Dibujo: tipos, historia del arte gráfico Traductor traducir

En las artes visuales, el término « dibujo» puede definirse como la realización lineal de objetos visuales, conceptos, emociones y fantasías, incluyendo símbolos e incluso formas abstractas. El dibujo – es un arte gráfico, en el que se hace hincapié en la forma más que en el color, como en la pintura . El dibujo es muy diferente de los procesos de creación de impresiones gráficas porque, aunque un dibujo puede servir de base para la copia, es por su propia naturaleza único .

La mayoría de las demás formas de arte dependen del dibujo. Así, aunque no todas las pinturas, mosaicos, tapices u otras obras de arte fueron precedidas por un dibujo en forma de boceto preliminar, el dibujo es, de hecho, la base de todas las artes visuales .

Por ejemplo, un dibujo arquitectónico es la base de todos los diseños de edificios; una marca hecha en un bloque de piedra en bruto es la base de una escultura emergente; inicialmente, la mayoría de las pinturas surgen de bocetos preliminares; sólo a medida que avanza la obra se solidifican en color. Además, cada vez hay más estudios que demuestran que los dibujos constituyen la base material de frescos, paneles, ilustraciones de libros, estatuas, aguafuertes, grabados, mosaicos, vidrieras y muchas otras formas de arte decorativo . Estos bocetos preparatorios pueden limitarse a directrices generales o pueden regir toda la obra hasta el más mínimo detalle

El dibujo es también una forma de arte distinta por derecho propio
Además, como forma de arte distinta , el dibujo ofrece las más amplias posibilidades de expresión creativa. A través del dibujo pueden mostrarse los cuerpos, el espacio, la profundidad, la tridimensionalidad e incluso el movimiento. Además, el dibujo expresa la personalidad del dibujante espontáneamente en el flujo de la línea, lo que lo convierte en una de las declaraciones artísticas más personales.

Instrumentos de dibujo
Los dibujos pueden realizarse con una amplia gama de instrumentos de dibujo, como pluma y tinta, carboncillo, lápices de colores, pasteles, puntos metálicos y plateados, grafito, lápices de colores y una aguja de grabar, bórax o aguafuerte para los tipos de dibujo incisos. Otras alternativas son los lápices de cera o conte, los rotuladores, las barritas de grafito y diversos tipos de bolígrafos de tinta. La base más común (el material sobre el que se dibuja la imagen) es, obviamente, el papel, pero hay otras opciones, como los paneles de madera, el cartón, el papiro, el lienzo, el cuero, el pergamino (piel de becerro), los tejidos e incluso el plástico o el metal. Los dibujos de materiales mixtos son dibujos realizados con una combinación de estos materiales.

Dibujo frente a pintura
La frontera entre el dibujo y la pintura siempre ha sido algo difusa. Por ejemplo, el arte chino realizado con pinceladas sobre seda o papel está tan cerca del dibujo como de la pintura (por ejemplo, Caligrafía). En algunos manuscritos iluminados de la Edad Media, como el Salterio de Utrecht, hay dibujos a pluma y tinta de tal libertad de trazo que se asemejan a las caricaturas modernas y, de hecho, cumplen la misma función que la pintura. Sin embargo, el dibujo como forma artística independiente sólo apareció en el arte del Renacimiento Quatrocento (siglo XV). Antes de esta época, el dibujo ) disegno) se consideraba inferior a la pintura ) colorito). Véase también: Apreciación del arte: Cómo apreciar el arte .

Expertos en dibujo
La palabra dibujante (o draftsman) es un término común para un artista dedicado al dibujo. Ejemplos de la mayor habilidad en el dibujo, especialmente dibujo figurativo, son las obras de los antiguos maestros, como Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, Alberto Durero, Pedro Pablo Rubens, Rembrandt, Jacques Louis David, y otros artistas famosos, como: Honoré Dumier, Edgar Degas, Egon Schiele, Max Beckmann, David Hockney, Lucien Freud, etc.

Categorías de dibujo
En sentido general, el dibujo incluye 3 categorías principales: Dibujo casual, (garabatos, bocetos): se trata de composiciones inacabadas y normalmente poco refinadas. Estos dibujos no tienen una función permanente. Dibujo preparatorio : denota la creación de una imagen particular o una serie de imágenes que constituyen la totalidad o parte de una composición que el artista pretende completar mediante la adición de color pigmentado (pintura, tinta de color, etc.). Dibujo acabado : denota una obra independiente acabada, como una ilustración, caricatura, viñeta, caricatura o diseño gráfico.

Tema
Los dibujantes incluyen todo tipo de imágenes en sus composiciones, incluidas representaciones de personas y animales en todos los géneros, como imágenes históricas narrativas, retratos, caricaturas y escenas de género, y paisajes o composiciones de naturaleza muerta. Algunos dibujantes se especializan en reproducciones precisas de edificios existentes o propuestos (dibujo arquitectónico), barcos (dibujo náutico), flores (ilustración botánica), caballos (dibujo ecuestre) o animales, así como en composiciones abstractas que van desde el cubismo hasta las composiciones tipográficas o caligráficas.

Métodos de dibujo

Para dibujar se puede utilizar una enorme variedad de herramientas y dispositivos, como lápices de mina, estiletes metálicos, carboncillo y lápices de colores, así como las tradicionales plumas, lápices y pinceles, estilográficas, bolígrafos y rotuladores; de hecho, incluso se utilizan cinceles y diamantes para dibujar. Véase también El automatismo en el arte sobre su dibujo automático.

Carboncillo

Las piezas de madera parcialmente usadas se han utilizado desde los tiempos del arte prehistórico, cuando los artistas paleolíticos crearon el asombroso arte rupestre que se puede encontrar en Chauvet, Lascaux y Altamira. La tradición se mantuvo viva gracias a los antiguos maestros, cuyos dibujos preparatorios a carboncillo para frescos, paneles e incluso pintura en miniatura aún pueden verse a veces bajo pigmento. Dibujar con carboncillo suele dar un trazo poroso y poco pegajoso. Un lápiz de carbón afilado puede trazar líneas excepcionalmente finas; utilizando una perla en la superficie crea planos de tono uniforme. Frotando y haciendo crecer la línea de carboncillo se obtienen sutiles tonos intermedios y transiciones suaves. El carboncillo, por su escasa adherencia, es ideal para bocetos correctivos, pero debe protegerse con un fijador para conservar el dibujo.

Como medio para hacer bocetos rápidos del natural, el carboncillo se utilizaba mucho en las academias y talleres de arte. Las complejas poses que Tintoretto exigía a sus modelos podían plasmarse rápida y fácilmente con un lápiz de carbón adaptable. (Para más información sobre los dibujos de Tintoretto, véase: Dibujo veneciano 1500-1600) El carboncillo también se utilizó ampliamente en bocetos preparatorios para retratos. En su dibujo al carboncillo Retrato de una dama, el artista francés Édouard Manet (1832-1883) consiguió captar la textura de la madera de la silla, el ribete de piel del vestido, la compacidad del peinado y la suavidad del cuerpo. El pintor holandés del siglo XVII Paulus Potter (1625-1654) fue otro destacado representante, al igual que los grandes dibujantes de los siglos XIX y XX, como Toulouse-Lautrec (1864-1901), Edgar Degas (1834-1917), Cate Kollwitz (1867-1945) y Ernst Barlach (1870-1938).

Con carbón vegetal aceitado, es decir, lápices de carbón empapados en aceite de linaza, los artistas obtenían una mejor adherencia y un color negro más profundo. Utilizada en el siglo XVI por Tintoretto, esta técnica fue especialmente popular entre los pintores realistas holandeses del siglo XVII para acentuar los negros profundos. Sin embargo, a cambio de una mejor adherencia de los rebajes sobre el papel, la corrección se hace más difícil. Además, los lápices de carbón que se han empapado profundamente en aceite dejan vetas parduscas a lo largo de las líneas.

Crayones

La tiza es un medio de dibujo igualmente importante. Si el carboncillo es ante todo un medio para corregir rápidamente los bocetos, el dibujo con tiza puede servir para muchas otras cosas. Desde principios del siglo XVI la tiza de piedra, que se encuentra en la naturaleza, se hizo cada vez más popular en el dibujo artístico. Como material natural, la tiza de alúmina tiene diversos grados de dureza, por lo que el trazo puede variar desde ligeramente granuloso hasta uniformemente denso y liso. El deseo de obtener una calidad uniforme ha llevado a la producción de tizas especiales para dibujo: tizas que, tras ser molidas, lavadas y moldeadas en cómodas barritas, proporcionan un trazo más suave y regular y están libres de partículas arenosas. La adición de pigmentos crea una variedad de tonos que van del negro intenso al gris parduzco. En comparación con la tiza negra, de uso común, la tiza marrón no está muy extendida. La tiza blanca, que también se encuentra en la naturaleza, casi nunca se utiliza como medio independiente para dibujar, aunque a menudo se emplea en combinación con otros medios para conseguir acentos individuales de luz reflejada.

A partir del siglo XV, la tiza se utilizó cada vez más para esbozar y dibujar. Su idoneidad para trazar líneas precisas de una anchura determinada y crear sombreados sutiles la hace especialmente adecuada para los bocetos de modelado. Debido a estas propiedades, la tiza es un medio particularmente bueno para los dibujos aislados, y casi no hay dibujante que no haya trabajado con tiza, a menudo en combinación con otros medios. Aparte de los retratos, los paisajes fueron uno de los principales temas de los dibujos a la tiza, sobre todo de los holandeses. Desde la invención de la tiza artificial, fabricada a partir de un hollín negro, fino y mate conocido como negro de humo -invención atribuida a Leonardo da Vinci (1452-1519)-, las cualidades pictóricas de la tiza se han explorado a fondo. La gama de tizas abarca desde las tizas secas similares al carbón hasta las tizas grasas utilizadas por los litógrafos.

Sanguina, un lápiz de dibujo hecho de tiza y óxido de hierro, fue un medio de dibujo popular en el siglo XV por sus ricas posibilidades de coloración. Fue popular entre Miguel Ángel, Rafael y Andrea del Sarto (1486-1531), y Leonardo da Vinci la utilizó en sus bocetos para La Última Cena : véase también «Perfil con tocado oriental» Miguel Ángel (1522, Ashmolean Museum, Oxford). Otros artistas que utilizaron la sanguina fueron los retratistas Jean Clouet y Hans Holbein, los miembros de la escuela flamenca de Pedro Pablo Rubens y, sobre todo, artistas franceses del siglo XVIII como Watteau, Nicolas Lancret, Jean-Étienne Lyotard, Jacques-André Ponay y François Boucher. El retratista escocés del siglo XVIII Allan Ramsay era un ávido usuario de dibujos preparatorios a la tiza para sus retratos. La sanguina proporcionaba una diferenciación cromática aún mayor cuando se utilizaba en combinación con lápices de colores en blanco y negro sobre papel de color.

Los dibujos a la tiza también se asocian a dibujantes contemporáneos como Edgar Degas, Odilon Redon, Gustave Moreau, Jean-Edouard Vuillard y Pierre Bonnard, así como a pintores expresionistas como Edvard Munch y Ernst Ludwig Kirchner.

Pasteles

Es posible realzar aún más el color con lápices de colores pastel, elaborados con pigmentos en polvo mezclados con una cantidad mínima de aglutinante no graso. Cuando se aplican al papel, los colores tienen siempre un aspecto fresco y brillante, aunque deben protegerse de la dispersión guardándolos bajo cristal. Los colores al pastel pueden aplicarse mediante la técnica del trazo directamente con lápices de colores o con los dedos sobre una sección de papel. El pastel se originó en el norte de Italia en el siglo XVI y fue utilizado por Jacopo Bassano (1515-1592) y Federico Barocci (1526-1612). El dibujo al pastel era conocido en la Accademia degli Incamminati no más tarde del siglo XVII, aunque como forma artística no alcanzó su apogeo hasta el siglo XVIII, especialmente en Francia (con Jean Marc Nattier, Maurice Canten de Latour, Jean-Baptiste Perronneau y Jean Chardin) y en Venecia (con Rosalba Carriera). Los lápices de colores al pastel fueron especialmente apreciados por los retratistas.

Puntos metálicos

La técnica de los puntos metálicos se ha utilizado para escribir y delinear desde la antigüedad, así que hizo falta un poco de imaginación para utilizarla también en el dibujo. Los artistas utilizan una herramienta fina (varilla o estilete) hecha de metal blando puro, como plomo, plata, estaño, cobre y diversas aleaciones de plomo y estaño. El material más utilizado era el plomo blando, que cuando se usa sobre una superficie lisa da una línea gris pálido; no es muy rico en color y se borra fácilmente, por lo que es ideal para bocetos preparatorios.

La preparación del papel era vital para la visibilidad de la línea. En el Renacimiento, una hoja en blanco solía cubrirse con capas de una mezcla líquida de tiza finamente molida, gesso de hueso o cal de plomo, coloreada con pigmento y unida con cola de cuero y gelatina. Y todas las puntas de metal, excepto la punta de plomo, requieren una superficie de trabajo rugosa. Una de las mejores fuentes tempranas sobre el arte de la punta de metal es un libro de bocetos del pintor veneciano del siglo XV Jacopo Bellini (1400-1470), que contiene varios dibujos realizados con puntos de plomo sobre papel tintado. El pintor florentino Botticelli utilizó un punto de plomo para esbozar los contornos de sus famosas ilustraciones para «la Divina Comedia de Dante», que luego repitió a pluma.

Un dibujo permanente se obtiene mejor con punta de plata, ya que una vez aplicada no se puede borrar. Así pues, los dibujos a lápiz de plata requieren una idea más clara de la forma y una mano firme, ya que todas las correcciones permanecen visibles. La tridimensionalidad y la representación de la luz deben representarse mediante sombreados o espacios densos, o complementarse con otros medios. A pesar de estas dificultades, la punta de plata fue muy popular en los siglos XV y XVI. Alberto Durero utilizó la punta de plata para esbozar paisajes, retratos y diversos temas que le llamaron la atención durante un viaje a Holanda. La punta de plata también fue popular entre los retratistas de los siglos XV al XVII. Posteriormente se recuperó en la época del Romanticismo, y a veces sigue siendo utilizada por artistas contemporáneos. Los puntos metálicos siguieron utilizándose en el siglo XVIII, sobre todo en dibujos arquitectónicos

Punto de grafito

A finales del siglo XVI, surgió un nuevo medio de dibujo que sustituyó rápidamente a la pluma metálica para esbozos y dibujos preliminares. Este medio de dibujo, conocido como punta de grafito -o «pizarra española» por su lugar de origen- ganó gran popularidad, aunque debido a su consistencia blanda se utilizaba principalmente para bocetos preparatorios más que para dibujos independientes. La punta de grafito dio origen al lápiz de grafito tras el descubrimiento por Nicolas-Jacques en 1790 de un proceso de fabricación similar al utilizado en la producción de tiza artificial. A partir de entonces, el grafito purificado y lavado podía producirse con casi cualquier grado de dureza. Las puntas duras de los lápices, con sus trazos fuertes, claros y finos, eran especialmente adecuadas para los propósitos de los artistas neoclásicos. Entre los mayores exponentes del dibujo a lápiz se encontraba el pintor académico Jean Dominique Engr, que utilizaba dibujos sistemáticos a lápiz como base para sus pinturas al óleo.

Con el tiempo, surgieron diversas técnicas de dibujo a lápiz. A finales del siglo XIX, artistas como Eugène Delacroix (1798-1863) prefirieron los lápices más suaves para realzar la profundidad y el efecto tridimensional de ciertas zonas del dibujo. Georges Seurat (1859-1891) utilizó el grafito en sus dibujos (por ejemplo, «En un concierto europeo», Museo de Arte Moderno de Nueva York), en los que trasladó su técnica puntillista al dibujo monocromo. Otra técnica innovadora fue el frottage a lápiz (frotar sobre papel que luego se aplica sobre una superficie rugosa), explorada por primera vez por el artista surrealista Max Ernst (1891-1976).

Dibujar con la pluma

De las muchas maneras de transferir tintes líquidos a una superficie plana, dos son especialmente importantes para el dibujo artístico: el pincel y el bolígrafo. Mientras que el pincel es un método más antiguo, que se remonta al arte paleolítico, la pluma ha sido la herramienta favorita para escribir y dibujar desde la Antigüedad clásica.

La funcionalidad de la pluma ha permanecido prácticamente inalterada durante varios milenios. El efecto capilar del plumín bifurcado deposita líquido sobre la superficie del soporte (originalmente pergamino o papiro, y desde finales de la Edad Media casi exclusivamente papel) en cantidades variables según la saturación de la pluma y la presión ejercida por la mano que dibuja. El tipo de pluma más antiguo es la pluma de caña . Tallada en papiro, bambú o juncia, utiliza su interior hueco como depósito de fluido. Su trazo suele ser potente, duro y, a veces, bífido como resultado de una fuerte presión sobre la punta bifurcada. Rembrandt fue un destacado maestro de los acentos fuertes y plásticos de la pluma de caña, que solía complementar con otras plumas o pinceles. Durante el siglo XIX, empezando por el pintor holandés Vincent van Gogh, varios artistas, entre ellos el dadaísta y satírico expresionista alemán Georg Grosz (1893-1959), crearon dibujos con pluma de caña en estilo expresionista. Véase también: Arte ilustrativo .

La pluma ofrece un amplio abanico de posibilidades artísticas. Desde finales de la Edad Media, la pluma ha sido la herramienta más común para aplicar tintes líquidos a la superficie de un dibujo. La punta elástica de la pluma, presionada con fuerza variable, permite una gama relativamente amplia de trazos individuales: desde líneas suaves y finas, como las utilizadas en los bocetos preparatorios para las ilustraciones de los libros iluminados, hasta líneas vigorosas y anchas. En el siglo XX, las plumas fueron sustituidas por plumas de metal, que hoy en día son de acero inoxidable y de distintas resistencias.

Tinta La tinta es la forma más común de colorante líquido utilizado en el dibujo. La tinta de hiel era popular en los scriptoria monásticos de la época medieval manuscritos iluminados . Otra tinta que se hizo popular fue bistre, un pigmento transparente fácilmente soluble de color marrón claro a marrón oscuro, derivado del hollín utilizado para recubrir las pipas de quemar madera. La tonalidad de su color depende de la concentración y del tipo de madera de la que se obtiene. Las maderas duras (como el roble) dan un tono más oscuro que las coníferas, como el pino. Durante el Barroco, cuando el arte se orientaba hacia la pintura, el tono cálido, que podía refinarse a voluntad, hizo del bistre un medio popular para el dibujo a pluma.

También La tinta china, se obtiene del hollín de maderas excepcionalmente duras, como el olivo o la vid, o del negro grasiento de una llama de aceite, con la adición de goma arábiga como aglutinante. Este líquido negro y espeso conserva su color oscuro durante mucho tiempo y puede diluirse con agua hasta adquirir un color gris claro. Prensada en barritas o barras, se vendía con el nombre de «tinta china» o «tinta china». Los dibujantes alemanes y holandeses preferían esta tinta por su intenso color, que la hacía especialmente adecuada para el papel tintado. A partir del siglo XIX, la tinta china se convirtió en el tipo de tinta más popular para dibujar a pluma, desbancando a todas las demás alternativas en el dibujo técnico.

Otros líquidos de dibujo eran la sepia, hecha de pigmento de sepia, la espuma de mar (plomo rojo), que se utilizaba sobre todo para decorar las iniciales de las letras, así como para la ilustración a pluma.

Junto con los textos manuscritos escritos, los dibujos a pluma figuran entre los documentos artísticos más antiguos. Los textos clásicos se ilustraban con contornos marcados y escasos detalles; los dibujos marginales medievales y las ilustraciones de libros solían estar previamente esbozados, si no acabados, a pluma.

En la pintura de libros, surgieron estilos en los que también se utilizaban pinceladas a la manera del dibujo a pluma: la Escuela de Reims del arte carolingio, por ejemplo, marcada por la creación del Salterio de Utrecht del siglo IX, y en el sur de Alemania, donde un género ilustrativo distinto que utilizaba dibujos lineales estaba estrechamente asociado con la Biblia Pauperum, biblias baratas con libros ilustrados utilizadas para instruir a un gran número de personas en la fe cristiana. El dibujo fino de contornos también es característico de los primeros dibujos autónomos del Renacimiento temprano .

El dibujo a pluma alcanzó su apogeo en el siglo XVI. Leonardo destaca por el trazo especialmente preciso de sus dibujos científicos; Rafael realiza esbozos más regulares y gráciles, mientras que Miguel Ángel dibuja con trazos cortos que recuerdan al trabajo del cincel; Tiziano utiliza complejos sombreados para indicar claros y oscuros, y entre los artistas del Renacimiento septentrional Durero domina todas las posibilidades del dibujo a pluma, desde un enfoque puramente gráfico y abocetado hasta técnicas de modelado espacial y plástico.

En el siglo XVII, el dibujo a pluma se hizo menos popular que otras técnicas combinadas como la aguada (pinceladas o salpicaduras de color). Un estilo de dibujo abierto que sólo insinuaba los contornos, combinado con trazos finos y fuertes en contraste, dotaba a la propia línea de cualidades expresivas. En sus dibujos en particular, Rembrandt alcanzó un dominio completo del dibujo a tinta y aguada, demostrando sutiles efectos tridimensionales mediante el uso de diferentes capas de trazos derivados de la combinación de diferentes plumas y pinceles.

El método de dibujo de trazo fino de principios del Renacimiento recobró popularidad durante el arte neoclásico y el Romanticismo de finales del siglo XVIII y principios del XIX. Tanto los nazarenos como los románticos, por ejemplo, lograron excepcionales efectos plásticos tridimensionales por medios puramente gráficos.

Siguió otra fase de orientación más pictórica, que culminó en la obra de artistas de finales del siglo XIX como Aubrey Beardsley (1872-1898), que aplicó el contraste directo de planos en blanco y negro, mientras que en el siglo XX los maestros franceses Henri Matisse (1869-1954) y Picasso redujeron el tema a una simple línea sin profundidad ni otra ilusión espacial. Muchos ilustradores y dibujantes se decantaron por el trazo nítido de la pluma. Otros innovadores del dibujo a pluma en el siglo XX son el artista orientalista estadounidense Mark Tobey (1890-1976), conocido por su estilo caligráfico «de letras blancas". El artista alemán Wols (Alfred Otto Wolfgang Schulze) (1913-1951), conocido por sus delicados sismogramas gráficos; y Agnes Martin (1912-2004), conocida por sus delicadas cuadrículas minimalistas dibujadas a mano.

Dibujar con pincel

El pincel es ideal para aplicar pigmentos sobre superficies planas, pero desde la prehistoria también se ha utilizado para dibujar. Además de las ya mencionadas tintas de dibujo utilizadas con el pincel y la pluma, los dibujos a pincel también se creaban utilizando combinaciones de líquidos. Una de las técnicas artísticas más utilizadas desde el arte griego clásico hasta el barroco fue la Sinopia, un boceto preliminar habitual en la pintura monumental. Ejecutado con pincel, tiene todas las características de un dibujo preparatorio.

En general, sin embargo, pocos dibujos se ejecutaban exclusivamente con pincel, aunque éste desempeñaba un papel importante en los paisajes, en los que, mediante tonalidades de intensidad variable, daba toda una gama de profundidad espacial y fuerza de iluminación. Los venecianos Vittore Carpaccio (c. 1465-1525/6) y Palma il Giovane (1544-1628), así como Parmigianino (1503-1540), el gran pionero del manierismo, fueron conocidos exponentes de esta técnica. Algunos pintores de género holandeses, como Adrian Brouwer (1605-1638), Adrian van Ostade (1610-1684) y Jan Sten (1625-1679), utilizaron el pincel para realizar una serie de dibujos al estilo de la acuarela. En el siglo XVIII, los dibujos a pincel de Fragonard (1732-1806) y el español Francisco Goya (1746-1728) llevaron este arte a nuevas cotas, y en Inglaterra artistas como Alexander Cozens (1717-1786), John Constable (1776-1837) y William Turner (1775-1851) utilizaron el pincel para crear paisajes.

La combinación de pluma y pincel

Una combinación popular es la de pluma y pincel, en la que la pluma perfila los contornos marcando el tema y el pincel proporciona valores espaciales y de color. La aplicación combinada más sencilla de este método era la iluminación de manuscritos, donde las figuras se dibujaban con la pluma y se rellenaban debidamente con color utilizando el pincel. Otros ejemplos de combinación de pincel y pluma son la aplicación de pigmento blanco a dibujos sobre papel tintado, la mejora de la iluminación (imágenes de cómo incide la luz sobre los objetos) y, por supuesto, el enrojecimiento . El método de dibujo combinado de pluma y pincel fue especialmente popular entre los dibujantes de Alemania y los Países Bajos, sobre todo entre Durero y la Escuela del Danubio del sur de Alemania.

Ayudas para el dibujo

Las ayudas mecánicas suelen ser mucho menos importantes para el dibujo artístico que para otras artes. Entre los utilizados están la regla, el triángulo y el compás, especialmente en las obras constructivistas y perspectivistas de principios y del Alto Renacimiento . El marco de celosía se utilizaba para ayudar a crear una perspectiva correcta, y los espejos con superficies convexas reductoras o lentes cóncavas también se usaban (especialmente en los siglos XVII y XVIII) como ayudas para el dibujo, al igual que la cámara oscura . (Véase Glosario de fotografía artística) El zoom puede ampliarse o reducirse con una herramienta de trazado conocida como pantógrafo . Se pueden realizar tareas más especializadas con compases elípticos, reglas curvas y plantillas .

Tipos de dibujo

La mayor parte de los dibujos artísticos del mundo occidental se refieren a la figura humana.

Retratos
Los dibujos de retratos suelen incluir un perfil puro y un perfil de tres cuartos. Algunos ejemplos son los retratos del siglo XV de Pisanello o Jan van Eyck, y el dibujo de Durero del emperador Maximiliano. Las obras de Jean y François Clouet en Francia y Hans Holbein el Joven en Suiza, y más tarde en Inglaterra, dieron al dibujo de retrato una independencia distintiva, especialmente cuando se ejecutaba con tiza de diferentes colores. En el siglo XVIII, Quentin de LaTour, François Boucher y Jean-Baptiste Chardin fueron destacados exponentes del retrato a la tiza. Los retratistas de finales del siglo XIX y del XX, más atraídos por los aspectos psicológicos del retrato, preferían tizas más suaves que reflejaran más fácilmente sus impulsos artísticos. Leon Bakst, el famoso escenógrafo y diseñador de vestuario de Diaghilev y el Ballet Ruso, fue otro excelente dibujante.

Paisajes
En el siglo XV, el paisaje también se había convertido en un tema aceptable para un dibujo independiente, como demuestran los cuadernos de bocetos del siglo XV de Jacopo Bellini. Sin embargo, no fue hasta la aparición de Durero, a finales de siglo, cuando el paisaje pasó a ser plenamente honrado como tema por derecho propio, sin referencia a otras obras. Sus dibujos de dos viajes italianos, la región de Núremberg y un viaje a los Países Bajos representan los primeros dibujos puramente paisajísticos. Tuvieron que pasar siglos para que reaparecieran dibujos «puramente paisajísticos».

También aparecieron elementos de paisaje en los dibujos e ilustraciones alemanes y holandeses del siglo XVI, especialmente en la obra de representantes de la Escuela del Danubio, como Albrecht Altdorfer y Wolf Huber. El pintor renacentista holandés Pieter Bruegel el Viejo también pintó vistas topográficas, así como composiciones libres de paisajes, en ambos casos como obras independientes.

En el siglo XVII, los dibujos de paisajes de la Accademia degli Incamminati (por ejemplo, los dibujos de Domenichino) mezclaban temas clásicos y mitológicos con paisajes heroicos. Además, los clasicistas franceses Claude Lorrain y Nicolas Poussin, que vivieron en Roma, también produjeron dibujos de paisajes arcádicos idealizados. En la Italia del siglo XVIII, el dibujo de paisajes topográficamente precisos alcanzó su apogeo con la aparición de los veduttisti, «pintores visionarios», como los venecianos Canaletto (1697-1768) y Bernardo Bellotto (1720-1780), y el romano Giambattista Piranesi (1720-1778). Los dibujos de paisajes alcanzaron un segundo florecimiento en Inglaterra a principios del siglo XIX con la obra de William Turner y Alexander Cozens, mientras que en Francia la tradición fue ejemplificada por Camille Corot y, más tarde, Van Gogh .

Obras de género figurativas
Al tener mucha menos importancia para el dibujo autónomo que el retrato y el paisaje, los dibujos de figuras suelen estar estrechamente relacionados con lo que ocurría con la pintura en su conjunto. Así, por ejemplo, los dibujos de escenas de género fueron relativamente comunes en la escuela realista holandesa del siglo XVII, en la Francia e Inglaterra del siglo XVIII y en la Francia del siglo XIX (Honoré Dumier).

Naturalezas muertas
Los dibujos de naturalezas muertas, especialmente las representaciones de flores, como las del pintor de Amsterdam Jan van Huysum (1682-1749), fueron populares desde el siglo XVII. En algunas de estas obras la semejanza con la pintura es muy estrecha; tomemos, por ejemplo, los pasteles del pintor francés del siglo XIX Odilon Redon (1840-1916) o las obras del expresionista alemán del siglo XX Emil Nolde (1867-1956), que cruzan la frontera entre el dibujo y la pintura.

Dibujos fantásticos
Los dibujos que representan temas imaginarios, surrealistas o visionarios, como las composiciones fantásticas de Hieronymus Bosch, son populares desde hace mucho tiempo. Recordemos los grotescos de Rafael en el siglo XVI, las escenas alegóricas de campesinos de Pieter Bruegel y los aguafuertes carnavalescos del artista francés del siglo XVII Jacques Callot. Otros artistas cuyos dibujos no están relacionados con el paisaje y el retrato son el grabador italiano del siglo XVIII Giambattista Piranesi, el pintor anglo-suizo Henry Fuseli (1841-1925), el ilustrador inglés del siglo XIX Walter Crane (1845-1915), el influyente pintor simbolista francés Gustave Moreau (1826-1898) y los surrealistas del siglo XX.

Ilustraciones
Un dibujo ilustrativo puede no ir más allá de una mera explicación pictórica de un texto, pero aun así puede cumplir las más altas exigencias artísticas. Grandes artistas han ilustrado una y otra vez textos bíblicos, así como literatura de todo tipo. Ejemplos famosos son los dibujos ilustrativos de Botticelli para «la Divina Comedia de Dante» y las ilustraciones marginales de Durero para el libro de oraciones del emperador Maximiliano. Algunos artistas tuvieron más éxito como ilustradores que como dibujantes independientes. Entre ellos se encuentran el grabador alemán del siglo XVIII Daniel Nicolas Chodowiecki (1726-1801), el caricaturista del siglo XIX Honoré Daumier (1808-1879), el artista gráfico del siglo XIX Wilhelm Busch (1832-1908), más conocido por sus cuentos de hadas rimados («Max y Moritz»), y el artista e ilustrador austriaco Alfred Kubin (1877-1959) .

Caricaturas y lo grotesco
Relacionado con el dibujo ilustrativo está el arte de la caricatura, que, exagerando los rasgos visuales de una persona o situación, crea una imagen poderosamente sugestiva. Ejemplos de este tipo de dibujo figurativo son luminarias como Annibale Carracci (1560-1609), que introdujo por primera vez la palabra «caricatura», Leonardo da Vinci, Durero y el pintor barroco Bernini, así como comentaristas sociales como el pintor italiano del siglo XVIII Pier Leone Gezzi (1674-1755), el pintor inglés del siglo XVIII William Hogarth (1697-1764), el caricaturista inglés Thomas Rowlandson (1756-1827), que trabajó principalmente con tinta y acuarela, el francés del siglo XIX Jean-Ignace-Isidore Gerard, conocido como Granville (1803-1847), y quizás el mayor caricaturista de todos, Honoré Daumier .

Tipos de suelo

Se puede dibujar sobre casi cualquier cosa que tenga una superficie plana -plana o no-, incluidos el papiro y el pergamino, la tela, la piel de animal, la madera, los metales y el vidrio. Sin embargo, a partir de mediados del siglo XV el papel se convirtió en el soporte más común y popular.

El método de fabricación del papel ha cambiado poco en los últimos 2.000 años. Los restos fibrosos de corteza de morera, líber, cáñamo y trapos de lino se prensan y secan en moldes planos. La introducción de la pasta de madera a mediados del siglo XIX no tenía como objetivo la producción de papel artístico, ya que el papel con un alto contenido de madera amarillea rápidamente y, por lo tanto, es poco adecuado para el dibujo.

Originalmente, para dar al papel una superficie suficientemente lisa y uniforme para escribir o dibujar, se frotaba con harina de huesos o tiza de yeso en una solución muy fina de cola y arábiga. Pero desde finales del siglo XV se conseguía el mismo efecto sumergiendo el papel en un baño de cola o alumbre.

También se añadían pigmentos y tintes a la pasta, y el papel veneciano azul «era especialmente popular». En el siglo XVII, se preferían los medios tonos de azul -o las variedades gris, marrón y verde-; en el siglo XVIII, junto al azul, se preferían los colores cálidos, como el beige o el marfil. Desde el siglo XVIII, el papel de dibujo se fabrica en casi todos los colores y tonos imaginables, y su calidad también ha aumentado considerablemente.

Los medios de dibujo granulados y más suaves, como la tiza, el carboncillo y el grafito, no dependen tanto de un tipo concreto de papel (como, por ejemplo, la acuarela, el pastel o la pluma y la tinta); pero, debido a su escasa adhesividad, suelen requerir una unión más fuerte con el sustrato, así como cierta protección de la superficie.

Breve historia del dibujo

El dibujo se originó en cuevas y abrigos rocosos durante la Edad de Piedra, cuando se utilizaban piedras afiladas para crear grabados prehistóricos y carbón vegetal para crear obras como el dibujo al carbón de Navarla Gabarnmanga (26.000 a.C.). En el arte occidental, la historia del dibujo como documento artístico por derecho propio, y no como simple esbozo preliminar de otra cosa, comenzó a finales del siglo XIV. No es sorprendente que los mejores dibujantes fueran también destacados pintores, ilustradores, artistas gráficos o grabadores, de modo que los centros del dibujo y los periodos de mayor actividad solían coincidir con los centros y las épocas de otros tipos de bellas artes .

En los dibujos al norte de los Alpes, los primeros dibujantes más destacados son el desconocido maestro alemán del libro de casa de finales del siglo XV (llamado así por una serie de dibujos contenidos en un libro de casa descubierto en el castillo de Wolfegg) y su contemporáneo Martin Schongauer (1430-1491). Durero ejemplificó la precisión creativa y el dibujo metódico característicos del Renacimiento alemán . Dibujante infatigable, dominó todas las técnicas y dejó una huella indeleble y de gran alcance. Los dibujos de paisajes de Durero, así como los de Altdorfer y Huber, muestran un notable sentido de la naturaleza que podría calificarse de romántico. Los dibujos de retratos humanistas de Hans Holbein el Joven también influyeron notablemente en sus contemporáneos, al igual que la linealidad más estricta de los retratos de los franceses Jean (1485-1540) y François (1510-1572) Clouet, padre e hijo.

Mientras tanto, al sur de los Alpes, el dibujo vivía una fase aún más revolucionaria dentro del Renacimiento italiano.

Cómo influyó el Renacimiento italiano en el dibujo

Hasta el siglo XIV, el dibujo rara vez era apreciado como una forma de arte por derecho propio . En cambio, sólo se consideraba un proyecto preliminar para una pintura o una escultura. El pintor italiano Cennini (c. 1369-1440) le concedió cierto respeto, calificándolo de puerta de acceso a la pintura de éxito, pero no fue hasta el Renacimiento italiano y la aparición de artistas como Leonardo da Vinci y Miguel Ángel un siglo más tarde (junto con la mayor disponibilidad de papel) cuando se convirtió en una forma de arte por derecho propio. Para más detalles, véase: Los mejores dibujos del Renacimiento .

El Renacimiento italiano fue testigo de un importante desarrollo del dominio de la perspectiva tanto en el dibujo como en la pintura.

Todo arte naturalista con cualquier tipo de objeto de fondo necesita profundidad. Es decir, el fondo debe parecer distante en relación con el primer plano. El término perspectiva lineal se refiere a la creación de profundidad de manera que los fondos en un dibujo plano parezcan más distantes. El control «del punto de fuga», la convergencia de las líneas desde el punto de vista del artista, es crucial. Entre los dibujantes italianos del Renacimiento que introdujeron por primera vez las reglas de la perspectiva lineal figuran Andrea Mantegna (1431-1506), Piero della Francesca (1420-1492), en su cuadro «El desprendimiento de Cristo» (c. 1470), Rafael (1483-1520) en su obra La Escuela de Atenas (c. 1509).

Artistas del primer Renacimiento (c. 1400-90)

El Renacimiento italiano del siglo XV fue testigo de una gran experimentación con diferentes soportes y bases. He aquí una breve lista de dibujantes italianos y sus dibujos.

Fra Angelico utilizó pluma y tinta para difuminar "El profeta David tocando el salterio" (1430), actualmente en el British Museum, Londres; Antonio Pisanello utilizó pluma y tinta para su acuarela "Jabalí" (1434, Louvre); Jacopo Bellini utilizó lápiz de plomo para "Visión de San Eustaquio" (1445, British Museum, Londres); Fra Filippo Lippi utilizó punta de metal y aguada marrón sobre tiza negra realzada con blanco sobre papel preparado de color salmón para "Santa Mujer de pie" (ca. 1440, British Museum); Benozzo Gozzoli utilizó punta blanca y aguada marrón sobre punta metálica sobre papel ocre para su «Cabeza de monje» (1447, Musée de Condé, Chantilly); Andrea Mantegna utilizó pluma y tinta sobre trazos de tiza negra para crear «Hombre recostado sobre una losa de piedra» (década de 1470, British Museum); Andrea del Verrocchio utilizó pluma y tinta para crear Cinco imágenes de niños (1470s, Louvre); Sandro Botticelli utilizó pluma y tinta y una tenue aguada marrón sobre tiza negra en papel teñido de rosa, realzado con blanco, para crear "Abundancia" u "Otoño" (década de 1480, British Museum). Véase también Renacimiento en Florencia .

Artistas del Alto Renacimiento (c. 1490-1530)

Luca Signorelli utilizó lápices de colores negro, rojo y blanco, trozos de tiza negra y tinta marrón para su Estudio de «El Usurero en el Anticristo de Orvieto» (1500, Louvre); Leonardo da Vinci utilizó un pincel con témpera gris y realce blanco, marcas de pincel y tinta negra sobre lino para crear Etude to Drapery Etude for a Seated Figure (1470s, Louvre); utilizó pluma y tinta sobre marcas de lápiz y punta de plomo para crear «Adoración de los Reyes Magos» (1481), y lápices de colores negro, rojo y ocre con realce blanco para «Retrato de Isabel de Este» (1499); Miguel Ángel utilizó tiza roja para sus dibujos «Estudio del torso de Amán» (1511, British Museum), «Estudio de Adán» (c. 1511, British Museum); y tiza negra con trazos de blanco sobre lápiz para sus dibujos «Ignudo» (c. 1511.) y sobre pluma y tinta para la creación de El Profeta David tocando los Salmos (1430, British Museum); Rafael utilizó tiza roja para "Estudios para la Virgen de Alba" (1509), tiza negra para "Estudios para el Retablo de Nicolás de Tolentino" (1500) y punta de metal para "Cabeza de la Virgen con el Niño" (1504). Véase también: Renacimiento en Roma .

Siglo XVI

El dibujo del Renacimiento tardío del periodo manierista (c. 1520-1600) quedó ejemplificado por las obras de Jacopo Pontormo (1494-1556) en Florencia, Parmigianino (1503-1540) en el norte de Italia, y Tintoretto (1518-1594) en Venecia, todos los cuales utilizaron la punta de metal y la pluma como principal medio de expresión. Sus dibujos estaban estrechamente relacionados con su pintura, tanto en el contenido como en el método gráfico de contornos sensibles y ángulos atrevidos .

Siglo XVI / XVII

Un importante centro artístico de finales del siglo XVI fue Bolonia, donde Annibale Carracci, junto con su hermano Agostino Carracci y su primo Ludovico Carracci, fundó la «Accademia degli Desiderosi» (más tarde rebautizada como «Accademia degli Incamminati»), que se convirtió en el núcleo de la escuela boloñesa de pintura (c. 1590-1630). 1590-1630). La Academia Carracci defendía un estilo de arte clásico en el que se concedía gran importancia al dibujo cuidadoso y sólido. Véase: Clasicismo y naturalismo en la pintura italiana.

Siglo XVII

A principios del siglo XVII, Jacques Callot (1592-1635) adquirió relevancia en el arte francés, sobre todo por sus ilustraciones gráficas de la Guerra de los Treinta Años. En la Amberes flamenca , Pedro Pablo Rubens (1577-1640) realizó muchos de los estudios y bocetos que forman parte integrante de su obra. Para difundir sus temas pictóricos mantuvo su propia escuela de dibujantes y grabadores, entre cuyos alumnos se encontraban Jacob Jordaens y Antonis Van Dyck. El pintor holandés Hercules Segers (1590-1633) se distinguió por su gran ingenio en la interpretación de los motivos del Antiguo Testamento y su amplio dominio de todas las técnicas del dibujo.

La mayoría de los pintores de la edad de oro de la Holanda del siglo XVII, entre ellos Brouwer, Van Ostade, Pieter Saenredam (1597-1665), Paulus Potter (1625-54) y el incomparable Rembrandt (1606-1669), eran también ávidos dibujantes que plasmaban sus ideas temáticas en dibujos en gran parte completos. En la Italia del siglo XVII, el dibujo se integró plenamente en los planes de estudio de las academias de bellas artes, sobre todo en Bolonia, Florencia y Roma. También fue significativo el desarrollo del dibujo de paisajes iniciado por los hermanos Carracci, Domenichino y Salvator Rosa (1615-1673). El pintor francés de Roma, Claude Lorrain, fue más allá y prácticamente creó su propio género de pintura italiana de paisaje al aire libre. El clasicista francés Nicolas Poussin, los artistas holandeses Jan Asselin (1610-1652), Claes Berchem (1620-1683) y Karel Dujardin (1622-1678), entre otros, también se dedicaron a la pintura plein air.

Siglo XVIII

En Francia Jean-Antoine Watteau, como muchos otros, hacía dibujos para «mantener el pulso» de su pintura: la mayoría de las figuras de sus cuadros se basaban en dibujos anteriores. Más vigorosos fueron los pintores del siglo XVIII François Boucher, Jean-Honoré Fragonard, Hubert Robert y Gabriel de Saint-Aubin, cuyos dibujos abarcaban paisajes, estudios figurativos y obras de género.

En la Venecia del siglo XVIII, a los excepcionales dibujos arquitectónicos de Canaletto siguió una serie de coloridos dibujos a pluma y pincel de Giambattista Tiepolo (1692-1770) y su familia. A continuación, el arquitecto Giambattista Piranesi produjo sus impactantes dibujos de interiores de edificios y espeluznantes bóvedas («Carceri»). A finales del siglo XVIII, el pintor español Goya produjo sus innovadores dibujos de pincel y sanguina, que combinaban los efectos luminosos de los dibujos de Tiépolo con el dramatismo claroscurista del estilo de Rembrandt .

Siglo XIX

A principios del siglo XIX surgió un estilo de dibujo que volvía a hacer hincapié en el elemento lineal. Uno de sus grandes maestros fue el pintor académico Jean-Dominique Engr (1780-1867). Los nazarenos alemanes, así como románticos como Philipp Otto Runge (1777-1810) y Caspar David Friedrich (1774-1840), sólo fueron algo menos rigurosos en el uso del punto duro. Otros dibujantes lineales fueron el prerrafaelista inglés John Millais (1829-1896), el realista estadounidense Thomas Eakins (1844-1916) y maestros parisinos como Picasso, Matisse y Modigliani. Mientras tanto, los dibujos de Daumier utilizaban efectos pictóricos de claroscuro para hacer fuertes declaraciones de crítica social.

De hecho, Francia en general, y París en particular, siguieron siendo el centro principal del arte del dibujo, ejemplificado por las extraordinarias obras inventivas de Degas (1834-1917), Toulouse-Lautrec (1864-1901), Van Gogh (1853-90) y Cézanne (1839-1906). El lenguaje del Art Nouveau, con sus líneas sinuosas y curvas no geométricas, quedó ejemplificado en los dibujos de Aubrey Beardsley .

Siglo XX

Los artistas expresionistas alemanes desarrollaron estilos de dibujo especialmente enfáticos, con una fuerte delineación y formas exageradas. Ejemplos notables son las obras de Ernst Barlach (1870-1938), Kate Kohlwitz (1867-1945), Alfred Kubin, Ernest Ludwig Kirchner (1880-1938), Karl Schmidt-Rottluff (1884-1976), Max Beckmann (1884-1950), Oskar Kokoschka (1886-1980) y Georg Grosz. Otras obras de dibujo notables son las composiciones abstractas de Wassily Kandinsky (1866-1944), los sublimes dibujos a pluma y tinta de Paul Klee (1879-1940) y las atrevidas obras figurativas del virtuoso austriaco Egon Schiele (1890-1918), así como de su colega contemporáneo Lucien Freud (n. 1922). 1922).

El dibujo fue especialmente importante en la obra de artistas de la Escuela de París, como Pierre Soulages (n.1919) y Hans Hartung (1904-89). Por supuesto, el dibujante más prolífico de la Escuela de París fue Pablo Picasso, un artista que sabía exactamente cómo utilizar sus diversas posibilidades técnicas. Podría decirse que es el mejor dibujante del siglo XX y uno de los mejores de la historia del arte .