973); Plato de frutas con uvas (1918) de Henri Laurens (1885-1954); Cabeza de mujer (1917-20, MoMA, NY) por Naum Gabo (1890-1977); y Torso (1924-6, MoMA, NY) por Antoine Pevsner (1886-1962).

El cubismo era demasiado radical para convertirse en parte de la corriente principal creativa. Aun así, hasta 1920 dominó la comunidad artística de vanguardia donde el arte no representativo ganó un punto de apoyo.

Futurismo: su influencia en el arte cinético

italiano Futurismo (fl.1909-14) no se vio afectado por la revolución cubista (especialmente en su pintura), pero su enfoque general fue diferente. Su objetivo era resaltar el dinamismo, la tecnología y la velocidad del mundo moderno. La obra maestra escultórica de antes de la guerra del movimiento fue, sin duda, Formas únicas de continuidad en el espacio (1913; emitidos en el MoMA NY, Tate London y otros lugares) por Umberto Boccioni (1882-1916). Sin embargo, el mayor efecto del movimiento fue en el desarrollo de Arte cinético , por lo que la escultura futurista abarca obras como: Bird in Space (1925-31, Kunsthaus, Zurich) de Constantin Brancusi (1876-1957); Placas Rotativas (1920, Galería de Arte de la Universidad de Yale, New Haven) por Marcel Duchamp (1887-1968); Kinetic Construction (1919-20, Tate Collection, London) de Naum Gabo (1890-1977); Hojas de aluminio, Red Post (1941, Lipman Family Foundation) y Arc of Petals (1941, Museo Guggenheim, NY), ambos por Alexander Calder (1898-1976) el inventor de los móviles; Relief Mobile 5 (1954, Musée d’Art Moderne, Saint-Etienne) de Pol Bury (1922-2005); y Signal: Insect Animal of Space (1956, Tate Collection, London) de Takis (Panayiotis Vassilakis) (n. 1925).

Dada Escultura Abstracta

los Movimiento Dada (1916-24) era demasiado antiarte como para ejercer una influencia generalizada. Aun así, tuvo un impacto significativo en el tipo de material del que se podía hacer arte. Mientras que anteriormente, la mayoría de las esculturas habían sido talladas o fundidas en madera, piedra, arcilla o bronce, Dada promovió el uso de materiales no tradicionales, incluidos varios tipos de metal, cartón, caucho, alambre, textiles, concreto, vidrio y basura en general. Quizás el ejemplo más extraordinario de la escultura dadaísta es la construcción " Merzbau " de Kurt Schwitters (1887-1948). Además, las "ready-mades" vanguardistas creadas por Marcel Duchamp (1887-1968) – como Wheel Wheel (1913, Musee National d’Art Moderne, Paris), Bottle Rack (1914, Musee National d’Art Moderne, Paris) y Fountain (1917, copia en Musee National d’Art Moderne, París) – también fueron dadaístas por excelencia, ya que socavaron las convenciones del arte académico.

Escultura abstracta constructivista

La escultura abstracta antes, durante y después de la Primera Guerra Mundial continuó estando fuertemente influenciada por los desarrollos de vanguardia en París, pero también en la Rusia prerrevolucionaria, donde el fervor artístico y político se fusionó en escuelas modernistas como el rayonismo, Suprematismo y Constructivismo . El último, el único de los tres en involucrar arte en 3D, instó a los escultores a construir (no tallar, modelar o moldear) estructuras con materiales industriales (metal, vidrio, plástico). El estilo se ejemplifica en obras como: Construction No.557 (1919) de Konstantin Medunetsky (1899-1935); Torre de fuego (1919-20) de Johannes Itten (1888-1967); Monumento a la Tercera Internacional (1920, Museo Nacional de Arte Moderno, París) por Vladimir Tatlin (1885-1953); y Construcción espacial No.12c (1920, MoMA, NY) por Alexander Rodchenko (1891-1956). La columna sin fin de Brancusi (1938, Targu Jiu, Rumania) también podría incluirse en la categoría de escultura constructivista.

Escultura Abstracta De Stijl

Durante la década de 1920 en Holanda, la abstracción geométrica alcanzó su cenit en el Movimiento de Stijl (1917-31), que inicialmente promovió Neoplasticismo – inventado por Piet Mondrian (1872-1944) – y Elementarismo – fundada por Theo Van Doesburg (1883-1931), el hombre que también acuñó el término arte concreto . De Stijl disfrutó de un seguimiento relativamente fuerte en arquitectura, pintura y entre diseñadores modernos como los de Escuela de diseño Bauhaus , pero no entre escultores. Mientras tanto, París seguía siendo el centro indiscutible del arte abstracto, sobre todo porque atraía a refugiados de los estados totalitarios de Rusia y Alemania, donde la abstracción estaba prohibida como burguesa o degenerada, respectivamente. Dos grupos importantes para artistas abstractos, que surgieron en París durante este período fueron Cercle et Carre y Abstraction-Creation .

Grupos de artistas abstractos vanguardistas (años 30)

Cercle et Carre (1929-31)

Cercle et Carre (círculo y cuadrado) fue un grupo de exhibición (y revista) para escultores y pintores abstractos, formado en París en 1929 por el crítico Michel Seuphor (1901-99) y el pintor Joaquín Torres-García (1874-1949). Su enfoque principal era la abstracción geométrica, pero permaneció abierto a todo tipo de trabajo no representativo, una debilidad que provocó a Theo Van Doesburg (1883-1931), el sumo sacerdote de la geometría arte no objetivo , para lanzar su propia crítica llamada Art Concret , en 1930. Cercle et Carre realizó solo una exposición, que tuvo lugar en la Galerie 23 en abril de 1930, pero fue la primera exposición de arte dedicada exclusivamente al arte abstracto. Participaron más de cuarenta artistas, incluidos Kandinsky (1866-1944), Piet Mondrian (1872-1944), Georges Vantongerloo (1886-1965), Kurt Schwitters (1887-1948) y otros.

Abstracción-Creación (1931-36)

Cercle et Carre duró menos de dos años. Fue reemplazado en febrero de 1931 por una nueva asociación conocida como Abstraction-Creation , que se dedicó exclusivamente al arte no objetivo (geométrico). Los miembros fundadores incluyeron al escultor y pintor belga Georges Vantongerloo, y los pintores franceses Jean Helion (1904-87) y Auguste Herbin (1882-1960). Miembros posteriores presentaron la crema de escultores abstractos europeos, como Jean Arp (1886-1966), Antoine Pevsner (1886-1962) y su hermano Naum Gabo (1890-1977), El Lissitzky (1890-1941), Alexander Calder (1898 -1976, Barbara Hepworth (1903-1975) y Ben Nicholson (1894-1982). Abstraction-Creation realizó una serie de exposiciones colectivas y publicó una revista ilustrada una vez al año (1932-6) llamada Abstraction-Creation: Non-Figurative Art . Un ejemplo de escultura de abstracción-creación es Endless Ribbon (1935) de Max Bill (1908-94), el ex escultor suizo de la Bauhaus. Este trabajo ejemplifica el concepto de Mobius de una superficie que se convierte en una estructura espacial al ser torcida 180 grados alrededor de su eje longitudinal. Esto da como resultado la paradoja matemática de una tira que tiene una sola superficie y borde pero toma la forma de un bucle continuo. Aunque supuestamente se limita a la abstracción geométrica, muchos de los miembros de Abstraction-Creation pasaron a formas de arte no geométricas, como la abstracción orgánica y el arte cinético.

Unidad Uno (1933-5)

Otra asociación de artistas abstractos se formó en Gran Bretaña en 1933, bajo el nombre de Unidad Uno . Los miembros incluyeron a los líderes de escultura británica moderna , a saber, Moore y Hepworth, así como el pintor Paul Nash (1889-1946). En abril de 1934, la asociación publicó un libro llamado Unit One: The Modern Movement in English Architecture, Painting and Sculpture , programado para coincidir con su única exposición grupal en la Galería Mayor, Londres: el espectáculo luego viajó a Belfast, Swansea, Liverpool y Manchester. A pesar del libro y la exposición, el grupo no tenía manifiesto ni programa, de hecho, abarcaba tanto la abstracción como el surrealismo, dos estilos que se promovieron en exposiciones separadas en Londres, en 1936. Como resultado, siempre iba a ser una lucha para mantener una identidad grupal focalizada, y la Unidad Uno se disolvió debidamente en 1935. Sin embargo, tuvo un impacto significativo en los británicos arte de vanguardia de mediados de la década de 1930, para lo cual ver también el Escuela St Ives (c. 1939-75).

Abstracción orgánica y fantasía surrealista (1930 en adelante)

Inspirado en formas naturales, abstracción biomórfica / orgánica en escultura se ejemplifica en obras como: Concentración humana (1934, Museo Nacional de Arte Moderno, París) y Deméter (1961, Museo de Israel, Jerusalén), ambos por Jean Arp (1887-1966); Madre e hijo (1934, Tate Collection, Londres) por Barbara Hepworth (1903-1975); Abstracción (1940, Georgia O’Keeffe Museum, Santa Fe) por Georgia O’Keeffe (1887-1986); Mujer agachada (La despedida) (1940-1) de Henri Laurens; y dos formas (1966, mármol de Soraya, Colección privada Staehein, Zurich) por Henry Moore (1898-1986). Una de las esculturas surrealistas más poderosas es La mujer con el corte de garganta ( La Femme Egorgee , 1932, Colección privada) de Alberto Giacometti (1901-66). Una mujer de crustáceos metamórficos con la garganta cortada yace en el suelo en una convulsión que combina el acto de amor y la agonía. Más caprichoso Surrealismo está representado por esculturas como Figura con paraguas (1931) y Objeto (1936), ambas por Joan Miró (1893-1983); Espárragos lunares (1935) por Max Ernst (1891-76); y Eyes, Nose and Cheek (1939, Tate Collection, London) de FE McWilliam (1909-1992).

Escultura abstracta de posguerra (c. 1945-65)

A pesar de los esfuerzos de varios artistas y grupos abstractos, el arte figurativo siguió siendo predominante durante los años de entreguerras (1920-40). Sin embargo, el impacto de la Segunda Guerra Mundial en las bellas artes fue profundo, sobre todo porque quedaban muy pocas imágenes poderosas en las mentes de las personas que no fueran violentas o que fueran significativas después del Holocausto y la gran cantidad de muertos en la guerra. (Ver también Arte del Holocausto 1933-45.) La fotografía y el metraje cinematográfico también habían comenzado a cautivar la imaginación del público, permitiendo menos espacio para las imágenes figurativas hechas a mano. Como resultado, la abstracción despegó repentinamente, al menos en la pintura. americano expresionismo abstracto lideró el camino, paralelamente a Art Informel y Tachisme en Europa.

Escultura abstracta de Neo-Dada: ensamblajes

En contraste, la escultura abstracta siguió un curso ligeramente diferente. En lugar de centrarse en un tema no figurativo, se concentró en materiales, de ahí la aparición de Arte de ensamblaje – una forma de arte visual tridimensional hecho de objetos cotidianos, que el artista dice que "encuentra" (objets trouves). Popular en las décadas de 1950 y 1960 en Estados Unidos, el ensamblaje colmó la brecha entre collage y escultura, mientras que su uso de materiales no artísticos, una característica de Arte Neo-Dada – anticipó el uso de objetos producidos en masa en Pop-Art. La escultura de ensamblaje está ejemplificada por las obras de Louise Nevelson (1899-1988), como Mirror Image 1 (1969, Museo de Bellas Artes, Houston ), y por Jean Dubuffet (1901-85) y su Monumento con la bestia de pie (1960, James R. Thompson Center, Chicago). El idioma fue impulsado considerablemente por una exposición importante, " The Art of Assemblage ", en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, en 1961.

Otros ejemplos del estilo neodadaista " arte basura "incluyen Hudson River Landscape (1951, Whitney Museum of American Art) y Australia (1951, MoMA, NY), ambos por David Smith (1906-1965); Sin título (madera, piezas de metal, clavos) (1960, Museo de Arte Moderno de Nueva York) de Jesús Rafael Soto (nacido en 1923); y ciertas "cosechadoras" por Robert Rauschenberg (1925-2008), como First Landing Jump (hecho de: pintura, tela, metal, cuero, accesorios eléctricos, cable, pintura al óleo, tablero) (1961, MoMA, NY). Sin título (fieltro industrial) (1967, Kunsthalle, Hamburgo) por Robert Morris (n. 1931) es otro ejemplo del uso de materiales inusuales en la escultura, como lo es el minimalista Monumento a Vladimir Tatlin (tubos de luces de neón) (1975, Museo Nacional de Arte Moderno, Centro George Pompidou) de Dan Flavin (1933-96).

Dada también exaltó el arte sin sentido, y ¿qué es más absurdo que una escultura que se autodestruye? Sin duda este fue un elemento importante en la filosofía detrás del trabajo de Jean Tinguely (1925-91), el maestro insuperable de la escultura autodestructiva, cuya obra maestra se considera generalmente como Homenaje a Nueva York (1960, Museo de Arte Moderno de Nueva York).

Un excelente ejemplo de escultura pop abstracta es la arte de palabras género adoptado por Robert Indiana (n. 1928) en su serie de esculturas LOVE.

Escultura abstracta de metal (1960 en adelante)

La década de 1960 también fue testigo del comienzo de una nueva y amplia tradición de escultura en metal, que va desde lo portátil a lo monumental. Tales obras incluyen: Escultura para un gran muro (1956-7, MoMA, NY) por Ellsworth Kelly (nacido en 1923); Mediodía (1960, MoMA, NY) por Sir Anthony Caro (1924-2013); Die (1962, MoMA, NY) por Tony Smith (1912-1980); Obelisco roto (1963-9, MoMA, NY) por Barnett Newman (1905-70); Storm Angel (1973-4, Square Chabas, Chalon-sur-Saone) por Mark Di Suvero (nacido en 1933); y una serie de obras de Eduardo Chillida (1925-2002), que culminaron en su escultura costera Wind Comb (1977, Bahía de San Sebastián, España).

Escultura Minimalista

Minimalismo , una reacción a las variaciones cada vez más complejas del expresionismo abstracto, fue un movimiento purista que se extendió a través de la pintura, la escultura, la arquitectura y el diseño. Buscó su propia verdad artística en una variedad de estructuras de estilo geométrico ultra simplificadas, típicamente hechas de materiales industriales. Sigue siendo una de las formas más oscuras de arte contemporáneo . Las esculturas abstractas minimalistas incluyen: Cage II (1965, MoMA, NY) de Walter de Maria (nacido en 1935); Proyecto Serie I (ABCD) (1966, MoMA, NY) por Sol LeWitt (1928-2007); Equivalente 1 (1966-9, Kunstmuseum, Basilea) por Carl Andre (nacido en 1935); y sin título (pila) (1967, MoMA, NY) por Donald Judd (1928-94). Para la llamada escultura ’post-minimalista’, ver obras de Eva Hesse (1936-70).

Resúmenes Monumentales

Arte posmodernista está obsesionado con el impacto, y crear una pieza de escultura monumental es una buena manera de lograrlo. El género ha sido defendido por varios artistas, entre ellos: Allen Jones (nacido en 1937), ver Dancers (1987, Cottons Atrium, London Bridge City, Londres); Richard Serra (n. 1939), véase La cuestión del tiempo (2004, Guggenheim Bilbao); Jonathan Borofsky (nacido en 1943), ver Walking Man (1994-5, Paula Cooper Gallery, NY); y Anish Kapoor (n. 1954), ver Marsyas (2002, Turbine Hall, Tate Modern, Londres).