Dibujo de figuras: técnicas, historia Traductor traducir

El término «dibujo de figuras» suele referirse a una clase de estudio (dibujo del natural) que se imparte en muchas academias y escuelas de bellas artes, como la École des Beaux-Arts de París, durante la cual los alumnos estudian y dibujan a un modelo vivo sentado frente a ellos.

Este método clásico de las bellas artes se considera la mejor manera de que los aspirantes a pintores y escultores adquieran la destreza de dibujar el cuerpo humano y dominen su línea, forma y profundidad. En comparación, la copia de la figura humana a partir de fotografías o de memoria es considerada tradicionalmente inferior por la mayoría de los profesores de arte. (Véase también: Dibujos a lápiz, así como Dibujos a carboncillo y Dibujos a pluma y tinta .)

El dibujo sigue siendo la base de todas las artes visuales, incluidas la pintura y la escultura, así como la arquitectura . Otras artes que se benefician de un buen dibujo figurativo son: la ilustración y los manuscritos iluminados, así como el arte de la caricatura y los dibujos animados.

Técnicas de dibujo de figuras: el escorzo

La mayoría de los estudiantes de arte e incluso los artistas profesionales tienden a hacer todo lo posible por evitar dibujar figuras en movimiento. Una figura en movimiento es una figura que está en medio de la acción, moviéndose del punto A al punto B. Puede estar corriendo, tirando, empujando, o en movimiento. Puede estar corriendo, tirando, empujando o agarrando. Los torsos que se retuercen y doblan y los brazos que se extienden provocan oleadas de pánico entre los alumnos de la mayoría de las clases de arte. ¿Por qué? Porque dibujar un cuerpo en movimiento presenta muchas más dificultades técnicas que un cuerpo estático atado a un lugar.

Para ser convincente, el artista debe transmitir hábilmente el peso correcto (¿qué pierna soporta el peso del movimiento?) y el trabajo muscular (qué músculos están tensos y cuáles parecen relajados). También debe determinar la direccionalidad de los miembros entre sí. Además, existe el problema del escorzo : es decir, distorsionar el tamaño del miembro que está más cerca del espectador (por ejemplo, un miembro puede estar extendiéndose hacia el espectador mientras que el otro se lanza en dirección contraria).

Para más información sobre el dibujo con tiza, lápiz, carboncillo, pastel, pluma y tinta, véase el arte de dibujar, y el arte de esbozar .

Aún más difícil es el dibujo de una figura en movimiento utilizando una perspectiva profunda. Es decir, una figura representada desde arriba o desde abajo. Por ejemplo, cuando se mira desde abajo, las formas dominantes son la barbilla y la nariz; cuando se mira desde arriba, la forma dominante es la forma abovedada del cráneo. Cuando se trata de dibujar una figura en movimiento, el torso tiene una importancia clave. Al fin y al cabo, cualquier movimiento del torso hace que las piernas, la cabeza y los brazos salgan de su relación anterior y entren en una nueva. El más mínimo movimiento de las costillas desplaza inmediatamente la cabeza y los brazos.

Una ayuda importante en el dibujo es la llamada línea central. Se trata de una línea imaginaria que atraviesa el cuerpo. Ayuda al artista a mantener interconectadas las distintas partes del cuerpo. Después del torso, las piernas son lo más importante (en mayor medida que los brazos) porque expresan el peso y la tensión. Si no se representan con precisión, el dibujo parece inestable y poco convincente.

También es muy importante la posición correcta de los pies y los tobillos que sostienen las piernas. Las manos ocupan el tercer lugar en importancia. Aunque los movimientos de los brazos no provocan grandes desplazamientos del torso o las piernas, son capaces de una amplia gama de movimientos únicos. Siempre deben verse como un todo, nunca representados de forma aislada. A los artistas se les enseña a visualizar una línea imaginaria que parte de un brazo, pasa por la clavícula y desciende hasta el otro brazo.

Dibujar con precisión una figura en movimiento es una habilidad muy técnica que han practicado desde siempre algunos de los más grandes maestros antiguos de nuestro tiempo, como Miguel Ángel, Tintoretto y Leonardo da Vinci.

¿Qué ocurre en las clases de dibujo al natural?

También llamado dibujo al natural, la mayoría de las clases de dibujo de figuras implican dibujar un modelo desnudo. Sin ropa, el modelo puede ser representado de una manera atemporal. (Véase también Desnudos femeninos) Dejando a un lado la cultura y el lugar en el tiempo, no hay diferencia entre las figuras que se pintan hoy en día y las que se creaban en las aulas del Renacimiento. La figura desnuda, dependiendo de la pose y de la habilidad artística, puede reflejar cualquier aspecto de la humanidad, desde lo patético a lo narcisista, pasando por lo heroico.

Si tomas una clase de dibujo de figuras, estás participando en una tradición que tiene cientos, quizás miles de años. La estructura de la clase dependerá del lugar y de la persona que imparta el curso. Algunos profesores prefieren dejar que los alumnos dibujen por su cuenta, ofreciéndoles consejos o correcciones sobre la marcha. Otros adoptan un enfoque más instructivo: primero hacen y luego animan a los alumnos a probar cosas. Este último enfoque es más apropiado para los alumnos principiantes.

Un curso típico de dibujo de figuras

El siguiente es un diagrama de un curso típico de dibujo de figuras de 6 pasos. Durante el curso, se puede utilizar una variedad de medios para representar el cuerpo del modelo, incluyendo: lápiz, pluma y tinta, carboncillo, lápices de colores, pasteles, tiza, o medios mixtos, aunque la herramienta clásica es el lápiz. (Véase también: Dibujos a lápiz, así como Dibujos a carboncillo y Dibujos a pluma y tinta).

Etapa 1 Las proporciones básicas del cuerpo humano y cómo todas las partes se relacionan entre sí.

Etapa 2 Dibujo de un modelo vivo en 3D, comprensión de las medidas y de la línea central.

Etapa 3 Crear una silueta convincente y aprender a dibujar con precisión la cabeza, el torso, las piernas y los brazos.

Etapa 4 Seguir trabajando la figura humana, añadiendo también tonos y sombreados para un modelado y una proyección de sombras más convincentes.

Etapa 5 Practicar el dibujo de brazos y piernas desde diferentes ángulos y trabajar el modelado y la representación.

Etapa 6 Crear dibujos acabados listos para una exposición en grupo o un portafolio.

Historia del dibujo

Los primeros dibujos conocidos de figuras humanas se crearon como parte de la tradición prehistórica del arte rupestre, que comenzó alrededor del 17.000 a.C., en Francia y Australia. En Francia, el dibujo más antiguo de un ser humano, una figura de palo, puede verse en la Val de los Muertos (15.000 a.C.) en la Cueva de Lascaux, en Dordoña. Al otro lado del mundo, las formas humanas aparecieron por primera vez en la región de Kimberley, en Australia Occidental. Conocido como «Bradshaw», este estilo único de arte aborigen, de al menos 17.000 años de antigüedad, consiste en figuras de palo (de hasta 2 metros de altura) dibujadas con minucioso detalle y proporciones anatómicas precisas. Aunque los animales se dibujan con bastante realismo, los dibujos paleolíticos de seres humanos siguen siendo rígidamente no naturalistas. No es hasta el Mesolítico tardío (c. 6.000 a.C.) cuando se observan representaciones más naturalistas de los seres humanos. Sin embargo, el hecho de que estos dibujos de hombres cerilla hayan sobrevivido es un milagro y se debe en gran medida a que los artistas dibujaban sobre piedra.

El arte antiguo de las primeras civilizaciones de la Antigüedad (Mesopotamia, Antiguo Egipto, Grecia, Persia, Roma) también contenía dibujos de personas, pero normalmente se hacían en soportes menos resistentes a la intemperie, como papiros o paneles de madera, y pocos han sobrevivido. La única forma de arte figurativo que sobrevivió en la Antigüedad en cantidad significativa fue la estatuaria y la escultura en relieve, aunque los antiguos escultores griegos consiguieron inspirar a sucesivas generaciones de albañiles, pintores y dibujantes. (Véase también: Arte griego) En particular, defendieron la idea de que el cuerpo humano era el objeto ideal para una obra de arte : los maestros del Renacimiento italiano, en particular Leonardo, Miguel Ángel y Rafael, se hicieron eco de esta opinión y la desarrollaron. Sobre su influencia, véase también El renacimiento clásico en el arte moderno (1900-1930).

El Renacimiento italiano: la edad de oro del dibujo

Fueron estos tres artistas, en particular, quienes hicieron respetable el dibujo -o disegno -, ya que hasta entonces se había considerado sólo un trabajo preparatorio para el diseño y no una forma independiente de bellas artes -o se utilizaba simplemente para registrar y copiar obras de arte acabadas, incluidas pinturas y estatuas.

La mayor disponibilidad de papel a partir de 1550 también permitió crear y coleccionar dibujos con mayor facilidad. Leopoldo Medici y Giorgio Vasari acumularon una gran colección de bocetos (en 1689, Medici había reunido 12.000 dibujos). El Renacimiento (c. 1400-1600) representa sin duda el apogeo del desarrollo del dibujo como forma artística. Los aprendices de pintores, escultores y joyeros aprendían los fundamentos del dibujo trabajando con punta seca y punta de metal sobre tablillas de cera, antes de pasar a medios más caros como la tiza o el carboncillo.

Leonardo da Vinci (1452-1519)
Leonardo era un maestro de la anatomía topográfica humana, y realizó un gran número de bocetos detallados de músculos, tendones y otras características anatómicas. Tenía la intención de publicar sus dibujos en un tratado de anatomía, pero tras su muerte en 1519 los dibujos permanecieron inéditos entre sus papeles personales. Su importancia se perdió para el mundo durante 400 años, pero hoy pueden verse en la Colección de Arte Real Británico en la Galería de la Reina, Palacio de Buckingham. Se esforzó por retratar la naturaleza universal del hombre.

Entre sus dibujos, enumeró «la alegría, con las diversas formas de reír», y «la causa de la risa». Se esforzó por representar los diversos movimientos de matar: «la huida, el miedo, la fiereza, el valor», y también «el llanto en diversas formas». No satisfecho con la representación externa del hombre, Leonardo quiso averiguar qué le hacía moverse por dentro. En el siglo XVI, la peste negra hacía estragos en Europa, y el artista aprovechó la ocasión para diseccionar todos los cadáveres que caían en sus manos.

Probablemente fue uno de los primeros artistas en dibujar con precisión el aparato reproductor humano. Otras obras maestras de Leonardo son Cabeza de muchacha, (boceto para Madonna en las rocas 1483), realizado en punta de plata sobre papel marrón claro; Cinco cabezas grotescas (1494), un dibujo a pluma y tinta.

Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564)
Miguel Ángel, fue también un prolífico dibujante, dibujante y exponente del arte figurativo. Tras la muerte de Rafael en 1520, dominó el arte del Renacimiento durante otros 40 años. Su principal interés fue el desnudo masculino, y dibujó sin descanso figuras en diversas posturas en un intento de revelar la esencia de su espíritu. Realizó numerosos bocetos preliminares para sus dos obras maestras escultóricas, la Piedad y David, así como copias de bocetos para sus emblemáticos frescos Génesis (1508-12) y Juicio Final (1536-41), pintados en el techo y en la pared del retablo de la Capilla Sixtina. (Véase también: La Creación de Adán)

Otros dibujos de Miguel Ángel incluyen obras en pluma y tinta, pluma y aguada, carboncillo y lápices de colores rojo y negro. Nunca pensó exponer públicamente la mayoría de sus dibujos y le habría horrorizado la idea de hacerlo. Los biógrafos especulan con la posibilidad de que esto se debiera a su deseo de ocultar la cantidad de trabajo preparatorio que realizaba para sus obras más importantes. De hecho, poco antes de su muerte, quemó muchos de sus dibujos. Una excepción puede haber sido su dibujo «Ticio» (1533, Colección Real, castillo de Windsor). El Ticio fue un regalo y uno de los primeros dibujos considerados una obra de arte por derecho propio.

Rafael (Raffaello Santi) (1483-1520)
Rafael, otro maestro de la anatomía humana, solía comenzar sus esbozos de la figura dibujando por debajo con un estilete. La punta afilada de este instrumento dejaba débiles impresiones en la superficie del papel. Luego dibujaba con tiza roja sobre las impresiones cuando estaba satisfecho con el contorno. Un ejemplo es su boceto para «Sibila frigia» (1511, British Museum).

Esta figura femenina está vestida con ropajes clásicos y tiene brazos y piernas muy masculinos (probablemente fue dibujada a partir de un modelo masculino). Muchos de los dibujos de Rafael están muy acabados, con reflejos blancos y sombreados. A menudo se basaba en los dibujos para perfeccionar las poses de sus cuadros y, a juzgar por el gran número de bocetos conservados, fue más prolífico en este campo que Miguel Ángel y Leonardo.

Los mayores exponentes del dibujo de figuras del Renacimiento

Pisanello (1394-1455)
Fra Angelico (c.1395-1455)
Iacopo Bellini (1400-1470)
Fra Filippo Lippi (1406-1469)
Benozzo Gozzoli (1420-1497)
Gentile Bellini (1429-1507)
Giovanni Bellini (1430-1516)
Andrea Mantegna (1431-1506)
Botticelli (1445- 1510)
Luca Signorelli (1445-1523)
Pietro Perugino (1445- 1523)
Leonardo da Vinci (1452-1519)
Filippino Lippi (1457-1504)
Vittore Carpaccio (ca. 1465-1525 /6)
Fra Bartolomeo (1472-1517)
Miguel Ángel (1475-1564)
Lorenzo Lotto (1480-1556)
Rafael (1483-1520)
Sebastiano del Piombo (1485-? 1547)
Andrea del Sarto (1486-1530)
Tiziano (1485-1576)
Correggio (Antonio Allegri) (1489-1534)
Giulio Romano (ca. 1492-1546)
Baccio Bandinelli (1493-1560)
Pontormo (Jacopo Carrucci) (1494-1556)
Rosso Fiorentino (1494-1540)
Parmigianino (Francesco Mazzola) (1503-1540)

Medios de dibujo utilizados por los artistas del Renacimiento

He aquí algunos ejemplos de los medios utilizados en los dibujos y bocetos renacentistas para conseguir efectos precisos.

Punto metálico y aguada marrón sobre tiza negra, realzada con blanco sobre papel rosa salmón.
Punto metálico realzado con aguada blanca sobre papel lila-gris.
Pincel y aguada de tinta marrón, trazos de aguada roja, sobre vitela.
Pluma y aguada marrón, realzada con blanco sobre trazos de tiza negra, sobre papel verde azulado.
Dibujo a pincel en temple pardo grisáceo y blanco sobre lino teñido de gris oscuro.
Moquillo blanco y aguada marrón sobre punto metálico sobre papel ocre.
Tiza negra, pluma y tinta con aguada marrón y realce blanco.
Tiza negra con realce blanco, pluma y tinta gris sobre papel gris-beige.
Pluma y tinta y aguada marrón tenue sobre tiza negra sobre papel teñido de rosa.

La tiza roja fue otro medio de dibujo popular durante el Renacimiento, ya que era el medio preferido para esbozar desnudos debido a su maleabilidad y capacidad para representar la carne humana.

Dibujos modernos de la figura humana

Desde el Renacimiento, casi todos los movimientos artísticos, incluidos el Barroco, el Rococó, el Neoclasicismo, el Realismo, el Impresionismo y el Expresionismo, han contado con artistas de gran talento para el dibujo que han realizado dibujos en diversos medios. He aquí un pequeño puñado de grandes dibujantes con ejemplos de su obra.

Alberto Durero : Virgen con muchos animales (1503, Albertina, Viena)
Rembrandt : Artista en el estudio (1632, Rijksmuseum)
Nicolas Poussin : Rapto de las Sabinas (1634, Metropolitan Museum of Art Nueva York)
Watteau : Etude para «Indiferente» (1710, Rotterdam)
François Boucher : «Vertumnus y Pomona» (1760-70, Metropolitan Museum of Art Nueva York)
Jacques-Louis David: Mujer desnuda (1764, Louvre)
Jacques-Louis David : Tres hermanos Horacio (1785, Museo de Bonn)
Pierre-Paul Prudon: Mujer desnuda sentada (ca. 1795-1800, Met Museum NYC)
Goya : Tres hombres cavando (c. 1800, Prado)
Edouard Manet : Dos agentes religiosos (1857, Musée d’Orsay)
Honoré Daumier : Discusión literaria en la segunda clase (1864, Le Charivari)
Honoré Daumier: El vagón de tercera clase (1864, Walters Art Museum)
Edgar Degas : Bailarina corrigiendo una zapatilla (1873, Met Museum NYC)
Edgar Degas: Mujer bañándose en una bañera poco profunda (1885, Musée d’Orsay)
Edgar Degas: Bailarinas azules (1899, Museo Pushkin de Bellas Artes)
Edgar Degas. Museo Pushkin de Bellas Artes)
Edgar Degas: Bailarinas (1899, Museo de Arte de Toledo)
Henry Moore: Mujeres sentadas en el metro (1941, Tate)
Francis Bacon : Turning Figure (1959-62, Tate Collection)

¿Cuánto vale un dibujo?

Es sólo un boceto en papel, ¿verdad? ¿Cuánto puede valer realmente? En 2012, un boceto de la cabeza de un hombre titulado «Cabeza de un joven apóstol» (1519) de Rafael se vendió en una subasta por la cifra récord de 29,7 millones de libras, superando la estimación previa a la venta de entre 10 y 15 millones de libras.

DESARROLLO HISTÓRICO
Véase: Cronología de la Historia del Arte .