Arte tribal Traductor traducir

Se trata de un término vago, sin significado ni definición precisos, que suele utilizarse para describir el arte indígena tradicional de las sociedades tribales de África, el Pacífico Sur e Indonesia, Australia, América y la India. A veces se denomina arte indígena primitivo, e incluye obras de arte (y artesanía) de todos los grupos étnicos.

El arte tribal incluye a veces parte del arte prehistórico europeo (por ejemplo, el arte celta), así como el arte popular europeo. En este artículo, nos centramos en los tipos más conocidos de arte nativo primitivo de África, Oceanía, Indonesia, Australia, Norteamérica y Alaska.

Desgraciadamente, la gran mayoría de estos artefactos tribales perecieron o fueron objeto de comercio con los exploradores europeos, por lo que los ejemplos supervivientes se limitan principalmente a estructuras de piedra (esculturas, templos), algunos movimientos de tierra o arte rupestre .

Arte tribal africano

África, considerada por la mayoría de los arqueólogos y antropólogos como la patria de los homínidos, la especie a la que pertenecen los humanos modernos, se pobló hace unos 4 millones de años, aunque los humanos anatómicamente modernos aparecieron por primera vez hace unos 100.000 años. En el continente viven unos 3.000 grupos étnicos o tribus.

Arte tribal prehistórico

Como cuna de la civilización, África cuenta con una gran riqueza de hallazgos de arte prehistórico procedentes del norte de África, el África subsahariana y las zonas meridionales del continente. Entre ellos:

Naturaleza y contexto del arte tribal africano

El arte africano tenía una función muy diferente en un modo de vida muy distinto al de la cultura europea u occidental. Ante todo, era parte integrante de una religión omnipresente. Las imágenes individuales eran representantes, a veces incluso encarnaciones (aunque no «ídolos» adorados, como muchos europeos pensaban erróneamente) de las fuerzas vitales que se creía que existían en toda la materia viva. A menudo estas imágenes hablaban en nombre de los espíritus de los muertos, perpetuando así la esencia vital del linaje de la tribu e identificándose con los espíritus ancestrales.

Aunque la mayoría de las formas utilizadas tienen aspectos seculares, y algunos objetos de arte son puramente decorativos y ornamentales, en general los artefactos tribales africanos fueron creados como arte religioso - para un uso ritual o ceremonial particular. Esto se aplica no sólo a máscaras y estatuillas, sino también a tallas que van desde instrumentos musicales, cetros y hachas ceremoniales hasta taburetes, jambas y puertas. Aunque un artesano o artista podía ser reconocido y valorado como miembro de la comunidad, la representación de un objeto manufacturado como obra de arte «» en términos museísticos era muy poco frecuente. En ningún caso es esto más evidente que en el caso de una de las formas más comunes del arte africano, la máscara .

En las exposiciones europeas, las máscaras africanas suelen mostrarse emocional y físicamente inmóviles en una vitrina de cristal, arrancadas del tiempo, pero su verdadero contexto estaba en movimiento, en danza . Las máscaras africanas se creaban de formas muy diversas: algunas se diseñaban para llevarlas no en la cabeza, sino en el brazo o en la cadera; muchas se concebían como la cúspide de toda una regalia de asistentes, vestimentas de paja, cordel, corteza, piel, acompañadas quizá de arreglos de conchas, marfil u objetos metálicos. Transfigurado, casi transustancial en todo esto, el nativo enmascarado renunciaba a su propia personalidad y se convertía en un conducto de poder espiritual sobrehumano. Cuando este espíritu hablaba a través del bailarín enmascarado, éste se convertía en su resonador y portavoz.

La máscara debía inspirar temor, tanto para satisfacer al espíritu como medio digno de su morada temporal como para demostrar su poder al público. Sin embargo, las formas que adoptaron las máscaras en África Occidental y Central -aunque pueden clasificarse como formas, en varias divisiones y subdivisiones estilísticas- no guardan relación alguna con su significado o función.

Conceptos espirituales muy similares pueden haber encontrado expresiones físicas muy diferentes en distintas culturas tribales, aunque el uso de pigmento blanco en una máscara, por ejemplo, denote normalmente una conexión directa con los muertos. (Los colores distintos del negro, el blanco y los tonos madera no son habituales). Una frente alta suele asociarse con la sabiduría, pero las máscaras naturalistas, aunque simplistas, que para el ojo occidental representan un clasicismo sereno, se encuentran en una gran variedad de tribus con una gran variedad de asociaciones y funciones, incluidas las agresivas. Una vez que la asociación de una talla con su función original se rompe o se pierde, es muy difícil establecer el propósito para el que fue creada.

La mayoría de las máscaras africanas son antropomorfas, aunque los retratos en cualquier sentido son muy raros; las incisiones pueden ser visibles en las caras de las máscaras, lo que nos recuerda que un medio importante del arte tribal es la pintura ritual o el marcado del cuerpo vivo con motivos tradicionales. También se encuentran máscaras de animales y aves (a menudo de antílope o vaca de monte); aún sobreviven máscaras en varias zonas bajo influencia islámica, pero a menudo en formas estilizadas casi irreconocibles.

La mayoría de los rituales tribales se basan en la iniciación en grupos de edad -en sociedades «» de hombres jóvenes o ancianos-, cada uno con sus propios emblemas y motivos de culto; muchas figurillas talladas, como las máscaras, se asocian a estas sociedades «», y a menudo simbolizan dioses patronos o deidades como el Dios del Trueno o el Dios del Fuego. Las figuras talladas están tan extendidas y son tan populares como las máscaras y, al igual que estas últimas, se asocian a rituales, aunque algunas tribus -como la próspera y sedentaria Baule de Costa de Marfil- fabricaban figuras talladas casi como artículos de lujo.La tribu yoruba de Nigeria eran hábiles talladores de figuras redondas y a menudo coronaban sus máscaras, normalmente macizas, con grupos de animados maniquíes, como si se estuviera celebrando una fiesta. Entre los yoruba, y en algunas otras tribus, existía tal nivel y prestigio de la escultura africana que los escultores podían alcanzar un estatus y un prestigio similares a los de un artista de éxito en Occidente.

El estudio del arte tribal africano se encuentra todavía en una fase incipiente, y la zona geográfica afectada es muy extensa: toda África Occidental y Central, con importantes tradiciones también en África Oriental. Además, la madera, el material dominante, es vulnerable al clima y a las termitas u hormigas blancas, y la mayoría de los demás materiales utilizados también son perecederos: la rafia, por ejemplo, o el algodón. Tanto la temática como el contexto del arte tradicional africano se han visto alterados por la influencia de otras culturas, y no sólo recientemente, sino desde hace mucho tiempo: el Islam y el cristianismo, por ejemplo, están presentes en África desde hace cientos de años. En resumen: tenemos que hacer un esfuerzo mucho más serio para comprender la riqueza y complejidad de las formas artísticas africanas. Incluso algunas formas elementales de pintura corporal y pintura facial aún no se comprenden del todo.

Islas del Pacífico: arte tribal oceánico

Oceanía comprende cuatro regiones o grupos etnogeográficos distintos: Polinesia, Micronesia, Melanesia y Australasia . El arte tribal de Oceanía hace referencia al patrimonio artístico y las tradiciones de los pueblos indígenas de estas cuatro regiones. Estos aborígenes llegaron a Oceanía procedentes del continente asiático en dos oleadas: la primera oleada de colonos llegó a Nueva Guinea y Australia durante el Paleolítico de la Edad de Piedra, alrededor de 50.000-40.0000 a.C., convirtiéndose en los antepasados de los aborígenes australianos.

La segunda oleada, perteneciente a la cultura Lapita (llamada así por el yacimiento de Nueva Caledonia donde se descubrieron por primera vez sus esculturas y otras obras de arte), llegó mucho más tarde (c. 10.000-5.000 a.C.) y, una vez que su construcción de embarcaciones se hizo lo suficientemente sofisticada (no antes del 1.000 a.C.), comenzó a extenderse por las remotas islas del Pacífico. Fue esta cultura lapita la que acabó influyendo en gran parte de Polinesia, Micronesia y Melanesia. Otra influencia fue la cultura Dong Son de Vietnam (c. 600 a.C.), un importante comerciante del Pacífico occidental cuyos objetos de bronce se han encontrado en toda Oceanía.

Actividades artísticas comunes

Aunque cada región, de hecho cada grupo de islas, tenía sus propias tradiciones artísticas que influyeron en sus artes y oficios, gran parte del arte tribal de Oceanía estaba asociado a ceremonias paganas relacionadas con lo sobrenatural, el culto a los espíritus, la fertilidad, etcétera. Creemos que se creó una gama relativamente amplia de artes (incluyendo pintura corporal, tatuaje, pintura, escultura, talla en madera, y arte textil), aunque la mayoría de los materiales utilizados por artistas y artesanos eran perecederos. De ahí que, aparte de los edificios y esculturas de piedra, se hayan conservado muy pocos ejemplos. Muchos de los que sobrevivieron se intercambiaron posteriormente por baratijas de los exploradores europeos.

Polinesia

La Polinesia comprende una serie de grupos de islas dispersas por el centro y el este del Océano Pacífico. Entre ellas se encuentran Samoa, Islas Cook, Polinesia Francesa (Tahití y otras), Tonga, Hawai, Isla Pitcairn, e Isla de Pascua, entre otras. El arte tribal polinesio formaba parte de una cultura religiosa y mágica que creía que todas las cosas estaban dotadas de mana o poder sobrenatural sagrado, no sólo las personas, sino también los edificios, las rocas, las canoas, casi todo. Entre los famosos ejemplos de arte polinesio que han sobrevivido se encuentran los templos de piedra de las Islas de la Sociedad, la Isla de Pascua y las Islas Marquesas, todos ellos en ruinas, aunque sus proporciones, el uso de formas de piedra, colores, texturas, etc. demuestran impresionantes habilidades arquitectónicas y de diseño. esculturas monumentales de piedra ) moai) en Rapa Nui/Isla de Pascua y las Islas Marquesas, que ejemplifican el uso de diseños que incluyen figuras antropomórficas con ojos saltones y lenguas protuberantes características de muchas zonas orientales y remotas de Polinesia; telas de corteza muy decoradas en la Polinesia Occidental.

Melanesia comprende las islas del suroeste del Pacífico, incluidas Papúa Nueva Guinea, las Islas Almirantazgo, el Archipiélago Bismarck, las Islas Salomón, Vanuatu (antiguas Nuevas Hébridas), Fiyi y otras. El arte tribal de los melanesios es muy diverso, y a menudo incluye formas exageradas creadas en relación con el culto a los antepasados, la caza y el canibalismo. En las tierras altas de Nueva Guinea , la pintura facial y el arte corporal eran muy importantes, al igual que las pelucas y los tocados. En las tierras bajas destacaban la pintura y la talla en madera de los pueblos Sepik, como Abelam e Iatmul. Además, son bien conocidos el arte curvilíneo de la tribu Massim, ejemplificado por sus placas y escudos danzantes, y las tallas ceremoniales de Malanggan en Nueva Irlanda. Las máscaras, utilizadas en elaboradas ceremonias paganas y procesos cúlticos, eran un elemento básico del arte indígena en toda la región. Además de estas artes y artesanías formales, muchas culturas tribales (por ejemplo, las Islas Salomón y Almirantazgo) tenían una tradición de decoración de una amplia gama de objetos cotidianos.

Micronesia

Al norte de Melanesia se encuentra Micronesia. Esta región incluye las Islas Marshall y unas 600 Islas Carolinas, agrupadas en cuatro estados conocidos como Yap, Chuuk, Pohnpei y Kosrae . Desgraciadamente, poco arte tribal micronesio ha sobrevivido hasta nuestros días. Los ejemplos más conocidos incluyen escenas en bajorrelieve pintadas en los maderos y frontones de las casas de los hombres en Palau. Además, en las islas Mortlock, al sureste de Truk, se han encontrado máscaras de madera y figuras humanas estilizadas. Otros artefactos tribales micronesios incluyen canoas pintadas y cuencos de madera tallada, mientras que la pintura corporal y el tatuaje también se practicaban ampliamente.

Australia y Oceanía

Incluye el continente de Australia, Nueva Zelanda y sus islas dependientes. Para más información sobre el arte tribal de Australasia, véase «Arte aborigen australiano».

Para más información sobre el estilo de arte y artesanía de las islas del Pacífico de Oceanía, véase Arte oceánico .

Arte tribal indonesio

Situada entre Filipinas al norte y Australia al sur, Indonesia está formada por casi 14.000 islas que se extienden desde Sumatra al oeste hasta Nueva Guinea al este, incluyendo Java, Bali, Kalimantan (Borneo central, oriental y meridional), Sulawesi, Maluku, e Irian Jaya (Nueva Guinea occidental). Como el país está situado a lo largo de las principales rutas comerciales entre los océanos Pacífico e Índico, sus formas artísticas reflejan una mezcla diversa de culturas y religiones, como el budismo, el confucianismo, el hinduismo y el islam .

Los asentamientos humanos en la región se remontan a la prehistoria, pero las obras de arte que se conservan son escasas. El arte paleolítico indonesio está quizás mejor ilustrado por el arte rupestre en las cuevas de Karawari, Papúa Nueva Guinea (18.000 a.C.), mientras que los mejores ejemplos de arte mesolítico en Indonesia son las plantillas de mano pintadas encontradas en las cuevas de Kalimantan (c.8.000 a.C.) en las cuevas de Kalimantan (c.8 000 a.C.) en Sangkk (Sangkk. a.C.) en la región de Sangkulirang y en la cueva Gua Ham Masri II (c.8.000 a.C.) en Borneo Oriental.

La influencia del arte chino, (de la posterior dinastía Zhou y otras) se dejó sentir desde el principio, al igual que la influencia de la civilización del bronce Dong Son, que floreció en Vietnam en los primeros siglos a.C.. Los comerciantes indios fueron excepcionalmente activos en la región, pero es imposible dar una fecha exacta en la que la cultura india empezó a ejercer una influencia significativa. En cualquier caso, las tres principales religiones que se practican hoy en Indonesia -el budismo, el hinduismo y el islam- proceden de Occidente.

Como en Oceanía, la mayor parte del arte tribal indonesio, a excepción de los templos budistas e hinduistas, se tallaba en madera o se confeccionaba con tejidos, y hace tiempo que desapareció. Los ejemplos más conocidos que han sobrevivido incluyen un grupo de antiguos megalitos y varios ejemplos de trabajos en bronce inspirados en Dong Son. Estos últimos incluyen hachas de batalla sagradas decoradas y grandes tambores de caldera (por ejemplo, Luna de Bali). Estos tambores se fundieron mediante un elaborado método de fundición a la cera perdida y representan relieves poco profundos de cabezas de figuras que participan en actividades ceremoniales o, a veces, ornamentación puramente abstracta. Algunos de ellos están asociados a ceremonias de evocación de la lluvia. Véase también: arte megalítico . Otro tipo importante de artesanía tribal tradicional practicada en toda Indonesia es el diseño textil, considerado desde hace tiempo una de las formas de expresión artística más diversas y singulares de la región. Incluye el batik, practicado principalmente en Java, y el tejido (especialmente el ikat y el doble ikat).

La arquitectura indonesia famosa, principalmente de estilo indojavanés (siglos III-XVI), incluye el templo de Mendut, el templo budista de Sewu (siglo IX), el magnífico templo de Siva de Prambanan (siglo IX), los baños sagrados de Jalatunda (finales del siglo X) y Belahan (mediados del siglo XI), el templo hindú circular de Jabung (siglo X) y, por supuesto, el complejo de Borobodur (véase más adelante).

Tipos y características

El arte tribal indonesio se clasifica en dos tipos principales: « monumental» y « decorativo y de fantasía». Ejemplos del primero son los megalitos de Sumatra y Nias (una pequeña isla vecina), así como muchos objetos creados en toda Indonesia en relación con rituales y sacrificios a los antepasados. El método decorativo y caprichoso se ilustra en cierta medida en las esculturas de bronce, pero sobre todo en la decoración de las casas de la región, los tejidos y las tallas pintadas.

Un rasgo importante común a todo el arte tribal de Indonesia es la veneración de los antepasados, que se expresa de diversas formas. La tribu Nias erige sus megalitos en honor de los jefes difuntos, y los toraja de Sulawesi construyen terrazas en los acantilados con galerías de efigies de madera de los muertos que miran a los arrozales. En Maluku y en el extremo noroccidental de Irian, hay muchas figuras de madera talladas, de pie o en cuclillas, que representan espíritus ancestrales. En algunas partes de la región, la figura de madera del antepasado incluye el cráneo real de una persona fallecida, no sólo una cabeza tallada, y el culto al cráneo -no una reliquia del canibalismo sino una extensión del culto a los antepasados- está muy extendido. Los cráneos se recogen, se valoran y se guardan en muchos lugares: a veces (por ejemplo, por los batak de Sumatra) en los tejados de las casas, a veces (por ejemplo, por los dayak de Kalimantan) en los santuarios de las aldeas.

Borobudur en Java

El yacimiento de Borobudur, en Java central, es uno de los monumentos de piedra más extraordinarios jamás creados. Es una enorme estructura que contiene más de 500 estatuas de un Buda sentado, pero no parece ser una tumba, un palacio o incluso un templo ortodoxo, sino una expresión profunda y compleja a través de la arquitectura y la escultura de la ideología budista . Su construcción debió de requerir un ejército de artesanos y un ingenioso diseñador, pero no hay constancia de quién lo construyó ni por qué, aunque en general se cree que fue a finales del siglo VIII o principios del IX d.C., durante el reinado de la dinastía javanesa Shailendra (778-864).

Una de las cosas más asombrosas de Borobudur es que es la culminación de una tradición artística que parece haber sido muy efímera. Java Occidental fue colonizada por comerciantes indios tal vez en el siglo I d.C., y los monasterios budistas se establecieron sin duda en el siglo IV, pero no hay pruebas de ningún trabajo significativo en piedra -arquitectura o escultura- hasta tres siglos después. La primera escultura en piedra javanesa conocida, que es hindú, data de principios del siglo VIII, apenas cien años antes de Burobudur.

Birmania, Myanmar

Birmania, país selvático y montañoso que une los subcontinentes indio e indochino, fue colonizado originalmente (c. 500 a.C.) por el pueblo tibeto-birmano Pyu, y luego -dos siglos más tarde- por una raza austroasiática conocida como los Mon . Por lo general, la mayoría de los ejemplos de arte tribal birmano que se conservan son esculturas monumentales, muchas de ellas budistas. Desde aproximadamente el siglo VII a.C., el país estaba dividido entre las dos tribus mencionadas, los mon del sur y los pyu del norte, que practicaban el budismo . Tras la caída de la capital Pyu en 832, los birmanos se infiltraron en el norte y trajeron consigo el culto a los Nats, un conjunto mixto de espíritus y seres que incluía espíritus de la naturaleza, antepasados y fantasmas. Este culto, junto con el budismo de sus predecesores, se fusionó debidamente en la religión híbrida que aún hoy es una fuerza en Birmania.

La tradición artística de la pintura y la escultura se estableció en las épocas mon y pyu, y el rey Anawratha, que fundó la capital del Territorio Unido de Birmania en Pagan en el siglo XI, empleó a un gran número de artistas mon. Surgieron palacios, templos y santuarios que cubrían varias docenas de acres, ricamente decorados con pinturas y esculturas de terracota pintada, que aún sobreviven en Pagan, ya que la ciudad fue saqueada por los mongoles en 1286 y prácticamente abandonada. Aparte de las ruinas de Pagan y de otros lugares, el patrimonio del arte tribal birmano consiste en unos pocos bronces medievales de gran calidad y un gran número de tallas de edad indeterminada: el estilo apenas ha cambiado. Las figuras suelen ser simplificadas y generalizadas, representando leyendas, en su mayoría budistas, en elegantes poses que recuerdan a la «Danza» ; la mayor calidad del arte birmano reside en su aérea espiritualidad y su inspirada vajilla decorativa.

El arte tribal de los aborígenes de Australasia

Los antepasados de los aborígenes y otros pueblos indígenas de Australasia formaban parte de la misma oleada de colonos que llegaron a Oceanía desde el continente asiático durante el Pleistoceno Paleolítico de la Edad de Piedra, c. 50.000-40.0000 a.C.. Aunque los detalles de su cultura son escasos, según recientes investigaciones arqueológicas realizadas en el continente australiano, casi inmediatamente empezaron a practicar formas de arte tribal.

El arte aborigen australiano abarca una amplia gama de tipos y medios, como pintura corporal, pintura rupestre, pintura sobre corteza, grabados rupestres, piedras erguidas, tallas y esculturas, así como adornos decorativos en herramientas y armas.

Pintura corporal
Un ejemplo de esta forma de arte primitivo es el pueblo yolngu de la Tierra de Arnhem, que se cubre el cuerpo con intrincados y elaborados diseños de finos sombreados y líneas de puntos como preparación para actos ceremoniales y danzas.

Copas y huellas de manos
Estas formas fueron típicamente las primeras formas de arte prehistórico. Por ejemplo, Arte rupestre de Kimberley, donde el arte rupestre y las huellas de manos fueron de las primeras formas de arte parietal de la región.

Arte rupestre
La forma más común de arte tribal aborigen era el arte rupestre, del que pueden encontrarse ejemplos en toda Australia. Incluye tipos como: radiografías de animales y personas (por ejemplo, véanse las pinturas rupestres de Ubirr en la Tierra de Arnhem, Territorio del Norte), en las que se esbozaban los esqueletos de objetos; pinturas de puntos, en las que se creaban intrincados patrones utilizando puntos; y pinturas de estarcido, como impresiones de manos o palmas. Se han descubierto muchos otros estilos de arte rupestre, como los característicos dibujos de Bradshaw en la zona de Kimberley, en Australia Occidental.

Pintura sobre corteza
En esta forma de pintura tribal, el artista pinta sus motivos únicos sobre trozos de corteza de árbol aplanada. Posteriormente se convirtió en una forma popular y muy valorada del arte aborigen contemporáneo.

Pinturas y grabados rupestres
Hay muchos ejemplos de petroglifos (un nombre elegante para las pinturas rupestres) en Australia, como en Terrey Hills, Nueva Gales del Sur; la península de Murujuba y el archipiélago de Dampier, en Australia Occidental, donde pueden verse dibujos de animales extintos de la Edad de Piedra como el Thylacine; y los grabados de Panaramiti, en Australia Central. Para más información sobre los petroglifos antiguos de Australia, véase Pinturas rupestres de la península de Burrup (c. 30.000 a.C.).

Piedras erguidas
Las composiciones de piedra, otra forma de arte tribal de Australasia, incluyen círculos de piedra grandes y pequeños, no muy diferentes de Stonehenge en Inglaterra, dispuestos en relación con acontecimientos ceremoniales o rituales.

Arte tribal de los nativos americanos (EE.UU.)

Los antepasados de los indios americanos cruzaron el estrecho de Bering desde Asia durante la Edad de Piedra del Pleistoceno. En realidad, el continente americano y Australasia fueron las dos últimas grandes masas de tierra habitadas por el hombre prehistórico. Alrededor del año 9.000 a.C. comenzó a formarse una cultura nativa americana definida, que se dividió en la cultura paleoindia cazadora de búfalos del oeste y las Grandes Llanuras y la cultura desértica más pobre de las tribus de la zona occidental de la cuenca y la cordillera. El arte de los indios americanos nativos fue moldeado en gran medida por la naturaleza nómada y cazadora-recolectora de los primeros y el hábitat ligeramente más estático pero más pobre de los segundos. La disponibilidad de recursos -madera, mimbre, metal, huesos de animales, arcilla, algodón, etc.- también fue crucial en el desarrollo de las tradiciones artísticas regionales.

Véase también: Arte precolombino (anterior a 1535 d.C.).

Suroeste de Estados Unidos

En la región suroeste, que incluía tribus como los Hohokam del sur de Arizona, los Ansazi del norte de Arizona y Nuevo México, los Mimbres del suroeste de Nuevo México, y los pueblos Zuni, Navajo y Hopi, ejemplos de arquitectura tradicional incluían las asombrosas estructuras de varios pisos de Pueblo Bonito en Nuevo México. Estas tribus también eran maestras del tejido, la cerámica (normalmente diseños lineales o geométricos) y la pintura mural . Además, muchas de las grandes cámaras religiosas tradicionales subterráneas (kivas) estaban decoradas con brillantes frescos . No existía una escultura monumental notable, pero algunas tribus se especializaron en ciertas artes: las tribus hopi y zuni producían muñecas de madera de algodón talladas y pintadas , mientras que los zuni y los navajo preferían joyas de plata , con incrustaciones de turquesa, y los hopi producían elaborados tejidos para trajes .

Pintura de arena navajo

La pintura sobre arena (también conocida como pintura seca) fue desarrollada por los nativos americanos del suroeste (especialmente los navajos). Se trata esencialmente de una ceremonia curativa tradicional, «cuyo artista» es un curandero que «pinta» esparciendo arena de diferentes colores sobre una lona de cuero o tela. La pintura» consiste en arena de color natural mezclada con yeso blanco, ocre amarillo, arenisca roja, carbón negro, carbón mezclado con yeso para producir azul, y otros materiales colorantes como harina de maíz, polen de flores, polvo de raíces o cortezas. Una vez que el brujo termina «de pintar», el paciente se sienta sobre la obra terminada, tras lo cual el brujo anima a la enfermedad a adentrarse en la arena. Al final de la ceremonia, se desecha la arena tóxica. Para más detalles, véase Arte de arena .

Región del Medio Oeste y los Grandes Lagos

La cultura india tradicional de esta región se desarrolló estrictamente por tribus y estuvo marcada por ricas artes textiles, así como famosos movimientos de tierra, conocidos como «montículos de efigies», que representaban formas animales. El arte tribal también incluía pipas de piedra esculpidas, piedra pulida y joyas de cobre, pero poca talla en madera, excepto cuencos tallados. Las obras de arte iban del ultrarrealismo a la abstracción.

Región sudoriental

En tiempos prehistóricos, la región más interesante del arte tribal de los nativos americanos era la región centro-sur y sureste. Producía conchas finamente talladas, ropas intrincadamente decoradas , ornamentos y pipas de aves y animales. Sin embargo, era famosa sobre todo por su notable cerámica, fabricada a pesar de la inferior calidad de la arcilla. La cerámica (botellas de agua, grandes jarras funerarias, cuencos, urnas y muchos otros objetos) se creaba y decoraba con una amplia gama de diseños, incluidos diseños florales y geométricos, para uso ceremonial, religioso y personal. Una famosa obra maestra de la cerámica de arte tribal del sureste es un cuenco de piedra de diorita del Mississippi Medio con forma de pato de madera crestado.

Costa Oeste

En California, hogar de las tribus Cherokee, Pomo, Hupa, Yurok y Karok, el modelo de arte nativo americano era la cestería . De hecho, ningún otro pueblo del mundo produjo una variedad tan amplia de excelentes trabajos de cestería. Los tejidos eran tan densos que hacían recipientes herméticos. Otras tribus de la región, como los Chumash, los Coso, los Mono-Paviosto y los Washo, eran igualmente hábiles.

Noreste

Los indios del noreste, particularmente los iroqueses, eran famosos por sus máscaras de sociedad de cara falsa, quillwork de puercoespín, beadwork, cuencos de madera, y cinturones tejidos de wampum . También se practicaba la alfarería, el tejido y la cestería, pero ninguno de ellos era de especial calidad.

Noroeste

El gran arte tribal del Noroeste era la escultura, especialmente la talla en madera . Viviendo entre los grandes bosques americanos de cedros y abetos, los talladores nativos americanos produjeron el mayor surtido de trabajos en madera de cualquier tribu india. Tótems, pequeñas figuras de madera y máscaras, cuidadosamente pintadas y a menudo con incrustaciones de piedras de abulón y conchas, eran algunas de las formas más comunes de escultura tallada a mano.

El tótem, en particular, ejemplificaba la cultura local. No era un objeto religioso ni estaba destinado al culto. En cambio, los tótems eran un tipo de «documento histórico», que registraba la posición social, la riqueza y la importancia relativa de la persona que pagaba por el poste, normalmente un jefe de aldea o un noble. Los indios del noroeste fueron también los primeros nativos americanos en dominar la metalurgia . Los artesanos utilizaban el hierro y el cobre (parte del cual se extraía de los barcos balleneros) para fabricar cuchillos de combate, máscaras y herramientas.

Museo Nacional del Indio Americano

Dedicado a la historia, la cultura y el arte de los pueblos indígenas del hemisferio occidental, el Museo Nacional del Indígena Americano de la Institución Smithsonian abrió sus puertas en el National Mall de Washington, D.C., en septiembre de 2004. Alberga la colección de más de 800.000 objetos del antiguo Museo del Indígena Americano de la Fundación Heye, así como un archivo fotográfico de 125.000 imágenes.

Instituto de Artes Indígenas Americanas

El Institute of American Indian Arts es una universidad y galería dedicada al arte tribal de los indios americanos, situada en Santa Fe, Nuevo México. Fundado en 1962, ofrece una serie de cursos de licenciatura en escritura creativa, comunicación visual, arte de estudio y estudios museísticos.

Alaska

El arte tribal de Alaska -o arte inuit - describe las obras de arte creadas por los inuit del Ártico, antiguamente llamados esquimales . Se podría imaginar que crear obras de arte sería un lujo inútil en un entorno tan duro y con tan pocas materias primas. Pero no fue así. Los inuit produjeron algunas de las obras de arte indígena más inventivas y excepcionales de América. Los talladores inuit utilizaban marfil/hueso o asta de morsa/ballena, coloreados con carbón vegetal, para crear intrincadas formas, y madera para fabricar sus famosas máscaras, mascarones y amuletos, que se utilizaban en danzas y ceremonias. Estas formas derivan de la cultura de Dorset, que surgió alrededor del 600 a.C.. Alrededor del año 1000 a.C. fue sustituida por la cultura Thule, durante la cual se popularizaron objetos como ollas de cocina, lanzas y arpones ornamentados, así como adornos para la ropa, peines, botones y fundas para agujas. Al igual que el arte vikingo, el arte esquimal reflejaba las necesidades de una cultura nómada. Todas las obras de arte eran estrictamente figurativas, a menudo creadas a escala miniatura.

Influencia en el arte occidental

Los coleccionistas y artistas europeos empezaron a interesarse por lo que entonces se llamaba primitivismo (arte primitivo) -generalmente arte negro africano- a partir de mediados del siglo XIX, a medida que más expediciones regresaban con artefactos tribales. Este interés también se vio alimentado, a partir de 1855 aproximadamente, por la moda del japonismo . A finales de siglo, grandes artistas como Vincent Van Gogh (1853-1890) y Henri Matisse (1869-1954) estaban muy influidos por el arte tribal, mientras que Paul Gauguin (1848-1903) se familiarizó con él en la Polinesia francesa. A mediados de la década de 1900 les siguió Pablo Picasso, cuya obra cubista temprana seminal «Las señoritas de Avignon», pintada durante su época negra , mostraba claros signos de máscaras africanas, al igual que el marchante de arte Paul Guillaume . Desde entonces, las influencias del arte africano y oceánico han impregnado todas las artes visuales occidentales, en particular la pintura, las artes plásticas (por ejemplo, la escultura y la cerámica) y muchas disciplinas artesanales.

Nota: Para la evolución del Arte prehistórico, incluidas fechas y acontecimientos cronológicos, véase: Cronología del arte prehistórico . Para una guía de obras de arte tribal posteriores, véase: Cronología de la Historia del Arte .