JMW Turner: paisajista inglés, pintor de acuarela Traductor traducir
Introducción
John Mallord William Turner, la luz principal de Pintura inglesa del paisaje , produjo un gran volumen de acuarelas , grabados y pinturas al óleo. Su combinación única de Romanticismo y el realismo con los pies en la tierra tuvo una influencia significativa en sus contemporáneos, incluidos los franceses Escuela barbizon y sentó las bases para el revolucionario pintura de paisaje introducido por francés Impresionismo . Conocido comúnmente como el "Pintor de la luz", sus obras más importantes incluyen Hannibal Crossing the Alps , (1812, Tate, London); Lluvia, vapor y velocidad – The Great Western Railway , (1844, National Gallery, Londres), The Burning of the Houses of Lords and Commons , (1835, Philadelphia Museum of Art) y The Fighting Temeraire , (1838, National Gallery, London) Es considerado con razón como uno de los mejores paisajistas en la historia de la pintura europea.
Biografía
Turner nació en Londres en 1775, hijo de un barbero y peluquero. Su madre, que había sido internada en un manicomio, murió cuando él tenía solo 9 años. Su padre le enseñó a leer, y fuera de su estudio de arte, ese fue el alcance de su educación. A los 13 años ya vendía sus dibujos a través del escaparate de su padre. Cuando tenía 14 años ingresó al Real Academia de Arte de Londres Escuela y fue aceptado en la Academia un año después (fue elegido miembro de pleno derecho a los 27 años). (Nota: para una comparación con un pintor paisajista, vea el breve Richard Parkes Bonington .)
A los 15 años, una de sus acuarelas fue aceptada para exhibirse en la Academia, un honor muy raro para alguien tan joven e inestable. Sus primeros trabajos consistieron principalmente en dibujos y acuarelas y le llevó algún tiempo antes de sentirse listo para abordar el medio del aceite.
En 1796 exhibió su primer pintura al óleo en la Academia, Pescadores en el mar, y continuó exhibiendo casi todos los años por el resto de su vida. Cuando tenía 18 años, ya tenía su propio estudio en Harley Street. En 2 años, los impresores compraban ansiosamente sus dibujos para reproducirlos. El éxito temprano de Turner le permitió la libertad financiera para innovar, lo que hizo a lo largo de los años. Los primeros trabajos importantes incluyen Hannibal Crossing the Alps y Ulysses Deriding Polyphemus , 1829 (National Gallery, Londres).
Viajó extensamente por Europa, incluyendo Francia, Suiza e Italia, pero fue en Venecia donde encontró verdadera inspiración, y regresó muchas veces a lo largo de su vida. Creó muchas acuarelas y pinturas al óleo de la ciudad, incluido el Gran Canal, Venecia , 1835 (Museo Metropolitano de Arte, Nueva York).
Las catástrofes naturales y los fenómenos alimentaron su imaginación, le encantaba pintar barcos, incendios, mares violentos, tormentas y niebla. Estos temas fueron cubiertos en La quema de las Cámaras de los Lores y los Comunes , Paz: entierro en el mar , 1842 (Clore Gallery, Londres), Lluvia, vapor y velocidad – El gran ferrocarril del oeste y el barco de esclavos (Esclavos arrojando por la borda los muertos y moribundos, Typhoon Coming On), 1840 (Museo de Bellas Artes, Boston). El tema del poder destructivo de la naturaleza apareció por primera vez en su pintura Hannibal Crossing the Alps y continuó a lo largo de su carrera. Le gustaba experimentar eventos de primera mano; Cuando se enteró del incendio en la Casa del Parlamento, se apresuró a la escena de inmediato. Un rumor decía que incluso se había atado al mástil de un barco para experimentar el drama de un mar tormentoso de cerca.
A medida que su trabajo maduró, su estilo se volvió casi impresionista, ya que se centró menos en los detalles y más en el efecto atmosférico general. Se convirtió en un maestro en la representación de luz pura mediante el uso de relucientes color . Un ejemplo de esto es la pintura del Great Western Railway donde el tren es apenas reconocible. En lo que respecta a Turner, su estudio de la luz se estaba volviendo primordial y no quería que los objetos en la pintura se distrajeran de este foco, prefiriendo concentrarse en el juego de la luz en las nubes, el agua, los cielos y los incendios. Su técnica fue estudiada cuidadosamente por los impresionistas en Francia, en particular por Claude Monet . Sin embargo, no todos estaban satisfechos con su trabajo posterior, se dijo que un comprador estadounidense estaba decepcionado con la "falta de distinción" de sus pinturas posteriores.
Otras obras importantes de Turner incluyen Staffa, Fingal’s Cave , 1832 (Yale Center for British Art, New Haven), Norham Castle, Sunrise , c.1835 (Clore Gallery), Interior at Petworth , c.1837 (Tate Gallery, Londres), Luz de luna, acuarela , 1840 (Tate), Puesta de sol sobre un lago , 1840 (Tate) y Paisaje con río y bahía distantes , 1840 (Museo del Louvre, París).
A medida que crecía, se volvió excéntrico y, a excepción de su padre, que vivió con él durante 30 años, no tenía amigos cercanos. Renunció a las reuniones en la Royal Academy y no dejó que nadie lo viera pintar. Todavía realizó exposiciones, pero se negó a vender ninguna de las pinturas. Cuando se convenció de vender uno, estuvo deprimido durante días después. Su última exposición fue en 1850 en la Academia, después de lo cual desapareció de su casa. Su ama de llaves lo buscó durante meses y finalmente lo encontró en la casa de su amante en Chelsea. Había estado enfermo por algún tiempo y murió al día siguiente en diciembre de 1851. Tenía 76 años. Mientras respiraba por última vez, pronunció las palabras "el Sol es Dios". Fue enterrado en la Catedral de San Pablo y se encuentra al lado de Sir Joshua Reynolds.
El influyente crítico de arte, John Ruskin Más tarde describió a Turner como el único artista que podía "medir con la mayor agitación y la verdad los estados de ánimo de la naturaleza". Junto con William Hogarth, Gainsborough y John Constable, Turner es considerado uno de los mejores artistas de Inglaterra, y es tan popular en el siglo XXI como lo fue en su propio tiempo. En 1984 el Galería de arte Tate lanzó un nuevo premio para arte de vanguardia , llamó al Premio Turner , que ha ayudado a lanzar las carreras de artistas ahora prominentes como Tracy Emin, Damien Hirst y el fotógrafo / escultor Steve McQueen. Una gran exposición titulada ’La Gran Bretaña de Turner’ se celebró en el Museo y Galería de Arte de Birmingham en 2003 y los encuestados públicos de la BBC en 2005 votaron a Turners pintando el ’Fighting Temeraire’ en Gran Bretaña.
El arte del paisaje de JMW Turner
Uno de los grandes Artistas románticos , El primer trabajo de Turner es en acuarela al estilo de los dibujantes topográficos. Incluso a la luz de sus logros posteriores, es difícil encontrar signos de genio en estas obras de su juventud. Un dibujo como el "Palacio Lambeth" de 1790, su primera obra expuesta, por ejemplo, es una pieza competente y cuidadosa de dibujo arquitectónico, y aunque es lo suficientemente prometedor para un niño de quince años, no hay ningún indicio de ello. poderes excepcionales Pero durante los últimos años del siglo dieciocho gradualmente llegó al frente entre los pintores de acuarelas y comenzó a acumular el prodigioso conocimiento de la naturaleza que dio sus frutos en su trabajo posterior. En este momento trabajaba principalmente para grabadores y hacía largos recorridos a pie por Inglaterra. Gales y Escocia, haciendo bocetos a lápiz de edificios antiguos, abadías, castillos y similares, que luego trabajó en acuarelas terminadas.
Era un dibujo del castillo de Norham, exhibido en la Academia en 1798, que parece haber establecido su reputación, aunque debe haber atraído cierta atención antes de eso. Al año siguiente fue elegido ARA, una prueba de la posición que había alcanzado. Para entonces ya había seguido Thomas Girtin en su manejo más amplio y audaz de la acuarela y comenzaba a dejar atrás la manera tentativa de su primer trabajo.
La muerte de Girtin en 1802 dejó a Turner como el principal pintor de acuarelas del día, pero su verdadera carrera apenas había comenzado. En el mismo año hizo su primer viaje al extranjero, viajando por Francia y Bélgica a Suiza, y en 1803 exhibió su gran cuadro de "Calais Pier" (Galería Nacional) en la Royal Academy, su primera pintura al óleo importante. Hasta ahora, sus pocas pinturas al óleo habían sido aburridas y pesadas en tono, sin una ejecución interesante, y completamente inferiores a sus acuarelas. El "muelle de Calais" en su camino es una obra maestra, aunque no muestra nada del brillo y la luminosidad de su obra posterior. En él comienza su larga rivalidad con los maestros del pasado, ya que su inspiración es sin duda el trabajo de los pintores holandeses de paisajes marinos. En el dibujo de las olas, inmediatamente las supera. Pintores como Van de Velde y Van de Capelle habían pintado cuadros de mares suaves que tenían mucho más aspecto del agua que este cuadro, pero al pintar mares agitados sus olas son tratadas demasiado como meros perfiles sin cuerpo ni peso. Aquí Turner capta a la vez el peso y el volumen del agua. El brillo en la superficie del agua por el que no se ha preocupado mucho, pero la fuerza y el peso de las olas son fabulosos, y están completamente modelados como un escultor los modelaría. La sorprendente verdad de su dibujo de olas fue uno de los puntos en los que Ruskin basó el reclamo de Turner de superioridad sobre los maestros del pasado, y en este primer paisaje marino hay una justificación completa del reclamo. Nunca antes se había pintado un mar así, y en este punto del dibujo de olas quizás nunca haya sido superado incluso por el propio Turner.
Desde este momento hasta 1819, cuando hizo su primera visita a Italia, los poderes de Turner como pintor de petróleo se desarrollaron gradualmente en rivalidad con varios maestros, especialmente Claude. Esta rivalidad con Claude alcanzó su apogeo en 1815, cuando "Dido construyendo Cartago" (Galería Nacional) y "Crossing the Brook" (Galería Nacional, 497) se exhibieron en la Real Academia. El "Dido" es una imitación franca de una de las composiciones clásicas típicas de Claude, y en él Turner sintió que había superado a su maestro, porque lo dejó a la nación junto con "El sol saliendo a través del vapor" (Galería Nacional), para colgar para siempre junto al "Embarque de la reina de Saba" de Claude (Galería nacional) y "El matrimonio de Isaac y Rebecca" (Galería nacional). Las opiniones pueden diferir en cuanto al éxito de Turner en esta larga rivalidad, pero no cabe duda de que había aprendido mucho de Claude, y en "Crossing the Brook" se le puede ver aplicando los métodos del paisaje clásico a una escena inglesa. Aquí las convenciones clásicas se limitan al primer plano de la imagen, y en la distancia y el cielo, Turner se basa en su propio estudio de la naturaleza. Esta es la parte de la imagen que inevitablemente llama la atención. Está lleno de un delicado aire y luz solar, y una sensación de infinito detalle, sentido más que visto, que Claude nunca logró.
Mientras continuaba esta rivalidad con Claude, Turner al mismo tiempo emulaba deliberadamente a otros maestros. En "Spithead: la tripulación del barco recuperando un ancla" (National Gallery), continuó su competencia con los pintores holandeses de paisajes marinos. En "The Frosty Morning" (Galería Nacional), con su esquema sobrio y austero de marrones y grises, rindió homenaje a Crome, y si no logra la dignidad y la fuerza de Crome, tiene una mayor delicadeza en su atmósfera, y la pálida luz del sol comenzaba a derretir la escarcha sobre la hierba. En "La Sagrada Familia", mide su fuerza con Tiziano, en "El Dragón de las Hespérides" con Poussin, y en algunas figuras pequeñas incluso entra en las listas con Wilkie. En una serie de pequeños bocetos, principalmente en el vecindario del Támesis y Windsor, ejecutados entre 1805 y 1810, se acerca a la manera de Constable. Mientras tanto, continuó produciendo exquisitas acuarelas que eran completamente suyas.
Para 1819, la fecha de su primera visita a Italia, ya había producido algunas de sus mejores imágenes: "Calais Pier", "Crossing the Brook", "Walton Bridges" y "The Frosty Morning", son todas obras maestras en su camino – y se había sacudido el tono pesado de su trabajo anterior. Como colorista de agua no tenía rival, y podía pintar olas, cielos y distancias como nadie lo había hecho antes, pero su estudio de la luz como un fin en sí mismo apenas había comenzado.
La brillantez de la luz del sol y la riqueza opulenta de su material pictórico en Italia, al principio casi lo abrumaron, y la primera de sus imágenes italianas no se encuentra entre las más exitosas, aunque inauguran una nueva etapa en su carrera caleidoscópica. Hasta ahora, sus imágenes hechas en rivalidad con Claude se habían basado en el material que el mismo Claude suministraba, pero ahora por primera vez vio el escenario real que había inspirado a Claude, y comenzó a pintar imágenes basadas en el esquema general de composición de Claude pero con material tomado directamente de la naturaleza. La "Bahía de Baiae" (Galería Tate) ilustra esta fase. Hay mucho de artificial, pero se presenta en una clave más alta que su trabajo anterior, y comienza a mostrar un nuevo sistema de traducción de los valores de tono de la naturaleza, y una nueva observación del efecto de la luz sobre el color.
Fue en su tratamiento de la luz que Turner fue más revolucionario. Los maestros mayores habían intentado usar la misma escala de tonos en sus imágenes que encontraban en la naturaleza, con el resultado de que grandes áreas de sus imágenes fueron forzadas a una oscuridad comparativa. Turner se dio cuenta de que debía traducir los tonos de la naturaleza a otra escala si quería preservar un efecto de verdad general, ya que el rango de tono en la naturaleza desde la plena luz del sol hasta la oscuridad absoluta es mucho mayor que la escala del pintor. paleta de blanco a negro. En consecuencia, si un pintor emplea los mismos intervalos tonales que la naturaleza, llega al final de su escala demasiado pronto. Este sistema de tonos se puede usar con bastante éxito siempre que el sujeto representado comprenda solo una banda estrecha de la escala completa de los tonos de la naturaleza, pero en sujetos de luz solar brillante, como Turner se ocupó en la vida posterior, se vuelve imposible. Él superó esta dificultad y logró un efecto de verdad general al reducir en gran medida los intervalos tonales en sus imágenes. Si tomamos las figuras convencionales de 1, 000 y 100 para representar las escalas completas en la naturaleza y en la paleta del pintor, entonces Turner representa un intervalo de un tono en la naturaleza por una décima de tono en su propia escala. Es muy improbable que Turner haya elaborado deliberadamente cualquier esquema de este tipo, y ciertamente no lo usó consistentemente si lo hizo, pero estas cifras dan una indicación general de la forma en que resolvió los problemas de representar una luz brillante.
Además de esto, estudió con más precisión que nunca antes el efecto exacto producido por la luz y la atmósfera sobre el color. Se dio cuenta, por ejemplo, de que las sombras tienden a ser del color complementario de sus luces correspondientes, en lugar de ser simplemente un tono más oscuro del mismo tono. En ambos sentidos, en su sistema de tono y en su tratamiento del color, Turner fue un precursor de los impresionistas franceses, y fue en parte la vista de sus cuadros en 1870 lo que llevó a Claude Monet y Camille Pissarro al desarrollo del impresionismo. técnica.
La propia actitud de Turner hacia la naturaleza era, por supuesto, bastante diferente de la de los impresionistas franceses, que estaban casados con la verdad científica exacta. Turner estaba mucho menos preocupado que ellos por la impresión visual de las cosas vistas, y mucho más por la impresión mental que le causaron. Estudió los hechos visuales de la naturaleza como un medio de expresión personal, y aplicó el conocimiento que acumuló a la creación de visiones gloriosas de color y luz, que son todo menos transcripciones literales de la naturaleza. La naturaleza era para él un medio de imaginación tanto como lo fue para William Blake, y sus imágenes tienen una poesía deliberada que desagrada a algunos gustos modernos. La vena épica en su obra alcanzó su culminación en el magnífico "Ulises burlándose de Polifemo" (Galería Nacional), que se exhibió en la Academia en 1829, un sueño resplandeciente de color ricamente orquestado que late con una luz ardiente. Después de esta fecha, su trabajo se vuelve cada vez más lírico en los sentimientos, y la luz pura se convierte casi en una obsesión con él.
La relación de la luz con la forma y el color en su obra posterior es casi el reverso exacto de lo que había sido en pintores anteriores. Entre los maestros anteriores, la luz había sido tratada simplemente como el medio por el cual se ven la forma y el color. Los pintores posteriores, Claude, Rembrandt y otros, en sus diversas formas, habían llegado a apreciar los efectos de la luz en las cosas por su propio bien, pero en las últimas formas de trabajo de Turner dejan de tener importancia, excepto como superficies reflectantes de la luz. En el "Interior de Petworth" (Galería Nacional), las formas se han fundido en el resplandor omnipresente, que es el tema real y único de la imagen. En este y otros trabajos posteriores, la forma y el color son simplemente los medios por los cuales se ve la luz.
Gran parte de la vida posterior de Turner se pasó en el extranjero, especialmente en Suiza, el norte de Italia y Venecia, y casi hasta el final estaba produciendo acuarelas de estos lugares que tienen una exquisita delicadeza y belleza. Su trabajo posterior en aceites fue malentendido en su propio tiempo, incluso por Ruskin, y muchas de sus más bellas impresiones de luz y color se almacenaron durante muchos años en los sótanos de la Galería Nacional, de donde fueron rescatados por fin para ser colgados en Millbank Algunos de estos están muy desvaídos, porque Turner no era más cuidadoso con la química de la pintura que Reynolds. Otros conservan una belleza de ensueño que no tiene paralelo en el arte.
Aceites, acuarelas y dibujos de Turner cuelgan en el mejores museos de arte alrededor del mundo.
Para los exponentes de la pintura paisajística romántica influenciada por Turner, ver: Escuela del río Hudson (fl.1825-75) y Luminismo (fl.1850-75).
Si observa un error gramatical o semántico en el texto, especifíquelo en el comentario. ¡Gracias!
No se puede comentar Por qué?