Dibujo: tipos, historia del arte gráfico Traductor traducir

Introducción y características

Definición
En las bellas artes, el término "dibujo" puede definirse como la realización lineal de objetos visuales, conceptos, emociones y fantasías, incluidos símbolos e incluso formas abstractas. El dibujo es un arte Grafico que se caracteriza por un énfasis en la forma o la forma, en lugar de la masa y el color como en pintura . El dibujo es bastante diferente de los procesos de impresión gráfica, porque aunque un dibujo puede formar la base para la replicación, es, por su propia naturaleza, único.

La base de otras formas de arte
La mayoría del dibujo depende de otros tipos de arte . Por lo tanto, aunque no todas las pinturas, mosaicos, tapices u otras obras de arte han sido precedidas por un dibujo en forma de boceto preliminar , el dibujo es en realidad la base de todas las artes visuales. Por ejemplo, un dibujo arquitectónico es la base para toda la construcción de edificios; las marcas dibujadas en un bloque de piedra en bruto son la base de la escultura que emerge; inicialmente, la mayoría de las pinturas surgen de bocetos preliminares; solo a medida que avanzan las obras se consolidan en superficies coloreadas. Además, un número creciente de investigaciones demuestran que los dibujos forman la base material de pinturas murales, paneles y libros, estatuas, grabados, grabados, mosaicos, vidrieras y muchas otras formas de arte decorativa . Dichos bocetos preparatorios pueden limitarse a pautas generales o pueden regular todo el trabajo hasta el más mínimo detalle.

El dibujo también es una forma de arte independiente
Además, como un independiente independiente Art º forma, el dibujo ofrece el alcance más amplio posible para la expresión creativa. Los cuerpos, el espacio, la profundidad, la tridimensionalidad e incluso el movimiento pueden hacerse visibles a través del dibujo. Además, el dibujo expresa espontáneamente la personalidad del dibujante en el flujo de la línea, convirtiéndola en una de las declaraciones artísticas más personales.

Medios de dibujo
Los dibujos se pueden realizar utilizando una amplia variedad de instrumentos de dibujo , que incluyen pluma y tinta, carbón, tizas, pasteles, punta de metal, punta de plata, punto de grafito, lápices de colores, así como graver, buril o aguja de grabado para tipos de dibujo incisos. Otras alternativas son cera o conte lápices de color , marcadores, barras de grafito y varios tipos de plumas entintadas. El soporte más habitual (el material sobre el que se dibuja la imagen) es obviamente papel, pero otras opciones incluyen cartulina, cartón, papiro, cartón, lienzo, cuero, vitela (piel de becerro), textiles, incluso plástico o metal. Los dibujos en técnica mixta son aquellos ejecutados usando una combinación de estos materiales.

Dibujo versus pintura
La línea entre el dibujo y la pintura siempre ha sido ligeramente borrosa. Por ejemplo, el arte chino, realizado con un pincel sobre seda o papel, está tan cerca del dibujo como de la pintura artística (p. Ej. Caligrafía ) Algunos manuscritos iluminados de la Edad Media, como el Salterio de Utrecht , tienen dibujos con pluma y tinta de tal libertad de línea que se parecen a los dibujos animados modernos y cumplen efectivamente la misma función que las pinturas. Aun así, el dibujo como una forma de arte independiente no surgió hasta que Arte renacentista del quattrocento (siglo 15). Hasta entonces, dibujando ( disegno ) fue visto como inferior a la pintura ( colorito ) Ver también: Evaluación de arte: cómo apreciar el arte .

Expertos en dibujo
La palabra dibujante (o dibujante ) es el término habitual para un artista que practica el dibujo. Ejemplos de dibujo supremo, especialmente dibujo figurativo , incluye obras de Viejos maestros como Leonardo Da Vinci, Miguel Ángel, Albrecht Durer, Peter Paul Rubens, Rembrandt, Jacques Louis David y otros pintores famosos tales como: Honore Daumier, Edgar Degas, Egon Schiele, Max Beckmann, David Hockney y Lucian Freud, por nombrar solo algunos.

Categorías de dibujo
En términos generales, el dibujo abarca 3 categorías básicas: dibujo casual , (garabatos, dibujar ) : esto denota composiciones inacabadas y generalmente sin refinar. Estos dibujos no tienen una función continua. Dibujo preparatorio : denota la creación de una imagen específica o una serie de imágenes, formando la totalidad o parte de una composición que el artista intenta completar agregando color de pigmento (pinturas, tintas de colores, etc.). Dibujo terminado : esto denota un trabajo autónomo independiente completo, como una ilustración, una caricatura, una caricatura o un diseño gráfico.

Materia
Los dibujantes han incorporado todo tipo de imágenes en sus composiciones, incluidas las representaciones de humanos y animales en todos los géneros, como imágenes de historia narrativa, retratos, caricaturas y escenas de género, así como paisajes o composiciones de bodegones. Algunos dibujantes se especializan en reproducciones precisas de edificios existentes o propuestos (dibujo arquitectónico), barcos (dibujo marino), flores (ilustración botánica) o caballos (dibujo ecuestre) o animales, así como composiciones abstractas del cubista a composiciones tipográficas o caligráficas.

Métodos de dibujo

Se puede utilizar una enorme cantidad de herramientas e implementos para dibujar, incluidos lápices de pizarra, lápices metálicos, carbón y tizas, así como bolígrafos, lápices y pinceles tradicionales, plumas estilográficas, bolígrafos y lápices de fieltro; de hecho, incluso los cinceles y los diamantes se usan para dibujar. Ver también El automatismo en el arte por su dibujo automático.

Carbón

Se han utilizado piezas de madera parcialmente consumidas desde la era de Arte prehistórico , cuando artistas paleolíticos produjeron lo asombroso pintura rupestre se encuentran en Chauvet, Lascaux y Altamira. La tradición fue mantenida por los Viejos Maestros, cuya preparación dibujos al carboncillo para murales, paneles e incluso pintura en miniatura todavía se puede ver ocasionalmente debajo del pigmento. Dibujar carbón típicamente da un trazo poroso y no muy adhesivo. Un lápiz de carbón puntiagudo puede producir líneas excepcionalmente delgadas; Si se usa de costado en la superficie, crea planos uniformemente tonificados. Frotar y difuminar la línea de carbón produce sombras intermedias atenuadas y transiciones delicadas. Debido a su ligera adhesividad, el carbón es ideal para el bosquejo correctivo, pero si se va a preservar el dibujo, debe protegerse con un fijador.

Como medio para bocetos rápidos de modelos de vida, el carbón vegetal se usaba mucho en academias y talleres de arte. Las posturas difíciles, como la que Tintoretto exigió a sus modelos, podrían capturarse rápida y fácilmente con el lápiz de carbón adaptable. (Para más información sobre los dibujos de Tintoretto, ver: Dibujo veneciano 1500-1600.) El carbón también se usó ampliamente en bocetos preparatorios para retratos. En su dibujo al carbón Retrato de una dama , el pintor francés Edouard Manet (1832-83) logró capturar el grano de la madera en la silla, el pelaje del vestido, la compacidad del peinado y la suavidad de la carne.. El pintor holandés del siglo XVII Paulus Potter (1625-54) fue otro gran exponente, al igual que los grandes dibujantes de la era moderna, como Toulouse-Lautrec (1864-1901), Edgar Degas (1834-1917), Kathe Kollwitz (1867-1945) y Ernst Barlach (1870-1938).

Con el carbón engrasado , es decir, los lápices de carbón sumergidos en aceite de linaza, los artistas obtuvieron una mejor adhesión y un negro más profundo. Utilizado en el siglo 16 por Tintoretto , esta técnica fue particularmente popular con Artistas realistas holandeses del siglo 17, con el fin de establecer acentos de color negro oscuro. Sin embargo, a cambio de una mejor adhesión en las hendiduras del papel, la corrección se vuelve más difícil. Además, los crayones de carbón que se han sumergido profundamente en aceite dejan una veta parduzca junto a las líneas.

Tizas

Las tizas son un medio de dibujo igualmente importante. Donde el carbón vegetal es principalmente un medio para el dibujo rápido corregible, el dibujo de tiza puede lograr esto y más. Desde principios del siglo XVI, la tiza de piedra , como se encuentra en la naturaleza, se ha vuelto cada vez más popular en el dibujo artístico. Como material natural, la tiza de alúmina tiene varios grados de dureza, por lo que el trazo varía de ligeramente granular a homogéneamente denso y liso. La búsqueda de una calidad uniforme ha llevado a la producción de tizas especiales para dibujar; es decir, las tizas, que, después de ser pulverizadas, lavadas y formadas en palos convenientes, permiten un golpe más suave y regular y también están libres de partículas arenosas. La adición de pigmentos crea varios tonos de un negro rico a un gris parduzco; En comparación con la tiza negra muy utilizada, la variedad marrón es de poca importancia. La tiza blanca, que también se encuentra en la naturaleza, casi nunca se usa como medio independiente para dibujar, aunque a menudo se usa en combinación con otros medios para lograr acentos individuales de luz reflejada.

A partir del siglo XV, la tiza se ha empleado cada vez más para estudios y bocetos. Su idoneidad para dibujar líneas precisas de un ancho dado y para crear matices finamente sombreados lo hace especialmente apropiado para estudios de modelado. Debido a estos atributos, la tiza es un medio particularmente bueno para dibujos autónomos, y apenas hay un dibujante que no haya trabajado con tiza, a menudo en combinación con otros medios. Además de los dibujos de retratos, los paisajes han formado el tema principal de los dibujos de tiza, especialmente con los holandeses. Desde la invención de la tiza artificial hecha del hollín fino y opaco conocido como negro de lámpara , una invención atribuida a Leonardo da Vinci (1452-1519) – las cualidades pictóricas de la tiza han sido completamente exploradas. La gama de tizas se extiende desde las variedades secas, parecidas al carbón, hasta las grasas utilizadas por los litógrafos.

Sanguine , un lápiz de dibujo de tiza y óxido de hierro, fue un medio de dibujo popular en el siglo XV, debido a su gran cantidad de posibilidades coloridas. Fue popular entre Miguel Ángel, Rafael y Andrea del Sarto (1486-1531), mientras que Leonardo da Vinci lo usó en sus bocetos para El Última cena : véase también el Perfil de Miguel Ángel con tocado oriental (1522, Ashmolean Museum, Oxford). Otros artistas que usaron sanguine incluyeron a los retratistas Jean Clouet y Hans Holbein, la escuela flamenca en torno a Peter Paul Rubens y, sobre todo, artistas franceses del siglo XVIII como Watteau, Nicolas Lancret, Jean-Etienne Liotard, Jacques-Andre Ponail y Francois Boucher. El retratista escocés del siglo XVIII Allan Ramsay era un ávido usuario de dibujos preparatorios de tiza para sus retratos. Sanguine ofrece una diferenciación de color aún mayor cuando se usa en combinación con tizas en blanco y negro, en papel de color.

Dibujos de tiza También están asociados con dibujantes modernos como Edgar Degas, Odilon Redon, Gustave Moreau, Jean-Edouard Vuillard y Pierre Bonnard, así como artistas expresionistas como Edvard Munch y Ernst Ludwig Kirchner.

Pasteles

Es posible un mayor refinamiento del color con lápices de colores pastel , hechos de pigmentos en polvo mezclados con una cantidad mínima de aglutinante no graso. Cuando los colores se aplican al papel, siempre se ven frescos y brillantes, aunque se deben preservar de la dispersión manteniéndolos debajo del vidrio. Los colores pastel se pueden aplicar en técnica lineal directamente con los lápices de colores o en un área del papel directamente con los dedos. Los pasteles se originaron en el norte de Italia durante el siglo XVI y fueron empleados por Jacopo Bassano (1515-92) y Federico Barocci (1526-1612). Dibujos en colores pastel fueron conocidos por la Accademia degli Incamminati a más tardar en el siglo XVII, aunque como forma de arte no alcanzó su apogeo hasta el siglo XVIII, especialmente en Francia (con Jean Marc Nattier, Maurice Quentin de La Tour, Jean-Baptiste Perronneau y Jean Chardin) y en Venecia (con Rosalba Carriera). Las tizas en colores pastel fueron especialmente favorecidas por los retratistas.

Metalpoints

La técnica del punto metálico se ha utilizado en la escritura y la delineación desde la antigüedad, por lo que se necesitaba poca imaginación para emplearla también en el dibujo. Los artistas usan una herramienta delgada (varilla o lápiz) de metal puro puro, como plomo, plata, estaño, cobre, así como varias aleaciones de plomo y peltre. El material más utilizado fue el plomo blando, que cuando se usa sobre una superficie lisa produce una línea gris pálida; no es muy fuerte en color y fácilmente borrable, y por lo tanto es ideal para bocetos preparatorios.

La preparación del papel fue vital para la visibilidad de la línea. Durante los tiempos del Renacimiento, la página en blanco generalmente se cepillaba con capas de una mezcla líquida de tiza finamente molida, yeso óseo blanco teñido con pigmento y atado con pegamento de piel y gelatina. Y todos los puntos metálicos , excepto el punto de referencia , requieren una superficie de trabajo áspera. Una de las mejores fuentes tempranas de arte de metalpoint es el libro de bocetos del pintor veneciano del siglo XV Jacopo Bellini (1400-70) que contiene una serie de dibujos de puntos de referencia en papel teñido. El pintor florentino Botticelli usó el punto de referencia para esbozar el bosquejo de sus famosas ilustraciones para la Divina Comedia de Dante, para luego volver sobre ellas con la pluma.

El dibujo permanente se logra mejor con Silverpoint , ya que una vez aplicado, no se puede borrar. Por lo tanto, los dibujos plateados exigen un concepto más claro de forma y una mano firme, ya que todas las correcciones permanecen visibles. La tridimensionalidad y la representación de la luz deben representarse ya sea por sombreado denso, espacios en blanco o bien complementados por otros medios. A pesar de estas dificultades, Silverpoint fue muy popular en los siglos XV y XVI. Albrecht Durer usó el punto plateado para dibujar paisajes, retratos y varios artículos que le llamaron la atención durante un viaje en particular a Holanda. Silverpoint también fue popular entre los retratistas del siglo XV al XVII. Más tarde fue revivido durante la era de Romanticismo , y todavía es utilizado ocasionalmente por artistas modernos. Los puntos metálicos continuaron utilizándose hasta bien entrado el siglo XVIII, especialmente en dibujos arquitectónicos.

Punto de grafito

A fines del siglo XVI, apareció un nuevo medio de dibujo que reemplazó rápidamente el punto de metal para el boceto y el dibujo preliminar. Conocido como punto de grafito , o "plomo español" después de su lugar de origen principal, este medio de dibujo atrajo una gran popularidad, aunque debido a su consistencia suave se usó principalmente para bocetos preparatorios, en lugar de dibujos autónomos. El punto de grafito engendró debidamente el lápiz de plomo , luego del descubrimiento de 1790 por Nicolas-Jacques de un proceso de fabricación similar al utilizado en la producción de tiza artificial. Limpiado y lavado, el grafito podría fabricarse en adelante en casi cualquier grado de dureza. Las puntas duras del lápiz, con sus trazos finos, claros y duraderos, se adaptaban especialmente a los propósitos de los artistas neoclásicos. Entre los máximos exponentes de los dibujantes de lápiz se encontraba el pintor académico. JAD Ingres , que empleó sistemática dibujos a lapiz como base para sus pinturas al óleo.

Numerosas técnicas de dibujo a lápiz surgieron con el tiempo. Los pintores de finales del siglo XIX, como Eugene Delacroix (1798-1863), favorecieron los lápices más suaves para aumentar la profundidad y el efecto tridimensional de ciertas áreas dentro del dibujo. Georges Seurat (1859-91) recurrió al grafito en sus dibujos ( En un concierto europeo , Museo de Arte Moderno, Nueva York) en el que tradujo su técnica puntillista al medio monocromático del dibujo. Frottage de lápiz (frotar sobre papel que luego se coloca sobre una superficie rugosa), primero explorado por el artista surrealista Max Ernst (1891-1976), fue otra técnica innovadora.

Dibujando con pluma

De las muchas formas de transferir tintes líquidos a una superficie plana, dos son particularmente importantes para el dibujo artístico: pincel y lápiz. Si el pincel representa un método completamente antiguo, que data de Arte paleolítico , el bolígrafo ha sido el instrumento de escritura y dibujo favorito desde la antigüedad clásica.

La funcionalidad de la pluma se ha mantenido casi sin cambios durante varios milenios. El efecto capilar de la punta dividida, aplica el fluido de dibujo a la superficie del suelo (inicialmente pergamino, papiro, vitela, pero desde finales de la Edad Media, casi exclusivamente papel) en cantidades variables dependiendo de la saturación de la pluma y la presión ejercida por La mano de dibujo. El tipo de pluma más antiguo es la pluma de lámina ; Cortado de plantas de papiro, bambú o juncia, almacena un depósito de líquido en su interior hueco. Su golpe es típicamente potente, duro y ocasionalmente bifurcado como resultado de una presión más fuerte aplicada a la punta dividida. Rembrandt fue un maestro sobresaliente de los fuertes acentos plásticos de la pluma de caña, que generalmente se complementa con otras plumas o pinceles. Durante el siglo XIX, comenzando con el artista holandés Vincent van Gogh, varios artistas, incluidos el dadaísta y el expresionista satírico alemán, crearon dibujos de caña pura en un estilo expresionista. George Grosz (1893-1959). Ver también: Arte de la ilustración .

La pluma ofrece una gama aún más amplia de posibilidades artísticas. Desde finales de la Edad Media, la pluma ha sido el instrumento más utilizado para aplicar tintes líquidos a la superficie de dibujo. La punta flexible de la pluma, disponible en diferentes intensidades, permite una escala relativamente amplia de trazos individuales, desde líneas suaves y delgadas, como las utilizadas en bocetos preparatorios para ilustraciones en libros iluminados, hasta líneas amplias y enérgicas. Durante el siglo XX, surgieron plumas de metal para reemplazar las plumas, y ahora están hechas de acero de alta calidad y con diferentes resistencias.

Las tintas son la forma más común de tinte líquido utilizado en el dibujo. La tinta de nogal fue popular entre los scriptoria monástica durante la era medieval de manuscritos iluminados . Otra tinta que se hizo popular fue el bistre , un pigmento transparente de color marrón claro a marrón oscuro fácilmente disuelto obtenido del hollín del negro de la lámpara que recubre las chimeneas de leña. Su tono de color varía según su concentración y según el tipo de madera de la que se deriva. Las maderas duras (como el roble) producen un tono más oscuro que las coníferas, como el pino. Durante el período de orientación pictórica de Arte barroco , el tono cálido que se puede adelgazar hará que Bistre sea un medio popular para los dibujos con lápiz.

También se obtiene de una fuente de carbono la tinta de India , derivada del hollín de maderas excepcionalmente duras, como las vides de olivo o de uva, o del negro graso de la llama del aceite, con goma arábiga mezclada como agente aglutinante. Este fluido negro espeso conserva su tono oscuro durante mucho tiempo y se puede diluir con agua hasta que se vuelva gris claro. Prensado en palos o barras, solía venderse bajo el nombre de tinta china o tinta china. Esta tinta de dibujo fue favorecida en particular por los dibujantes alemanes y holandeses debido a su fuerte color, que la hizo especialmente adecuada para su uso en papel teñido. Desde el siglo XIX, la tinta india ha sido, con mucho, el tipo de tinta de dibujo más popular para los dibujos con pluma, desplazando todas las demás alternativas en los bocetos técnicos.

Otros fluidos de dibujo incluyen sepia , hecha del pigmento de la sepia, minio (plomo rojo), utilizado en particular para la decoración de letras iniciales y también en dibujos a pluma ilustrados.

Junto con los textos manuscritos escritos, los dibujos a pluma se encuentran entre los documentos artísticos más antiguos. Los textos clásicos se ilustraron con contornos fuertes y detalles interiores escasos; Los dibujos marginales medievales y las ilustraciones de libros generalmente se bosquejaron previamente, si no se ejecutaron realmente, con la pluma. En la pintura de libros, surgieron estilos en los que el pincel también se empleó a la manera de un dibujo a pluma: por ejemplo, en la Escuela de Reims de Arte carolingio , conocido por su producción del Salterio Utrecht del siglo IX, y también en el sur de Alemania, donde un género ilustrativo separado que usa dibujos lineales estuvo estrechamente asociado con la Biblia Pauperum , libros ilustrados bíblicos de bajo costo utilizados para instruir a un gran número de personas en el cristianismo fe. El bosquejo delineado con líneas finas también es característico de los primeros dibujos autónomos del Renacimiento temprano . En el siglo XVI, el dibujo a pluma alcanzó su apogeo. Leonardo se destacó por el golpe particularmente preciso de sus dibujos científicos; Raphael produjo bocetos más regulares y elegantes, mientras que Miguel Ángel dibujó con trazos cortos que recordaban el trabajo del cincel; Tiziano usó tramas intrincadas para denotar luz y oscuridad, mientras que entre Artistas renacentistas del norte , Durer dominó todas las posibilidades del dibujo a lápiz, desde un enfoque puramente gráfico y delineador hasta una técnica de modelado espacial y plástico.

Durante el siglo XVII, el dibujo a lápiz se hizo menos popular que otras técnicas combinadas como el lavado (un barrido o un toque de color) aplicado con el pincel. Un estilo abierto de dibujo que simplemente sugería contornos, junto con trazos contrastantes, delgados y potentes, dotó a la línea de cualidades expresivas. En sus dibujos, Rembrandt en particular logró un dominio completo de dibujo de tinta y lavado , exhibiendo efectos tridimensionales muy sutiles mediante el uso de diferentes capas de trazo obtenidas a través de una combinación de varios lápices y pinceles.

El método de dibujo de líneas finas del Renacimiento temprano recuperó su popularidad durante la era de Arte neoclásico y Romanticismo a fines del siglo XVIII y principios del XIX. Ambos Nazarenos y los románticos, por ejemplo, lograron efectos plásticos tridimensionales excepcionales por medios puramente gráficos.

Siguió otra fase más orientada pictóricamente, que culminó con el trabajo de artistas de finales del siglo XIX. Aubrey Beardsley (1872-98) que aplicaron el contraste directo blanco y negro a los planos, mientras que en el siglo XX los maestros franceses Henri Matisse (1869-1954) y Picasso redujeron el objeto a una mera línea sin ninguna profundidad u otra ilusión espacial. Muchos ilustradores, así como dibujantes de cómics, prefieren el trazo claro de la pluma. Otros innovadores del dibujo a pluma del siglo XX incluyen al artista oriental estadounidense Mark Tobey (1890-1976), famoso por su estilo de "escritura blanca" de pinturas caligráficas; el artista alemán Lobos (Alfred Otto Wolfgang Schulze) (1913-51), conocido por sus sismogramas gráficos muy finos; y Agnes Martin (1912-2004), conocida por sus delicadas cuadrículas minimalistas dibujadas a mano.

Dibujando con un pincel

El pincel es ideal para aplicar pigmentos a una superficie plana (pintura), pero también se ha utilizado en el dibujo desde tiempos prehistóricos. Además de las tintas de dibujo mencionadas anteriormente, todas las cuales se han utilizado junto con pincel y lápiz, los dibujos con pincel también se han creado con combinaciones de fluidos. Una de las técnicas artísticas más comunes en uso desde el arte griego clásico hasta el barroco fue Sinopia , el boceto preliminar normal para una pintura mural monumental. Ejecutado con un pincel, tiene todas las características de un dibujo preparatorio.

Sin embargo, en general, pocos dibujos se realizaron exclusivamente con un pincel, aunque desempeñó un papel importante en los paisajes, en los que, al teñir de intensidad variable, ofrecía un espectro completo de profundidad espacial y la intensidad de la iluminación. Los venecianos Vittore Carpaccio (c.1465-1525 / 6) y Palma il Giovane (1544-1628), así como Parmigianino (1503-40), el gran pionero de Manierismo , todos fueron destacados exponentes de la técnica. Algunos pintores de género holandés, como Adriaen Brouwer (1605-38), Adriaen van Ostade (1610-84) y Jan Steen (1625-79) usaron el pincel para crear una serie de dibujos de estilo acuarela. Durante el siglo 18, los dibujos de pincel de Jean-Honore Fragonard (1732-1806) y el español Francisco Goya (1746-28) elevaron el arte a una nueva altura, mientras que en Inglaterra artistas como Alexander Cozens (1717-86), John Constable (1776-1837) y JMW, Turner (1775 -1851), aprovecharon el pincel para sus estudios de paisaje.

Pluma y pincel

Una combinación popular es la de lápiz y pincel, con el lápiz delineando los contornos que denotan el objeto y el pincel proporcionando valores espaciales y de color. La aplicación combinada más simple de esto fue la iluminación del manuscrito, donde las formas se dibujaban con pluma y se rellenaban de color, usando el pincel. Otros ejemplos de pincel y bolígrafo incluyen la aplicación de pigmento blanco a dibujos sobre papel teñido, el énfasis de la iluminación (cómo cae la luz sobre los objetos) y, por supuesto, los lavados . El método de dibujo combinado con lápiz y pincel fue especialmente popular entre los dibujantes de Alemania y los Países Bajos, especialmente en el círculo alrededor de Durer y la escuela del sur del Danubio alemán.

Ayudas de dibujo
Las ayudas mecánicas son generalmente mucho menos importantes para el dibujo artístico que para otras formas de arte. Los que se han empleado incluyen la regla, el triángulo y la brújula, especialmente en obras construccionistas y perspectivas de principios y Alto renacimiento vendimia. El marco reticulado se usó para ayudar en la creación de una perspectiva correcta, mientras que los espejos con espejos convexos reductores o lentes cóncavos también se usaron (especialmente en los siglos XVII y XVIII) como ayudas para dibujar, como era la cámara oscura . (Ver Glosario de Fotografía Artística .) Se pueden hacer reducciones o ampliaciones a escala real con la ayuda de un instrumento de rastreo conocido como pantógrafo . Se podrían realizar tareas más especializadas con la ayuda de brújulas elípticas, reglas curvas y plantillas .

Tipos de dibujo

Con mucho, el mayor número de dibujos de arte en el mundo occidental se ocupa de la figura humana.

Retratos
Los dibujos de retratos generalmente involucran el perfil puro y el perfil de tres cuartos. Los ejemplos incluyen retratos del siglo XV de Pisanello o Jan van Eyck, así como el dibujo de Durer del emperador Maximiliano. Las obras de Jean y Francois Clouet en Francia y de Hans Holbein el Joven en Suiza y más tarde en Inglaterra, otorgaron una autonomía especial en el dibujo de retratos, especialmente cuando se completa con tiza de varios colores. En el siglo XVIII, Quentin de La Tour, Francois Boucher y Jean-Baptiste Chardin fueron destacados exponentes del retrato con tiza. Más atraído por los aspectos psicológicos de arte de retrato , los retratistas de finales del siglo XIX y XX favorecieron los crayones más suaves que reflejaban más fácilmente sus impulsos artísticos. Leon Bakst , el famoso escenógrafo y diseñador de vestuario para Diaghilev y el Ballets Russes , fue otro excelente dibujante.

Paisajes
En el siglo XV, el paisaje también se había convertido en un tema aceptable para un dibujo independiente, como lo indican los cuadernos de bocetos del siglo XV de Jacopo Belllini. Sin embargo, hasta el advenimiento de Durer a finales de siglo, el paisaje se respetó por completo como un tema propio sin referencia a otras obras. Sus dibujos de sus dos viajes italianos, de la región de Nuremberg, y de su viaje a los Países Bajos, representan los primeros dibujos de paisajes puros. Debían pasar siglos antes de que esos dibujos de "paisaje puro" volvieran a ocurrir. Los elementos del paisaje también aparecieron en dibujos e ilustraciones alemanes y holandeses del siglo XVI, en particular los de miembros de la Escuela del Danubio me gusta Albrecht Altdorfer y Wolf Huber. los Renacimiento holandés El pintor Pieter Bruegel el Viejo también dibujó vistas topográficas, así como composiciones de paisajes libres, en ambos casos como obras independientes. En el siglo XVII, los dibujos de paisajes de la Accademia degli Incamminati (los de Domenichino , por ejemplo) mezclaron temas clásicos y mitológicos con paisajes heroicos. Además, los clasicistas franceses con sede en Roma Claude Lorrain y Nicolas Poussin también produjo dibujos de paisajes arcadios idealizados. En la Italia del siglo XVIII, el dibujo del paisaje topográfico exacto alcanzó un punto culminante con el advenimiento de los Vedutisti, los "pintores pintores", como los venecianos. Canaletto (1697-1768) y Bernardo Bellotto (1720-80), y el romano Giambattista Piranesi (1720-78). Los dibujos de paisajes alcanzaron un segundo florecimiento en Inglaterra a principios del siglo XIX gracias a obras de JMW Turner y Alexander Cozens, mientras que en Francia la tradición fue ejemplificada por Camille Corot y después, van Gogh .

Obras de género figurativo
De mucho menos importancia para el dibujo autónomo que el retrato y el paisaje, los dibujos de figuras generalmente están estrechamente relacionados con lo que estaba sucediendo con la pintura en general. Así, por ejemplo, los dibujos de escenas de género fueron relativamente frecuentes durante la Escuela de Realismo Holandés del siglo XVII, en Francia e Inglaterra del siglo XVIII y en Francia del siglo XIX (Honore Daumier).

Bodegones
Los dibujos de naturaleza muerta, especialmente las representaciones de flores, como las del artista de Amsterdam Jan van Huysum (1682-1749), han sido populares desde el siglo XVII. En algunas de estas obras la similitud con la pintura es muy cercana; tomar por ejemplo los pasteles del artista francés del siglo XIX Odilon Redon (1840-1916), o la obra del expresionista alemán del siglo XX Emil Nolde (1867-1956), que cruzan la línea divisoria entre el dibujo y la pintura.

Dibujos de fantasía
Dibujos que representan temas imaginarios, surrealistas o visionarios, como las fantásticas composiciones de Hieronymus Bosch , han sido populares durante mucho tiempo. Vea también el grotteschi de Rafael en el siglo XVI, las escenas campesinas alegóricas de Pieter Bruegel y los grabados de carnaval del artista francés del siglo XVII Jacques Callot. Otros artistas cuyos dibujos caen fuera del paisaje y el retrato incluyen: el grabador italiano del siglo XVIII Giambattista Piranesi, el artista anglo-suizo Henry Fuseli (1841-1925), el ilustrador inglés del siglo XIX Walter Crane (1845-1915), el influyente artista simbolista francés Gustave Moreau (1826-98) y los surrealistas del siglo XX.

Ilustraciones
El dibujo ilustrativo quizás no va más allá de una simple explicación pictórica de un texto, pero aun así puede satisfacer las más altas demandas artísticas. Una y otra vez, grandes artistas han ilustrado textos bíblicos, así como literatura de todo tipo. Ejemplos famosos incluyen los dibujos ilustrativos de Botticelli para la Divina Comedia de Dante y las ilustraciones marginales de Durero para el libro de oraciones del Emperador Maximiliano. Algunos artistas han logrado más como ilustradores que como dibujantes autónomos. Tales individuos incluyen al grabador alemán del siglo XVIII Daniel Nicholas Chodowiecki (1726-1801), el caricaturista del siglo XIX Honore Daumier (1808-79), el artista gráfico del siglo XIX Wilhelm Busch (1832-1908) mejor conocido por sus historias con rimas (Max und Moritz), y el pintor e ilustrador austriaco Blaue Reiter del siglo XX Alfred Kubin (1877-1959).

Caricaturas
Asociado con el dibujo ilustrativo está el arte de la caricatura , que, al exagerar los rasgos visuales de una persona o situación, crea una imagen poderosamente sugerente. Este tipo de dibujo figurativo es ejemplificado por luminarias como Annibale Carracci (1560-1609), quien acuñó por primera vez la palabra caricatura: Leonardo da Vinci, Durer y el artista barroco Bernini, así como por comentaristas sociales como el italiano del siglo XVIII. Artista Pier Leone Ghezzi (1674-1755), el artista inglés del siglo XVIII William Hogarth (1697-1764), el caricaturista inglés Thomas Rowlandson (1756-1827) que trabajó principalmente en el lavado de tinta y acuarela, el francés del siglo XIX Jean-Ignace-Isidore Gerard, conocido como Grandville (1803-47), y quizás el más grande caricaturista de todos, Honore Daumier .

Tipos de terreno

Se puede recurrir a casi cualquier cosa que tenga una superficie plana, nivelada o no, incluyendo papiro y pergamino, tela, piel de animal, madera, metales y vidrio. Sin embargo, desde mediados del siglo XV, el papel ha sido el terreno más común y popular.

El método de fabricación de papel se ha mantenido prácticamente sin cambios durante los últimos 2.000 años. Un remanente pulposo fibroso de corteza de morera, estera, cáñamo y trapos de lino se prensa y se seca en moldes planos. (La introducción de la pulpa de madera a mediados del siglo XIX no estaba dirigida al papel de arte, porque el papel con un gran contenido de madera se amarillea rápidamente y, por lo tanto, no es adecuado para fines de dibujo. Originalmente, para darle al papel una superficie suficientemente lisa y uniforme para escribir o dibujar, se frotó con harina de huesos o yeso en una solución muy delgada de pegamento y goma arábiga, pero desde fines del siglo XV, se logró el mismo efecto sumergiendo el papel en un baño de pegamento o alumbre. Pigments and dyes, too, were added to the pulp, with blue "Venetian papers" being especially popular. The 17th century favoured half tints of blue – or grey, brown, and green varieties; the 18th preferred warm colours like beige or ivory, along with blue. Since the 18th century, drawing papers have been produced in almost every conceivable colour and shade, while quality has also greatly increased.

Los implementos de dibujo granulados y más suaves, como tiza, carbón y grafito, no dependen tanto de un tipo particular de papel (como acuarelas, pasteles o bolígrafos y tintas); pero, debido a su ligera adhesividad, a menudo necesitan una unión más fuerte con la base, así como algún tipo de protección de la superficie.

Breve historia del dibujo

El dibujo comienza en cuevas y refugios de rocas durante la era del arte de la Edad de Piedra, cuando se usaron piedras afiladas para crear grabados prehistóricos , y el carbón se usó para crear obras como el dibujo de carbón de Nawarla Gabarnmang (26, 000 aC). En el arte occidental, la historia del dibujo como un documento artístico independiente, en lugar de simplemente un boceto preliminar de otra cosa, comenzó a fines del siglo XIV. No es sorprendente que los mejores dibujantes también hayan sido distinguidos pintores, ilustradores, artistas gráficos o grabadores, por lo que los centros de dibujo y los períodos de mayor actividad generalmente han coincidido con los centros y épocas de otros tipos de arte fino .

En los dibujos del norte de los Alpes, los primeros dibujantes más consumados son el maestro alemán del Housebook de fines del siglo XV (no identificado) (llamado así por una serie de dibujos contenidos en un libro de la casa descubierto en Castle Wolfegg) y su contemporáneo Martin Schongauer (1430-91). El joven Durero ejemplificó la precisión creativa y la metodología en el dibujo que caracteriza el Renacimiento alemán. . Dibujante infatigable, dominó todas las técnicas y ejerció una influencia duradera y generalizada. Los dibujos de paisajes de Durer, así como los de Altdorfer y Huber, demuestran un asombroso sentimiento por la naturaleza que casi podría llamarse romántico. Los dibujos de retratos humanistas de Hans Holbein el Joven también tuvieron un impacto significativo en los contemporáneos, al igual que la linealidad más estricta de los retratos del padre e hijo francés, Jean (1485-1540) y Francois (1510-72) Clouet.

Mientras tanto, al sur de los Alpes, el dibujo atravesaba una fase aún más revolucionaria como parte del Renacimiento italiano.

Cómo influyó el renacimiento italiano en el dibujo

Hasta el siglo XIV, el dibujo rara vez se valoraba como un Art º forma en sí mismo. En cambio, fue visto simplemente como un diseño preliminar para una pintura o una escultura. El pintor italiano Cennini (c.1369-1440) lo dotó de un cierto respeto al describirlo como la puerta de entrada a la pintura exitosa, pero no fue hasta el Renacimiento italiano y la llegada de artistas como Leonardo Da Vinci y Miguel Ángel, un siglo después, (junto con una mayor disponibilidad de papel), que se convirtió en una forma de arte independiente. Para más detalles, ver: Los mejores dibujos del renacimiento .

El renacimiento italiano temprano fue testigo de importantes avances en el dominio de la perspectiva tanto en el dibujo como en la pintura.

Todos El arte naturalista con cualquier forma de sujeto de fondo necesita profundidad. Es decir, el fondo debe aparecer distante, relativo al primer plano. El termino perspectiva lineal denota esta creación de profundidad mediante la cual las imágenes de fondo en un dibujo plano aparecen más lejos. El control del "punto de fuga", la convergencia de líneas desde el punto de vista del artista, es crítico. Los dibujantes del Renacimiento italiano que fueron pioneros en las reglas de la perspectiva lineal incluyen: Andrea Mantegna (1431-1506), Piero della Francesca (1420-92), en su pintura El Flagelación de Cristo (c.1470), Raphael (1483-1520) en su obra La escuela de atenas (c.1509).

Artistas del Renacimiento temprano (c.1400-90)

El Renacimiento italiano del siglo XV fue testigo de una gran cantidad de experimentación con diferentes medios y soportes. Aquí hay una breve lista de dibujantes italianos y sus dibujos.

Fra Angelico usó el lavado con pluma y tinta para el profeta David tocando un salterio (1430), ahora en el Museo Británico Londres Antonio Pisanello utilizó pluma y tinta, acuarela. gouache blanco y rastros de tiza negra o punta de metal para su jabalí (1434, Louvre); Jacopo Bellini usó el punto de referencia para La visión de San Eustaquio (1445, Museo Británico, Londres); Fra Filippo Lippi usó punta metálica y lavado marrón sobre tiza negra, realzada con blanco sobre papel preparado de color salmón para su Santa Femenina, de pie (c.1440, Museo Británico); Benozzo Gozzoli usó resaltado blanco y gouache marrón sobre punta de metal sobre papel preparado de color ocre para su Cabeza de monje (1447, Musee Conde, Chantilly); Andrea Mantegna usó lápiz y tinta sobre trazas de tiza negra para crear A Man Lying on a Stone Slab (1470s, British Museum); Andrea del Verrocchio usó pluma y tinta para sus Cinco estudios de infantes (1470, Louvre); Sandro Botticelli usó lápiz y tinta y un ligero lavado marrón sobre tiza negra sobre papel teñido de rosa, realzado con blanco para crear Abundancia u Otoño (1480, Museo Británico). Ver también: Renacimiento en Florencia .