Escultura romana: historia, características, tipos Traductor traducir

EVOLUCIÓN DEL ARTE
Ver: Historia de la escultura

Recursos adicionales

Introducción

Romano antiguo escultura , a diferencia de los más internacionales Escultura griega , no destaca por su belleza o cualidades decorativas. Esto es porque Arte romano no fue hecho para ser hermoso, fue hecho para impresionar . Fue diseñado para asombrar e impresionar a otras naciones con su gravedad y sentido del poder. Bustos retrato mostró emperadores serios y decididos; los relieves mostraron eventos históricos, como las legiones romanas ganando batallas o ceremonias formales; estatuas ecuestres mostraban emperadores en la silla de montar; no había desnudos femeninos y sin estatuas de figuras mitológicas. romano arte plástico fue diseñado para promover el poder y la majestad de Roma, no para divertir a la intelectualidad. Sin embargo, deben tenerse en cuenta las siguientes calificaciones: primero, casi todas las mejores escultores trabajando en Roma eran griegos; segundo, la aristocracia romana encontró numerosos usos domésticos para la escultura de diversos tipos, pocos de ellos "serios"; tercero, el auge del cristianismo estimuló la demanda de escultura cristiana primitiva (desde 150 CE). Así, aunque es justo decir que la escultura romana propiamente dicha era seria y propagandista, la mayoría de las obras creadas para consumo doméstico o para uso de los cristianos, eran tan decorativas como la escultura griega. Los romanos se destacaban más por su escultura de mármol que su escultura de bronce y produjo una cantidad limitada de talla de marfil – Principalmente para uso personal. También, terracota los relieves se convirtieron en una característica común de Arquitectura romana . Como veremos, sin embargo, el tipo más importante de escultura producida en la antigua Roma fue Escultura romana en relieve , notablemente relieves históricos como lo ejemplifican los de la columna de Trajano.

Orígenes

Mucho antes de que los romanos se convirtieran en los gobernantes de un imperio mundial, Roma era una ciudad próspera, y las plazas y edificios públicos estaban decorados con estatuas y relieves. Nuestro conocimiento de la escultura romana primitiva depende casi por completo de los libros de historia sobre arte de la antiguedad clasica , ya que relativamente pocos monumentos de la Roma regia o republicana se han conservado. Los más importantes son algunos retratos de fecha republicana tardía, que están tallados, en general, de una manera decididamente realista. Sin embargo, a partir de los avisos literarios, está claro que la primera escultura estuvo fuertemente influenciada por Arte etrusco – Se invitó a artistas etruscos a Roma para decorar edificios públicos, como el templo de Júpiter Capitolinus, erigido en el siglo VI a. C., y que más tarde, especialmente a partir del siglo III a. C., las influencias griegas prevalecieron cada vez más, hasta en el Greco -Edad romana (c.100 a. C. – 100 d. C.), muchos escultores griegos encontraron un empleo rentable para satisfacer las demandas romanas.

Influencia etrusca

Dado que se han conservado muchos monumentos de la escultura etrusca, podemos tener una idea de la naturaleza de las primeras estatuas y relieves en Roma. La bien conservada Apolo de terracota encontrada en el sitio de Veii en 1916, es un notable ejemplo de escultura etrusca de los últimos años del siglo VI. Es evidente a simple vista que el artista estaba familiarizado con las figuras griegas contemporáneas. En los ojos en forma de almendra, la boca sonriente, los elaborados mechones de cabello y la túnica con su borde en zigzag, los gestos de Escultura Griega Arcaica son fácilmente reconocidos Otras obras etruscas muestran una dependencia similar de los modelos griegos de diferentes períodos. Aunque la escultura etrusca tiene ciertos rasgos propios, especialmente la afición por las figuras bastante pesadas, el realismo decidido en el retrato y, por lo general, la ejecución descuidada en los detalles, claramente debe mucho a la inspiración griega.

Para otras influencias, ver: Escultura egipcia (3.000 – 100 a. C.), Escultura Mesopotámica (3000-500 AEC) y el Templo del Partenón en la Acrópolis (447-422 aC).

Influencia griega

Arte griego , por lo tanto, parece haber ejercido una doble influencia en Roma, primero indirectamente a través de Etruria, y luego directamente, a través del transporte a Roma de originales griegos y la producción por parte de artistas griegos de copias e imitaciones para el mercado romano. Durante todo el período del Imperio, la influencia griega persistió. La mayoría de los escultores de este período parecen haber sido griegos, y la realización de copias e imitaciones de estatuas y relieves griegos formaron una parte considerable de su actividad. Pero junto a estas obras esencialmente grecorromanas, se crearon otros monumentos que expresaban ideas romanas, y es a estas , más que a las imitaciones de modelos griegos, que el término escultura romana se aplica comúnmente. Las clases más importantes de tales monumentos son relieves históricos, tallados para decorar monumentos conmemorativos de triunfos militares u otros eventos importantes, y estatuas de retratos y bustos. Muchos críticos, sin duda, ven poco de lo que es esencialmente romano en estas obras, argumentando que las innovaciones encontradas en ellas deben rastrearse Escultura griega helenística , a escuelas de escultura en Asia Menor, Alejandría y Antioquía. Pero incluso si muchos de los rasgos característicos de la escultura romana dependen de nuevas ideas del Oriente helenizado, parece claro que la necesidad de expresar el poder y la grandeza de Roma llevó a los escultores a desarrollar las nuevas ideas de manera más elaborada que antes y eso Los monumentos así creados pueden llamarse propiamente romanos.

[Nota: para biografías de importantes escultores griegos, ver: Fidias (488-431 a. C.), Myron (Activo 480-444), Callimachus (Activo 432-408), Skopas (Activo 395-350), Lisipo (c.395-305), Praxiteles (Activo 375-335), Leochares (Activo 340-320).]

Escultura de Augusto (27 a. C. – 14 d. C.)

La escultura del reinado de Augusto muestra el efecto de esa reacción contra las exageraciones de Arte helenístico que aparece en la escultura de la época grecorromana. La escultura de Augusto se caracteriza por la corrección académica y la dignidad. Muy griego en muchas de sus cualidades, sin embargo, exhibe nuevas tendencias que son esencialmente romanas.

Augusto de Prima Porta

Uno de los monumentos más nobles del período de Augusto es la estatua del retrato del Emperador descubierta en Prima Porta en 1863. Augusto está representado como un comandante militar que hostiga a sus tropas. Obviamente, muchos detalles se copian de la vida y revelan el espíritu realista que se encuentra en los retratos de los tiempos republicanos. Los relieves en el peto, los flecos de la túnica, los pliegues de la capa militar son cuidadosamente imitados. Pero los pies descalzos y la similitud en pose y proporciones a la estatua conocida como Doryphorus (440 AEC), por Polykleitos , todos muestran cuán fuertemente el escultor fue influenciado por las ideas griegas. La expresión tranquila y autónoma de la cara es muy característica de la época de Augusto, y se encuentra en muchos otros retratos de la época.

Ara Pacis Augustae

Los mejores ejemplos de Augustan escultura en relieve , son los numerosos fragmentos que se han conservado de la decoración de la Ara Pacis Augustae – El llamado "Altar de la Paz de Augusto", que fue votado por el Senado al regreso de Augusto de la Galia y España en el año 13 a. C., y se dedicó no exactamente cuatro años después, en el año 9. El altar real fue rodeado por un cuadrado pavimentado y encerrado por una pared de mármol de unos veinte pies de altura, que mide unos treinta y siete pies de largo en dos lados y unos treinta y cinco en los otros dos. La pared estaba elaboradamente decorada con relieves tanto por dentro como por fuera. Entre los temas había escenas de sacrificio, una figura alegórica de Tellus, la Madre Tierra, entre personificaciones del Aire y el Agua, elaboradas guirnaldas de frutas y flores suspendidas de cráneos de bueyes, rollos de follaje con brotes y flores unidos, y dos largos procesiones de dignatarios, presumiblemente representando las ceremonias en los cimientos del altar. Algunas porciones simplemente continúan la tradición helenística. (Ver, por ejemplo, Estatuas helenísticas y relieves c.323-27 a. C.) Las escenas de sacrificio y el relieve de Tellus se parecen mucho a los relieves "pictóricos". Las guirnaldas y los rollos tienen sus prototipos en decoración helenística, pero son mucho más elaborados y tratados de manera más realista que cualquier cosa que sepamos de fechas anteriores. En las guirnaldas, el relieve es muy alto en el centro y crece más abajo hacia los lados, lo que sugiere la forma de una guirnalda real mucho más cercana que el relieve bastante plano, con bordes bien definidos, que es común en las guirnaldas más simples del helenístico. años; y en los rollos de follaje, se sugiere una vid en crecimiento no solo por la adición de brotes y flores, sino también por la introducción de pequeñas aves e insectos, que se ciernen sobre las hojas o se arrastran sobre ellas. En estas características novedosas, podemos ver razonablemente la influencia del gusto romano por lo que es real y tangible.

En el lado norte del monumento, frente a la procesión de Augusto y los miembros de su familia, se encuentra la procesión paralela y convergente de miembros de los colegios sacerdotales romanos, magistrados, senadores y representantes del pueblo romano con sus hijos. Estas dos grandes escenas procesionales son típicamente romanas: lentas, majestuosas y decididas, pero con sus toques casuales y caseros: una joven pareja charlando, funcionarios con la atención errante, un niño obviamente asustado, otro niño cansado de caminar y pedir ser recogido. Pero el tratamiento de las figuras principales, con sus cortinas rítmicas y sus peinados y rasgos idealizados, es completamente clásico y no cabe duda de que los escultores de los Ara Pacis Augustae eran griegos. El vestido en todos los casos es el de la vida cotidiana y los rostros son claramente retratos, aunque los intentos modernos de identificar a las personas aún no han tenido mucho éxito. La corrección bastante fría y la dignidad de la escultura de Augusto son aquí muy evidentes. Es notable, también, que las figuras no están talladas en un solo plano, como es el método normal en los relieves griegos, pero algunos tienen un relieve considerablemente más alto que otros, por lo que se intenta sugerir una profundidad real en el espacio variando La profundidad del relieve. Este intento de efectos "espaciales" o "tridimensionales", que en los últimos años a menudo se llama "ilusionismo", es una de las innovaciones sorprendentes de la época romana. Probablemente tuvo su origen en experimentos realizados por los artistas del período helenístico. En los relieves del Ara Pacis, tenemos una etapa relativamente temprana del desarrollo, con figuras dispuestas en dos planos distintos. Más tarde, el principio fue llevado mucho más lejos.

Los relieves del Ara Pacis ofrecen un excelente ejemplo de la combinación del presente real con el pasado legendario, de hechos concretos con símbolos y alegorías, de la dignidad clásica y el equilibrio en las figuras humanas con un deleite desinhibido en todos los detalles de la naturaleza en Los frisos decorativos. En su propia especie permanecieron sin igual a lo largo de la historia de la escultura romana.

Nota sobre la evaluación del arte
Para aprender más sobre el arte plástico, vea: Cómo apreciar la escultura .

Escultura julio-claudiana después de Augusto (14 a. C. – 68 d. C.)

Desde los reinados de los emperadores julio-claudianos desde Tiberio hasta Nerón, se han conservado pocos restos de esculturas más grandes. Lo que tenemos consiste principalmente en pequeñas urnas de mármol para las cenizas de los muertos y los altares que se colocaron sobre las tumbas. En estos, la decoración generalmente consiste en guirnaldas elaboradas, que recuerdan a las guirnaldas del Ara Pacis, talladas con la misma fidelidad a la naturaleza y asociadas con pájaros y otros animales. Los llamados "relieves murales", losas de terracota utilizadas para la decoración de casas y otros edificios, a veces exhiben cualidades similares, pero a menudo sus diseños se copiaron directamente de modelos griegos y muestran la fuerza de la influencia griega. En los retratos, por otro lado, el tipo tranquilo y académico de la era de Augusto fue gradualmente modificado por un realismo creciente, en el que podemos ver con justicia el espíritu romano una vez más afirmando.

Uno de los relieves más grandes mejor conservados de esta época es un friso largo que adorna un lado de lo que parece haber sido una gran base o altar, los relieves en sus otros lados están completamente perdidos, aparte de pequeños fragmentos que indican que alguna vez existieron.. Fue encontrado en Roma debajo de la Cancillería Papal y muestra una procesión de magistrados de la ciudad (vicomagistri) acompañados por ministros (camilli) con estatuillas del Genio imperial y Lares, víctimas de sacrificio con asistentes, músicos y otras figuras masculinas. Los hombres y los animales están alineados uno al lado del otro con poca superposición. En algunas partes del friso hay una segunda fila de figuras talladas en bajo relieve en el fondo y de ellas el principal interés estilístico radica en el hecho de que sus cabezas están ligeramente elevadas por encima de las de las figuras en primer plano, como si el espectador fuera viendo la procesión desde un punto de vista algo elevado. Este dispositivo de perspectiva vertical reflejaba la pasión romana general por los detalles de los hechos, que naturalmente se expresó al intentar mostrar a todos los participantes en una acción, incluidos aquellos en el segundo plano, lo más completamente posible.

Escultura de la era Flaviana (69-96 CE)

Arco de Tito

Los reinados de los emperadores flavios, Vespasiano, Tito y Domiciano, produjeron los ejemplos más impresionantes que tenemos de la manera ilusionista. Estos son los famosos relieves en el arco de Tito en Roma. Erigido para conmemorar la Guerra Judía de 71 CE, este arco fue dedicado en el año 81. En sus grandes relieves, uno a cada lado del pasillo central, se representan dos escenas de la procesión triunfal. En uno, vemos al Emperador en su carro, acompañado de lictores y ciudadanos romanos, tal como indudablemente apareció en la procesión real. Otras figuras, sin embargo, son claramente alegóricas: la victoria corona al Emperador, la diosa Roma conduce los caballos, y frente al carro está el Genius Populi Romani. Todas estas son figuras ideales, que con frecuencia se insertan en relieves que conmemoran eventos históricos. En el segundo relieve, se muestra otra parte de la procesión triunfal, con soldados llevando el botín desde el templo de Jerusalén, las largas trompetas que convocaban a la gente a la oración, la mesa del pan de la proposición y el candelabro de siete brazos. como tabletas en las que se inscribieron, originalmente, los nombres de las ciudades conquistadas de Judea. El principio de variar la altura del relieve para sugerir distancia se lleva aquí muy lejos. Ya no se trata de dos o tres planos diferentes, como notamos en los relieves procesionales del Ara Pacis. Algunas figuras están casi en la ronda, otras están dibujadas en bajo relieve en el fondo, y entre estos extremos, se emplean muchas alturas diferentes. El resultado es que la luz y el aire juegan entre las figuras, creando la ilusión de seres que realmente se mueven en el espacio, de una manera que no se había intentado con tanto éxito antes. Los relieves implican un escultor original y muy hábil. Su incapacidad para hacer que sus multitudes en movimiento sean absolutamente convincentes se debe a su ignorancia de las leyes de perspectiva , que no se descubrieron hasta muchos siglos después. El espectador moderno no puede dejar de ser molestado por las líneas falsas de los caballos y el carro, y por el giro del arco por el que se supone que deben pasar los soldados. Pero a pesar de tales defectos en estos y otros relieves similares, sigue siendo cierto que los artistas de la era Flaviana introdujeron nuevas ideas y se dieron cuenta de nuevas posibilidades en la escultura.

Bustos de retrato flavio

Experimentos similares con efectos de luces y sombras aparecen en los retratos de la era Flaviana, en los que una combinación de principios ilusionistas junto con un retorno al realismo de los días anteriores, produjo algunos de los bustos de retratos más exitosos jamás creados. La sugerencia de carácter en estas cabezas no es menos notable que el modelado hábil, por lo que son los retratos, tanto como los relieves de la época, los que llevan a muchos críticos a considerar el período Flavio como la edad de oro de la escultura romana.

Escultura de la era de Trajano (98-117 CE)

Columna de Trajano

Los monumentos del reinado de Trajano son similares, en muchos aspectos, a los de la era Flaviana. El más notable entre ellos es el famoso Columna de Trajano (100 pies romanos de altura, construido en mármol de Paria), erigido como parte de la decoración del foro que el Emperador completó y dedicó alrededor del 113 EC. Es mundialmente famoso por su escultura en relieve histórica única, que se lleva en una banda en espiral alrededor del eje de la columna y ejemplifica más completamente otra innovación que juega un papel importante en la escultura de la época romana, a saber, la elaboración elaborada de El método continuo de narración. En estos relieves, se intenta registrar toda la historia de las dos campañas de Trajano contra los dacios (101-2 y 105-6) desde el cruce del Danubio hasta la victoria final. Los episodios individuales son de muchos tipos: el sacrificio al comienzo de la campaña, la construcción de puentes y campamentos fortificados, el emperador revisando o exhortando a sus tropas, batallas y asedios, la entrada de prisioneros, la recepción de delegados para demandar por paz, y estos están tan combinados que una escena pasa a la siguiente sin ninguna línea divisoria definida. En todas partes el Emperador es prominente; aparece unas noventa veces en los 660 pies de la banda esculpida. El resultado de esta insistencia en la figura imperial es que, en lugar de la unidad de tiempo y lugar que los escultores griegos observaban regularmente, tenemos una especie de unidad de idea: la idea del poder del Imperio Romano, simbolizado por la figura de su gobernante Otra característica de la columna de Trajano sugiere modelos orientales más que griegos. Este es el elaborado fondo de árboles y edificios e incluso ciudades enteras y campamentos fortificados, tallados en una escala mucho más pequeña que las figuras humanas, para dar el escenario de los diversos eventos. En estas partes del relieve y también en la representación cuidadosa de la armadura, los estándares de los legionarios, los rasgos faciales y la vestimenta de los bárbaros, el amor romano por los detalles realistas es evidente en todas partes.

El diseñador de los relieves en espiral en la columna de Trajano no inventó el método documental romano de narración histórica en el arte. Tampoco inventó el estilo continuo de composición, según el cual sucesivos episodios de una historia se desarrollan en una serie ininterrumpida. Este estilo se encuentra en forma limitada en las tazas de la figura roja del ático del siglo V a. C. pintadas con las labores de Teseo, y en el friso de Telephus del Altar de Zeus en Pérgamo (c.166-156 a. C.) Ver también: Escuela de escultura helenística de Pergamene (C.200-150 AEC). Lo que hizo el artista trajano fue producir el ejemplo más completo, extenso y novedoso tanto del método documental como del estilo narrativo continuo que aún se había visto.

Históricamente, los relieves son muy impresionantes. Representan ciertos eventos y lugares particulares en las campañas de Dacia que son excepcionales y únicos: el cruce inicial del Danubio por el ejército romano, el viaje del emperador por el Danubio, la sumisión de los dacios al final de la primera guerra, el embarque de Trajano en Ancona para la segunda guerra, el gran sacrificio por el puente del Danubio, el asalto de la capital de Dacia, la muerte del rey Dacia Decabalus; y estas cosas deben haber sucedido, en su mayor parte, en el orden particular en que están registradas en la Columna. Si no es cierto desde el punto de vista fotográfico, es casi seguro que los relieves brinden una descripción fiel de la historia combinada con una descripción más minuciosa y circunstancial del tipo de problemas que las tropas romanas tuvieron que enfrentar en Dacia. La precisión de la representación en la Columna de detalles militares romanos y de la fisonomía daciana, armas, vestimenta, fortificaciones, etc. puede establecerse a partir de material arqueológico; y no cabe duda de que detrás de estos relieves hay bocetos realizados en el "frente" por testigos presenciales, es decir, dibujantes del ejército que acompañaron a las tropas a la guerra. Es probable que tales bocetos se hubieran hecho originalmente para los archivos imperiales, sin la Columna a la vista. Pero cuando se decidió que las guerras dacias debían representarse en relieve en su eje, un artista maestro, encargado de preparar dibujos o dibujos medidos para los escultores, habría hecho una selección del trabajo de los dibujantes del ejército, elaboró ​​sus bocetos y fusionó juntos en un solo marco, usando una perspectiva vertical para llenar cada banda de arriba a abajo con un diseño tipo tapiz ’todo, sobre’ y mostrar la máxima cantidad de detalles. Un ejemplo sorprendente de este impulso de no omitir nada y presentar todo en su mayor medida es la escena de un legionario vadeando un río y llevando su escudo, apilado con su equipo, sobre su cabeza. Aquí, la perspectiva vertical del río, que se muestra extendida como en un mapa, se combina ilógicamente con el punto de vista horizontal para el hombre, que se ve desde atrás. Esta combinación de puntos de vista debe haber sido una parte deliberada del diseño, no solo debido a la ingenuidad del pacto del escultor, cuyo modelado de la espalda y los brazos del soldado lo revela como un artista muy hábil. Del mismo modo, la desproporción ilógica en escala, a lo largo de los relieves, entre las figuras humanas y los accesorios arquitectónicos y paisajísticos se debió, no a la infantilidad, sino a la necesidad de hacer que los actores humanos, cuyas actividades eran, después de todo, de importancia primordial, destacar y ser distinguible desde la distancia.

Quien diseñó las caricaturas para las bandas de socorro no ha sido grabado. Sabemos que el arquitecto sirio-griego de Trajano, Apolodoto de Damasco, fue responsable de todo el complejo de bibliotecas de foro, basílica y griegas y latinas, de las cuales la columna era la característica central y dominante. Entonces, si no dibujó los dibujos animados él mismo, debe haberlos supervisado y aprobado. Pero quienquiera que fuera, este maestro dibujante produjo el ejemplo clásico del estilo narrativo continuo desarrollado en la escultura romana, convirtiendo lo que probablemente habían sido imágenes aisladas en un único friso unificado de escenas estrechamente entrelazadas: un continuo espacio-tiempo. (NOTA: Para edificios romanos en el antiguo Egipto, como el Pabellón de Trajano (c.164 CE), ver: Arquitectura egipcia antigua hasta 200 CE.)

Relieves trajanicos en el arco de Constantino

Nada tan emocionante como el friso en la columna de Trajano ha sobrevivido del reinado de Trajano. Lo más parecido en contenido y estilo, tan cerca, de hecho, que debe haber sido diseñado por la misma mano o en el mismo taller, es un friso grande y largo sobre una superficie plana y recta, cuatro porciones sustanciales de las cuales se reutilizan en las paredes del pasillo central del Arco de Constantino en Roma, erigido en 315. Cuando se tomaron moldes de cada una de las cuatro secciones del Arco, se descubrió que todas encajaban. A la izquierda, el Emperador entra en Roma triunfante, escoltado por Victoria y la diosa Roma; a la derecha, la caballería romana dirigida por Trajano ataca a los dacios, dos acciones ampliamente separadas en tiempo y lugar. Al encontrarse con esta escena de batalla en una dirección hacia la izquierda, hay un grupo de soldados romanos que presentan al emperador Dacian prisioneros acusadores y las cabezas cortadas de dacios muertos (en la columna aparece una presentación muy similar de cabezas cortadas al emperador); y más a la derecha hay un grupo de jinetes romanos cargando sobre los cuerpos postrados de sus enemigos. Por lo tanto, mientras que en la Columna la corriente principal de la historia fluye consecutivamente de izquierda a derecha, aquí, al menos en las porciones que tenemos, sube y baja alternativamente de izquierda a derecha y las escenas se agrupan sin tener en cuenta lógica espacial y temporal. Además, mientras que en la Columna el emperador nunca está involucrado en el conflicto real y las tropas romanas visten trajes de batalla, aquí Trajano lidera la carga y los soldados visten uniformes de ’desfile’ con cascos emplumados y decorados. Estas son, de hecho, escenas de guerra "ideal" o dramatizada, como las que encontramos en sarcófagos de batalla de períodos posteriores; y no es imposible que este gran friso de Trajano fue diseñado después de la muerte de Trajano para adornar el templo dedicado por Adriano a sus padres adoptivos y erigido al norte / oeste del foro y la basílica que llevaba el nombre de Trajano. El triunfo del emperador en este friso no es solo terrestre, sino también celestial: su victoria sobre la muerte por apoteosis. En comparación con el de la columna, el relieve en el friso es alto y las figuras principales tienen una calidad relativamente escultural y ricamente plástica. Los accesorios para paisajes son muy pocos; pero existe el mismo impulso aquí y allá de llenar todo el campo mediante el uso más restringido de la perspectiva vertical que permitía el esquema del diseño.

Arco de Trajano

El conocido Arco de Trajano en Beneventum en el sur de Italia lleva la fecha 114 EC y ciertamente fue decretado por el Senado, posiblemente ya construido y dedicado como estructura, antes de la muerte del emperador. Sus catorce grandes relieves rectangulares presentan un epítome de los logros de Trajano en el país y en el extranjero: su reclutamiento de tropas, su fundación de colonias en Italia y en las provincias, su establecimiento de nuevos puertos en Italia, su política social, su pacificación del Danubio tierras (en la persona de sus deidades patronas), sus relaciones amistosas con tribus españolas y germánicas, y sus conquistas orientales. Una de las imágenes esculpidas más atractivas es el relieve del pasadizo que representa la alimentación, la fundación caritativa del emperador para los niños pobres de Italia, que aparecen en persona para recibir su recompensa, junto con sus padres y personificaciones de sus ciudades natales. Todos estos relieves forman imágenes aisladas y autónomas, aparte de los dos en los niveles inferiores de los pilones en el lado del Arco que se enfrenta a Beneventum, que constituyen la escena única de la solemne bienvenida de Trajano por los ciudadanos de Roma en el Foro Romano., y aquellos en el ático en el mismo lado, nuevamente formando una sola escena en la que la Tríada y otras divinidades saludan a Trajano en el Capitolio y recibe de Júpiter el rayo de este último, el símbolo de su vocación de gobernar el mundo como el dios viceregente. En esta imagen, se muestra a Adriano en traje imperial junto al emperador, mientras que Italia pone una mano sobre su hombro como para señalarlo como el heredero de Trajano. Estas esculturas son completamente diferentes de las de los relieves de la columna. Las composiciones están abarrotadas, pero las principales figuras monumentales se destacan audazmente en un alivio aún mayor contra la compañía masiva detrás de ellas. Los elementos arquitectónicos y paisajísticos de fondo están ausentes o se reducen al mínimo; y el uso de la perspectiva vertical es muy limitado. Dioses, personificaciones y seres humanos se mezclan libremente. Algunas de las cabezas están muy deterioradas; pero todavía quedan varias semejanzas llamativas de Trajano, y en el séquito del emperador hay personas con rasgos llamativos y de retrato.

NOTA: Para el impacto de la escultura clásica de la antigua Roma, ver: Clasicismo en el arte (800 en adelante).

Escultura de la era de Adriano (117-138)

En la escultura del reinado de Adriano, el cambio más notable es una reacción de la elaboración del arte flavio y trajano hacia un tratamiento más simple e idealista. Los retratos pierden algo de su intenso realismo, y en los relieves hay menos intentos de efectos espaciales y menos hacinamiento de las figuras. Es natural atribuir estos cambios a una nueva ola de influencia griega. Dado que el propio Adriano era un amante del arte griego y vivió durante algún tiempo en Atenas, generalmente se supone que se debieron en gran medida a su gusto e influencia personal, y el nuevo movimiento se llama convenientemente el "renacimiento Adriano".

Un excelente ejemplo de las nuevas tendencias es un alivio encontrado en 1908, no lejos de Roma, en el que Antínoo está representado como el dios Silvanus. Antínoo era uno de los favoritos de Adriano, quien, después de su misteriosa muerte en Egipto, donde se dice que se suicidó para evitar el peligro del Emperador, fue deificado y adorado en todo el imperio. Fue identificado frecuentemente con una de las divinidades juveniles, ya que está aquí con Silvanus. La figura simple, de pie, sosteniendo un gancho de poda y acompañada por un perro, recuerda los relieves graves del ático del siglo IV, mientras que el altar y la vid sugieren una comparación con los relieves "pictóricos" helenísticos. En el altar está la firma del escultor, Antoniano de Afrodisias, un pueblo de Caria. Hay varias otras obras de principios del siglo II firmadas por artistas de Afrodisias, por lo que parece claro que en este momento una "escuela de Afrodisias" debe haber establecido una reputación considerable.

Escultura de la dinastía Antonina (138-192 CE)

Los efectos del avivamiento de Adriano duraron muchos años. Son evidentes en la mayoría de los relieves de los reinados de los emperadores Antoninos, Antonino Pío (138-161), Marco Aurelio (161-180) y Cómodo (180-192). En estos, en general, hay poca aglomeración de las figuras, y los intentos de efectos espaciales no son pronunciados. El "Alivio de Marco Aurelio" (Museo Capitolino, Roma) en el que está representado Marco Aurelio sacrificando ante el templo de Júpiter Capitolino, es un buen ejemplo. La representación cuidadosa de los edificios reales para mostrar el escenario de una acción es muy común en los relieves romanos durante todo el período del Imperio y es otra prueba del amor romano de lo que es real y tangible, en contraste con la tendencia idealista de la mayoría Relieves griegos.

Columna de Marco Aurelio

La reliquia más impresionante del período Antonino es la columna de Marco Aurelio, en la que se celebran los triunfos de ese emperador sobre los alemanes y los sarmatas. Este monumento es claramente una imitación de la columna de Trajano, con una banda espiral de relieves elaborados en el método continuo. Sin embargo, las transiciones no se manejan de manera tan inteligente como en el monumento anterior, y la mano de obra, en general, es bastante menos hábil.

Retratos

En los retratos del período, aparecen una serie de cambios interesantes. Hadrian había introducido la moda de llevar una barba corta. Bajo los Antoninos, se usaban barbas más largas y cabello más largo, y los escultores de la época se dieron cuenta rápidamente de las posibilidades de contraste entre las masas de cabello y la carne de la cara. El cabello y la barba se rindieron en mechones sueltos, profundamente cortados con el taladro para producir sombras, mientras que para la cara el mármol se alisó cuidadosamente y, a veces, se pulió. Al mismo tiempo, la práctica de sugerir el ojo más definitivamente al delinear el iris e introducir uno o dos taladros para la pupila, un método utilizado ocasionalmente en épocas anteriores, se generalizó.

Severan, Diocletian, Constantine Sculpture (192-330 CE)

Sarcófagos

Después de la muerte de Commodus, la disminución en el arte del escultor parece haber sido rápida. Incluso en el arco de Septimio Severo (dedicado en 203), las figuras pequeñas y talladas descuidadamente ofrecen un contraste sorprendente con las composiciones dignas y cuidadosamente estudiadas de los monumentos públicos de los siglos anteriores; y desde la mayor parte del siglo III, no han sobrevivido relieves históricos. Los reinados breves y problemáticos de los muchos emperadores de esta época fueron naturalmente desfavorables para la producción de monumentos elaboradamente decorados. Nuestro conocimiento del período, por lo tanto, depende en gran medida de los sarcófagos de mármol que fueron tallados para recibir los cuerpos de los muertos. Tales monumentos no son desconocidos desde los siglos anteriores, pero su uso se hizo más general durante el siglo III, y se han conservado un gran número de ellos. Dado que fueron hechos para ser colocados contra una pared en tumbas subterráneas, solo tres lados, por lo general, estaban decorados con relieves. Los temas fueron tomados casi exclusivamente de la mitología griega, una prueba interesante de la persistencia de la influencia griega. A veces, estos sujetos tienen una posible referencia a la muerte: el traslado de Perséfone, Diana y Endymion, Cupido y Psique, y muchos otros. A menudo, sin embargo, no tienen conexión con el uso de los sarcófagos (Dioniso y su tren estuvieron constantemente representados) y es evidente que los fabricantes simplemente estaban reproduciendo composiciones tradicionales para efectos decorativos. Pero aunque los temas son en gran parte griegos, el estilo, con raras excepciones, es el de los monumentos romanos posteriores. Las figuras están muy llenas, con profundos recortes para producir sombras pesadas, aunque el relieve, en general, se mantiene en un plano. Las proporciones son a menudo incorrectas, la expresión facial es exagerada y el trabajo generalmente revela la prisa y el descuido. En la composición, el método continuo se emplea con frecuencia.

Bustos de retrato tardío

En los retratos de la época romana posterior, el declive no es tan pronunciado. A lo largo del siglo III e incluso hasta el cuarto, los creadores de retratos todavía podían reproducir las características de sus sujetos y sugerir caracteres con poca habilidad, en marcado contraste con la mano de obra más cruda de la masa de los sarcófagos.

Relieves en el arco de Constantino

La condición del arte del escultor hacia el final del período se puede ver mejor en uno de los monumentos romanos más famosos, el Arco de Constantino. Este arco, que probablemente fue erigido ya en el primer siglo después de Cristo y luego desmantelado, fue rededicado por Constantino en el año 315, para conmemorar su triunfo sobre Majencio y el firme establecimiento de su poder. Gran parte de la escultura con la que está adornada fue tomada de obras anteriores, especialmente de los monumentos de Trajano y Marco Aurelio. El carácter de las partes que datan del reinado de Constantino está bien ilustrado en la escena en la que el Emperador distribuye regalos a la gente. ¡Cuán diferentes son las cifras de las de relieves anteriores! Monótonamente alineados uno al lado del otro, parecen más títeres que participantes en una acción común.Cada uno parece tallado por sí mismo, como un punto en un diseño decorativo, y todos los detalles, como los pliegues de las túnicas, se representan superficial y formalmente. En el aislamiento de las figuras individuales, algunos críticos ven otro de esos experimentos con efectos de luz y sombra que atrajeron tanto la atención de los escultores de la época romana. Pero incluso si esto es admitido, las figuras rechonchas y rechonchas dan testimonio de una marcada disminución del trabajo del primer imperio. El interés en la figura humana y el interés en la agrupación de figuras para sugerir acciones, que hasta este momento eran las principales preocupaciones del escultor, parecen casi completamente perdidas, y está claro que estamos en el umbral de un nuevo período.son prestados superficial y formalmente. En el aislamiento de las figuras individuales, algunos críticos ven otro de esos experimentos con efectos de luz y sombra que atrajeron tanto la atención de los escultores de la época romana. Pero incluso si esto es admitido, las figuras rechonchas y rechonchas dan testimonio de una marcada disminución del trabajo del primer imperio. El interés en la figura humana y el interés en la agrupación de figuras para sugerir acciones, que hasta este momento eran las principales preocupaciones del escultor, parecen casi completamente perdidas, y está claro que estamos en el umbral de un nuevo período.son prestados superficial y formalmente. En el aislamiento de las figuras individuales, algunos críticos ven otro de esos experimentos con efectos de luz y sombra que atrajeron tanto la atención de los escultores de la época romana. Pero incluso si esto es admitido, las figuras rechonchas y rechonchas dan testimonio de una marcada disminución del trabajo del primer imperio. El interés en la figura humana y el interés en la agrupación de figuras para sugerir acciones, que hasta este momento eran las principales preocupaciones del escultor, parecen casi completamente perdidas, y está claro que estamos en el umbral de un nuevo período.Las figuras rechonchas y rechonchas dan testimonio de una marcada disminución del trabajo del primer imperio. El interés en la figura humana y el interés en la agrupación de figuras para sugerir acciones, que hasta este momento eran las principales preocupaciones del escultor, parecen casi completamente perdidas, y está claro que estamos en el umbral de un nuevo período.Las figuras rechonchas y rechonchas dan testimonio de una marcada disminución del trabajo del primer imperio. El interés en la figura humana y el interés en la agrupación de figuras para sugerir acciones, que hasta este momento eran las principales preocupaciones del escultor, parecen casi completamente perdidas, y está claro que estamos en el umbral de un nuevo período.

Escultura romana en las provincias

Fuera de Roma e Italia, donde la escultura romana alcanzó su desarrollo más natural, se conservan muchos monumentos de carácter similar a los de la capital. En algunos casos, la mano de obra es excelente, pero en su mayor parte, los autores de estos monumentos fueron decididamente menos hábiles que los escultores de la capital, y la escultura provincial romana es interesante principalmente por sus temas y por la evidencia que proporciona de la extensión a lo que las ideas romanas afectaron a los muchos pueblos que conquistaron los romanos. Tales monumentos, en general, son más numerosos en las provincias occidentales que en las orientales del imperio. En las provincias orientales, los monumentos de tipo claramente romano son raros. En esta región, las tradiciones del arte romano helenístico. persistió con vigor ilimitado durante muchos años, hasta que, modificado por nuevas ideas de Persia y el cercano Oriente, se convirtieron gradualmente en Arte cristiano primitivo (c.150-1100).

Características generales de la escultura romana

En un sentido amplio, es cierto que la escultura romana representa la última etapa en la evolución de la escultura griega. Pero es un error considerarlo, como muchos críticos del siglo XIX (como John Ruskin ) se inclinaban a hacer, como una mera fase tardía y degenerada del desarrollo griego. En algunos campos, especialmente en la escultura de retratos y en el desarrollo de ornamentos de plantas y follajes, los escultores de la época romana avanzaron más allá de sus predecesores e introdujeron nuevas ideas que influyeron profundamente en las generaciones posteriores. Si, como parece probable, no inventaron el estilo "ilusionista" y el "método continuo de narración", ciertamente los desarrollaron de manera más completa y lógica que los escultores anteriores. El valor de estas innovaciones se ha estimado de manera diversa.Por algunos modernos críticos de arte , son considerados como una prueba más de la originalidad y el genio de los artistas de la época romana, por otros, como intentos erróneos de ampliar las posibilidades de la escultura. Muchos piensan que el intento de sugerir profundidad, así como altura y anchura, es más apropiado para pintura que a la escultura, e incluso cuando se lleva a cabo con pleno conocimiento de las leyes de la perspectiva, se considera que transgrede los límites del arte del escultor. El método continuo ha sido caracterizado por un crítico competente como una reliquia del arte primitivo "que los griegos casi habían civilizado de la faz de la tierra". Independientemente de lo que uno piense de estas opiniones contradictorias, el hecho es que los artistas de la época romana se esforzaron por darse cuenta de las posibilidades en la escultura que los hombres de los tiempos anteriores habían descuidado en su mayor parte, y el "episodio romano", como a veces ha sido llamado, bien merece el estudio más cuidadoso que se le ha dedicado en los últimos años. NOTA: Para obtener más información sobre la influencia de la antigüedad en los artistas del siglo XX, consulte: Renacimiento clásico en el arte moderno (1900-30).

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