Arte tribal Traductor traducir

Nota: para la evolución de Arte prehistórico incluyendo fechas y eventos cronológicos, ver: Cronología del arte prehistórico . Para obtener una guía de obras posteriores de arte tribal, consulte: Historia de la línea de tiempo del arte .

Definición: ¿Qué es el arte tribal?

Este es un término vago, sin significado ni definición precisos, que generalmente se emplea para describir el arte tradicional de los indígenas de las sociedades tribales de África, el Pacífico Sur e Indonesia, Australia, América e India. A veces se le llama Arte nativo primitivo e incluye obras de arte (y artesanías) de todos los grupos étnicos.

El arte tribal a veces se extiende para incluir algo de arte europeo prehistórico (por ejemplo, arte celta), así como el arte popular europeo. En este artículo, nos centramos en los tipos más conocidos de arte nativo primitivo de África, Oceanía, Indonesia, Australia, América del Norte y Alaska.

Lamentablemente, la gran mayoría de estos artefactos tribales han perecido, o han sido intercambiados con exploradores europeos, por lo que los ejemplos sobrevivientes se limitan principalmente a trabajos en piedra (escultura, templos), algunos movimientos de tierra o arte roquero .

Arte tribal africano

África, ahora considerada por la mayoría de los arqueólogos y antropólogos como el lugar de nacimiento de Hominidae, la especie a la que pertenecen los humanos modernos, ha estado habitada durante aproximadamente 4 millones de años, aunque las personas anatómicamente modernas aparecieron por primera vez hace unos 100.000 años. El continente es el hogar de aproximadamente 3.000 grupos étnicos o tribus.

Arte tribal prehistórico

Como la cuna de civilización , África cuenta con una gran cantidad de hallazgos de arte prehistórico que se han desenterrado en el norte de África, África subsahariana y en las zonas del sur del continente. Éstos incluyen:

Naturaleza y contexto del arte tribal africano

Arte africano tenía una función muy diferente en una forma de vida muy diferente de la de la cultura europea u occidental. Para empezar, era una parte integral de una religión omnipresente. Las imágenes individuales eran representantes, a veces incluso encarnaciones (aunque no "ídolos" para adorar, como solían pensar erróneamente muchos europeos) de las fuerzas vitales que se cree que existen en toda la materia viva. A menudo, estas imágenes hablaban por los espíritus de los muertos, perpetuando así la esencia vital de la ascendencia tribal, y se identificaron con los espíritus ancestrales.

Aunque hay aspectos seculares en la mayoría de las formas utilizadas, y algunos objetos artísticos son puramente decorativos y ornamentales, en general, los artefactos tribales africanos se crearon como arte religioso – para un ritual particular o uso ceremonial. Esto es cierto no solo para máscaras y figuras, sino también para artículos tallados que van desde instrumentos musicales, cetros y hachas ceremoniales hasta taburetes, jambas y puertas. Aunque el artesano o artista individual podría ser reconocido y altamente considerado como miembro de la comunidad, la concepción de la cosa hecha como una "obra de arte" en términos de museo era muy rara. En ningún caso es esto más claro que en el de una de las formas de arte africanas más difundidas: la máscara .

En las exhibiciones europeas, las máscaras africanas se muestran típicamente inmovilizadas emocional y físicamente en una vitrina, sacadas del tiempo, pero su verdadero contexto estaba en movimiento, en la danza . Las máscaras africanas se han creado en muchas formas diferentes: algunas fueron diseñadas para usarse no en la cabeza sino en el brazo o la cadera; muchos fueron diseñados como el ápice de toda una indumentaria de asistente, de una prenda de camuflaje de paja, cordel, tela de corteza, pieles, tal vez acompañada por una disposición de conchas u objetos de marfil o metal. Transfigurado, casi transubstanciado en todo esto, el nativo enmascarado renunció a su propia personalidad y se convirtió en el vehículo del poder espiritual sobrehumano. Cuando este espíritu habló a través del bailarín enmascarado, se convirtió en su caja de resonancia y boquilla.

La máscara tenía que ser impresionante, tanto para satisfacer al espíritu como un medio digno para su habitación temporal como para demostrar su autoridad a los espectadores. Sin embargo, las formas que las máscaras han tomado en África occidental y central, si bien pueden clasificarse, como formas, en varias divisiones y subdivisiones estilísticas, no están en absoluto relacionadas con su significado o función. Conceptos espirituales muy similares podrían encontrar expresiones físicas muy diferentes en diferentes culturas tribales, incluso si el uso de pigmento blanco en una máscara, por ejemplo, generalmente denota una conexión directa con los muertos. (Nota: los colores que no sean negro, blanco y el tono de la madera no son habituales). Una frente elevada generalmente está asociada con la sabiduría, pero las máscaras naturalistas, si simplificadas, que para los ojos occidentales sugieren un clasicismo sereno, se encuentran entre gran variedad de tribus con asociaciones y funciones muy diferentes, incluidas las agresivas. Una vez que la conexión de una talla con su función original se rompe o se pierde, es muy difícil establecer el propósito para el cual fue creada. La mayoría de las máscaras africanas son antropomórficas, aunque el retrato en cualquier sentido es muy raro; Las caras de las máscaras pueden mostrar incisiones, recordándonos que un medio importante del arte tribal es la pintura ritual o la cicatrización del cuerpo vivo con patrones tradicionales. También se producen máscaras de animales y aves (a menudo antílopes o vacas silvestres); Las máscaras aún persisten en varias áreas bajo influencia islámica, pero a menudo en formas estilizadas casi irreconocibles.

Una buena parte del ritual tribal se basa en la iniciación en grupos de edad, en las "sociedades" de hombres jóvenes o viejos, cada una de las cuales posee sus emblemas y motivos de culto separados; Muchas figuras talladas, así como máscaras, están asociadas con tales "sociedades", y a menudo simbolizan dioses patronos o deidades como el Dios del Trueno o el Dios del Fuego. Las figuras talladas son tan difundidas y populares como las máscaras, y como este último, se relacionan con el ritual, aunque algunas tribus, como el próspero y asentado Baule en Costa de Marfil, hicieron tallas casi como artículos de lujo. La tribu Yoruba en Nigeria eran hábiles talladores de figuras en la ronda, y a menudo coronaban sus máscaras generalmente masivas con grupos de maniquíes altamente animados, como si una fiesta estuviera en progreso. También entre los yoruba, así como en algunas otras tribus, tal era el estándar y el prestigio de Escultura africana que los escultores podrían alcanzar un estatus y prestigio algo similar al de un artista exitoso en Occidente.

El estudio del arte tribal africano todavía está en una etapa temprana, y el área geográfica involucrada es enorme: todo el África occidental y central, con tradiciones significativas también en África oriental. Además, la madera, el medio dominante, es vulnerable al clima y a las termitas u hormigas blancas, y la mayoría de los otros materiales utilizados también son perecederos, por ejemplo, la rafia o el algodón. Tanto el tema como el contexto de las artes africanas tradicionales han sido alterados por el impacto de otras culturas, no solo recientemente sino durante un largo período de tiempo: el Islam y el cristianismo, por ejemplo, han estado presentes en África durante cientos de años. En pocas palabras: tenemos que hacer un esfuerzo mucho más serio para comprender la riqueza y la complejidad de las formas de arte africanas. Incluso algunas formas elementales de pintura corporal y pintura de la cara aún no se entienden completamente.

Islas del Pacífico: arte tribal oceánico

Oceanía incluye cuatro regiones separadas, o agrupaciones etnogeográficas: Polinesia , Micronesia , Melanesia y Australasia . El arte tribal de Oceanía significa el patrimonio artístico y las tradiciones de los nativos indígenas de estas cuatro regiones. Estos nativos llegaron a Oceanía desde el continente asiático en dos oleadas: la primera ola de colonos llegó a Nueva Guinea y Australia en la era del Paleolítico de la Edad de Piedra, alrededor de 50, 000-40, 0000 aC, convirtiéndose en los antepasados ​​de los aborígenes australianos. La segunda ola, perteneciente a la cultura Lapita (llamada así por el sitio en Nueva Caledonia donde se descubrieron por primera vez su escultura y otras obras de arte), llegó mucho más tarde (alrededor de 10, 000-5, 000 aC), y tan pronto como su construcción de barcos se volvió lo suficientemente sofisticada (no hasta al menos 1000 a. C.) comenzó a extenderse por las islas remotas de la región del Pacífico. Fue esta cultura lapita la que finalmente influyó en la mayoría de Polinesia, Micronesia y Melanesia. Otra influencia fue la cultura Dong-Son de Vietnam (c.600 en adelante), un importante comerciante dentro del área del Pacífico occidental, cuyas obras de bronce se han encontrado en toda Oceanía.

Actividades artísticas comunes

Aunque cada región, de hecho cada grupo de islas, tenía sus propias tradiciones artísticas, que influyeron en sus artes y oficios, gran parte del arte tribal oceánico estaba vinculado con ceremonias paganas que involucraban lo sobrenatural, el culto al espíritu, la fertilidad, etc. Creemos que se creó una gama relativamente amplia de arte (incluyendo, pintura corporal , tatuajes , pintura , escultura , tallado en madera y arte textil ), aunque la mayoría de los materiales utilizados por artistas y artesanos eran perecederos. Por lo tanto, aparte de los edificios de piedra y la escultura, muy pocos ejemplos han sobrevivido. Muchos de los que lo hicieron fueron intercambiados posteriormente con exploradores europeos, a cambio de baratijas.

Polinesia

Polinesia comprende una serie de grupos de islas dispersas por el Pacífico central y oriental. Incluyen Samoa , las Islas Cook , la Polinesia Francesa (Tahití, etc.), Tonga , Hawái , la Isla Pitcairn y la Isla de Pascua , entre otras. El arte tribal polinesio se practicaba como parte de una cultura de religión y magia, que creía que todas las cosas estaban dotadas de maná o poder sagrado sobrenatural, no solo personas, sino también edificios, piedras, canoas, casi todo. Los ejemplos sobrevivientes famosos del arte polinesio incluyen: los templos de piedra de las Islas de la Sociedad, la isla de Pascua y las Marquesas, todos ahora en ruinas, aunque sus proporciones, el uso de formas de piedra, colores, texturas, etc., muestran una destreza impresionante en arquitectura y diseño; escultura monumental de piedra ( moai ) en Rapa Nui / Isla de Pascua y las Marquesas, que ejemplifica el uso de diseños que incorporan figuras antropomórficas con ojos saltones y lenguas sobresalientes, comunes a muchas áreas orientales y remotas de Polinesia; corteza de tela muy decorada en la Polinesia occidental.

Melanesia

Melanesia comprende islas en el área sudoccidental del Pacífico, incluidas Papua Nueva Guinea , las Islas del Almirantazgo , el archipiélago de Bismark , las Islas Salomón , Vanuatu (anteriormente Nuevas Hébridas), Fiji y otras. El arte tribal melanesio es muy variado, a menudo incorpora formas exageradas creadas en relación con el culto a los antepasados, la caza y el canibalismo. En las tierras altas de Nueva Guinea, pintura de la cara y arte Corporal era muy importante, al igual que las pelucas y los tocados. Las áreas de tierras bajas se destacaron por las pinturas y tallas de madera de los pueblos Sepik como Abelam e Iatmul. Además, el arte curvilíneo de la tribu Massim, ejemplificado por sus tableros de proa y escudos de baile, también es bien conocido, al igual que las esculturas ceremoniales de Malanggan en Nueva Irlanda. Las máscaras, utilizadas en elaboradas ceremonias paganas y procesos de culto, fueron un foco de arte indígena en toda la región. Además de estos tipos formales de artes y oficios, muchas culturas tribales (por ejemplo, en las islas Salomón y Almirantazgo) tenían la tradición de decorar una amplia gama de artículos cotidianos.

Micronesia

Al norte de Melanesia, se encuentra Micronesia. Esta región incluye las islas Marshall y unas 600 islas Caroline, agrupadas en cuatro estados conocidos como Yap , Chuuk , Pohnpei y Kosrae . Desafortunadamente, el pequeño arte tribal micronesio ha sobrevivido. Los ejemplos más conocidos incluyen las escenas pintadas de bajorrelieve en las vigas y los frontones de las casas de los hombres en Palau. Además, se han descubierto máscaras de madera estilizadas y figuras humanas en las islas Mortlock, al sureste de Truk. Otros artefactos tribales micronesios incluyen canoas pintadas y cuencos de madera tallada, mientras que la pintura corporal y los tatuajes también se practicaban ampliamente.

Australasia

Esto incluye el continente de Australia, Nueva Zelanda y sus islas dependientes. Para obtener detalles sobre el arte tribal de Australia, consulte a continuación en Arte aborigen australiano.

Para obtener más información sobre el estilo de las artesanías de las Islas del Pacífico de Oceanía, consulte: Arte oceánico .

Arte tribal indonesio

Situada entre Filipinas al norte y Australia al sur, Indonesia comprende casi 14, 000 islas que se extienden desde Sumatra en el oeste hasta Nueva Guinea en el este, incluyendo Java , Bali , Kalimantan (Borneo central, oriental y meridional), Sulawesi , Maluku , e Irian Jaya (oeste de Nueva Guinea). Debido a que el país se extiende entre las principales rutas comerciales entre los océanos Pacífico e Índico, sus formas de arte reflejan una mezcla diversa de culturas y religiones, incluido el budismo , el confucianismo , el hinduismo y el islam .

Los asentamientos humanos en la región datan de tiempos prehistóricos, pero las obras de arte sobrevivientes son escasas. indonesio Arte paleolítico quizás sea mejor ejemplificado por el pintura rupestre en las cuevas de Karawari, Papua Nueva Guinea (18, 000 aC), mientras que los mejores ejemplos de Arte mesolítico en Indonesia son los pintados plantillas de mano encontrado en las cuevas de Kalimantan (c.8, 000 BCE) en el área de Sangkulirang, y la cueva de Gua Ham Masri II (c.8, 000 BCE) en el este de Borneo.

La influencia de arte chino , (desde el final Dinastía Zhou y otros) se sintieron desde el principio, al igual que el impacto de la civilización Dong-Son de bronce que floreció en Vietnam, en los primeros siglos antes de Cristo. Los comerciantes indios eran excepcionalmente activos en el área, pero es imposible dar una fecha precisa de cuándo la cultura india comenzó a ejercer una influencia significativa. En cualquier caso, las tres religiones principales que se practican hoy en Indonesia: el budismo, el hinduismo y el islam, llegaron todas de Occidente.

Al igual que en Oceanía, la mayoría del arte tribal indonesio, aparte de los templos budistas e hindúes, fue tallado en madera o hecho de textiles, y hace mucho que pereció. Los ejemplos sobrevivientes más conocidos incluyen un grupo de antiguos megalitos y varios ejemplos de trabajos en bronce siguiendo el patrón Dong-Son. Este último incluye hachas de batalla sagradas decoradas y grandes hervidores (por ejemplo, la Luna de Bali ). Estos tambores fueron fundidos por un método sofisticado de cera perdida y muestran relieves superficiales de cabezas de figuras dedicadas a actividades ceremoniales, o en ocasiones ornamentación puramente abstracta. Algunos están relacionados con ceremonias de lluvia. Ver también: arte megalítico . Otro tipo importante de artesanía tribal tradicional que se practica en toda Indonesia es el diseño textil , considerado durante mucho tiempo como una de las formas de expresión artística más variadas y únicas de la región. Incluye Batik , practicado principalmente en Java, y tejido (especialmente la técnica ikat y double-ikat ).

La famosa arquitectura indonesia, principalmente en el estilo Indo-Java (siglo III-XVI), incluye el Templo de Mendut, el templo budista Sewu (siglo IX), el magnífico templo Siva Prambanan (siglo IX), los lugares de baño sagrados de Jalatunda (finales del siglo X) y Belahan (mediados del siglo XI), el templo hindú redondo de Jabung (siglo X) y, por supuesto, el complejo Borobodur (ver más abajo).

Tipos y características

El arte tribal indonesio se ha clasificado en dos tipos principales: el " monumental " y el " ornamental-fantasioso ". El primero está ejemplificado por los megalitos de Sumatra y de Nias (una pequeña isla vecina), así como muchos de los objetos creados en toda Indonesia en asociación con ritos y sacrificios hechos a los antepasados. El modo de fantasía ornamental, se ilustra hasta cierto punto en las esculturas de bronce, pero especialmente en la decoración de las casas de la región, en textiles y en esculturas pintadas.

Una característica importante común a todo arte tribal indonesio es la reverencia a los antepasados , que se expresa en una variedad de formas. La tribu Nias erigió sus megalitos en honor a los jefes muertos, mientras que el pueblo toraja de Sulawesi construyó terrazas de acantilados que contenían galerías de efigies de madera de los muertos que contemplaban los campos de arroz. En Maluku y el extremo noroeste de Irian, hay numerosas figuras de madera talladas o en cuclillas que representan espíritus ancestrales. En algunas partes de la región, la figura de antepasado de madera incorpora el cráneo real de la persona muerta en lugar de simplemente una cabeza tallada, y el culto al cráneo, no un vestigio de canibalismo sino una extensión del culto a los antepasados, está muy extendido. Los cráneos se recogen, atesoran y almacenan en muchos lugares: a veces (por ejemplo, entre los Batak de Sumatra) en los techos de las casas, a veces (por ejemplo, entre los Dayak de Kalimantan) en los santuarios de las aldeas.

Borobudur en Java

El sitio de Borobodur en Java central es uno de los monumentos de piedra más extraordinarios jamás realizados. Es una vasta estructura, que alberga más de 500 estatuas del Buda sentado, pero no parece haber sido una tumba, un palacio o incluso un templo ortodoxo, sino una expresión profunda e intrincada a través de la arquitectura y la escultura de la ideología budista . Su construcción debe haber requerido un ejército de artesanos y un diseñador de genio, pero no hay registro de quién lo construyó o por qué, aunque se supone que su fecha es a finales del siglo VIII o principios del siglo IX durante la dinastía javanesa de Shailendra (778- 864). Una de las cosas más sorprendentes de Borobudur es que es la culminación de una tradición artística que parece haber sido de corta duración. Java occidental había sido colonizada por comerciantes indios, quizás en el siglo I d. C. y los monasterios budistas ciertamente se establecieron allí en el siglo IV, pero no hay evidencia de ninguna empresa significativa en piedra, arquitectura o escultura, durante otros tres siglos. La primera escultura de piedra javanesa conocida, que es hindú, data de principios del siglo VIII, apenas cien años antes de Burobudur.

Birmania / Myanmar

Birmania, el vínculo montañoso de la jungla entre los subcontinentes indios e indochinos, fue colonizado originalmente (alrededor del año 500 a. C.) por el pueblo tibetano-birmano Pyu , y luego, dos siglos después, por una raza austroasiática conocida como los Mons . Por lo general, los ejemplos más sobrevivientes de arte tribal birmano consisten en esculturas monumentales , la mayoría de las cuales son budistas. Desde aproximadamente el siglo VII a. C., el país estaba efectivamente dividido entre dos grupos de tribus mencionadas anteriormente, el sur de Mon y el norte de Pyu, quienes practicaban el budismo . Después de la caída de la capital de Pyu en 832, el norte fue infiltrado por birmanos que trajeron consigo el culto a los nats , una mezcla de espíritus y seres que incluyen espíritus de la naturaleza, ancestros y fantasmas. Este culto junto con el budismo de sus predecesores se fusionó debidamente en una religión híbrida que todavía es una fuerza en Birmania hoy.

Se estableció una tradición artística de pintura y escultura en la época de Mon y Pyu, y el rey Anawratha, quien, en el siglo XI estableció la capital del territorio birmano unido en Pagan, empleó a artistas mon en gran número. Surgieron palacios, templos y santuarios que ocupaban varias docenas de acres, ricamente ornamentados con pintura y escultura de terrocotta pintada, que todavía está en Pagan en cierta cantidad hoy, ya que en 1286 la ciudad fue saqueada por los mongoles y prácticamente abandonada. Además de las ruinas en Pagan y otros sitios, la herencia del arte tribal birmano consiste en unos pequeños bronces medievales , de alta calidad y cantidades de tallas de edad indeterminada: ha habido poca variación en el estilo. Las figuras tienden a ser simplificadas y generalizadas, representando repisas en su mayoría de leyendas budistas en posturas elegantes, que recuerdan a The Dance; La cualidad suprema del arte birmano reside en su espiritualidad aireada y sus finos decorativos inspirados.

Arte tribal aborigen australasiano

Los antepasados ​​de los aborígenes y otros pueblos indígenas nativos de Australasia fueron parte de la misma ola de colonos que llegaron a Oceanía desde el continente asiático durante el período del Pleistoceno de la Edad de Piedra del Paleolítico, alrededor de 50, 000-40, 0000 AEC. Aunque los detalles de su cultura son escasos, según una investigación arqueológica reciente en el continente australiano, comenzaron a practicar formas de arte tribal casi de inmediato.

Arte aborigen de Australia abarca una amplia gama de tipos y medios, que incluyen pintura corporal , pintura rupestre , pintura de corteza , grabados rupestres , piedras verticales , tallados y esculturas , así como adornos decorativos en herramientas y armas.

Pintura corporal
Esta forma de arte primitiva es ejemplificada por el pueblo Yolngu de Arnhem Land, que cubren sus cuerpos con diseños elaborados y exquisitos, con delicados sombreados y líneas discontinuas, en preparación para eventos ceremoniales y bailes.

Cupulas y huellas de manos
Estas formas fueron típicamente los primeros tipos de arte prehistórico en aparecer. Ver Arte rupestre de Kimberley , por ejemplo, donde las marcas de rocas y las plantillas de mano fueron algunos de los primeros dibujos parietales de la región.

Pintura rupestre
La forma de arte tribal aborigen más practicada fue la pintura rupestre, cuyos ejemplos se pueden encontrar en toda Australia. Incluye tipos tales como: imágenes de rayos X de animales y humanos (por ejemplo, ver Arte rupestre de Ubirr en Arnhem Land, Territorio del Norte), dentro de cuyos contornos estaban marcados los esqueletos del sujeto; pintura de puntos en la que se crearon patrones intrincados usando puntos; e imágenes estampadas, como las producidas por una impresión de mano o palma. Se han descubierto muchos otros estilos de pintura rupestre, incluido el distintivo Pinturas de Bradshaw en la región de Kimberley de Australia Occidental.

Pintura de la corteza
En este tipo de pintura tribal, el artista pinta sus diseños exclusivos en piezas de corteza de árbol aplanada. Posteriormente se ha convertido en una forma popular y muy respetada del arte aborigen contemporáneo.

Grabados y grabados rupestres
Australia contiene muchos ejemplos de petroglifos (un nombre elegante para tallados en roca), como los de Terrey Hills, Nueva Gales del Sur; la península de Murujuba y el archipiélago Dampier en Australia occidental, que presenta dibujos de animales extintos de la Edad de Piedra como el tilacino; y los grabados Panaramitee en Australia Central. Para más información sobre antiguos petroglifos en Australia, vea Arte rupestre de la península de Burrup (c.30, 000 AEC).

Piedras de pie
Los arreglos de piedra, otra forma de arte tribal de Australia, abarcan círculos de piedra grandes y pequeños, no muy diferentes de Stonehenge en Inglaterra, dispuestos en conexión con eventos ceremoniales o rituales.

Arte tribal indígena americano (EE. UU.)

Los antepasados ​​de los indios americanos cruzaron el estrecho de Bering desde Asia durante la época del Pleistoceno de la Edad de Piedra. Las Américas y Australasia fueron, de hecho, las dos últimas grandes masas de tierra pobladas por el hombre prehistórico. Una cultura india definida comenzó a surgir alrededor de 9, 000 a. C., separada en la cultura de caza de búfalos paleoindios de Occidente y las Grandes Llanuras, y las tribus más pobres de la cultura del desierto de la zona occidental de la Cuenca del Rango. Nativo Arte indio americano ha sido moldeado en gran medida por la naturaleza nómada, cazadora-recolectora de la primera, y el ambiente un poco más estático pero empobrecido de la segunda. La disponibilidad de recursos (madera, mimbre, metal, huesos de animales, arcilla, algodón, etc.) también fue una característica determinante en el desarrollo de las tradiciones artísticas regionales.

Ver también: Arte precolombino (hasta 1535 CE).

Región Suroeste Estados Unidos

En la región sudoccidental, que incluía tribus como los Hohokam del sur de Arizona, los Ansazi del norte de Arizona y Nuevo México, y los Mimbres del suroeste de Nuevo México, así como los pueblos Zuni, Navaho y Hopi, la arquitectura tradicional era ejemplificado por las increíbles estructuras de varios pisos en Pueblo Bonito en Nuevo México. Las tribus también dominaban el tejido , la alfarería (típicamente de diseño lineal o geométrico) y la pintura al fresco . Además, muchas de las grandes cámaras religiosas subterráneas tradicionales (kivas) estaban decoradas con brillantes murales . No hubo una escultura monumental notable, pero ciertas tribus se especializaron en formas de arte particulares: las tribus Hopi y Zuni producían muñecas de álamo talladas y pintadas, mientras que los Zuni y Navaho favorecían la plata. joyería con incrustaciones de turquesa, y el Hopi produjo complejas telas de disfraces .

Pintura de arena navajo

La pintura en arena (también conocida como pintura en seco) fue desarrollada por los nativos americanos del suroeste (especialmente los navajos). Esencialmente una ceremonia de curación tradicional, el "artista" es un curandero que "pinta" rociando arenas de diferentes colores sobre una piel de ante o una lona de tela. La "pintura" comprende arena de color natural, mezclada con yeso blanco, ocre amarillo, arenisca roja, carbón negro, carbón mezclado con yeso para producir azul, así como otros materiales colorantes como harina de maíz, polen de flores, raíces en polvo o corteza. Una vez que el curandero ha terminado de "pintar", el paciente se sienta en el trabajo completado, después de lo cual el curandero llama a la enfermedad a fluir hacia la arena. Una vez que termina la ceremonia, se elimina la arena ahora tóxica. Para más, ver Arte de arena .

Región del Medio Oeste / Grandes Lagos

La cultura india tradicional de esta región se desarrolló estrictamente tribu por tribu, y se destacó por su rico arte textil , así como por sus famosos movimientos de tierra , conocidos como "montículos de efigie", que representan formas de animales. El arte tribal también incluía tubos de piedra esculpidos, adornos pulidos de piedra y cobre , pero poca talla de madera, excepto cuencos tallados. Los diseños de arte variaron desde ultrarrealistas hasta abstractos.

Región sudeste

En tiempos prehistóricos, la región más emocionante del arte tribal de los nativos americanos era el centro-sur y sureste. Producía conchas finamente talladas , adornos de ropa intrincadamente decorados, junto con tubos para pájaros y animales. Sin embargo, fue más conocido por su maravillosa cerámica , producida a pesar de una arcilla de baja calidad. Los trabajos de alfarería (botellas de agua, grandes frascos, cuencos, urnas y muchos otros artículos) fueron creados y decorados en una amplia gama de diseños, incluidos florales y geométricos, para uso ceremonial, religioso y personal. Una famosa obra maestra de la cerámica de arte tribal del sudeste es el cuenco de piedra de diorita del Misisipí Medio en forma de pato de madera con cresta.

Costa oeste

En California, hogar de las tribus Cherokee, Pomo, Hupa, Yurok y Karok, el arte nativo americano fue ejemplificado por la cestería . De hecho, ninguna otra persona en el mundo ha producido una variedad tan amplia de cestería excelente. Los tejidos estaban tan apretados que producían contenedores herméticos. Otras tribus de la región, como los Chumash, Koso, Mono-Paviosto y Washo, no eran menos hábiles.

Noreste

Los indios del noreste, en particular los iroqueses, fueron célebres por sus máscaras de la False Face Society , las plumas de puercoespín , los abalorios , los cuencos de madera y los cinturones tejidos de wampum . También se practicaba la alfarería, al igual que el tejido y la cestería, pero ninguno era de una calidad particularmente alta.

noroeste

El gran arte tribal del noroeste era la escultura , particularmente el tallado en madera . Viviendo entre los grandes bosques de cedros y abetos de América, los talladores nativos americanos produjeron la mayor variedad de trabajos en madera de cualquiera de las tribus indias. Tótems, pequeñas figuras de madera y máscaras, cuidadosamente pintadas y con incrustaciones de piedras y conchas de abulón, se encontraban entre las formas más comunes de esculturas talladas a mano. El tótem en particular ejemplificó la cultura local. No era un objeto religioso, y nunca tuvo la intención de ser adorado. En cambio, los tótems eran un tipo de "documento histórico", que registraba la posición social, la riqueza y la importancia relativa de la persona que pagaba el poste, generalmente un jefe de pueblo o noble individual. Los indios del noroeste también fueron los primeros indios nativos americanos en dominar metalcraft . El hierro y el cobre (algunos de ellos obtenidos de barcos balleneros) fueron hechos por artesanos en cuchillos de combate, máscaras y también herramientas.

Museo Nacional del Indio Americano

Dedicado a la historia, la cultura y las artes de los pueblos nativos del hemisferio occidental, el Museo Nacional del Indígena Americano del Smithsonian se inauguró en el National Mall de Washington DC, en septiembre de 2004. Alberga la colección del antiguo Museo de la Fundación Heye de el indio americano, que cuenta con más de 800, 000 objetos, así como un archivo fotográfico de 125, 000 imágenes.

Instituto de Artes Indias Americanas

El Instituto de Artes Indígenas Americanas, una universidad y galería dedicada al arte tribal indígena indígena americano, se encuentra en Santa Fe, Nuevo México. Establecido en 1962, ofrece una variedad de cursos de pregrado en escritura creativa, comunicaciones visuales, estudios de arte y estudios de museos.

Alaska

El arte tribal de Alaska, o arte inuit , describe obras de arte producidas por los inuit del Ártico, anteriormente llamados esquimales . Uno podría imaginar que la creación de arte sería un lujo inútil en un entorno tan duro con tan pocas materias primas. No tan. Los inuit han producido algunas de las obras de arte indio más imaginativas y excepcionales del continente americano. Los talladores inuit empleaban morsa / marfil de ballena / huesos, o astas de reno, coloreadas con carbón, para crear figuras intrincadas y madera para producir sus famosas máscaras , maskettes y amuletos , que se usaban para bailes y ocasiones ceremoniales. Estas formas derivaron de la cultura Dorset , que comenzó alrededor del año 600 a. C. Esto fue reemplazado alrededor de 1000 EC, por la cultura Thule durante la cual objetos como ollas de cocina, lanzas y arpones adornados, así como adornos de ropa, peines, botones y estuches de agujas se hicieron populares. Me gusta Arte vikingo , El arte esquimal refleja las necesidades de una cultura nómada. Todo el arte era estrictamente portátil, a menudo creado en una escala en miniatura.

Influencia en las artes occidentales

Los coleccionistas y artistas europeos comenzaron a desarrollar un interés en lo que entonces se llamaba primitivismo / arte primitivo, generalmente el arte del África negra, desde mediados del siglo XIX en adelante, a medida que más y más expediciones regresaban con artefactos tribales. Este interés también se avivó desde aproximadamente 1855 en adelante por la moda para Japonismo . A finales de siglo, grandes artistas como Vincent Van Gogh (1853-90), y Henri Matisse (1869-1954) había sido fuertemente influenciado por el arte tribal, mientras Paul Gauguin (1848-1903) realmente lo había experimentado in situ, en la Polinesia Francesa. Fueron seguidos a mediados del siglo XX por Pablo Picasso , cuyo primer trabajo cubista seminal Les Demoiselles d’Avignon , pintado durante su época de negre , muestra signos claros de máscaras africanas , y también por el comerciante de arte Paul Guillaume . Desde entonces, la influencia del arte africano y oceánico ha impregnado todas las formas de bellas artes occidentales, especialmente la pintura, arte plástico (como escultura y cerámica) y muchas disciplinas artesanales.