La sepultura de Cristo, Caravaggio:
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Descripción

Nombre : El Entierro de Cristo (Deposizione) (1601-3)
Artista Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610)
Medio : Pintura al óleo sobre lienzo
Género : Pintura de la historia (religioso)
Movimiento : Pintura barroca
Ubicación : Pinacoteca Vaticana, Roma

Para una explicación de otras imágenes importantes de la época barroca, ver: Pinturas famosas analizadas (1250-1800).

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Caravaggio se ubica junto al mejores artistas de todos los tiempos por su enfoque ultranaturalista Arte barroco – que involucra imágenes realistas de Cristo, la Virgen María, santos y profetas, lo que marcó un cambio fundamental de lo más idealista Pintura manierista e hizo mucho para contrarrestar el reenvasado Arte del alto renacimiento de Annibale Carracci y sus seguidores Ver también: Clasicismo y naturalismo en la pintura italiana del siglo XVII. (1600-1700).

Nuevo de Caravaggio naturalismo fue precisamente lo que el Concilio de Trento había planeado en la década de 1550 cuando exigió una nueva forma de Arte de la Contrarreforma católica que la gente común podría entender e inspirarse. Pero muchos funcionarios conservadores del Vaticano lo consideraron demasiado grosero y, a veces, demasiado irrespetuoso, para ser instalado en una iglesia. Sin inmutarse, Caravaggio continuó pintando escenas dramáticas con personas reales "verrugas y todo". Demostró un dominio completo de la luz y la oscuridad, utilizando la técnica de claroscuro para agregar volumen a sus figuras y tenebrismo inyectar sus cuadros con verdadero drama. Más tarde, este estilo de ’ Caravagismo ’sería copiado por algunos de los grandes maestros antiguos, como Rubens (1577-1640) Rembrandt (1606-69) y Vermeer (1632-1675). A pesar de su merecida notoriedad como "genio del mal", Caravaggio fue sin duda el más grande de todos. Artistas barrocos italianos de principios del siglo 17. Ver también: Las visitas de Caravaggio a Nápoles (1607-10).

La sepultura de Cristo : la más monumental y admirada de Caravaggio retablo – Fue pintado para la capilla de la Piedad en Chiesa Nuova, la iglesia de Santa María en Vallicella, Roma, que fue construida para la congregación de sacerdotes, fundada en 1561 por San Felipe Neri. El artista recibió el encargo original de Alessandro Vittrice en 1601, poco después de completar The Conversión de san Pablo camino a Damasco (1601) y El Crucifixión de San Pedro (1601) para la Capilla Cerasi en la iglesia de Santa María del Popolo. Lo completó dos años después. El original ahora es parte de la colección de Museos vaticanos, mientras que una copia cuelga en la Capella della Pietà. La pintura fue admirada universalmente por críticos de arte contemporáneo como Giulio Mancini (1559-1630), Giovanni Baglione (1566-1643) y Gian Pietro Bellori (1613-96), autor de la célebre Vidas de los artistas (Vite de’Pittori, Scultori et Architetti Moderni, 1672).

los pintura consiste en un grupo figurativo muy compacto que consta de seis personas, incluido el Cristo muerto. La mitad superior del cuerpo de Cristo (la de un trabajador muscular) está siendo apoyada por Juan el Evangelista (en la capa roja) (o posiblemente José de Arimatea), su mano derecha toca inadvertidamente la puñalada de Cristo; La mitad inferior es llevada con el apoyo de San Nicodemo, quien tradicionalmente quitó las uñas de los pies de Cristo en la cruz. Nicodemo es el personaje dominante en la imagen y su cuerpo es su ancla compositiva y espiritual. Históricamente un hombre rico, es retratado aquí como un hombre trabajador, cuya forma deliberadamente diseñada como troll sugiere un servicio devoto a su Señor fallecido. Nos mira sin pestañear desde el plano de la imagen, casi desafiándonos a interferir con el ritual y, en el proceso, atrayéndonos a la imagen.

Detrás de los dos hombres, las tres mujeres se agrupan en forma de abanico. Incluyen (de izquierda a derecha): la Virgen María, en parte oculta, representada aquí como una monja anciana, que extiende sus brazos horizontalmente en una bendición y aceptación de todo lo que ha sucedido; En el centro, con el rostro ensombrecido, está María Magdalena, la seguidora de Jesús, que se seca las lágrimas con un pañuelo blanco; a la derecha está la lamentosa María de Clopas, hermana de la Virgen María, que levanta los brazos al cielo. Ella recuerda mucho a su anterior María en la Conversión de la Magdalena (1598, Instituto de Arte de Detroit), que se basó en el modelo de 22 años Fillide Melandroni.

Los cinco dolientes están parados sobre una losa de piedra plana (anteriormente se pensaba que era la tapa de una tumba), que probablemente representa la Piedra de la Unción, donde el cuerpo de Cristo fue ungido con aceite y envuelto en una cubierta de lino, como se describe en el Evangelio de Juan.

Como de costumbre, Caravaggio intenta capturar un momento preciso durante la acción. En este caso, describe el momento justo antes de que los dos hombres lo bajaran a la tumba. En unos segundos se habrá ido y los dolientes estarán solos.

Algunos comentaristas afirman que Caravaggio tomó prestados elementos de La Lamentación de Cristo (1460-3, Uffizi, Florencia) por Roger van der Weyden, la Deposición (1507, Galleria Borghese, Roma) por Rafael y la Piedad florentina (1547-53, Museo dell ’Opera del Duomo, Florencia) por Miguel Ángel. Sin embargo, las similitudes no están claras y, en cualquier caso, el Entierro de Caravaggio es un trabajo distinto, independiente y (posiblemente) muy superior.

Composicionalmente, la pintura se basa en un patrón diagonal de forma y movimiento, desde las manos histéricas de Mary Clopas (arriba a la derecha), hasta el hombro caído de Mary Magdalene, el codo de Nicodemo y el torso de Cristo, hasta el final de la cubierta blanca (abajo a la izquierda)

El patrón en forma de abanico (Mary Clopas vertical, Mary Magdalene inclinada hacia adelante, Nicodemo arqueado y Cristo horizontal) nos presenta una cascada de extremidades y cabezas que agrega tensión y movimiento a una instantánea esencialmente ’congelada’ en el tiempo. Curiosamente, la imagen se vuelve más tranquila a medida que nuestro ojo se mueve de arriba a abajo.

Es posible leer la imagen como una alegoría de la vida y la muerte. En la cima tenemos personas vivas. En el fondo, la tumba y la muerte. En el medio, actuando como una barrera entre los dos, está Jesucristo. Ilustra el dogma católico de que solo teniendo fe en Cristo podemos evitar la muerte y ascender al cielo.

Vale la pena mencionar un pequeño detalle. En la parte inferior izquierda de la pintura hay una planta conocida como Verbascum thapsus, nombre común mullein. Se cree que posee propiedades medicinales y para alejar a los espíritus malignos, simboliza la próxima resurrección y el triunfo sobre la muerte. Caravaggio también lo incluyó en su San Juan Bautista (1604, Museo de Arte Nelson-Atkins), y Descansa en la huida a Egipto (1586, Galería Doria Pamphilj, Roma).

El Entierro de Caravaggio inspiró muchas otras obras, entre las que destacan: "El Entierro de Cristo" (c.1608, Carbón y tiza blanca, Ashmolean Museum, Oxford) de Guy Francois (1578-1650); y "The Entombment" (1612, Galería Nacional de Canadá) de Peter Paul Rubens.

A los tres años de completar el Entierro, Caravaggio huyó de Roma y buscó refugio en Nápoles, luego de una pelea en la que mató a un hombre. Cuatro años después estaba muerto. Para más información sobre su trabajo en el sur de Italia, ver: Caravaggio en Nápoles (1607-10) y Escuela Napolitana de Pintura.