Dibujo de figuras: técnicas, historia Traductor traducir

Para más información sobre el dibujo, en tiza, lápiz, carbón, pasteles y pluma y tinta, vea el arte de dibujo y el arte de dibujar .

¿Qué es dibujar figuras?

El término ’dibujo de figuras’ generalmente se refiere a la clase de instrucción (conocida como dibujo de la vida o clase de vida) que se enseña en muchas academias y escuelas de bellas artes, como el Ecole des Beaux-Arts en París, durante el cual los estudiantes estudian y dibujan una modelo en vivo sentado frente a ellos.

Este método clásico de arte representativo Se considera la mejor manera para que los aspirantes a pintores y escultores adquieran la habilidad de dibujar el cuerpo humano y dominar su línea, forma y profundidad. En comparación, copiar la figura humana de fotografías o de memoria es visto tradicionalmente como inferior por la mayoría de los maestros de arte. (Ver también: Dibujos A Lápiz tanto como Dibujos al carboncillo y Dibujos con pluma y tinta .)

El dibujo sigue siendo la base de todo tipo de bellas artes, incluidas pintura y escultura , tanto como arquitectura . Otro tipos de arte que se benefician del buen dibujo figurativo, incluyen: ilustración y manuscritos iluminados , tanto como arte de caricatura y dibujos animados.

Técnicas de dibujo de figuras: escorzo

La mayoría de los estudiantes de arte, e incluso los artistas profesionales, suelen hacer casi cualquier cosa para evitar dibujar figuras en movimiento. Una figura en movimiento es aquella que está en el medio de una acción, moviéndose del punto A al punto B. Puede estar corriendo, jalando, empujando o agarrando Torsos que se retuercen y doblan y los brazos que alcanzan envían oleadas de pánico a la mayoría de los estudiantes. classes de arte. ¿Por qué? Porque dibujar un cuerpo en movimiento presenta muchos más desafíos técnicos que un cuerpo estático enraizado en el lugar. Para ser convincente, el artista necesita presentar hábilmente el peso correcto (¿qué pierna soporta el peso del movimiento?) Y la acción muscular (qué músculos están tensos y cuáles parecen relajados). También deberá determinar la relación direccional de las extremidades entre sí. Además, tenemos el problema de escorzo : es decir, la distorsión dimensional de una extremidad que está más cerca del espectador (una extremidad, por ejemplo, puede llegar al espectador mientras que la otra se lanza hacia atrás en la dirección opuesta).

Aún más desafiante es dibujar una figura en movimiento usando un escorzo profundo. Es decir, una figura vista desde arriba o desde abajo. Visto desde abajo, por ejemplo, la barbilla y la nariz son la forma dominante; desde arriba, la forma de domo de la masa craneal se vuelve dominante. Cuando se trata de dibujar una figura en movimiento, el torso es de vital importancia. Debido a que cualquier movimiento del torso arrojará las piernas, la cabeza y los brazos de su relación anterior a una nueva. El más leve movimiento de las costillas inmediatamente mueve la cabeza y los brazos. Una ayuda importante para dibujar es lo que se conoce como la línea central. Esta es una línea imaginaria que atraviesa el cuerpo. Ayuda al artista a mantener alineada la relación de diferentes partes del cuerpo. Después del torso, las piernas son de la siguiente importancia (más que los brazos) porque las piernas expresan peso y tensión. Si no se representan con precisión, hacen que el dibujo se vea inestable y poco convincente. El posicionamiento correcto de los pies y los tobillos para apoyar las piernas también es crítico. De tercera importancia son las armas. Si bien los movimientos de los brazos no causan un gran desplazamiento del torso o las piernas, son capaces de realizar una amplia gama de movimientos únicos. Siempre deben considerarse como una sola unidad, nunca representadas individualmente. A los artistas se les enseña a visualizar una línea imaginaria que se extiende desde un brazo, sobre la clavícula y hacia el otro brazo.

Dibujar una figura en movimiento con precisión es una habilidad altamente técnica, una de las mejores para siempre. Viejos maestros de nuestro tiempo, incluidos Miguel Ángel, Tintoretto y Leonardo da Vinci.

¿Qué sucede en una clase de dibujo de vida?

También llamada Life Drawing, la mayoría de las clases de dibujo de figuras implican dibujar un modelo desnudo. Sin ropa, el modelo se puede representar de una manera atemporal. (Ver también Desnudos femeninos .) Despojado de cultura y lugar en el tiempo, no hay diferencia entre las figuras dibujadas hoy y las creadas en un aula del Renacimiento. La figura desnuda, dependiendo de la pose y la habilidad artística, puede sugerir todos los aspectos de la humanidad, desde lo patético hasta lo narcisista o heroico. Si asiste a una clase de dibujo de figuras, está participando en una tradición que tiene cientos, posiblemente miles de años. La estructura de su clase dependerá del lugar y la persona que ofrezca el curso. Algunos maestros prefieren dejar que los estudiantes hagan sus propios bocetos, ofreciendo consejos o correcciones a medida que avanza el trabajo. Otros maestros adoptan un enfoque más instructivo: primero haciendo y luego alentando a los estudiantes a intentarlo. El último enfoque es más apropiado para estudiantes principiantes.

Curso típico de dibujo de figuras

El siguiente es un resumen de un típico curso de dibujo de figuras de 6 etapas. Durante la clase, se puede usar una variedad de medios para representar el cuerpo del modelo, que incluyen: lápiz, bolígrafo y tinta, carbón, crayón, pasteles, tiza o técnica mixta, aunque el lápiz es la herramienta clásica. (Ver también: Dibujos A Lápiz tanto como Dibujos al carboncillo y Dibujos con pluma y tinta .)

Nivel 1
Proporciones básicas del cuerpo humano y cómo todas las partes se relacionan entre sí.

Etapa 2
Dibujar un modelo en vivo en forma 3D, captar medidas y la línea central.

Etapa 3
Creando una silueta convincente y aprendiendo a dibujar la cabeza, el torso, las piernas y los brazos con precisión.

Etapa 4
Continúa practicando la figura humana, agregando también tonos y sombras para un modelado y un sombreado de sombras más convincentes.

Etapa 5
Practique dibujar las manos y los pies desde diferentes ángulos y trabaje en sus habilidades de modelado y renderizado.

Etapa 6
Cree dibujos terminados listos para la exposición grupal o para su cartera.

Historia del dibujo de figuras

Los primeros dibujos conocidos de figuras humanas fueron creados como parte de la tradición prehistórica de pintura rupestre , desde aproximadamente 17, 000 a. C. en adelante, en Francia y Australia. En Francia, el primer dibujo de un hombre, una figura propensa a un palo, se puede ver en el Eje del Hombre Muerto (15, 000 a. C.) en Cueva Lascaux , en la Dordoña. En el otro lado del mundo, las formas humanas aparecieron por primera vez en la región de Kimberley de Australia Occidental. Conocido como "The Bradshaws", este estilo único de arte aborigen , de al menos 17, 000 años de antigüedad, consiste en figuras de palo (hasta 6 pies de altura) dibujadas en finos detalles con proporciones anatómicas precisas. A pesar de que los animales se dibujan de una manera bastante realista, los dibujos paleolíticos de humanos siguen siendo rígidamente no naturalistas. Hasta finales de la era Mesolítica (c. 6000 a. C.) no vemos más imágenes de seres humanos de aspecto natural. Sin embargo, el hecho de que estos dibujos de hombres de fósforos hayan sobrevivido es un milagro, y se debe en gran medida al hecho de que los artistas dibujaron en la roca.

Arte antiguo de las primeras civilizaciones de la antigüedad (Mesopotamia, Antiguo Egipto, Grecia, Persia, Roma) también presentaban dibujos de humanos, pero generalmente estos se bosquejaron en medios menos resistentes a la intemperie, como papiros o paneles de madera, y pocos han sobrevivido. El único tipo de arte figurativo que sobrevivió a la antigüedad en una cantidad significativa fue la escultura estatuaria y en relieve, aunque los escultores griegos antiguos lograron inspirar a las generaciones posteriores de albañiles, pintores y dibujantes. (Ver también: Arte griego .) En particular, defendieron la idea de que el cuerpo humano era el sujeto ideal para un trabajo de Art º : una visión que se hizo eco y se desarrolló aún más por los maestros de la Renacimiento italiano , en particular, Leonardo, Miguel Ángel y Rafael. Por su influencia, ver también el Renacimiento clásico en el arte moderno (1900-30).

Renacimiento italiano: la edad de oro del dibujo

Fueron estos tres artistas en particular los que hicieron el dibujo, o disegno – respetable, ya que hasta entonces se había considerado como un simple trabajo de diseño preparatorio, en lugar de una forma independiente de arte fino – o, se usó simplemente para grabar y copiar obras de arte terminadas, incluidas pinturas y estatuas. La disponibilidad más amplia de papel después de 1550 también significó que los dibujos podrían producirse y recogerse más fácilmente. Leopold de Medici y Giorgio Vasari acumularon una gran colección de bocetos (Medici había acumulado 12, 000 dibujos en 1689). La era del Renacimiento (c.1400-1600) sin duda representó el apogeo del dibujo como una forma de arte. Los aprendices del taller que trabajaban para pintores, escultores y orfebres absorbieron los fundamentos del dibujo al trabajar con punta seca y punta metálica en tabletas de cera, antes de pasar a medios más caros, como tiza o carbón.

Leonardo Da Vinci (1452-1519)
Leonardo era un maestro de la anatomía humana topográfica, ejecutando una gran cantidad de bocetos detallados de músculos, tendones y otras características anatómicas. Tenía la intención de publicar sus dibujos en un tratado sobre anatomía, pero a su muerte en 1519, los dibujos permanecieron inéditos entre sus documentos privados. Su importancia se perdió para el mundo durante 400 años, pero hoy se pueden ver en el Colección Real Británica de Arte en la Queen’s Gallery, el Palacio de Buckingham. Se esforzó por representar la naturaleza universal del hombre. Entre sus dibujos enumeró "alegría, con diferentes formas de reír", así como la "causa de la risa". Se esforzó por capturar los diferentes movimientos de matar, ’huir, temer, ferocidad, audacia’ y ’llorar de diferentes maneras’. No contento con representar la figura humana en el exterior, Leonardo quería saber qué los hacía funcionar por dentro. En el siglo XVI, la Peste Negra plagó a Europa, y el artista aprovechó al máximo la oportunidad diseccionando tantos cadáveres como pudo. Probablemente fue uno de los primeros artistas en dibujar con precisión el sistema reproductivo humano. Otras obras maestras de Leonardo incluyen: Head of Girl , (estudio para Virgen de las rocas 1483) ejecutado con punta plateada sobre papel marrón claro; Cinco cabezas grotescas (1494), dibujo a pluma y tinta.

Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564)
Miguel Ángel También fue un prolífico dibujante, dibujante y exponente del arte figurativo. Después de la muerte de Rafael en 1520, dominó Arte renacentista por otros 40 años. Su principal interés era el desnudo masculino y dibujó implacablemente figuras en diferentes poses en un intento de descubrir la esencia de su espíritu. Realizó numerosos estudios preliminares para sus dos esculturas de obras maestras, la Piedad y David , así como copias de bocetos para su hito Génesis fresco (1508-12) y Juicio Final fresco (1536-41), pintada en el techo y en la pared del altar de la Capilla Sixtina. (Ver también: el Creación de Adán .) Los otros dibujos de Miguel Ángel abarcan obras en pluma y tinta, pluma y lavado, carbón y tizas rojas y negras. Nunca tuvo la intención de que la mayoría de sus dibujos se exhibieran en público y se hubiera horrorizado ante la idea. Los biógrafos especulan que tal vez fue porque deseaba ocultar la cantidad de trabajo de preparación que hizo para sus principales trabajos. De hecho, justo antes de morir, quemó muchos de sus dibujos. Quizás una excepción fue su dibujo Tityus (1533, Royal Collection, Windsor Castle). Tityus fue un regalo y uno de los primeros dibujos en considerarse una obra de arte por derecho propio.

Rafael (Raffaello Santi) (1483-1520)
Rafael , otro maestro de la anatomía humana, a menudo comenzó a dibujar su figura con un dibujo inferior con un lápiz. La punta afilada de este instrumento dejó impresiones débiles en la superficie del papel. Luego dibujó con tiza roja sobre las impresiones cuando estuvo satisfecho con el contorno. Un ejemplo es su estudio para la Sibila Frigia (1511, Museo Británico). Esta figura femenina está vestida con cortinas clásicas y tiene brazos y piernas muy masculinos (probablemente fue extraída de un modelo masculino). Muchos de los dibujos de Rafael están terminados en alto grado, con reflejos blancos y sombreados. A menudo confiaba en los dibujos para refinar sus poses para sus pinturas, y a juzgar por la gran cantidad de bocetos sobrevivientes, era más prolífico en esta área que Miguel Ángel y Leonardo.

Grandes exponentes renacentistas del dibujo de figuras

Medios de dibujo utilizados por artistas del Renacimiento

Estos son solo algunos ejemplos de los medios utilizados en Dibujos renacentistas y bocetos para obtener efectos precisos.

La tiza roja fue otro medio de dibujo popular durante la era del Renacimiento, ya que era el medio preferido para los bocetos desnudos debido a su maleabilidad y su capacidad para retratar la carne humana.

Dibujos modernos de la figura humana

Desde el Renacimiento, casi todos los movimientos artísticos, incluidos el barroco, el rococó, el neoclasicismo, el realismo, el impresionismo y el expresionismo, han presentado artistas con un talento supremo en el dibujo y que ejecutaron dibujos en una amplia variedad de medios. Aquí hay un pequeño puñado de grandes dibujantes con ejemplos de sus trabajos.

Albrecht Durer : Virgen con muchos animales (1503, Albertina, Viena)
Rembrandt : Un artista en un estudio (1632, Rijksmuseum)
Nicolas Poussin : Secuestro de las sabinas (1634, Met Museum NYC)
Watteau : Estudio para L’Indifferent (1710, Rotterdam)
Francois Boucher : Vertumnus y Pomona (1760–70, Met Museum NYC)
Jacques-Louis David: Desnudo masculino (1764, Louvre)
Jacques-Louis David : Los tres hermanos Horatii (1785, Musee Bonnat)
Pierre-Paul Prud’hon: Mujer sentada desnuda (c.1795-1800, Met Museum NYC)
Goya : Tres hombres cavando (c.1800, Prado)
Edouard Manet: Deux Religieux Agenouilles (1857, Musée d’Orsay)
Honore Daumier : Discusión literaria en segunda clase (1864, Le Charivari)
Honore Daumier: The Third Class Carriage (1864, Museo de Arte Walters)
Edgar Degas : Bailarina ajustando su zapatilla (1873, Met Museum NYC)
Edgar Degas: Mujer bañándose en una bañera poco profunda (1885, Musee d’Orsay)
Edgar Degas: bailarines azules (1899, Museo de Bellas Artes Pushkin)
Edgar Degas: The Dancers (1899, Museo de Arte de Toledo)
Henry Moore: Mujeres sentadas en el metro (1941, Tate)
Francis Bacon : Figura giratoria (1959-62, Tate Collection)

¿Cuánto vale un dibujo?

Es solo un boceto en papel, ¿verdad? ¿Qué puede valer realmente? Bueno, en 2012, un boceto de la cabeza de un hombre titulado Cabeza de un joven apóstol (1519) de Raphael se vendió por un récord de £ 29.7 millones en una subasta, rompiendo su estimado de preventa de £ 10-15 millones.