JMW Turner:
paisajista inglés, pintor de acuarela 2 201 palabras
Traductor traducirAutor del texto original - Neil Cоllins
Joseph Mallord William Turner, uno de los principales representantes de la pintura paisajista inglesa, produjo un gran número de acuarelas, grabados y óleos. Su singular combinación de romanticismo y realismo realista influyó notablemente en sus contemporáneos, incluida la Escuela de Barbizon francesa, y sentó las bases de la revolucionaria pintura de paisaje representada por el impresionismo francés.
Conocido como «Pintor de la luz», sus obras más significativas incluyen «Aníbal cruzando los Alpes», (1812, Tate, Londres) ; Rain, Steam and Speed - The Great Western Railway, (1844, National Gallery, Londres), The Burning of the Houses of Lords and Commons, (1835, Philadelphia Museum of Art) y The Battling Temeraire, (1838, National Gallery, Londres). Se le considera con justicia uno de los mejores paisajistas de la historia de la pintura europea.
Biografía
Turner nació en Londres en 1775, hijo de un barbero y un peluquero. Su madre, internada en un psiquiátrico, murió cuando él tenía sólo 9 años. Su padre le enseñó a leer, y ese fue el final de su educación, salvo el estudio del arte. A los 13 años ya vendía sus dibujos en el escaparate de la tienda de su padre. A los 14 ingresó en la escuela de la Royal Academy of Arts de Londres y fue admitido en la Academia un año más tarde (fue elegido miembro de pleno derecho a los 27). (Nota: para una comparación con otro paisajista, véase: Richard Parkes Bonington .)
A los 15 años, una de sus acuarelas fue aceptada para su exposición en la Academia, un honor muy poco frecuente para un artista tan joven y poco consolidado. Sus primeros trabajos consistieron principalmente en dibujos y acuarelas, y pasó algún tiempo antes de que se sintiera preparado para dedicarse al óleo.
En 1796 expuso su primer óleo en la Academia «Pescadores en el mar» y siguió exponiendo casi todos los años durante el resto de su vida. A los 18 años ya tenía su propio estudio en Harley Street. Al cabo de dos años, las imprentas compraban ávidamente sus dibujos para reproducirlos. Su temprano éxito permitió a Turner la libertad financiera para innovar, lo que hizo durante muchos años. Entre sus primeras obras destacan «Aníbal cruzando los Alpes» y «Ulises burlándose de Polifemo», 1829 (National Gallery, Londres).
Viajó mucho por Europa, incluyendo Francia, Suiza e Italia, pero fue en Venecia donde encontró la verdadera inspiración, y allí regresó muchas veces a lo largo de su vida. Realizó numerosas acuarelas y óleos de esta ciudad, entre ellos Gran Canal, Venecia, 1835 (Metropolitan Museum of Art, Nueva York).
Las catástrofes y los fenómenos naturales alimentaban su imaginación; le encantaba pintar barcos, incendios, mares agitados, tormentas y niebla. Estos temas se reflejan en los cuadros «Incendio de las Cámaras de los Lores y los Comunes», «Paz: Entierro en el mar, 1842 (Clore Gallery, Londres), Lluvia, vapor y velocidad - El Gran Ferrocarril del Oeste y Barco de esclavos (los propietarios de esclavos arrojan a los muertos y moribundos por la borda, se acerca un tifón), 1840 (Museum of Fine Arts, Boston). El tema del poder destructor de la naturaleza apareció por primera vez en su cuadro «Aníbal cruzando los Alpes» y continuó a lo largo de toda su carrera. Le encantaba conocer los acontecimientos de primera mano; cuando se enteró de un incendio en las Cámaras del Parlamento, corrió inmediatamente al lugar. Se rumorea que incluso se ató al mástil de un barco para vivir de cerca el drama del mar embravecido.
A medida que maduraba, su obra adquirió un estilo casi impresionista, ya que prestaba menos atención a los detalles y más al efecto atmosférico general. Se convirtió en un maestro de la representación de la luz pura con colores brillantes . Un ejemplo es el cuadro «Great Western Railway», donde apenas se distingue el tren.
Para Turner el estudio de la luz era de suma importancia y no quería que los objetos del cuadro le restaran atención, prefiriendo concentrarse en el juego de la luz sobre las nubes, el agua, el cielo y el fuego. Su técnica fue examinada por los impresionistas franceses, en particular Claude Monet . Sin embargo, no todo el mundo quedó satisfecho con su obra posterior; se dice que un comprador estadounidense se sintió decepcionado «por la «indistinción» de sus últimos cuadros.
Otras obras importantes de Turner son Staffa, Fingal’s Cave, 1832 (Yale Centre for British Art, New Haven), Norham Castle, Sunrise, ca. 1835 (Clore Gallery), Interior en Petworth, ca. 1837 (Tate Gallery, Londres), Luz de luna, acuarela, 1840 (Tate), Puesta de sol sobre un lago, 1840 (Tate) y Paisaje con río distante y bahía, 1840 (Musée du Louvre, París).
Con los años se volvió excéntrico y, a excepción de su padre, que vivió con él durante 30 años, no tuvo amigos íntimos. Se negó a reunirse en la Royal Academy y no permitía que nadie le viera pintar. Seguía haciendo exposiciones, pero se negaba a vender cuadros.
Cuando le convencieron para vender un cuadro, estuvo deprimido durante días. Su última exposición fue en la Academia en 1850, después de la cual desapareció de su casa. Su ama de llaves lo buscó durante varios meses y finalmente lo encontró en casa de su casera, en Chelsea. Llevaba algún tiempo enfermo y murió al día siguiente, en diciembre de 1851. Tenía setenta y seis años. Al exhalar su último suspiro pronunció las palabras «El sol es Dios». Fue enterrado en la catedral de San Pablo y descansa junto a Sir Joshua Reynolds.
El influyente crítico de arte John Ruskin describió más tarde a Turner como el único artista que podía «transmitir de la manera más conmovedora y veraz los estados de ánimo de la naturaleza». Junto con William Hogarth, Gainsborough y John Constable, Turner está considerado uno de los más grandes artistas ingleses, y es tan popular en el siglo XXI como lo fue en su época. En 1984, la Tate Gallery creó un nuevo premio de arte de vanguardia llamado Premio Turner que contribuyó a lanzar las carreras de artistas hoy famosos como Tracey Emin, Damien Hirst y el fotógrafo y escultor Steve McQueen.
En 2003, el Museo y Galería de Arte de Birmingham organizó una gran exposición titulada «Turner’s Britain», y en 2005 el cuadro de Turner «Battling Temeraire» fue elegido «mejor cuadro británico» en una encuesta de opinión de la BBC.
El arte paisajístico de Turner
Uno de los grandes pintores románticos, Turner ya pintaba a una edad temprana en acuarela a la manera de los dibujantes topográficos. Incluso a la luz de sus logros posteriores, es difícil encontrar signos de genialidad en estas obras de juventud. Por ejemplo, un dibujo como «Lambeth Palace» de 1790, su primera obra expuesta, es una pieza competente y pulcra de dibujo arquitectónico, y aunque es bastante prometedor para un muchacho de quince años, no hay en él ningún indicio de habilidad excepcional.
Pero en los últimos años del siglo XVIII pasó gradualmente a un primer plano entre los acuarelistas y empezó a acumular un vasto conocimiento de la naturaleza que fructificó en su obra posterior. En esta época trabajó sobre todo para grabadores y realizó largos viajes a pie por Inglaterra, Gales y Escocia. Gales y Escocia, haciendo bocetos a lápiz de edificios antiguos, abadías, castillos y similares, que más tarde transformó en acuarelas acabadas.
Fue un dibujo del castillo de Norham, expuesto en la Academia en 1798, el que parece haberle dado reputación, aunque debió de llamar la atención incluso antes. Al año siguiente fue elegido A.R.A., lo que indica la posición que había alcanzado. Para entonces había seguido a Thomas Girtin en su tratamiento más amplio y audaz de la acuarela y empezaba a dejar atrás la manera vacilante de su obra anterior.
Tras la muerte de Girtin en 1802, Turner siguió siendo el principal acuarelista de la época, pero su verdadera carrera apenas había comenzado. Ese mismo año realizó su primer viaje al extranjero, atravesando Francia y Bélgica hasta Suiza, y en 1803 expuso en la Royal Academy su gran cuadro «Pierce Calais» (National Gallery), su primer óleo significativo. Hasta entonces, sus pocos óleos habían sido de tonos apagados y pesados, de ejecución poco interesante y totalmente inferiores a sus acuarelas.
El cuadro «de Piers en Calais» es en cierto modo una obra maestra, aunque carece del brillo y la viveza que caracterizan su obra posterior. En él inicia su larga rivalidad con los maestros del pasado, pues su inspiración es sin duda la obra de los paisajistas holandeses. En la pintura de ondas los supera inmediatamente. Pintores como Van de Velde y Van de Capelle pintaron mares suaves con un aspecto mucho más acuático que en este cuadro, pero al representar mares agitados sus olas se parecen demasiado a meros perfiles sin cuerpo ni peso. Aquí, sin embargo, Turner captó inmediatamente el peso y el volumen del agua. El brillo de la superficie del agua no le molesta demasiado, pero la fuerza y el peso de las olas son impresionantes, y están completamente modeladas como las habría modelado un escultor. La asombrosa verdad de su dibujo de las olas fue uno de los puntos en los que Ruskin basó las afirmaciones de superioridad de Turner sobre los maestros del pasado, y en este primer paisaje marino están plenamente justificadas. Nunca antes se había visto un mar así, y en este punto de la pintura de las olas quizás no fue superado ni siquiera por el propio Turner.
Desde este momento hasta 1819, cuando visitó Italia por primera vez, las habilidades de Turner como pintor al óleo se desarrollaron gradualmente en rivalidad con varios maestros, especialmente Claude. La rivalidad con Claude alcanzó su punto culminante en 1815, cuando «Dido Building Carthage» (National Gallery) y «Crossing the Stream» (National Gallery, 497) fueron expuestos en la Royal Academy. Dido» es una franca imitación de una de las composiciones clásicas típicas de Claude, y en ella Turner sintió que por fin había superado a su maestro, y la dejó a la nación, junto con «El sol saliendo entre el vapor» (National Gallery), para que colgara para siempre junto a «El desembarco de la reina de Saba» de Claude (National Gallery) y «Las bodas de Isaac y Rebeca» (National Gallery).
Podemos diferir en nuestro juicio sobre el éxito de Turner en esta larga rivalidad, pero es seguro que aprendió mucho de Claude, y en «Cruzando el arroyo» podemos ver cómo aplica los métodos del paisaje clásico a la escena inglesa. Aquí, las técnicas clásicas se limitan al primer plano del cuadro, y en la lejanía y el cielo Turner recurre a su propio estudio de la naturaleza. Es esta parte del cuadro la que inevitablemente llama la atención. Está llena de aire suave y luz solar, una sensación de detalle infinito que se siente más que se ve, algo que Claude nunca consiguió.
Mientras se desarrollaba esta rivalidad con Claude, Turner imitaba conscientemente a otros maestros. En el cuadro «Spithead: Boat Crew Raising Anchor» (National Gallery) continuó su rivalidad con los artistas holandeses que trabajaban en paisajes marinos.
En «Frosty Morning» (National Gallery), con su esquema suelto y austero de tonos marrones y grises, rindió homenaje a Crome, y si no alcanza la dignidad y el poder de Crome, tiene más delicadeza en su atmósfera y en la pálida luz del sol que empieza a derretir la escarcha sobre la hierba.
En «La Sagrada Familia» mide sus fuerzas con Tiziano, en «El Dragón de las Hespérides» con Poussin, y en algunos temas de pequeñas figuras llega incluso a alinearse con Wilkie. En una serie de pequeños bocetos, la mayoría en los alrededores del Támesis y Windsor, realizados entre 1805 y 1810, se acerca a la manera de Constable. Mientras tanto, continuó produciendo exquisitas acuarelas que eran enteramente suyas.
En 1819, cuando visitó Italia por primera vez, ya había producido algunos de sus mejores cuadros - «Muelle de Calais», «Cruzando el arroyo», «Puentes de Walton» y «Mañana helada», todos ellos obras maestras por derecho propio - y había prescindido del tono pesado de sus obras anteriores. Como acuarelista estaba fuera de toda competencia, podía pintar olas, cielos y distancias como nadie antes que él, pero su estudio de la luz como fin en sí mismo no había hecho más que empezar.
El brillo de la luz solar y la exuberante riqueza del material pictórico en Italia casi le abruman al principio, y los primeros de sus cuadros italianos no figuran entre los más logrados, aunque abren una nueva etapa en su caleidoscópica carrera. Hasta entonces, sus cuadros, que rivalizaban con los de Claude, se basaban en el material suministrado por el propio Claude, pero ahora vio por primera vez los paisajes reales que habían inspirado a Claude, y comenzó a pintar cuadros que seguían basándose en el esquema general de composición de Claude, pero con material tomado directamente de la naturaleza. La Bahía de Bayeux» (Tate Gallery) ilustra esta etapa. Contiene muchos elementos artificiales, pero está pintado con una tonalidad más alta que sus obras anteriores y comienza a demostrar un nuevo sistema de transmisión de los valores tonales de la naturaleza y una nueva observación del efecto de la luz sobre el color.
Fue en el tratamiento de la luz donde Turner fue más revolucionario. Los antiguos maestros habían intentado utilizar en sus cuadros la misma escala de tonos que en la naturaleza, con el resultado de que grandes zonas de los cuadros aparecían en una negrura comparativa. Turner se dio cuenta de que para preservar el efecto de verdad global tenía que traducir los tonos de la naturaleza a una escala diferente, porque la gama de tonos de la naturaleza, desde la plena luz del sol hasta la oscuridad absoluta, es mucho mayor que la escala de la paleta del artista, desde el blanco hasta el negro. En consecuencia, si el artista utiliza los mismos intervalos tonales que la naturaleza, llega demasiado rápido al final de su escala.
Este sistema de tonos puede utilizarse con bastante éxito siempre que el objeto representado incluya sólo una estrecha franja de toda la escala de tonos de la naturaleza, pero cuando se representa la brillante luz del sol a la que Turner se enfrentó más tarde en su vida, esto resulta imposible. Superó esta dificultad y consiguió un efecto de veracidad general reduciendo enormemente los intervalos tonales en sus cuadros. Si tomamos las cifras convencionales de 1000 y 100 como escalas completas en la naturaleza y en la paleta del artista, Turner etiquetó el intervalo de un tono en la naturaleza como la décima parte de un tono en su propia escala. Es muy improbable que Turner concibiera conscientemente un esquema de este tipo, y ciertamente no lo utilizó de forma coherente, si lo hizo, pero estas cifras dan una idea general de cómo abordó los problemas que implicaba la representación de la luz brillante.
También estudió con más precisión que nunca los efectos precisos de la luz y la atmósfera sobre el color. Por ejemplo, observó que las sombras tienden a tener un color que complementa la luz correspondiente, en lugar de ser simplemente un tono más oscuro de la misma tonalidad. En ambos aspectos, en su sistema de tonos y en su manejo del color, Turner fue un precursor de los impresionistas franceses, y fue en parte el aspecto de sus cuadros en 1870 lo que llevó a Claude Monet y Camille Pissarro a desarrollar la técnica impresionista.
La actitud de Turner ante la naturaleza era, por supuesto, muy diferente de la de los impresionistas franceses, partidarios de una verdad científica precisa. A Turner le preocupaba mucho menos que a ellos la impresión visual de las cosas que veía y mucho más la impresión mental que le producían. Estudió los hechos visuales de la naturaleza como un medio de expresión personal y aplicó sus conocimientos acumulados para crear magníficas visiones de color y luz que eran nada menos que transcripciones literales de la naturaleza. La naturaleza fue para él un vehículo de la imaginación tanto como lo fue para William Blake, y hay en sus cuadros una poesía deliberada que desagrada a algunos gustos modernos.
La vena épica de su obra culminó en el magnífico cuadro «Ulises burlándose de Polifemo» (National Gallery), que se expuso en la Academia en 1829: un sueño radiante de colores ricamente orquestados que palpitan con luz ardiente. A partir de esta fecha, su obra se vuelve cada vez más lírica, y la luz pura se convierte casi en una obsesión para él.
La relación de la luz con la forma y el color en sus últimas obras es casi completamente opuesta a la de los artistas anteriores. Entre los primeros maestros, la luz se consideraba simplemente un medio que permitía ver la forma y el color. Los pintores posteriores, Claude, Rembrandt y otros, apreciaron de diversas maneras el efecto de la luz sobre las cosas por sí mismas, pero en las últimas obras de Turner las formas dejan de tener significado alguno, excepto como superficies que reflejan la luz. En «Interior de Petworth» (National Gallery) las formas se han fundido en un resplandor que todo lo impregna y que es el verdadero y único tema del cuadro. En ésta y otras obras posteriores, la forma y el color son simplemente los medios por los que se ve la luz.
Turner pasó gran parte de su vida en el extranjero, especialmente en Suiza, el norte de Italia y Venecia, y casi hasta el final realizó acuarelas de estos lugares de exquisita delicadeza y belleza.
Sus últimos óleos fueron incomprendidos en su época incluso por Ruskin, y muchas de sus mejores impresiones de la luz y el color estuvieron almacenadas durante muchos años en los sótanos de la National Gallery, de donde finalmente fueron sacadas para colgarlas en Millbank. Algunas de ellas se han descolorido gravemente, ya que Turner no estaba más atento a la química de la pintura que Reynolds. Otras han conservado un encanto onírico sin parangón en el arte.
Los óleos, acuarelas y dibujos de Turner cuelgan en los mejores museos de arte de todo el mundo.
Para representantes de la pintura paisajista romántica influida por Turner, véase Escuela del Río Hudson (fl. 1825-75) y Luminismo (fl. 1850-75).