Escultura griega helenística Traductor traducir

Para otras formas de escultura del área más amplia del Egeo,
ver el Arte de la antigüedad clásica (c.1000 aC – 450 CE).

Nota: entre los elementos más famosos de la escultura griega helenística se encontraba el Coloso de Rodas (292-280 a. C.), uno de los Siete maravillas del mundo , tal como fue compilado por el poeta griego Antipater de Sidón.

Los estilos helenísticos

La era de Arte helenístico (323-27 a. C.) ocuparon un lapso de tiempo casi tan largo como el de todos los anteriores Escultura griega juntar.

Dado que ya no estaba de moda cuando comenzaron los estudios académicos serios y también es asombrosamente diverso, su curso es mucho menos comprendido. Al principio hubo una cierta continuación y desarrollo de las tendencias del Clásico Tardío, en el medio la llamada escuela de Pérgamo muestra una originalidad que puede describirse libremente como barroca, y hacia el final un movimiento clasicista se hizo fuerte. Pero estos estilos distintos no se limitan cada uno a una parte del período y hay mucho más que debe ajustarse. Tampoco la confusión puede explicarse por las diferentes tradiciones locales: aunque Atenas, al parecer, tiende a ser conservadora y a la vez Alejandría se hizo uso del estuco, un material que invita al modelado suave, aún los escultores viajaron tanto o más que antes y los atenienses, por ejemplo, podían trabajar en el estilo completo de Pergamene . ’Pergamene’, por cierto tiene aquí un sentido estilístico y no local. Los reyes helenísticos de Pérgamo, que se apoderaron de gran parte del oeste de Asia Menor, fueron mecenas de escultura , recolectando trabajos viejos y comisionando nuevos; y el estilo del más famoso de sus nuevos monumentos ha sido llamado después de ellos, aunque ese estilo no era peculiar de Pérgamo ni el único estilo fomentado allí.

Caracteristicas

Los temas eran tan diversos como los estilos, y los extremos del Laocoon y el Niño sentado con un ganso, uno una demostración de agonía heroica y el otro de inocencia sentimental, no dan su alcance completo. Las figuras tradicionales de deidades y atletas continúan. Hay estudios realistas, directos o cómicos, de la vida de la clase baja, el viejo pescador, por ejemplo, o la anciana borracha, de tipos étnicos, de sátiros y otras criaturas infrahumanas, e incluso de animales. Las personificaciones, a partir de las Musas, se vuelven más comunes. Las figuras tímidas, juguetonas y eróticas (incluido el joven hermafrodita) satisfacen otros gustos.

El retrato floreció más libremente. A menudo se dice que esta ampliación del repertorio y objetivos del escultor refleja los cambios espirituales que siguieron a la conquista del Imperio Persa por parte de Alejandro. Las grandes monarquías centralizadas reemplazaron a las ciudades-estado independientes, los centros de poder y riqueza se trasladaron de la Grecia europea a las nuevas capitales de Asia y Egipto, las viejas nociones de igualdad política dieron paso a una estratificación de clases más rígida, y la gente común pasó de lo cívico a lo personal. intereses. Sin embargo, no hay razón para suponer que el curso de la escultura griega hubiera sido muy diferente si el antiguo orden hubiera continuado. Los gobernantes helenísticos fueron determinados por razones políticas para difundir la cultura griega tradicional. En la propia Grecia, los estados de la ciudad (que aún conservaban una considerable autonomía) miraban concienzudamente hacia el pasado, y los escultores tenían un mercado más grande para su trabajo. Tampoco parece que la demanda de escultura en casas particulares haya afectado la creación de nuevos tipos y versiones. El niño con un ganso puede parecer que fue diseñado específicamente para el disfrute doméstico. Sin embargo, según Herondas, quien estaba escribiendo en la primera mitad del siglo III, un estatua al menos de este tipo estaba a la vista en un santuario de Asklepios. Y alrededor del año 100 a. C., las estatuas de moda en las casas de Delos incluían copias de antiguos maestros de renombre. Es probable que un estilo tan seguro y poderoso como el de la escultura clásica haya tenido su propio impulso, y los estilos helenísticos pueden explicarse como procedentes de la tradición clásica por evolución o reacción. Después de todo, las tendencias al naturalismo, la expresión de la emoción y el sentimentalismo son visibles ya en el siglo IV.

NOTA DE CRONOLOGÍA: Después Escultura Griega Daedalica (650-600) viene Escultura Griega Arcaica (600-480), seguido de Escultura Griega Clásica Temprana (480-450), y luego Alta escultura griega clásica (450-400) y finalmente Escultura griega clásica tardía (400-323).

Anatomía

Independientemente de lo que uno piense del valor estético de sus productos, los principales escultores helenísticos fueron más exitosos que sus predecesores clásicos y agregaron sustancialmente al conocimiento que heredaron. Mejoraron la comprensión de la anatomía, tanto en la configuración detallada de la superficie del cuerpo como en su respuesta a la tensión y la relajación, pero esta comprensión se utilizó de forma selectiva según el tema y el carácter del trabajo. A finales del siglo cuarto y principios del tercer siglo, los seguidores de Praxiteles lograron un modelado de carne aún más suave, que siguió siendo una técnica favorita donde se deseaban los efectos sensuales o sentimentales, por ejemplo, en desnudos femeninos, hermafroditas y niños pequeños. Otro temprano
Los escultores helenísticos se concentraron en el tipo de hombre atlético remodelado por Lisipo o sus contemporáneos y, aunque mantuvieron las formas delgadas y la apariencia coriácea de la piel, a veces avivaron el efecto con una dosis de patetismo. Este tipo, por supuesto, siguió siendo útil para las estatuas desnudas conmemorativas de los vencedores en los juegos, de los príncipes heroicos y notables, e incluso de los particulares, aunque más tarde hubo competencia de un estándar Polykleitan revivido. Otra tendencia que se desarrolló a principios del siglo III fue hacia un estilo seco y no clásico que dependía del énfasis en el diseño lineal en lugar del modelado, pero esto era más adecuado para cortinas y cabezas de retratos, que para cuerpos desnudos. Más ambicioso fue el intento de reutilizar formas y dispositivos clásicos antiguos para efectos violentamente dramáticos, sobre todo en el friso principal del Altar de Pérgamo de Zeus , donde en algunos de los torsos la musculación parece una especie de coraza. Esta Estilo pergamene de escultura helenística tuvo su comienzo en el siglo III, pero floreció en el segundo y, a juzgar por Laocoon y sus hijos , todavía se practicaba a mediados de la primera. Para las estatuas de dioses de culto, los tipos clásicos siempre habían tenido una influencia continua y, finalmente, a finales del siglo II, se produjo una reacción y muchos escultores volvieron a las obras de los siglos quinto y cuarto como modelos de corrección.

[Nota: para los estilos arquitectónicos de la antigua Grecia, ver: Arquitectura griega ]

En la representación de la anatomía, los escultores helenísticos no escaparon a menudo de las fórmulas clásicas, ya que éstas ya eran bastante fieles a la naturaleza y no había necesidad de comenzar de nuevo. Tampoco alteraron los sistemas de proporciones para la figura masculina, aunque pronto se aceptó un canon femenino alternativo, con hombros más estrechos, cintura más alta y caderas más anchas. En las cortinas hubo un cambio más radical. Aquí los escultores del Alto Clásico habían desarrollado un sistema de dispositivos que dilucidaban las formas y la acción del cuerpo pero, aunque ópticamente efectivos, no se ajustaban a la naturaleza. Y este sistema siguió siendo válido en el siglo IV, a pesar de las tendencias a organizar los pliegues de forma más natural y a dar importancia a la cortina en sí misma. Estas tendencias fueron llevadas más allá por algunos escultores helenísticos antiguos, y parece que incluso hubo un rechazo deliberado de los estándares clásicos, quizás más por novedad que por principios artísticos.

NOTA: Para posteriores escultores y movimientos inspirados en la escultura helenística de la antigua Grecia, ver: Clasicismo en el arte (800 en adelante).

Pañería

En un esquema favorito, todavía popular en la estatuaria helenística tardía, la figura femenina está vestida con un quitón, a menudo ocultando los pies, y una fina capa bien estirada que se extiende diagonalmente desde debajo de una rodilla hasta arriba de la otra, se recoge en la cadera, y se enrolla sobre la cintura o el pecho o, más a menudo, cubre los hombros y, a veces, también la cabeza. Esta capa está modelada con finas crestas afiladas, en parte irradiando desde la cadera, en parte errática y casualmente interrumpida; y si hay un rollo, generalmente es estrecho y retorcido como una cuerda. En contraste, los pliegues del quitón son en su mayoría cercanos y verticales y, con una destreza que se vuelve trillada, se prolongan para mostrar, adecuadamente un poco borrosos, a través de la capa que los cubre. Al mismo tiempo, persistió una tradición básicamente clásica, especialmente en estatuas de dioses. Esta tradición fue reutilizada eclécticamente por los escultores del estilo Pergamene y revivida con más fidelidad por los clasificadores de los últimos siglos segundo y primero.

Retratando la emoción

Los maestros clásicos habían preferido sugerir emociones mediante simples gestos y, aunque a mediados del siglo IV se permitía cierta intensidad de aspecto, se dejó a los artesanos menores que tallaron relieves graves para mostrar rostros contorsionados por el dolor. Los escultores helenísticos tenían otros estándares. En el trabajo de carácter tradicional, mantuvieron la antigua impasibilidad, pero donde el objetivo era naturalista o dramático, disfrutaron de su virtuosismo. El dolor, el miedo, el placer, la diversión, la embriaguez, la lasitud, el sueño y la muerte estaban dentro de su alcance en el siglo II, al igual que todas las gradaciones de edad y, cuando lo deseaban, podían producir tipos raciales plausiblemente diferenciados. Como era de esperar, el retrato se hizo más vívido, aunque, por supuesto, el cliente generalmente esperaba cierta dignidad.

[Nota: para biografías de importantes escultores de la antigua Grecia, ver: Fidias (488-431 a. C.), Myron (Activo 480-444), Polykleitos / Polyclitus (Siglo V), Callimachus (Activo 432-408), Skopas / Scopas (Activo 395-350), Lisipo / Lisipo (c.395-305 a. C.), Praxiteles (Activo 375-335), Leochares (Activo 340-320).]

Poses Esculturales

La gama más amplia de sujetos necesitaba una gama más amplia de poses. Entonces aparecen figuras extendidas, agazapadas y tumbadas; Para las figuras erguidas, las actitudes momentáneas o triviales se vuelven más habituales. Y en el estilo Pergamene, se recibieron contorsionas violentas. Muchas de estas poses habían sido utilizadas por escultores clásicos o incluso arcaicos en frontones, pero no en estatuas independientes, donde el estándar del decoro había sido estricto. Los grupos también se volvieron más comunes y más sistemáticamente diseñados. Pero la innovación más radical fue en la composición. Las estatuas clásicas normalmente se habían construido desde un frente y una elevación lateral, de modo que presentaban cuatro vistas principales distintas. Y aunque durante el siglo IV, hubo una variación tentativa de la vista estrictamente frontal, como en el Apoxyomenos , esto se logró principalmente mediante la colocación de los brazos. Los escultores helenísticos pensaron más profundamente. Su primera solución fue darle un giro en espiral a la figura, de modo que desde cualquier punto de vista, una parte importante de ella apareciera más o menos en elevación frontal o de perfil. Sin embargo, por eficaz que sea, un giro tan fuerte no se justifica fácilmente, si se espera que la acción de una estatua tenga un propósito lógico. Bailar y pelear ofrecen razones satisfactorias, pero para algunas figuras helenísticas en espiral, la única excusa es frívola, como Afrodita levantando su falda para contemplar su trasero o el joven Sátiro que trata de inspeccionar su cola. A principios del siglo II se había encontrado una fórmula más sofisticada, mediante la cual la espiral se invierte o se detiene en la cintura. los Venus de Milo Es el ejemplo más famoso aquí. Aún así, en todo momento la mayoría de las estatuas helenísticas se diseñaron a la antigua usanza, con énfasis en la vista frontal.

Copias de estatuas

El renacimiento clásico de Arte griego durante el segundo siglo posterior no solo produjo nuevas interpretaciones y adaptaciones de formas clásicas, como la Venus de Milo, sino que también condujo a una industria de copia que duró la era de Arte romano hasta el cuarto o incluso el siglo quinto CE. Desde el período Arcaico en adelante, se hicieron duplicados, como Kleobis y Biton , y Penélope , pero el hábito de reproducir obras maestras del pasado parece haber comenzado a principios o mediados del siglo II, cuando los reyes de Pérgamo, que eran Los primeros grandes coleccionistas de obras de arte griego, complementaron la adquisición de originales anteriores al encargar copias. Su ejemplo fue seguido por particulares, incluidos muchos romanos e italianos, que simpatizaban con la tendencia clasicista pero que anhelaban a los viejos maestros. Las copias que se encuentran en Pergamum, incluso cuando en espíritu son bastante fieles a los originales, brindan detalles libremente y de manera contemporánea y evidentemente fueron talladas por escultores capaces de realizar trabajos independientes. Pero más tarde, un estilo y una técnica más mecánicos se volvieron regulares, con artesanos trabajando desde una copia maestra. Se pueden hacer copias maestras de la memoria y los bocetos, como deben haber sido los de la estatua de culto de Atenea en el Partenón ; o, si el original fuera accesible, se podrían extraer moldes, ya sean parciales o completos, y moldes hechos con los moldes. Para copias de escultura de bronce , este sistema podría, mediante una refundición, proporcionar réplicas exactas del original, y por esa razón es difícil o imposible, y probablemente no importante, distinguir por estilo entre un original y una buena copia.

Para copias de escultura de piedra (principalmente mármol), un proceso de apuntado estaba en uso a principios del primer siglo. El copista instaló un marco abierto alrededor de su modelo y uno idéntico alrededor del bloque en el que estaba trabajando, midió la distancia desde el marco de los puntos elegidos en su modelo y, nuevamente, midió su posición en su bloque y luego lo talló a simple vista las superficies entre los puntos, completando más o menos una parte de la figura antes de pasar a la siguiente. Dado que los copistas antiguos usaban muchos menos puntos que sus contrapartes modernas, la precisión de los detalles era menor. Hay algunas excelentes copias de mármol, pero la mayoría son trabajos de piratería, descuidando con dureza todas las sutilezas en el modelado de la superficie.

Presumiblemente por su bajo precio, los originales de bronce a menudo se reproducían en mármol, con algunos ajustes consiguientes. Dado que las pestañas del ojo no se pueden tallar en mármol, los bordes de las tapas se volvieron más pesados, los mechones de cabello tendieron a aplanarse, y probablemente la musculación recibió un mayor alivio. Posiblemente también, algunas posturas fueron modificadas, aunque los copistas fueron lo suficientemente libres en el uso de puntales y tocones, tanto por seguridad en el transporte como para dar estabilidad a la figura o evitar que las partes extendidas se rompan por su peso no soportado. A juzgar por la ubicación de sus originales y por los tipos de mármol que se utilizaron, la mayoría de las copias anteriores se hicieron en Grecia y el Egeo, particularmente en Atenas.

Para obtener una lista de las mejores estatuas, estatuillas y relieves producidos durante el período de la antigüedad clásica, consulte: Las esculturas más grandes de la historia . Para una guía del neoclasicismo, ver: Escultores neoclásicos .

Técnicas de escultura

Los escultores helenísticos no hicieron ningún cambio en la técnica de tallar mármol, a excepción del nuevo procedimiento para trabajar a partir de un modelo, que en el primer siglo se pudo haber utilizado para algunas obras originales, así como para copias. En el mejor de los casos, el estándar de acabado seguía siendo igual al del trabajo clásico, aunque las marcas del ejercicio en ejecución a menudo se muestran de manera más obstinada. Con esculturas menores se toleraba mucha más negligencia, tanto en diseño como en ejecución, en parte quizás porque los clientes italianos y romanos, que se estaban volviendo importantes a finales del siglo II, tenían poca experiencia artística o discriminación. Para la coloración del mármol hay evidencia de sarcófagos y ataúdes (o ’urnas’) hechos en Etruria y Cartago, y de estatuas y relieves griegos encontrados en Delos y Alejandría. Como era de esperar, la práctica no era uniforme; algunas esculturas estaban completamente coloreadas, algunas más discretamente, y parece que los dos sistemas eran concurrentes. También hubo más dorado del mármol, especialmente para el cabello. (Ver: Metalistería para obtener más información sobre el dorado.) En la estatuaria de bronce, la única innovación que se afirma es que, en algunos cabezales de retrato de bronce, las características muestran los efectos del modelado en lugar de la talla, y de esto se infiere que se usó un medio más suave que antes. trabajo preliminar.

[Nota: para obtener información sobre la cerámica de la antigua Grecia, incluida la técnica geométrica, de figura negra, de figura roja y de fondo blanco, consulte: Cerámica griega: historia y estilos .]

Citas y cronología

Como con mucho arte antiguo , nos faltan fechas fijas para la escultura clásica, pero aún más cortas para la helenística. Tampoco tenemos tanta información registrada sobre los escultores y sus obras, ya que Plinio deja un vacío en su cuenta entre 296 y 156 a. C., cuando dice que el arte estaba en suspenso. El Tyche (o Fortune) de Antioch, del cual tenemos tres versiones en miniatura, debería haberse hecho muy pronto después de la fundación de esa ciudad en 300 a. C. La estatua de mármol de Themis de Rhamnus , una obra original de Chairestratos , hijo de Chairedemos , puede colocarse a fines del siglo IV o principios del III, si (como es probable) fue el padre del escultor quien se menciona en una inscripción del 315 a. C.. El retrato póstumo de Demóstenes , del cual han sobrevivido copias, se realizó alrededor del 280 a. C., según fuentes literarias. El Dioniso sentado del monumento de Thrasyllos en Atenas debería ser una dedicación para una victoria en el dramático festival del 271 a. C. La Nike de Samotracia se creó alrededor del año 200 a. C., a juzgar por la cerámica que se encuentra alrededor de su base, y algunos fragmentos de esculturas pediátricas de la misma isla se han fechado, también por la cerámica, en el siglo II posterior. Delos adquirió una prosperidad repentina después de 166 a. C. y aún más después de 146, y fue despedido en 88 y arruinado finalmente en 69, por lo que gran parte de su escultura puede datarse a fines del siglo II o principios del siglo I y parte debido a inscripciones aún más cerca. Los escultores del Laocoon , a menos que hubiera una repetición de nombres improbablemente compleja, eran (así lo muestran los registros inscritos) bien conocidos por el año 21 a. C.

Nota sobre la evaluación del arte
Para apreciar a los escultores griegos, ver: Cómo apreciar la escultura . Para trabajos posteriores, consulte: Cómo apreciar la escultura moderna .

Se puede obtener un poco de ayuda, especialmente para las estatuas femeninas drapeadas, de las comparaciones con figuras de terracota que se encuentran en contextos informables, y hay una vaga utilidad en el estilo de letras sobre bases de estatuas y para la escultura arquitectónica en el estilo de los edificios que adornaron. Todos consideraron que no es sorprendente que, en la actualidad, los expertos puedan diferir en cien años o más en la datación de piezas particulares, y debido al carácter de mucha producción helenística, incluso sería sospechoso si alguna vez hubiera un acuerdo total.

Recursos
Para artículos sobre las artes visuales de la antigua Grecia, ver:

Escultura de la antigua Grecia (Introducción)
Pintura griega arcaica (c.600-480)
Pintura griega de la era clásica (c.480-323 a. C.)
Estatuas y relieves de estilo helenístico (c.323-27 a. C.)
Pintura griega helenística (c.323-27 a. C.)
Legado de pintura griega
Arte griego de metalistería (Siglo VIII AEC en adelante)