Pintura griega, época clásica Traductor traducir

Polignoto de Tasos

Poco antes del 500 a.C., cuando finalizó el periodo de la pintura griega arcaica, las vistas oblicuas y otras nuevas del cuerpo y los miembros humanos se impusieron en la escultura y la pintura de vasos griegas. Una revolución que supuso el primer paso hacia el ilusionismo. Polignoto de Tasos, (Tasos es una isla del mar Egeo septentrional) fue el primer pintor griego reconocido por la crítica posterior como un gran maestro. Gran parte de su obra fue realizada en Atenas o sus alrededores poco después del 480 a.C. y siguió siendo apreciada más de seiscientos años después. Sus figuras eran célebres por la expresión de su carácter y parecen haber tenido el estilo aristocrático del mejor arte clásico superior (500-450 a.C.). Su influencia se dejó sentir casi con toda seguridad en el Partenón, especialmente en su pintura escultórica. (Véase también: Arquitectura griega : 900-27 a.C.) Plinio le atribuye varias innovaciones, la mayoría de las cuales ya se habían producido incluso en la pintura de vasos, pero otra innovación importante apareció en las pinturas de Polignoto. Se trata de la exploración de la representación en profundidad, en la que las figuras se situaban a diferentes niveles, más lejos y más cerca.

La fórmula, sin reducción de la perspectiva lineal, se encuentra en varios vasos áticos con figuras rojas de la década de 460 a.C., junto con esculturas de tres cuartos, que son casi uniformemente anormales en la pintura de vasos de la época y poses inusualmente estatuarias. Éstas eran también las presuntas características de Polygnotus, si (como es muy probable) los vasos pintados muestran un intento fallido de transferir un nuevo estilo de pintura a su medio.

Se seguía empleando la técnica del dibujo lineal con imágenes de colores planos, aunque las piedras y otros objetos inanimados probablemente estaban rellenos de pintura de densidad desigual. Las líneas interiores pueden haberse engrosado para mostrar la profundidad del pliegue, y los bordes de los escudos y otros objetos curvos pueden haberse sombreado ligeramente. El fondo era aparentemente blanco puro, con líneas de base separadas para varias figuras o grupos de figuras y árboles ocasionales y otros paisajes sencillos. Como en las metopas termónicas, los nombres se escriben a menudo sobre un fondo de figuras.

Aunque Polignoto y su contemporáneo Mycon de Atenas eran «primitivos», siempre fueron admirados, y en el siglo I d.C. algunos entendidos incluso los preferían a los maestros maduros. Los títulos registrados de las pinturas del gran estilo de Polignoto y su círculo, ya fueran cuadros tranquilos o escenas de la vida, procedían principalmente de la mitología y sólo ocasionalmente (por ejemplo «la Batalla de Maratón») de la historia moderna. Otros cuadros de buena calidad eran menos heroicos. Para entonces la pintura disponía de una gama mucho más amplia de herramientas, métodos de elaboración y calidad que otras artes figurativas.

Se ha reconocido que los lekythoi (vasos) blancos, un estilo de loza antigua, que comenzó en la década de 460 a.C. y terminó alrededor de 400 a.C., tienen una estrecha relación con la pintura en sus características técnicas de fondo blanco y gama de colores añadidos. Y también una pintura del siglo I encontrada en la pared de la casa de Famesina en Roma muestra un estilo muy similar al de los anteriores lekythoi. Como la pintura de Farnesina apenas reconoce el estilo de los lekythoi, que llevaba varios siglos enterrado, su técnica era presumiblemente un panel pintado, que persistió desde mediados del siglo V. En composiciones decorativas tan sencillas parece que el estilo era también más conservador, aunque aquí hay sombreado en los pliegues de los ropajes y en el marco de la silla; el rostro de tres cuartos, por ejemplo, aún no estaba de moda.

En la pintura de vasos los signos de este estilo rara vez son evidentes, en parte debido al pequeño tamaño del campo, pero las grandes pinturas de Polignoto en Delfos mostraban algunos árboles y juncos e incluso guijarros en la orilla. Se concede mucha más importancia a la ubicación en los frescos de la sala interior de la tumba etrusca «de Caza y Pesca», donde el estilo, aunque probablemente retrasado, corresponde al de finales del siglo VI, y las figuras se muestran a escala. A menudo se afirma que el interés por la naturaleza es una característica especial del arte italiano o al menos etrusco, pero el único paralelo en esa época en Italia es el Pestum griego y, aunque por supuesto no hay pinturas originales de Grecia para comparar, tenemos un paisaje marino anterior en Kizibela en Licia, y algo similar se encuentra en las pinturas de los vasos. En efecto, después de mediados del siglo VI se puede rastrear cierto interés por la ambientación en la pintura de vasos y, curiosamente, en la escultura del frontón de la Acrópolis de Atenas, que muestra una casa y un árbol. Cabe suponer, por tanto, que con una técnica más trabajada, las pinturas de la época no se quedaban atrás.

Nota: Para información sobre la cerámica de la antigua Grecia, incluidas las técnicas geométrica, de figura negra, de figura roja y de base blanca, véase: Cerámica griega: historia y estilos . Para información cronológica sobre fechas y estilos, véase. En Cerámica (26000 a.C. a 1900).

A pesar de su dominio del escorzo, la técnica de los primeros artistas clásicos seguía siendo el dibujo de contorno con detalles lineales económicos. El modelado por sombreado o gradación de color parece haber sido lento y tal vez intermitente. Poco antes del 500 a.C., algunos pintores de figuras rojas empezaron ocasionalmente a rellenar los contornos de cuerpos y piedras con sombreados irregulares de pintura diluida, aunque probablemente sólo para indicar la rugosidad de la textura o para dar a una sustancia una forma que no tenía contorno inteligible.

Hacia el segundo cuarto del siglo V, los pliegues se acentuaban a veces (pero no muy a menudo) mediante líneas engrosadas o sombreados, que daban un cierto efecto de sombra; esto ocurre también en el panel de Famesina (c.460 a.C.). Más o menos en la misma época, el brillo de las tramas o sombreados realza ocasionalmente los bordes de los objetos redondos, como los cuencos de los escudos.

Hacia el 420 a.C., el pintor de jarrones con figuras rojas podía trabajar las sombras con rapidez y tolerablemente bien, modelar la forma de los cuencos de vino y los pliegues profundos de los paños, pero aún no hay signos de experimentación con la anatomía humana, aunque el cuerpo era uno de los principales intereses del arte griego . Dicha experimentación aparece por primera vez en un pequeño y muy mediocre grupo de pinturas blancas lekythoi de los últimos diez o quince años del siglo V. Aquí la carne masculina se modela con fuerza. Aquí la carne masculina está muy modelada, pero no así la femenina. Un fragmento de un jarrón del sur de Italia (un cuenco de una Figura Roja de Apulia pintado por un artista de la época del Nacimiento de Dioniso, c. 390 a.C.), de fecha más tardía y técnica más avanzada, representa una figura resaltada en amarillo, mientras que otra figura vecina está pintada en rojo puro.

Esta obstinada fidelidad de la pintura en un vaso con figuras rojas a su tradición lineal hace preguntarse si el modelado podría haberse desarrollado notablemente un poco antes en la pintura. No obstante, el apodo «Skiagraphos» («Pintor de sombras») dado a Apolodoro, que trabajó a finales del siglo V, sugiere que fue uno de los primeros en utilizar la nueva técnica. Su contemporáneo más joven, Zeusis, habría ido aún más lejos. Por lo que respecta a la carne femenina, las copias de grandes ejemplos conservados de pinturas griegas menores y de dibujos murales en tumbas etruscas demuestran que el modelado apareció hacia mediados del siglo IV.

Las sombras proyectadas son más misteriosas. No aparecen en pinturas o copias de pinturas hasta finales del siglo IV, y sin embargo su fuerte efecto no se advierte hasta el siglo III. Sin embargo, ya a mediados del siglo V y unos cien años más tarde, parece que se necesitaban sombras más explícitas para la representación «del Muchacho avivando el fuego» de Antifilo, que admiraba el reflejo de las llamas en el rostro del muchacho. Probablemente, sin embargo, las pinturas clásicas tenían la iluminación uniforme habitual, por lo que las sombras proyectadas se consideraban, en general, excesivas.

Sobre artistas posteriores inspirados en las pinturas clásicas de la antigua Grecia, véase: El clasicismo en el arte (p 800).

Perspectivas

Del mismo modo, los artistas eran reacios a utilizar masivamente la perspectiva -la reducción del tamaño en función de la distancia-, un fenómeno del que dependen muchas cosas en la vida real. En cualquier caso, no hay rastro de perspectiva en los cuadros de Polygnot, a pesar de su sentido consciente de la profundidad espacial, y fue en el paisaje escénico (presumiblemente arquitectónico) según el arquitecto romano Vitruvio (c.78-10 a.C.) donde se intentó por primera vez. La ocasión fue la puesta en escena de una obra de Esquilo. Y, aunque pudo tener lugar después de la muerte del dramaturgo en el 456 a.C., la teoría fue explorada por Anaxágoras, contemporáneo de Esquilo. Dado que Anaxágoras era un hábil geómetra, se deduce que poco después de mediados del siglo V apareció un sistema útil de perspectiva. Salvo que los pintores de jarrones abandonaron en general el uso de la profundidad espacial y se contentaron con el escorzo ocasional de los muebles, las raras copias de pinturas clásicas posteriores y las que tenemos en pintura griega helenística, no necesitan una perspectiva especial en su composición, y quizá no sea hasta el siglo II cuando encontremos un interior en retroceso consistente en las pinturas.

Sin embargo, durante el siglo IV, los escultores griegos que esculpieron relieves para las dinastías licias introdujeron ocasionalmente un poco de profundidad en sus vistas de ciudades, y algunos ambiciosos pintores de jarrones del sur de Italia ya se permitían atrevidas aunque imprecisas indicaciones de perspectiva en la representación de la arquitectura.

Algunos estudiosos niegan que la pintura griega llegara a conseguir una perspectiva única con un único punto de fuga, pero en el siglo I algunas perspectivas arquitectónicas pintadas por decoradores de interiores en las paredes de las casas de Pompeya muestran un sistema demasiado coherente para ser accidental y Vitruvio conocía evidentemente sus principios teóricos. Por lo que sabemos, la perspectiva aérea, es decir, la suavización de los colores sobre un fondo lejano, no apareció hasta el siglo II. Para ello, los artistas griegos disponían de todos los medios técnicos necesarios para una pintura plenamente realista.

Escuela de pintura de Sicilia

Los pintores se formaban, normalmente como ayudantes en el taller del maestro, en un sistema muy similar al del aprendizaje. A mediados del siglo IV, Pamphilus fundó una escuela de pintura en Sikyon y tuvo alumnos distinguidos. La pintura del natural comenzó a finales del siglo V, como menciona Jenofonte en sus Memorias de Sócrates. No sólo se enseñaba la práctica, sino también la teoría. Pánfilo incluyó la aritmética y la geometría en su plan de estudios, insistiendo en que eran necesarias para una práctica adecuada. Gracias a sus esfuerzos, la pintura (o el dibujo) también se convirtió en una asignatura reconocida en la educación de los niños griegos.

Cuatricromía, pintura monocroma y dibujo

No todos los pintores clásicos y helenísticos utilizaron todas las posibilidades técnicas disponibles. En los siglos V y IV hubo una moda por la pintura en cuatricromía, los cuatro colores negro, blanco, rojo y amarillo y sus combinaciones. Se desconoce por qué los artistas decidieron limitar su paleta de esta manera, pero dado que estos eran los colores que los pintores de vasos encontraban satisfactorios para la cocción, es tentador suponer que también eran los colores más buscados en la pintura encáustica de la época . También existía la pintura monocroma, que a veces tenía el efecto del pastel, y a veces imitaba la escultura en relieve. El dibujo de líneas simples también tuvo sus admiradores, y Plinio señala que el dibujo de figuras de Parrechosios fue estudiado por artistas posteriores. Conviene recordar que la palabra griega «arapbo» incluye tanto la pintura como el dibujo.

Nota: Para más información sobre los pigmentos utilizados por los artistas griegos clásicos en frescos, témperas, encáusticas y acuarelas, véase: Paleta de colores clásica .

Argumento

Los temas también variaban. Las grandes composiciones, especialmente las escenas bélicas, tenían un mercado estable aunque limitado, pero a juzgar por los títulos enumerados por Plinio, la obra maestra estándar era una pintura mitológica con un pequeño grupo de figuras como Leto y Níobe, Perseo liberando a Andrómeda o el sacrificio de Ifigenia. Probablemente fueron las exigencias de los clientes privados las que estimularon la producción de pinturas eróticas, mencionadas ya a finales del siglo V, y de naturalezas muertas, que comenzaron no más tarde del IV. La caricatura puede remontarse a finales del siglo V, y el retrato a mediados del IV. El paisaje como rama independiente del arte no se desarrolló hasta el siglo II, ya que nuestras fuentes escritas mencionan por primera vez a un paisajista en el año 164 a.C., aunque la pintura de escenografía (sin dibujos) apareció más cerca del V. En cuanto a la elaboración, la gama -al menos en el periodo helenístico- iba de lo sublime a lo sentimental.

Técnica artística

El equipo técnico de los artistas griegos de finales del siglo V estaba evidentemente muy desarrollado, pero la calidad de las obras que produjeron es mucho más difícil de juzgar. Todos los originales conservados son de segunda categoría o peor, y la mayoría de ellos son también provincianos. Sin embargo, no representan los tipos de pintura más importantes. Las copias o supuestas copias son, por lo general, no sólo poco fiables, sino decepcionantes. De las más ambiciosas, la mayoría son pinturas pálidas, especialmente las de Pompeya y Herculano, obras realizadas por aprendices, que presumiblemente trabajaban bajo contrato y carecían de la habilidad (y mucho menos de la capacidad) para reproducir el original con bastante exactitud. Una representación exacta sólo podía hacerse ante un original u otra reproducción exacta, y los artistas de nivel inferior tan frecuentes en Pompeya no tenían nada mejor que hacer que copias aproximadas de libros y su propia memoria. No es de extrañar, por tanto, que a menudo cambiaran el estilo de las figuras de antiguas obras maestras, dejándolas caer en composiciones ampliadas y modernizando el fondo. Por ejemplo, en la pintura monumental de c. 75 «Perseo y Andrómeda» (pintado originalmente por Nicias hacia el 360 a.C.), la pincelada es impresionista, el carácter de los rostros quizá no es suficientemente heroico y las sombras proyectadas son demasiado prominentes. En resumen, la calidad de la copia es tan pobre que nadie sugeriría que el original representaba el comienzo de un período -la segunda mitad del siglo IV- que más tarde fue considerado como la época en que la pintura griega estaba en su apogeo.

Astragalizusae

Las llamadas «Astragalizusae» (o «Muchachas jugando a los dados» hacia el 400 a.C.) son una pequeña pintura sobre mármol hallada en Herculano. El mármol fue importado de Grecia y probablemente ya estaba pintado. La técnica pictórica es monocroma en varios tonos de marrón, el estilo depende mucho de la línea, sin sombreado de la carne femenina, y el fondo está en blanco y blanco. El tema parece ser una escena doméstica - una pintura de género - presentada con calma clásica, pero los pequeños nombres junto a cada figura lo señalan como mitológico - un incidente en la relación entre Leta y Niobe antes de su desastrosa disputa. La pintura parece ser una copia exacta del original de finales del siglo V, salvo por las letras, que son de principios del siglo I. (La firma de Alejandro de Atenas, que es de principios del siglo I). (La firma Alejandro de Atenas, como en algunas estatuas, debe ser la de un copista). «Astragalizusae» no puede considerarse totalmente típica de la época de su original. Aparte de su técnica, contiene muy pocas de las expresiones de carácter y emoción atribuidas a algunos maestros de la época, como Timantes, que se hizo famoso por las gradaciones de dolor que representó en el «Sacrificio de Ifigenia».

Recursos adicionales

Para más información sobre las artes decorativas grecorromanas, véase: Arte de la Antigüedad Clásica (800 a.C.-450 d.C.)

Para más artículos sobre las artes visuales de la Antigüedad clásica, véase:

Escultura de la Antigua Grecia (Introducción)
Escultura griega dédalica (c.650-600 a.C.)
Escultura griega arcaica (c.600-480 a.C.)
Escultura griega clásica temprana (c.480-450 a.C.)
Escultura griega del Alto Clasicismo (c.450-400 a.C.)
Escultura griega del Clásico Tardío (c.400-323 a.C.)
Escultura griega helenística (c.323-27 a.C.)
Estatuas y relieves helenísticos (c.323-27 a.C.) a.C.)
Pinturas y paneles del patrimonio griego
Metalistería griega (s. VIII a.C.)
Escultura romana (c.55)