Escultura abstracta, historia, tipos de arte no objetivo Traductor traducir

Introducción: la escultura del siglo XIX: figurativa y funcional

La escultura del siglo XIX fue figurativa y funcional y estuvo dominada por el creciente materialismo de las sociedades a ambos lados del Atlántico. Probablemente la mayor parte de la escultura estaba destinada a conmemorar personalidades importantes (por ejemplo, el Albert Memorial de Londres), acontecimientos (por ejemplo, la emigración a América, la Estatua de la Libertad) o lugares (por ejemplo, Washington, D.C., el edificio del Capitolio de EE.UU., París, el Arco del Triunfo). Irónicamente, la creciente funcionalidad del arte -sobre todo en la arquitectura de rascacielos de la América de finales del siglo XIX, que no requería decoración escultórica interior ni exterior- puede haber contribuido a allanar el camino para la introducción de la abstracción. Pero antes de que esto ocurriera, hubo que romper el control que el arte académico tradicional ejercía sobre la teoría y la práctica de la pintura y la escultura.

Cubismo: la revolución de principios del siglo XX

La invención del Cubismo (fl.1908-14) por Pablo Picasso (1881-1973) y Georges Braque (1882-1963) sacudió el mundo del arte hasta sus cimientos. Se trata de una forma de arte abstracto que rechaza la perspectiva lineal y se centra totalmente en el plano del cuadro. A pesar de la nueva semiabstracción introducida en « Kiss» (1907, Museul de Arta Craiova) por Constantin Brancusi (1876-1956) y en « Crouching Drawing» (1907, Museo de Arte Moderno de Viena) por André Derain (1880-1954), no había habido nada parecido al cubismo hasta entonces. Aunque los primeros en aplicar los principios del cubismo fueron los pintores, los escultores no se quedaron atrás. Las obras se volvieron más geométricas, la perspectiva se aplanó y fragmentó. Pronto empezó a surgir todo un nuevo estilo de obras tridimensionales. Ejemplos: « Mujer caminando» (1912, colección privada) Alexandra Archipenko (1887-1964); El taladro de roca (1913-14, MoMA, NY), Jacob Epstein (1880-1959); El gran caballo (1914, Musée National d’Art Moderne, París) Raymond Duchamp-Villon (1876-1918); « Hombre con guitarra» (1915, MoMA, Nueva York), Jacques Lipchitz (1891-1973); Plato de frutas con uvas (1918) de Henri Laurens (1885-1954); « Cabeza de mujer» (1917-20, MoMA, Nueva York), Naum Gabo (1890-1977); y Torso (1924-6, MoMA, Nueva York) de Antoine Pevsner (1886-1962).

El cubismo fue demasiado radical para formar parte de la corriente creativa dominante. Sin embargo, dominó la comunidad artística de vanguardia hasta 1920, cuando el arte no representativo se estableció firmemente.

Futurismo: su influencia en el arte cinético

El Futurismo italiano (est.1909-14) no se vio afectado por la revolución cubista (especialmente en su pintura), su orientación general era diferente. Pretendía destacar el dinamismo, la tecnología y la velocidad del mundo moderno. Antes de la guerra, la principal obra maestra escultórica del movimiento era sin duda « Formas únicas de continuidad en el espacio» (1913; vaciados en el MoMA de Nueva York, la Tate de Londres y otros lugares) Umberto Boccioni (1882-1916). Sin embargo, la mayor influencia del movimiento fue el desarrollo del arte cinético, por lo que la escultura futurista abarca obras como: « Pájaro en el espacio» (1925-31, Kunsthaus, Zúrich) de Constantin Brancusi (1876-1957); « Tabletas giratorias» (1920, Yale University Art Gallery, New Haven) de Marcel Duchamp (1887-1968); « Construcción cinética» (1919-20, Tate Collection, Londres) de Naum Gabo (1890-1977); « Hojas de aluminio», «Correo rojo» (1941, Lipman Family Foundation) y « Arco de pétalos» (1941, Guggenheim Museum, Nueva York) de Alexander Calder (1898-1976), inventor de los teléfonos móviles; Relieve Móvil 5 (1954, Musée d’Art Moderne, Saint-Etienne) de Paul Bury (1922-2005); y « Señal: Cosmic Insect Animal» (1956, Tate Collection, Londres) Takis (Panayiotis Vassilakis) (n. 1925).

Escultura abstracta dadaísta

El movimiento dadaísta (1916-24) era antiartístico y es posible que no tuviera una influencia generalizada. Sin embargo, tuvo un impacto significativo en el tipo de material con el que se podía hacer arte. Mientras que antes la mayoría de las esculturas se tallaban o fundían en madera, piedra, arcilla o bronce, Dadá fomentó el uso de materiales poco convencionales, como diversos tipos de metal, cartón, caucho, alambre, textiles, hormigón, vidrio e incluso materiales de desecho en general. Quizá el ejemplo más inusual de escultura dadaísta sea la construcción de Merzbau de Kurt Schwitters (1887-1948). Además, vanguardistas «piezas acabadas» de Marcel Duchamp (1887-1968), como « Rueda de bicicleta» (1913, Musée National d’Art Moderne, París), Botellero (1914, Musée National d’Art Moderne). (París) y Fuente (1917, copia en el Musée National d’Art Moderne, París) - eran también quintaesencialmente dadaístas, ya que subvertían las convenciones del arte académico.

Escultura abstracta constructivista

La escultura abstracta antes, durante y después de la Primera Guerra Mundial siguió estando muy influida por las vanguardias de París, pero también por las de la Rusia prerrevolucionaria, donde el fervor artístico y político se mezcló con escuelas modernistas como el vaionismo, el suprematismo y el constructivismo . Esta última, la única de las tres que incluye el arte tridimensional, animaba a los escultores a construir (no tallar, modelar o fundir) diseños a partir de materiales industriales (metal, vidrio, plástico). El estilo se ilustra en obras como: Construcción nº 557 (1919) de Konstantin Medunetsky (1899-1935); Torre de fuego (1919-20) de Johann Itten (1888-1967); Monumento a la Tercera Internacional (1920, Musée National d’Art Moderne, París) de Vladimir Tatlin (1885-1953); y Construcción espacial nº 12c (1920, MoMA, Nueva York) de Alexander Rodchenko (1891-1956). « Columna infinita» Brancusi (1938, Târgu Giu, Rumanía) también puede incluirse en la categoría de escultura constructivista.

Escultura abstracta de De Stijl

Durante la década de 1920 en Holanda, la abstracción geométrica alcanzó su apogeo en el movimiento De Stijl (1917-31), que inicialmente fomentó el Neoplasticismo - inventado por Piet Mondrian (1872-1944) - y el Elementalismo - fundado por Theo van Doesburg (1883- 1931), el hombre que también introdujo el término arte concreto . El De Stijl tuvo un seguimiento relativamente fuerte en la arquitectura, la pintura y entre los diseñadores contemporáneos, como los de la Escuela de Diseño Bauhaus, pero no entre los escultores. Mientras tanto, París seguía siendo el centro indiscutible del arte abstracto, entre otras cosas porque atraía a refugiados de los estados totalitarios de Rusia y Alemania, donde la abstracción estaba prohibida por burguesa o degenerada. Dos importantes grupos de artistas abstraccionistas surgidos en París durante este periodo fueron Cercle et Carre y Abstraction-Creation .

Grupos vanguardistas de artistas abstractos (años 30) Cercle et Carre (1929-31)

Cercle et Carre (círculo y cuadrado) fue un grupo de exposiciones (y una revista) de escultores y pintores abstractos, creado en París en 1929 por el crítico Michel Sephor (1901-1999) y el pintor Joaquín Torres-García (1874-1949), centrado en la abstracción geométrica, pero se mantuvo abierta a todo tipo de obras no representativas, una debilidad que llevó a Theo Van Doesburg (1883-1931), el sumo sacerdote del arte geométrico o no objetivo, a lanzar su propia revista llamada « El arte de lo concreto», en 1930. Cercle et Carre sólo organizó una exposición, que tuvo lugar en la Galerie 23 en abril de 1930, pero fue la primera dedicada exclusivamente al arte abstracto. Participaron más de cuarenta artistas, entre ellos Kandinsky (1866-1944), Piet Mondrian (1872-1944), Georges Vantongerloo (1886-1965) y Kurt Schwitters (1887-1948).

Abstracción-Creación (1931-36)

La actividad del Cercle et Carre duró menos de dos años y en febrero de 1931 surgió una nueva asociación, conocida como Abstraction-Creation, dedicada exclusivamente al arte no objetivo (geométrico). Entre los fundadores se encontraban el escultor y pintor belga Georges Vantongerloo y los artistas franceses Jean Helion (1904-1887) y Auguste Herbin (1882-1960). Los participantes posteriores representaban a la flor y nata de los escultores abstractos europeos, como Jean Arp (1886-1966), Antoine Pevsner (1886-1962) y su hermano Naum Gabo (1890-1977), El Lissitzky (1890-1941), Alexander Calder (1898)-1976, Barbara Hepworth (1903-1975) y Ben Nicholson (1894-1982). « Abstracción-Creación» celebró varias exposiciones colectivas y publicó una revista ilustrada una vez al año (1932-36) « Abstracción-Creación: arte no figurativo». Ejemplo de escultura « Abstracción-creación» - « Cinta sin fin» (1935) de Max Bill (1908-1994), escultor suizo ex-Bauhaus, que ilustra el concepto de superficie de Möbius que se convierte en una estructura espacial doblada 180 grados alrededor de su eje longitudinal. Esto conduce a la paradoja matemática de la tira, que sólo tiene una superficie y un borde pero adopta la forma de un bucle continuo. Ostensiblemente limitados a la abstracción geométrica, muchos de los miembros de Abstracción-Creación pasaron a formas de arte geométrico como el arte cinético.

Unidad Uno (1933-35)

Otra asociación de artistas abstraccionistas se formó en Gran Bretaña en 1933 con el nombre de Unit One . Entre sus miembros se encontraban los líderes de la escultura británica moderna, a saber, Moore y Hepworth, así como el artista Paul Nash (1889-1946). En abril de 1934, la asociación publicó un libro titulado « First Block: the modern movement in English architecture, painting and sculpture», coincidiendo con su única exposición colectiva en la Mayor’s Gallery de Londres, que posteriormente viajó a Belfast, Swansea, Liverpool y Manchester. A pesar del libro y la exposición, el grupo no tenía manifiesto ni programa, de hecho incluía tanto la abstracción como el surrealismo, dos estilos que se presentaron en exposiciones separadas en Londres en 1936. En consecuencia, siempre fue difícil mantener una identidad de grupo bien definida y el primer bloque se disolvió en 1935. No obstante, ejerció una influencia significativa en el arte de vanguardia británico de mediados de la década de 1930 (véase también St Ives School (c.1939-75)).

Abstracción orgánica y fantasía surrealista (años 30)

Inspirada en las formas naturales, la abstracción biomórfica / orgánica en escultura se ilustra en obras como « Concentración humana» (1934, Musée National d’Art Moderne, París) y « Deméter» (1961, Israel Museum, Jerusalén), ambas de Jean Arp (1887-1966); Madre e hijo (1934, Tate Collection, Londres) Barbara Hepworth (1903-1975); Abstracción (1940, Georgia O’Keeffe Museum, Santa Fe) George O’Keeffe (1887-1986); Mujer agachada (Despedida) (1940-41) de Henri Lawrence; y Dos formas (1966, mármol Sorai, colección privada Staehein, Zúrich) de Henry Moore (1898-1986). Una de las esculturas surrealistas más impactantes es « Woman with Throat Slit» ) La Femme Egorgee, 1932, colección privada) Alberto Giacometti (1901-1966). Una mujer crustácea metamórfica degollada yace en el suelo en una convulsión que combina un acto de amor y la agonía. El surrealismo más bizarro está representado por esculturas como « Figura con paraguas» (1931) y « Objeto» (1936), ambas de Juan Miró (1893-1983); Espárrago lunar (1935) de Max Ernst (1891-76); y « Ojos, nariz y mejilla» (1939, Tate Collection, Londres) de F. E. McWilliam (1909-1992).

Escultura abstracta de posguerra (c.1945-65)

A pesar de los esfuerzos de varios artistas y grupos abstractos, el arte figurativo siguió predominando en los años de entreguerras (1920-40). Sin embargo, el impacto de la Segunda Guerra Mundial en el arte figurativo fue profundo, entre otras cosas porque, tras el Holocausto y el enorme número de muertos en la guerra, quedaban muy pocas imágenes fuertes en la mente de la gente que no fueran violentas o que tuvieran algún significado. (Véase también Arte del Holocausto 1933-45). La fotografía y el cine también empezaron a llenar de glamour el imaginario público, dejando menos espacio para las imágenes figurativas dibujadas a mano. Como resultado, la abstracción despegó de repente, al menos en la pintura. El expresionismo abstracto estadounidense se adelantó , paralelamente al Art Informel y el Tachisme en Europa.

Escultura abstracta neodada

En contraste con la escultura abstracta hubo un rumbo ligeramente distinto. En lugar de centrarse en el sujeto no figurativo, se concentró en los materiales, de ahí el nombre de arte de ensamblaje, una forma de arte visual tridimensional creada a partir de objetos cotidianos supuestamente «encontrados» por el artista. Popular en Estados Unidos en las décadas de 1950 y 1960, el assemblage tendió un puente entre el collage y la escultura, mientras que el uso de materiales no artísticos -una característica del arte neodada - anticipó el uso de obras producidas en serie en el arte pop. La colección de escultura está ilustrada por obras de Louise Nevelson (1899-1988), como « Mirror Image 1» (1969, Museum of Fine Arts, Houston), y de Jean Dubuffet (1901-85) y su Monument «Standing Beast» (1960, James R. Thompson Centre. Thompson, Chicago). Este lenguaje se vio muy reforzado por una importante exposición - « The Art of Assembly» - en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1961.

Otros ejemplos de arte basura « neodadaísta» son « Hudson River Landscape» (1951, Whitney Museum of American Art) y « Australia» (1951, MoMA, Nueva York), ambos de David Smith (1906-1965); Sin título (madera, piezas metálicas, clavos) (1960, Museum of Modern Art, Nueva York), Jesús Rafael Soto (n. 1923) y algunas «Combinaciones» de Robert Rauschenberg (1925-2008), como First Landing Jump (contiene pintura, tela, metal, cuero, luces eléctricas, cables, pintura al óleo, tablas) (1961, MoMA, Nueva York). Sin título (fieltro industrial) (1967, Kunsthalle, Hamburgo) de Robert Morris (n. 1931) es otro ejemplo del uso de materiales inusuales en la escultura, al igual que el minimalista monumento a Vladimir Tatlin (tubos iluminados con neón) (1975, Museo Nacional de Arte Moderno George Pompidou, Dan Flavin (1933-96).

Los dadaístas también ensalzaban el arte sin sentido y ¿qué puede haber más absurdo que la autodestrucción de la escultura? Sin duda, éste fue un elemento importante en la filosofía creativa de Jean Tinguely (1925-1991), el consumado maestro de la escultura autodestructiva, cuya obra maestra se considera generalmente un homenaje a Nueva York (1960, Museo de Arte Moderno de Nueva York).

Un excelente ejemplo de escultura pop abstracta es el género de la palabra artística, adoptado por Robert Indiana (n. 1928) en su serie de esculturas LOVE.

Escultura abstracta de metal (años 60)

La década de 1960 también fue testigo del inicio de una nueva y amplia tradición de escultura en metal, desde la portátil hasta la monumental. Entre estas obras se incluyen « Escultura para un gran muro» (1956-7, MoMA, Nueva York) Ellsworth Kelly (n. 1923); Noon (1960, MoMA, NY) de Sir Anthony Caro (1924-2013); Die (1962, MoMA, NY) de Tony Smith (1912-1980); Broken Obelisk (1963-9, MoMA, NY) Barnett Newman (1905-1970); « Storm Angel» (1973-74, Quadrat Chab, Chalon-sur-Saône) Mark Di Suvero (n. 1933) y una serie de obras de Eduardo Chillida (1925-2002), que culminan en su Coastline « Wind Crest» (1977, Bahía de San Sebastián, España).

Escultura minimalista

El Minimalismo, una reacción a las variaciones cada vez más complejas del Expresionismo Abstracto, fue un movimiento purista que abarcó la pintura, la escultura, la arquitectura y el diseño. Buscaba su propia verdad artística en una plétora de estructuras de estilo geométrico ultrasimplificado, normalmente realizadas con materiales industriales. Sigue siendo una de las formas más oscuras del arte actual . Esculturas abstractas minimalistas: Cage II (1965, MoMA, Nueva York) de Walter de Maria (n.1935); Serial Project I (ABCD) (1966, MoMA, NY) Sol Levitt (1928-2007); Equivalent 1 (1966-9, Kunstmuseum, Basel) de Carl Andre (n. 1935); y Untitled (Stack) (1967, MoMA, NY) de Donald Judd (1928-1994). Para la denominada «escultura postminimalista», véase. Obras de Eva Hesse (1936-1970).

Abstractos monumentales

El arte posmoderno está obsesionado con el impacto, y crear una pieza de escultura monumental es una buena manera de conseguirlo. Este género ha sido defendido por varios artistas, entre ellos: Allen Jones (n.1937), véase Dancers (1987, Cotton Atrium, London Bridge City, Londres); Richard Serra (n.1939), véase « The Case for Time» (2004, Guggenheim, Bilbao); Jonathan Borofsky (n.1943), véase « Walking Man» (1994-5, Paula Cooper Gallery, NY); y Anish Kapoor (n.1954), véase Marsyas (2002, Turbine Hall, Tate Modern, Londres).