Escultura griega: historia, cronología, características Traductor traducir

¿Cómo surgió la escultura griega?

Se cree que el arte griego de la Antigüedad clásica es una mezcla de las culturas egipcia, siria, minoica (Creta), micénica y persa, que (a juzgar por el idioma) descendían a su vez de tribus indoeuropeas que emigraron de las estepas abiertas al norte del Mar Negro. Los escultores griegos aprendieron a tallar la piedra y a fundir el bronce de los egipcios y sirios, mientras que las tradiciones de la escultura en Grecia fueron desarrolladas por dos grupos principales de colonos de Tesalia: los jonios y los dorios. (Para más información sobre la mampostería en el antiguo Egipto, véase: Arquitectura egipcia).

Cronología de la escultura griega

Cronología La escultura en la antigua Grecia se divide tradicionalmente en tres periodos principales:

Periodo arcaico (ca. 650-500 a.C.)
Los escultores griegos comienzan a crear escultura monumental en mármol.
Periodo clásico (ca. 500-323 a.C.)
El punto más alto de creatividad en la escultura griega
Periodo helenístico (ca. 323-27 a.C.)
«El estilo de arte tridimensional griego» se practica en todo el Mediterráneo oriental.

Nota. Para información sobre arte cerámico, incluidas las técnicas geométricas, de figura negra, de figura roja y de fondo blanco, véase Cerámica griega: historia y estilos .

Historia de la escultura griega primitiva

La talla en hueso y marfil existió en Egipto desde aproximadamente el 5000 a.C. como parte de las tradiciones culturales desarrolladas a finales de la Edad de Piedra (10000-5000 a.C.). Posteriormente, a partir del 2600 a.C., surgieron diversas corrientes del arte egeo, en particular la civilización minoica de Creta, con su escultura en piedra (especialmente sellos de piedra), frescos, cerámica y productos de metal . Tras una serie de terremotos, la cultura minoica se derrumbó hacia 1425 a.C. y el arte micénico del continente se convirtió en el tipo dominante de la cultura griega, conocida por su cerámica, sus gemas talladas y sus joyas de vidrio, hasta aproximadamente 1150 a.C., cuando también fue invadida, esta vez por los invasores dorios. Después vino la Edad Oscura «griega», un periodo de 400 años de caos y luchas en el que apenas se produjo arte. Sin embargo, en el siglo VIII a.C., más tranquilo, empezó a surgir una nueva cultura de las bellas artes, que incluía la cerámica, la pintura y la escultura, mientras que la «Ilíada» y la «Odisea» de Homero se escribieron por la misma época. Sin embargo, el desarrollo escultórico siguió siendo extremadamente lento hasta el periodo Arcaico (c. 600-500 a.C.). Para más información sobre los primeros estilos arcaicos, véase: Escultura griega daédrica (650-600) . Para un campo más amplio, véase: Arte etrusco (c. 700-90 a.C.).

¿Era la escultura griega principalmente religiosa?

Sí. Durante los periodos Arcaico y Clásico, la escultura griega más importante era de carácter religioso y estaba destinada a los templos, que solían estar dedicados a una única deidad. Las estatuas divinas se moldeaban a semejanza humana y estaban hechas de diversos materiales y tamaños. Dentro y fuera del templo había otras estatuas de votos, urnas, imágenes de animales sagrados y otros objetos de carácter escultórico.

¿Por qué la escultura griega se desarrolló más rápidamente durante el periodo Arcaico?

Una característica clave del periodo Arcaico fue la renovación de los contactos comerciales y los vínculos comerciales marítimos entre Grecia y Oriente Próximo (especialmente Egipto, pero también las ciudades-estado de Asia Menor), que inspiraron a los artistas griegos a establecer una tradición artística monumental de escultura en mármol . Fue también durante el periodo Arcaico cuando los griegos empezaron a utilizar la piedra para sus edificios públicos y a desarrollar sus tres órdenes arquitectónicos ) dórico, jónico y corintio), cada uno caracterizado por un estilo de columna con base, fuste, capiteles y entablamento con friso arquitrabado y cornisa. Y lo que es más importante, fue durante este periodo cuando el templo griego de piedra adquirió su forma básica, lo que permitió una gran cantidad de escultura arquitectónica, incluyendo: relieves y frisos en los frontones del templo (frontón triangular bajo el tejado del edificio) y metopas (paneles rectangulares sobre las columnas), así como estatuas de todo tipo. Conviene tener presente que la historia de la escultura muestra una clara relación entre la arquitectura y las artes plásticas: cuantos más edificios se construyen, más esculturas se necesitan. Esto ocurrió en la antigüedad clásica, así como en la escultura medieval (románica y gótica), la escultura renacentista (temprana y alta), la escultura barroca (siglo XVII) y la escultura neoclásica (siglo XVIII).

¿Cuáles son las características de la escultura griega arcaica?

En general, durante este periodo los escultores griegos crearon frisos y relieves de varios tamaños (en piedra, terracota y madera), así como muchos tipos diferentes de estatuas (en piedra, terracota y bronce) y esculturas en miniatura (en marfil y metal). Las figuras arcaicas exentas tienen la gran masa y la pose frontal de los modelos egipcios, pero sus formas son más dinámicas: véase, por ejemplo, el Torso de Hera (660-580, Louvre).

A partir del año 620 aproximadamente, las tres estatuas más comunes eran un joven desnudo de pie ) kouros, plural - kouroi ), una muchacha vestida de pie ) kore, plural - korai) y una mujer sentada. (El kouros siguió siendo popular hasta el 460 aproximadamente). Al principio, estas obras figurativas, como la mayoría de las esculturas griegas de la época arcaica, se parecían a las estatuas egipcias tanto en la forma como en la postura (frontal, ancho de hombros, estrecho, brazos pegados al cuerpo, puños cerrados, ambos pies apoyados en el suelo, pie izquierdo ligeramente adelantado, expresión facial limitada a una «sonrisa arcaica fija»). Sin embargo, a medida que los griegos fueron adquiriendo un mayor conocimiento de la anatomía humana, estos kouroi y korai se volvieron menos rígidos y de aspecto artificial y más realistas, mientras que los escultores egipcios se ceñían estrictamente a los rígidos esquemas hieráticos establecidos por sus autoridades culturales.

Otro rasgo distintivo griego era que, a diferencia de las figuras egipcias, los kouroi no tenían una finalidad religiosa explícita: podían utilizarse como monumentos conmemorativos, lápidas, estatuas para votos, o para representar a héroes locales como atletas, o para representar al dios Apolo o a Heracles. Los griegos decidieron hace tiempo que el cuerpo humano era el tema más importante para cualquier artista, y como daban a sus dioses una forma humana, no hacían distinción entre lo sagrado y lo profano. Además, los kuroi estaban desnudos, mientras que las figuras masculinas egipcias se representaban vestidas.

La estatua femenina, la kore, se consideraba menos importante. Al crearla, los escultores arcaicos se centraban más en las proporciones y el diseño de los paños que en la anatomía física. Los artistas jonios eran los que mejor representaban los pliegues del vestido ) chiton) y el manto ) himation). La mayoría de los korai eran esculturas consagradas que se erigían como dedicatorias en santuarios como la Acrópolis de Atenas.

¿Cuáles son las estatuas griegas más conocidas del periodo Arcaico?

Los ejemplos conocidos de escultura griega arcaica incluyen:

Para ver cómo evolucionaron los diseños griegos, compárese, por ejemplo, la estatua de piedra caliza de la Dama de Auxerre (c.630 a.C., Louvre, París) con «Peplos Kore» (c.530. Museo de la Acrópolis de Atenas, Museo de la Acrópolis, Atenas); compárese también Sunion Kouros (c. 600, Museo Arqueológico Nacional de Atenas) con «Boy Kritios» (490-480, Museo de la Acrópolis, Atenas).

¿Qué materiales utilizaban los escultores griegos?

Los materiales escultóricos más utilizados en la antigua Grecia eran el mármol y otras rocas calizas, el bronce, la terracota y la madera. Aproximadamente la mitad de todas las estatuas creadas en la Antigüedad eran de bronce, aunque el metal no se utilizó ampliamente en escultura hasta alrededor del 550-500. Independientemente del material utilizado, la superficie final de la estatua se hacía más natural recubriéndola con aceite y cera caliente y pintándola y dorándola después. Incluso la escultura en relieve no se consideraba acabada hasta que se pulía y coloreaba.

¿Se pintaban las esculturas griegas?

En general, sí. Ya fueran de mármol, bronce, madera, terracota o metal, la mayoría de las esculturas griegas (estatuas y relieves) estaban policromadas. Sorprendentemente, esta característica clave fue ignorada en gran medida durante varios siglos debido a los prejuicios de influyentes historiadores del arte como el experto neoclásico Johann Joachim Winckelmann (1717-1768), que se opuso firmemente a la idea misma de «escultura griega pintada». Sólo cuando el arqueólogo alemán Vinzenz Brinkmann demostró recientemente que todo el Partenón estaba pintado se aceptó como un hecho la coloración de las antiguas esculturas griegas. Véase también Pintura griega antigua (c. 625-500).

¿Qué pasó con la escultura griega en el periodo clásico?

El periodo clásico fue testigo de una rápida mejora de la escultura griega. Se produjo un aumento espectacular de las habilidades técnicas de los escultores griegos en su capacidad para representar el cuerpo humano en una pose relajada en lugar de rígida. El Clasicismo mejoró la rigidez del lenguaje arcaico y aportó una sensación más natural de movimiento y corporeidad a la figura humana, por ejemplo en las metopas y frontones del templo de Zeus en Olimpia. El bronce también se convirtió en el medio predominante para las estatuas monumentales exentas, entre otras cosas por la capacidad del metal para conservar su forma – por compleja que fuera, lo que permitía poses menos rígidas. La figura de bronce no sólo es más resistente y ligera, sino que puede estabilizarse colocando pesos de plomo en el interior de sus piernas huecas. Esto permitía nuevas poses que, de haber sido de mármol, habrían provocado la caída de la estatua. Desgraciadamente, el bronce era tan importante para crear armas y se fundía con tanta facilidad que la mayoría de las estatuas griegas de bronce han desaparecido, lo que dificulta la apreciación de los logros artísticos griegos y nos hace depender de las copias romanas de los originales griegos.

¿Cuáles son los principales tipos de escultura griega clásica?

La escultura clasicista seguía ocupándose principalmente de la religión e incluía a todas las deidades y figuras mitológicas griegas. Así, además de los doce dioses y diosas del Olimpo – Zeus, Apolo, Poseidón, Deméter, Hera, Artemisa, Hefesto, Atenea, Ares, Afrodita, Hermes y Hestia – los escultores esculpieron deidades menores como Dioniso, sátiros, ninfas y centauros, así como Plutón y Perséfone, Eros, Psique y Ariadna, musas, gracias, estaciones y fortunas, y héroes como Aquiles, Heracles, Teseo, Perseo y otros.

Además de las obras religiosas, los artistas clásicos también crearon una serie de figuras deportivas tridimensionales que representaban a atletas de diversas categorías, como lanzadores de disco, corredores, luchadores y corredores de cuadrigas. Curiosamente, la escultura histórica, practicada en Egipto y Asiria, era casi desconocida en la Grecia antigua. Los acontecimientos importantes se representaban en términos mitológicos y no a través de una narración real.

¿Cuáles son las características de la escultura griega clásica?

Las principales características de la escultura clásica se referían a la precisión de su anatomía y al realismo de su posición. Sin embargo, estas mejoras no se produjeron de la noche a la mañana. Así, en la escultura griega clásica temprana (ca. 500-450), los escultores se centraron en crear figuras que se vieran como en movimiento en el espacio en lugar de simplemente de pie en él. La obra maestra del clasicismo temprano es el «Discóbolo» (c. 450) de Mirón. Después, durante la fase de escultura griega del Alto Clasicismo (c. 450-400), aplicaron el canon platónico de proporciones a sus figuras. El cuerpo humano se representaba con una forma «ideal»; una idea que fue retomada por Leonardo, Miguel Ángel y Rafael durante el Alto Renacimiento . Además, los escultores del Alto Clasicismo desarrollaron el contraposto, una postura en la que el peso del cuerpo del modelo se transfiere a una pierna mientras la otra permanece ligeramente flexionada. Un ejemplo es el Doríforo (c. 440, copia en mármol en el Museo Nacional de Nápoles). Más natural que las posturas anteriores, el contrapposto permitía por primera vez que la gravedad influyera en la relación entre los músculos y las extremidades de un objeto. Inventado por los griegos, este tipo de pose fue un pilar de la escultura europea hasta el siglo XX. Por último, durante el periodo de la escultura griega clásica tardía, las figuras pasaron a considerarse formas tridimensionales que ocupaban y delimitaban el espacio. Podían contemplarse desde cualquier ángulo. En esta última etapa del clasicismo (siglo IV) aparecen también los primeros desnudos femeninos exentos . Un ejemplo de escultura clasicista tardía es Afrodita de Cnido (350-40) Praxíteles.

¿Quiénes son los escultores clásicos más famosos?

Otro rasgo característico de la escultura clásica griega – la aparición de escultores con nombre propio, aunque sus obras se conocen casi en su totalidad por copias romanas posteriores. Entre los mayores escultores se encuentran Calamis (periodo de actividad 470-440), Pitágoras (periodo de actividad ca. 440-420), Pitágoras (periodo de actividad ca.), Fidias (488-431 a.C.), Cresilas (ca. 480-410), Mirón (período de actividad 480-444), Policleto (activo c.450-430), Calímaco (activo 432-408), Scopas (activo 395-350), Lisipo (c.395-305), Praxíteles (activo 375-335), y Leochar (activo 340-320).

¿Cuál es la escultura arquitectónica griega más famosa del periodo clásico?

Fue en el siglo V (ca. 480-400) cuando el arte griego (especialmente el ateniense) alcanzó su apogeo. Prueba de ello fue la creación del Partenón ateniense (447-422) – generalmente reconocido como una de las mayores obras maestras de la escultura clásica griega, con su friso de 500 pies, un centenar de relieves y la colosal escultura crisoelefantina de Fidias de Atenas, – así como muchos otros ejemplos famosos de la arquitectura griega , incluyendo: Complejo de la Acrópolis (550-404), Templo de Zeus en Olimpia (468-456), Templo de Hefesto (ca. 449), Templo de Atenea Nike (ca. 427) y el Teatro de Delfos (ca. 400). Todos estos importantes edificios estaban necesariamente decorados con pinturas al fresco y una amplia gama de esculturas, en mármol, bronce y a veces incluso en oro y marfil. Cuando se necesitaban relieves para decorar elementos arquitectónicos específicos, los escultores creaban narraciones que incorporaban historias de la mitología griega, por ejemplo, Las hazañas de Hércules, Las batallas de los lapitas y los centauros y muchas otras, véase, por ejemplo, el famoso Friso del Partenón, y el posterior Friso de Bassa (420-400, escultura de mármol en altorrelieve en 23 paneles, de 31 m de largo y 0,63 m de alto, que decora el interior de la cella del templo de Apolo Epicurio en Bassa, actualmente en el Museo Británico).

¿Cuáles son las estatuas griegas más famosas de la época clásica?

He aquí una breve lista de las más grandes esculturas del periodo clásico:

Leda y el Cisne (500-450) Timoteo.
Tiranicidio Hamodio Aristogeitón (ca. 477) Kritios.
Delfos auriga (c. 475) de artista desconocido.
Discóbolo (c. 450) de Mirón.
Hércules Farnesio (siglo V) de un artista desconocido.
Zeus o Poseidón (c. 460) de Fidias.
Guerreros de Riace (c. 450) por Fidias.
«Apolo Parnopio» (c. 450) por Fidias.
Atenea Partenos (c. 447-5) de Fidias.
Estatua de Zeus (c. 432) de Fidias.
Amazona herida (440-430) de Policleto.
Doryphorus (440) de Polycletus.
Estatua de Zeus en el Templo de Zeus en Olimpia (c. 432) por Fidias.
Afrodita (Venus Genetrix) (siglo V) de Calímaco.
Juventud de Anticitera (siglo IV) por un artista desconocido.
Apolo Sauroctonos (siglo IV) de Praxíteles.
Hermes y el niño Dioniso (siglo IV) de Praxíteles.
Afrodita de Cnido (350-40) de Praxíteles.
Apolo de Belvedere (c. 330) por Leochar.
Artemisa con león (c. 330) de Leochara.
Hércules de Farnesia (350-300) Lisipo.
Juventud victoriosa (350-300) atribuida a Lisipo.
Apoxiomenon (c. 330) de Lisipo.

¿Qué ocurría en el mundo griego durante el periodo helenístico?

El helenismo, la expansión de la cultura griega a las zonas vecinas del Mediterráneo oriental y más allá, comienza tradicionalmente con la muerte de Alejandro Magno (323 a.C.), cuando su vasto imperio fue destruido.), cuando su vasto imperio se dividió en tres partes: Antígono I (Monoftalmos) y la dinastía antigónida se hicieron con el control de Grecia y Macedonia; Seleuco I (Nicator) y la dinastía seléucida controlaron Anatolia, Mesopotamia y Persia; y Ptolomeo I (Soter) y la dinastía ptolemaica gobernaron Egipto. Además de Atenas, ciudades como Alejandría en Egipto y Antioquía, Pérgamo y Mileto en Asia Menor (Turquía) se convirtieron en maravillas del mundo antiguo. Con el tiempo, todas estas regiones cayeron bajo control romano – la última en caer fue Egipto en el año 31 a.C. y es este acontecimiento el que marca el final del helenismo y el comienzo de la escultura romana . Para mirar más allá de Grecia, véase Arte mesopotámico (4500-539 a.C.) y Arte de la antigua Persia (3500-330 a.C.).

¿Qué cambios experimentó la escultura griega helenística?

La escultura griega helenística introdujo una serie de cambios respecto al arte creado durante la época clásica. Para empezar, la escultura monumental ya no se creaba principalmente para servir a una religión estricta, sino que se convirtió en una importante herramienta promocional para reforzar los regímenes autoritarios establecidos en toda la región (en Pérgamo, Alejandría, etc.). Además, a medida que surgían nuevos centros de cultura griega en Egipto, Siria, Anatolia y otros lugares, la demanda de escultura arquitectónica y monumental para adornar los templos locales y los espacios públicos aumentó drásticamente. Esta combinación de aumento de la demanda y ampliación de las funciones hizo que la escultura (al igual que la cerámica griega) se convirtiera en una industria en lugar de un arte. Como consecuencia, el diseño se estandarizó y la calidad disminuyó.

Y sin embargo la plástica se hizo más interesante. Esto se debió a que el aumento general de la demanda llevó a una mayor variedad . Así, los escultores ampliaron sus temas y dejaron de limitarse a los heroísmos idealizados de la escultura clásica, para representar una gama más amplia de personalidades, estados de ánimo y escenas. Los temas aceptables son: un bárbaro herido, un niño que se quita una espina, una cazadora, una anciana, niños, animales y escenas domésticas. Incluso aparecen caricaturas. Para más información sobre este nuevo estilo, véase: Escuela de escultura helenística de Pérgamo (241-133 a.C.).

Nota: En el periodo helenístico, tras la muerte de Alejandro Magno, la influencia de la escultura griega se extendió hacia el este hasta la India, donde tuvo una gran influencia en la escultura india, especialmente en las estatuas greco-budistas de la escuela de Gandhara.

¿Cuáles son las principales características de la escultura griega helenística?

Lo más importante es que se produjeron cambios importantes en la estética : en particular, el Helenismo sustituyó la serena belleza del clasicismo por un tipo de escultura más emocional que también incluía un intenso realismo. En esta nueva era del expresionismo, las estatuas exudaban energía y poder – véase, por ejemplo, El Toro Farnesio o la Victoria Alada de Samotracia (220-190); las figuras humanas empezaron a irradiar sufrimiento y emoción – véase, por ejemplo «Galia moribunda» (ca. 240 a.C.) o «Laocoonte y sus hijos» (ca. 42-20). La sensualidad genuina también es evidente en obras como Afrodita, Pan y Eros (c. 100) excavada en Delos, y para una versión más sutil véase la exquisita «Afrodita de Cirene» (c. 100). En el retrato, el helenismo fue testigo de una creciente preocupación por la psicología individual: véase, por ejemplo, la melancólica e introspectiva escultura de Demóstenes (c. 280) de Polyeuctus.

Sin embargo, se conserva cierta serenidad en esculturas como «Tres Gracias» (siglo II) y Venus de Milos (c. 100).

Si el Alto Clasicismo marcó la pauta para el Alto Renacimiento, la época del arte helenístico fue el prototipo para los escultores de los movimientos manierista y barroco. No es de extrañar, por tanto, que el tamaño se convirtiera en un factor importante y que los escultores compitieran por crear esculturas más grandes y sorprendentes: un proceso que culminó con la creación del Coloso de Rodas por Chares de Lindos – una estructura aproximadamente del mismo tamaño que la Estatua de la Libertad. Posteriormente, el poeta griego Antípatro de Sidón lo incluyó en la lista de las Siete Maravillas del Mundo Antiguo.

Quizá el monumento «más extraordinario de la escultura «barroca expresionista» helenística griega fue el enorme Altar de Zeus de Pérgamo, construido hacia 180-150. (Véase también: Estatuas y relieves helenísticos .) El monumento celebra el papel crucial de los reyes de Pérgamo como hombres de frontera de la civilización griega en Asia Menor e ilustra sus numerosas victorias sobre los ejércitos bárbaros que invadían desde el este. Sólo superado por el friso del Partenón, el Altar de Pérgamo es el ejemplo más extenso de escultura monumental griega conocido en el mundo. El friso exterior representa la batalla entre dioses y gigantes en toda su violencia desenfrenada, mientras que los relieves interiores muestran un estilo narrativo más controlado, que apunta a desarrollos posteriores de la escultura en relieve, como la Columna de Trajano en Roma, creada 250 años más tarde. Para más detalles, véase: Escultura en relieve de la antigua Roma . Para más información sobre las primeras etapas de la escultura, la pintura y la arquitectura italianas, véase: Arte helenístico romano .

¿Cuáles son las estatuas griegas más famosas del periodo helenístico?

He aquí una breve selección de las más grandes esculturas del periodo:

Coloso de Rodas (292-280 a.C.) construido por Chares de Lindos.
Hermafrodita agachado (siglo III) Louvre. Artista desconocido.
Menelao con el cuerpo de Patroclo (siglo III). Autor desconocido.
Galo moribundo (ca. 240 a.C.) Museo Capitolino, Roma. Autor Epigonus.
Galo Ludovisi (ca. 240), Museo Nacional, Roma. Artista desconocido.
Victoria alada de Samotracia (Nick) (220-190) Louvre. Artista desconocido.
Fauno Barberini (ca. 220) Gliptoteca, Múnich. Artista desconocido.
Altar de Pérgamo (ca. 180-150) Pérgamo, Asia Menor. Artista desconocido.
Jinete de Artemisia (ca. 140) Museo Arqueológico, Atenas. Autor desconocido.
Toro farnesio (siglo II) Apolonio de Trento.
Hermafrodita dormido (siglo II a.C.) Louvre. Artista desconocido.
Tres Gracias (siglo II) Louvre. Artista desconocido.
Venus de los Médicis (150-100) Uffizi, Florencia. Artista desconocido.
Afrodita de Cirene (ca. 100), Museo delle Terme, Roma. Artista desconocido.
Gladiador Borghese (c. 100) Louvre. Agasius de Éfeso.
Afrodita, Pan y Eros (ca. 100), Museo Arqueológico Nacional, Atenas.
Venus de Arles (ca. 100), Louvre. Artista desconocido.
Venus de Milos (Afrodita de Melos) (ca. 100 d.C.) Louvre. Andros de Antioquía.
Muchacho quitándose una astilla (Spinario o Muchacho quitándose una espina del pie) (c.80) Palais Conservatoire.
Laocoonte y sus hijos (42-20 a.C.) Hagesandro, Atenodoro, Polidoro.

¿Dónde se encuentran las mejores colecciones de escultura griega original?

La mayoría de las estatuas y bajorrelieves de la Antigüedad clásica que se conservan son copias romanas de originales griegos. Pueden verse en muchos de los mejores museos de arte de Grecia e Italia y de otros países. He aquí una breve lista de las mejores colecciones.

GRECIA

• Museo Arqueológico Nacional de Atenas
• Museo de la Acrópolis, Atenas
• Museo Arqueológico de Olimpia

ITALIA

• Museos Vaticanos
• Museo Capitolino, Roma
• Museo Nacional de Roma, Roma
• Museo Arqueológico Nacional, Nápoles
• Museo Nacional de Calabria

EUROPA

• Museo de Pérgamo, Berlín
• Museo Estatal, Berlín
• Gliptoteca, Múnich
• Louvre, París
• Gliptoteca Nu Carlsberg, Copenhague
• Museo del Hermitage, San Petersburgo
• Museo Británico, Londres

ESTADOS UNIDOS

• Instituto de Arte de Chicago
• Carnegie Museum of Art (Pittsburgh)
• Museo J. Paul Getty, Los Ángeles
• Museo de Arte del Condado de Los Ángeles
• Museo Metropolitano de Arte de Nueva York

Nuestro conocimiento de la escultura griega antigua

La escultura monumental en la antigua Grecia apareció alrededor del año 650 a.C., y hacia el 600 a.C. era un elemento básico del arte griego con un mercado establecido y en crecimiento. Suministraba figuras de culto de dioses, dedicatorias a santuarios, monumentos que se erigían sobre tumbas, joyas arquitectónicas y, por último, estatuas y relieves para casas particulares adineradas. De todo esto queda relativamente poco: gran parte pereció por causas naturales, pero aún más se destruyó deliberadamente en la Edad Media. El motivo no solía ser el celo religioso, sino el valor del mármol como materia prima para la producción de cal y del bronce como chatarra, de modo que, para sobrevivir, la escultura tenía que estar fuera de la vista y del alcance.

Así pues, tenemos un modelo desigualmente distribuido en el tiempo, el tipo y la calidad. La escultura arquitectónica dejada in situ tiene pocas probabilidades de ser retirada y, cuando el edificio se derrumba, puede quedar sepultada bajo una masa de mampostería. Los relieves exentos, especialmente las lápidas, podían caer y, al enterrarse, conservarse; cualquier losa tallada en bajo relieve podía reutilizarse como bloque estructural. Las estatuas exentas tenían menos posibilidades, ya que era menos probable que quedaran suficientemente ocultas por la basura, sobre todo en zonas densamente pobladas. El metal, por supuesto, merecía ser desenterrado, y así se encontraron menos de veinte bronces griegos, bastante completos, algunos de ellos recuperados del mar. En cuanto al mármol, las obras mejor conservadas son las del periodo Arcaico. Al ser menos admirable, fue conservado con menos cuidado por los griegos y romanos posteriores, por lo que es posible que se perdiera antes de que comenzara el periodo de destrucción, y existe un gran alijo de la Acrópolis ateniense que contiene gran parte de la escultura que los persas destrozaron en 480 d.C., 79 de la cual se utilizó como relleno durante la restauración posterior.

Por otra parte, el arte romano nos ofrece abundantes copias de esculturas griegas populares tanto de la época clásica como helenística. Estas copias, algunas de las cuales son helenísticas tardías pero más romanas, son en algunos aspectos un obstáculo y en otros una ayuda para el estudio de la escultura griega. Aunque los copistas fijaban los puntos midiéndolos, los puntos eran mucho más raros que los que se utilizan en la práctica moderna, y los espacios intermedios y los detalles se tallaban a mano y normalmente sin mucho cuidado, como puede comprobarse al comparar distintas reproducciones de un mismo original.

En general, las copias son bastante fiables para la pose, pero en la mayoría de los casos son tan rígidas e insensibles en el manejo de la superficie que es más probable que repelan que interesen al espectador imparcial. En cuanto a los detalles más sutiles, los copistas no han sido creativos. Por desgracia, muy pocas estatuas clásicas de primera clase o estatuas del periodo helenístico de la escultura griega sobreviven en el original, y las que se conocen por copias son mucho más numerosas, por lo que las copias son un punto de referencia importante en cualquier estudio estilístico de la escultura griega.

Además de los originales y copias conservados, existe otra fuente de información: los restos de la literatura griega y latina. Plinio el Viejo (autor romano, 23-79 d.C.) dejó un relato continuo de la escultura griega en un tratado Naturalis Historia (Historia Natural) que compiló hacia mediados del siglo I d.C., mientras que Pausanias, un siglo más tarde, menciona muchas de las obras que vio durante sus viajes en su Descripción de Grecia . También hay referencias ocasionales a escultores y esculturas de otros autores. Pausanias era totalmente acrítico y relataba con veracidad lo que decía, pero estaba más interesado en la mitología que en el arte. El relato de Plinio consiste principalmente en anécdotas pintorescas pero poco fiables, listas de escultores y de sus obras más famosas, y una serie de juicios estilísticos que probablemente fueron tomados de un crítico griego del siglo III, muy versado en escultura clásica (c. 500-323 a.C.) pero no en escultura arcaica (650-500 a.C.).

En la práctica, nuestra comprensión de la evolución de la escultura griega depende de los análisis estilísticos de las obras conservadas, apoyados en una serie de fechas procedentes de registros históricos e inscripciones. Las fechas más importantes son la toma de la acrópolis ateniense por los persas en 480, que da un límite inferior a las obras que dañaron; la finalización del templo de Zeus en Olimpia no más tarde de 456; la decoración escultórica del Partenón, ejecutada sucesivamente de 447 a 432; la Nika de Paeonia – hacia 420; la lápida de Dexileo, asesinado en Corinto en 394. la construcción del Mausoleo, que tuvo lugar en la década de 350; la decoración del Gran Altar de Pérgamo, que data probablemente de principios del siglo II; la destrucción de Delos en 69; y la erección de la Paz Augusta en Roma en 9 a.C.

El estado actual del conocimiento del arte antiguo en Grecia es muy desigual. Para el periodo Arcaico, del que Plinio no tiene listas, el estudio del estilo sugiere una evolución bastante convincente, al igual que – contrariamente a Plinio – para el periodo Clásico casi hasta finales del siglo V. Pero incluso aquí los expertos pueden discrepar en la datación de obras individuales hasta en veinte años. El siglo IV es oscuro, digan lo que digan los libros de texto, y el periodo helenístico es más oscuro, excepto quizá hacia su final. Aunque con el tiempo debería surgir información más precisa sobre las tendencias, no parece probable que lleguemos a disponer de material suficiente para comprender las personalidades de la escultura griega, pero eso no impedirá que muchos investigadores sigan comprometidos con la historia natural.

Para más información sobre la influencia de la escultura griega en los artistas del siglo XX, véase: El renacimiento clásico en el arte moderno (1900-30).

Materiales escultóricos en la antigua Grecia

Los principales materiales para la escultura griega eran la piedra (especialmente el mármol) y el bronce (la piedra caliza, la terracota y la madera se utilizaban con mucha menos frecuencia), y había algunos ejemplos famosos de talla en marfil, en particular las estatuas criselefantinas realizadas por Fidias con pan de oro y marfil montadas sobre una tabla de madera.

El mármol, que se utilizó desde el principio, se encuentra en varios lugares del Egeo y sus alrededores, pero no en el sur de Italia y Sicilia. A los griegos les gustaban las variedades blancas, de grano medio a fino, con mucho más brillo que el de Carrara (o Luna), utilizado más tarde por los romanos y todavía conocido en los cementerios de Europa occidental. La piedra caliza, que los arqueólogos clásicos suelen llamar «poros», abunda en la mayoría de las tierras griegas, y se encuentra de muy buena calidad. Era la piedra más común para estatuas en el siglo VII, pero más tarde pasó a ser respetada sólo para la escultura arquitectónica en lugares como Sicilia, donde el mármol era demasiado caro. La terracota también era un material económico para obras arquitectónicas, sobre todo para antefijas y acroteras. Las esculturas de madera, por supuesto, tenían pocas posibilidades de sobrevivir y, a juzgar por los registros antiguos, la madera nunca se utilizó para escultura acabada, aunque es posible que los moldes para estatuas de bronce se formaran sobre figuras de madera. El bronce no fue importante hasta la segunda mitad del siglo VI, cuando la forja en chapa fue sustituida por la fundición en hueco, pero a principios del siglo V se había convertido en el medio preferido para la mayoría de los tipos de estatuas exentas (pero no para relieves y esculturas). Las estatuas criselefantinas, que eran demasiado caras y quizá se dañaban con demasiada facilidad para generalizarse, se remontan al menos a mediados del siglo VI: eran especialmente apreciadas como imágenes de culto en los templos. Hay otros casos, también infrecuentes, de combinaciones de materiales: algunas estatuas de gran tamaño se hacían según el principio de «acrolithie», es decir, el material principal se cubría con otro, por ejemplo de piedra en masa y madera para otras partes, y a veces el pelo de las estatuas de mármol se remataba con molduras.

La escultura griega era coloreada, como la mayor parte de la escultura antes del Renacimiento . De hecho, si las antiguas estatuas de mármol encontradas por los arqueólogos y admiradas en su época hubieran conservado su color, los más conservadores entre nosotros probablemente seguirían esperando que se coloreara la escultura.

Sobre los detalles de la pintura griega del mármol, así como de la piedra caliza y la madera, nuestra información es desigual. Para el siglo VI, los hallazgos de la Acrópolis de Atenas ofrecen buenos ejemplos, y hay sarcófagos posteriores de Sidón y Etruria en los que los colores están bien conservados, pero solemos tener suerte si tenemos rastros incluso de los bordes de las zonas pintadas. En la terracota, la pintura se conservaba mucho mejor tras la cocción, pero por desgracia la gama de colores era limitada y bastante tosca debido a la cocción. Otra dificultad es que la exposición química puede haber cambiado algunos colores – en particular, el azul a veces se convertía en verde – y el rojo, que es el pigmento más persistente, a veces podía servir de capa de fondo. No obstante, se puede afirmar que los ojos, el pelo, los labios y los pezones (y a veces las mejillas) se teñían con regularidad, que la carne femenina conservaba el color natural del mármol blanco o se teñía ligeramente, que la carne masculina se teñía a menudo de un marrón cálido y que los ropajes solían pintarse por completo, a menos que se dejara la ropa blanca para crear contraste. En general, hasta el siglo IV se produjo un progreso continuo hacia una coloración más fina y natural, aunque más tarde se hizo común aplicar dorados al cabello.

Para más información sobre las técnicas pictóricas en la Grecia antigua, véase: Pintura griega clásica (c. 500-323) y Pintura griega helenística (323-31 a.C.).

Con tal predilección por la policromía, no es de extrañar que los griegos estuvieran dispuestos a añadir accesorios como pendientes y armas de metal – por lo que se puede juzgar ampliamente por los agujeros perforados para su fijación. El resultado de todo esto era que la escultura antigua cobraba mucha más vida, lo que obviamente creaba una fuerte impresión visual. El efecto de los drapeados es más difícil de calcular, pero a veces era necesario aclarar o realzar la composición mediante un contraste de color, como en el caso de Nika de Paeonia (c. 420 a.C.), donde un muslo estaba expuesto y el otro cubierto. En los relieves, el fondo se coloreaba de rojo o azul, y en los frontones, de azul. En cuanto al bronce, el gusto griego lo prefería brillante, y la pátina (un brillo verde o marrón) era signo de descuido, aunque en época romana algunos coleccionistas consideraban la pátina una prueba de antigüedad. Los ojos solían rellenarse con pasta u otra sustancia, y los labios y pezones solían incrustarse con cobre o plata, pero los expertos aún debaten si el pelo y otras zonas se oscurecían artificialmente o incluso se coloreaban. Así pues, cuando se observa la escultura griega, merece la pena hacer el esfuerzo de recordar que era algo más que la forma.

En los relieves es natural dibujar el motivo sobre una superficie preparada y trabajar a partir de ese boceto, pero, hasta el periodo helenístico, los escultores griegos de mármol no utilizaban modelos detallados cuando tallaban estatuas. En primer lugar, no fue hasta el último siglo a.C. cuando aparecieron vestigios de algún tipo de sistema de guía – un método por el cual las posiciones de los puntos determinados en un modelo se transfieren exactamente al bloque a partir del cual se va a tallar la estatua, – e incluso entonces los puntos estaban lo suficientemente separados como para dejar grandes áreas que debían tallarse a mano «a ojo». En segundo lugar, en la escultura frontal, donde al menos la relación de las figuras debía planificarse con precisión de antemano, los diferentes escultores del equipo podían crear los drapeados de sus figuras como les pareciera oportuno - esto es muy evidente en el frontón occidental del Templo de Zeus en Olimpia, donde algunas figuras están representadas con pliegues a la antigua usanza, y otras – descoordinados progresivamente.

Debido a la identidad de estilo con las estatuas de mármol, las estatuas de bronce también solían depender de la talla, presumiblemente aquí – de una figura preliminar, y apenas antes del siglo II en la obra terminada hay alguna sugerencia de un modelado tan suave como el que podría haberse logrado con arcilla blanda o cera. Y lo que es aún más sorprendente, no existe tal modelado plástico en terracota. Al parecer, la tradición escultórica griega se fundó y ancló en la talla.

Los originales conservados, que fueron fundidos en distintas fases de creación, muestran que el procedimiento habitual para esculpir una estatua de mármol no consistía en terminar una parte cada vez (como suele ocurrir con las indicaciones sobre un modelo a escala), sino en terminar toda la figura por etapas. Esto significaba que era casi imposible para el escultor delegar el trabajo tranquilamente en un ayudante y que tenía que tener constantemente presente la influencia del conjunto mientras trabajaba en las partes. Es de suponer que comenzaba dibujando el contorno de su figura en los cuatro lados del bloque. Esto habría sido bastante práctico con las posturas cuadrangulares sin complicaciones que eran comunes en la escultura antes del siglo IV.

A continuación, retiraba el exceso de piedra hasta un centímetro más o menos de la superficie final prevista, utilizando primero un martillo y un taladro y aumentando después el impacto. A continuación se daba forma a la figura con una punta -un troquel fino que se reconoce por los hoyos que deja- y se ahuecaban parcialmente las cavidades incómodas (como el espacio entre el brazo y el cuerpo o los pliegues profundos de los paños). El taladro y la broca redonda se utilizaban de dos maneras: para perforar agujeros individuales, o una serie de agujeros, o (como el taladro «corrido») con una inclinación hacia delante para cortar un surco. El método de la broca corrida parece haberse inventado antes del 370 a.C. y, como ahorraba trabajo, pronto se hizo muy popular.

La etapa siguiente y más crucial de la talla era el modelado detallado de la superficie con cinceles de diferentes tipos – el escoplo (que parece haber sido inventado hacia el 560 a.C.), el cincel plano y el cincel redondo. Estas herramientas se utilizaban tanto oblicua como verticalmente y normalmente con trazos cortos y suaves.

Tras el modelado, la superficie se desbarbaba con una escofina de forma y grosor adecuados y, a continuación, se realizaba un lijado más fino con abrasivos, probablemente virutas de papel de lija y polvo, seguido de piedra pómez en polvo. Este alisado no daba mucho brillo a la escultura romana. Para obtener un efecto brillante, había que pulir la superficie con abrasivos más finos, como masilla o colorete. Por último, la estatua se pintaba – a partir del 500 a.C., con la técnica de la encáustica – y se le fijaban accesorios metálicos.

El procedimiento simplificado era muy parecido. Primero había que dibujar un objeto en un bloque preparado. Luego se recortaba el contorno, en relieves más profundos a menudo se taladraba, y después se utilizaban sucesivamente la punta, el cincel, la escofina y los abrasivos. Por regla general, los escultores griegos de relieves no esculpían ninguna parte mucho más lejos del plano frontal de lo necesario para modelar eficazmente esa parte. Así, el fondo tiende a ser irregular, y la profundidad a la que se colocan las figuras y partes de figuras viene determinada por relaciones ópticas más que naturales.

Para las figuras frontales (esculturas situadas en el frontón de un edificio) se utilizaban diversos procedimientos. A veces se utilizaba el mismo procedimiento para las estatuas exentas, aunque los dorsos solían estar inacabados, pero a veces – como en el caso de los cuerpos de los centauros de Olimpia – se trataban como altorrelieves. La calidad del acabado era muy alta y todas las marcas de herramientas visibles en una fase debían eliminarse en la siguiente, aunque había algunos lugares incómodos en los que no se podían utilizar adecuadamente los abrasivos o la escofina y muy rara vez la herramienta cortaba demasiado profundamente la superficie. El gusto por el acabado era variado, pero con el tiempo se volvió menos exigente. En los relieves, los fondos y las grandes zonas neutras, como los asientos, se lijaban a menudo, pero no de forma abrasiva. En el siglo IV, algunos escultores preferían dejar los drapeados sólo ligeramente frotados para contrastar la textura con la carne completamente lisa, y en las obras más pequeñas había una tendencia creciente a la dejadez. Aun así, la diferencia entre una talla griega mediocre y una copia romana media es evidente: los copistas rara vez utilizaban el cincel en su trabajo.

Un escultor griego tardaba entre seis y nueve meses en esculpir una estatua de mármol de tamaño natural.

Las estatuas de bronce son raras, por lo que es mucho más difícil determinar los métodos con los que se hacían en comparación con las estatuas de mármol. Por ello, el resumen que sigue puede ser parcialmente incorrecto. Durante el siglo VII y principios del VI se construyeron algunas estatuas considerables con la técnica «del sphyrelaton»: finas láminas de bronce de una forma determinada se sujetaban con clavos a un marco o núcleo de madera, – los resultados no fueron satisfactorios. Y aunque las figuras pequeñas se fundían en moldes, la fundición en una sola pieza era demasiado cara (aunque fuera posible) para las figuras grandes. Entonces, probablemente hacia mediados del siglo VI, se tomó prestado y se desarrolló el proceso de vaciado en hueco para estatuas de tamaño natural, y durante algún tiempo se utilizó para objetos pequeños. Los griegos no estaban lo suficientemente avanzados en metalurgia como para fabricar armazones grandes tan rígidos como los necesarios para la fundición en arena, por lo que debieron de recurrir al método de la cera perdida «(en el que inicialmente se fabrica un modelo con cera de abeja y luego, al calentarlo, la cera fluye y se sustituye por metal).

La secuencia habitual de trabajo puede haber sido algo así. En primer lugar, el escultor preparaba una figura preliminar de forma completa y precisa; lo más probable es que se tratara de cera, arcilla o madera, pero en cualquier caso el efecto sugiere más la talla que el modelado superficial. A continuación se cubría la figura con arcilla (o posiblemente yeso) para hacer un molde. A continuación era necesario separar el molde y la figura preliminar, y aquí aparece una gran incertidumbre. La siguiente etapa requería abrir el molde, y era habitual fundir grandes estatuas a partir de varias piezas. Si el material de la figura preliminar era blando – es decir, cera o arcilla – podía rasparse o tal vez fundirse o lavarse, o la figura (o un corte de la misma) se retiraba entera. Y, dado que el relieve era a menudo complejo, especialmente en los pliegues de los paños, esto significa que o bien la figura ya había sido cortada en muchas piezas separadas, o bien se estaba realizando una disección igualmente compleja de la forma. Aunque, si la forma se diseccionaba de este modo, la mayoría de las piezas más pequeñas debían volver a ensamblarse antes del siguiente paso. En este caso, el molde abierto se cubría con cera del grosor necesario para la pared de bronce de la estatua acabada. A continuación, el revestimiento de cera se forraba con arcilla para formar un núcleo, que se unía al molde exterior mediante clavijas metálicas (corolas) para que el molde y el núcleo mantuvieran su posición relativa cuando la cera se fundía. Si el molde era de yeso, se requería una operación adicional: había que retirar cuidadosamente el yeso del núcleo encerado y sustituirlo por una gruesa capa de arcilla. (Nota: el procedimiento descrito anteriormente es un proceso indirecto de fundición a la cera perdida, pero los escultores griegos a veces utilizaban el procedimiento directo, menos económico: la figura de arcilla preliminar, que también sirve como núcleo, se cubre con una capa de cera, y esta capa se envuelve en una cáscara de arcilla.

Todo estaba listo para el moldeado. Se calentaban los moldes con sus núcleos, de modo que la cera se derretía y fluía hacia fuera y el bronce fundido fluía hacia las cavidades dejadas por la cera. Pero, como la arcilla secada al aire no resiste el metal fundido, podemos suponer que, una vez fundida la cera, los moldes y los núcleos se calentaron aún más, hasta alcanzar la temperatura necesaria para la terracota o incluso más, y se vertió el metal mientras aún estaban moldeados para que perdieran calor. Después, cuando todo se había enfriado, se liberaba la pieza de bronce rompiendo el molde exterior o el revestimiento. Por supuesto, no era necesario retirar todo el interior y, de hecho, se han encontrado fragmentos del núcleo aún conservados en el interior de las estatuas de bronce.

Aún quedaba trabajo por hacer. En esta fase, la fundición tenía una costra arenosa que había que raspar; se cerraban las grietas y se reparaban las fracturas cortándolas y rellenándolas con tiras de chapa metálica (las depresiones rectangulares visibles en algunas estatuas supervivientes son recortes de este tipo de los que se habían desprendido los sellos). Las piezas moldeadas individualmente se unían mediante machihembrado si eran grandes, o mediante soldadura si eran pequeñas. Las piezas se grababan, los ojos se insertaban y fijaban, los labios y los pezones se incrustaban a menudo con cobre u otro metal, y toda la superficie se pulía cuidadosamente para ocultar los bordes de las juntas y las imperfecciones y asegurar un brillo adecuado. El brillo se mantenía, como demuestran los registros, mediante la aplicación de aceite o resina y, posiblemente, betún. En general, la fabricación de una estatua de bronce era una tarea compleja, y el riesgo de fallo en la cocción del molde y la fundición del metal podía ser grave, ya que el mayor coste de los materiales hacía que las estatuas de bronce fueran más caras que las de mármol.

Algunas estatuas, sobre todo las pequeñas, se colocaban sobre pedestales altos o incluso sobre columnas o soportes, pero las bases griegas más típicas eran relativamente bajas, rectangulares y de mármol. En el siglo V, para una estatua de tamaño natural, la base solía tener menos de 20-30 cm de altura y su superficie sólo podía rematarse con una punta, aunque más tarde se tendió a crear algo más alto y elaborado. Las estatuas de mármol de pie se tallaban con un pequeño pedestal alrededor de los pies, que se insertaba en la base y se fijaba con plomo, a menudo de forma descuidada. A él se fijaban estatuas de bronce. Véase también: Metalistería griega .

El trabajo solía realizarse al aire libre y, dado que en el siglo V las esculturas griegas ya eran bastante elaboradas, cabe suponer que los artesanos también tenían en cuenta la naturaleza de la iluminación. Estos factores tan importantes se descuidan a menudo en la exposición de la escultura griega, tanto en los museos antiguos como en los nuevos, donde las estatuas suelen estar colocadas a demasiada altura sobre el suelo y su iluminación tiende a ser unilateral y oblicua. La disposición no es la adecuada: largas filas o grupos apretados. La tradición griega consistía en tratar cada estatua como un objeto independiente y colocarla en un espacio libre conveniente, sin preocuparse por su relación estética con las estatuas o edificios vecinos.

Otra advertencia. Las estatuas más antiguas han sufrido alteraciones a lo largo del tiempo. Del siglo XVI al XIX era habitual restaurar al menos las imperfecciones más evidentes, y aunque la moda actual no tolera la restauración, todavía se exponen muchas que han sido restauradas, a veces erróneamente. Existe una regla bastante fiable para distinguir lo que es original en una estatua de mármol y lo que no lo es. Cuando se unen dos piezas de piedra, es muy difícil ocultar la línea de unión. La rotura natural deja un borde irregular y, si la línea de unión es irregular, se puede considerar que las dos piezas pertenecen juntas. Pero, como se necesita una superficie nivelada para colocar la nueva pieza sobre la otra, una línea de unión recta muestra que una de estas piezas es nueva, y cabe suponer que la superficie irregular de la antigua rotura ha sido cortada y alisada para proporcionar un ajuste limpio a la sustitución. Tales sustituciones se hacían a veces en la antigüedad, pero en general la unión directa es indicativa de una restauración moderna en tiempos actuales. El Museo Nacional de Nápoles, heredero de la magnífica colección renacentista de la familia Farnesio, es un lugar excelente para practicar esta prueba de autenticidad.

NOTA: Sobre escultores posteriores inspirados en las tallas escultóricas de la antigua Grecia, véase: El clasicismo en el arte (a partir del año 800).

El uso de la escultura griega antigua

Los griegos utilizaban estatuas para representar figuras de culto de divinidades, dedicatorias, monumentos funerarios y decoraciones arquitectónicas, pero no fue hasta el periodo helenístico cuando adquirieron o encargaron algo más que estatuillas para el placer personal. El uso de relieves era similar, salvo que los relieves no servían como figuras de culto.

Las estatuas de culto, a veces colosales, eran relativamente raras. Por lo general, en el interior de los templos había una estatua de un dios o diosa patrón, pero el término «estatua de culto» es engañoso. Estas esculturas se consideraban obras de habilidad humana, que ilustraban pero no encarnaban a la deidad. Por tanto, aunque eran admiradas, no eran objeto de culto.

Las dedicatorias se creaban en santuarios y otros lugares públicos, por individuos o comunidades, para celebrar la victoria en competiciones atléticas o guerras, para dejar constancia de un juramento o una multa, para expresar gratitud por el éxito o la seguridad, y para dar publicidad al donante. A partir del siglo IV, aparecieron estatuas para conmemorar a ciudadanos prominentes. Algunos lugares populares estaban repletos de estatuas de este tipo, como puede verse claramente en las bóvedas que se conservan en el santuario de Apolo en Delfos. Los relieves solían ser menos imponentes y más baratos. Variaban mucho en tamaño y calidad y eran especialmente populares como ofrendas de votos, como las placas de madera o terracota pintadas que ofrecían los pobres. La clase más numerosa de estatuas eran las dedicatorias.

Los monumentos funerarios eran otra clase importante de escultura. Los que podían permitírselo a veces preferían una estatua, sobre todo en la época arcaica. Aunque los griegos respetaban las tumbas de sus muertos, los monumentos conmemorativos sobre ellas respondían más a sentimientos familiares y a la ostentación que a necesidades religiosas. Así, en caso de emergencia, las esculturas de las tumbas podían ser derribadas para ser utilizadas como piedra para fortificaciones, y en Atenas, los gastos de enterramiento fueron limitados con éxito por la ley civil. También en este caso se tuvo poco en cuenta lo que había en las parcelas vecinas a la hora de colocar y seleccionar los monumentos. Los principales cementerios se encontraban a lo largo de las calles, fuera de las puertas de la ciudad, y los muertos competían (a veces explícitamente) por la atención de todos los transeúntes.

En la arquitectura griega, sobre todo en los templos, podían utilizarse esculturas redondas para acroteras y antefijas, y los caños adoptaban a menudo la forma de cabezas de león. Además, las figuras de escultura frontal pronto empezaron a destacar sobre su fondo, aunque seguían estando próximas a los relieves en cuanto a composición y pose. Otros usos de la escultura arquitectónica se encuentran en los pueblos extranjeros que admiraban y seguían el arte griego. En particular, los etruscos colocaban estatuas en la cresta del tejado de los templos y los licios en los intervalos de una imponente columnata que adornaba una tumba aristocrática.

La mayoría de estos usos de la escultura estaban asociados a santuarios y tumbas, pero aunque la religión impregnaba la vida griega, el arte griego no era en absoluto religioso. Las representaciones de dioses y diosas que se concebían como plenamente humanos les daban la madurez y los atributos apropiados – de ahí que Zeus llevara habitualmente barba, y Atenea usara habitualmente casco y égida. Pero los artistas griegos, a diferencia de los egipcios, no se veían constreñidos por prescripciones hieráticas sobre cómo debían representarse los dioses y los hombres. La medida por la que se juzgaba la obra de un artista era su valor estético, por supuesto, dentro de los límites permitidos por la opinión pública. Esta limitación se aplicaba sobre todo a la escultura, y a las estatuas en mayor medida que a los relieves, ya que las esculturas de cierta importancia sólo se instalaban en lugares públicos.

Esta es probablemente la razón por la que la primera estatua de una mujer desnuda no apareció hasta mediados del siglo IV, aunque en la pintura de jarrones y estatuillas (e incluso en la escultura en relieve) el desnudo se aceptó mucho antes. Pero los vasos pintados y las estatuillas se hacían para particulares y, aunque estuvieran en un santuario, no se exhibían en público. Los escultores no se liberaron de tal restricción hasta el periodo helenístico, cuando la opinión pública cambió y se les permitió por fin explotar la belleza del cuerpo humano sin ocultar sus propios gustos ni los de sus clientes, en lo que respecta a temas no heroicos, eróticos y sentimentales.

Lo mismo ocurre con los tipos y objetos escultóricos. Durante todo el periodo Arcaico, los dos tipos principales eran « kouros» (hombre desnudo de pie) y « kore» (mujer vestida de pie) y podían servir como estatuas de culto, dedicatorias o lápidas. Lo mismo ocurría, en menor medida, con los seguidores clásicos de kuros y kore. Algunos dioses y héroes tenían un atributo característico que los identificaba – la serpiente de Asclepio o el garrote de Heracles, – pero en general, hasta el periodo helenístico, los objetos estatuarios eran tipos no especializados y vehículos convenientes para la expresión artística. Por ejemplo, el kouros – un tipo común de estatua en las tumbas arcaicas, pero no hay buenas razones para suponer que estas costosas lápidas se erigían sólo para hombres muy jóvenes que no habían vivido lo suficiente como para dejarse crecer la barba. De nuevo, a finales del siglo VI la dedicatoria estándar en la Acrópolis de Atenas era un kore, pero debido a su vestimenta, esta figura no represen