Fotografía de bellas artes: definición, historia, tipos Traductor traducir

El término «arte fotográfico», o «fotografía artística» no tiene un significado o definición universalmente aceptados: más bien, denota una categoría imprecisa de fotografías producidas según la visión creativa del fotógrafo. La idea básica que subyace a este género es que, en lugar de retratar de forma realista al sujeto, el fotógrafo pretende crear una impresión más personal, normalmente evocadora o atmosférica. Podemos simplificar este esquema diciendo que la fotografía artística describe cualquier imagen tomada con una cámara en la que la intención es estética (es decir, una fotografía cuyo valor reside principalmente en su belleza - véase, Estética) en lugar de científica (fotografías con valor científico), comercial (fotografías de productos) o periodística (fotografías con valor informativo o ilustrativo).

Véase también: ¿Es arte la fotografía?

Las fotografías artísticas se utilizan a menudo en arte collage (más correctamente foto-collage) por artistas como David Hockney (n. 1937)); y en el fotomontaje) utilizado por los dadaístas Raoul Hausmann (1886-1971), Helmut Herzfelde (1891-1968) y Hannah Hoch (1889-1979), los surrealistas Max Ernst (1891-1976), el grupo vanguardista Fluxus en la década de 1960, y los artistas pop Richard Hamilton. La fotografía también puede incorporarse a instalaciones de arte mixto y de ensamblaje . Hoy en día, la fotografía se expone en muchas de las mejores galerías de arte contemporáneo de todo el mundo.

Historia del desarrollo técnico

Inventada en las primeras décadas del siglo XIX y objeto de numerosas mejoras durante la época del arte victoriano, la fotografía captaba instantáneamente más detalles e información que los métodos tradicionales de reproducción como la pintura o la escultura . El desarrollo técnico de la fotografía fue gradual, aunque un salto significativo fue el descubrimiento en 1839 de las emulsiones sensibles a la luz que hicieron posible tomar fotografías en blanco y negro. Otros avances técnicos importantes en la historia de la fotografía, son los siguientes.

El fotograbado fue inventado en 1822-5 por el francés Joseph Niépce (1765-1833), quien también tomó la primera fotografía del natural en 1826. Las mejoras (reducción del tiempo de exposición, daguerrotipo) fueron descubiertas por el profesor alemán Heinrich Schulz (1687-1744) y el físico francés Louis Daguerre (1787-1851) en 1837, siendo Daguerre el responsable de la primera fotografía de un hombre en 1839.

Paralelamente, en 1832, el artista e inventor franco-brasileño Hercule Florence (1804-1879) creó un proceso similar denominado Photographie, y el inventor inglés y primer especialista en cámaras fotográficas William Fox Talbot (1800-1877) se dedicó a la invención del calotipo, que permitía la producción de imágenes en negativo . Sus investigaciones sobre la reproducción fotomecánica en la década de 1840 condujeron al descubrimiento del proceso de grabado fotográfico, predecesor del fotograbado .

El científico experimental inglés John Herschel (1792-1871) inventó el proceso de cianotipia y fue el primero en introducir los términos « fotografía», « negativo» y « positivo». En 1851 Frederick Scott Archer (1813-1857) hizo públicos los resultados de sus investigaciones sobre el proceso de colodión de placa húmeda, lo que aumentó enormemente la disponibilidad de la fotografía para el público en general, al igual que la llegada del rollo de película en 1884 por el innovador estadounidense George Eastman para sustituir a las placas fotográficas . En 1908, el científico francés Gabriel Lippmann (1845-1921) recibió el Premio Nobel de Física por sus mejoras en la reproducción fotográfica del color.

El desarrollo del proceso fotográfico estuvo repleto de descubrimientos e inventos de este tipo, y durante el siglo XIX se produjeron muchos otros avances en la fabricación de placas fotográficas y en los métodos de impresión.

Entre los fotógrafos victorianos se encuentran John Edwin Mayall (1813-1901), que tomó algunas de las primeras fotografías de la reina Victoria y el príncipe Alberto; Julia Margaret Cameron (1815-1879), conocida por sus retratos fotográficos e imágenes mitológicas; y Oscar Gustav Rejlander (1813-1875), camarógrafo sueco y experto en fotomontaje que trabajó con Charles Darwin en «La expresión de las emociones en el hombre y los animales» .

En el siglo XX, los avances en la tecnología fotográfica dominaron las mejoras en el cine y la cinematografía, dando lugar a la aparición de nuevas formas creativas como el arte de animación, los dibujos animados y el videoarte .

El uso de la fotografía en el arte

La fotografía tiene su origen en la cámara oscura, un instrumento que proyectaba una imagen a través de un pequeño orificio, lo que permitía al artista hacer una copia exacta de un objeto o escena. La primera mención de su uso como ayuda al dibujo aparece en Magia Naturalis, un tratado científico del erudito italiano Giambattista della Porta. Se cree que muchos maestros antiguos de los siglos XVII y XVIII, entre ellos Jan Vermeer (1632-1675) y Canaletto (1697-1768), lo utilizaron en sus bocetos.

Con la difusión de los equipos fotográficos a partir de 1840, el uso de fotografías se generalizó tanto en la pintura de retratos como en la de paisajes. Muchos pintores figurativos y retratistas, con el fin de reducir el tiempo de trabajo con los modelos, empezaron a utilizar un nuevo medio, la fotografía, junto con los modelos.

Por ejemplo, el gran pintor realista estadounidense del siglo XIX Thomas Eakins (1844-1916) era un ávido fotógrafo y utilizaba la fotografía como parte de su búsqueda del realismo más que como reducción o ayuda para la composición y la perspectiva. Los paisajistas, en particular los impresionistas franceses, también utilizaron la fotografía como ayuda para la pintura plein air . Para más detalles, véase: Historia del arte .

La fotografía como arte

Aunque a finales del siglo XIX la fotografía había sido reconocida tanto en Gran Bretaña como en América como un arte menor - en parte a través de la promoción de revistas como «American Amateur Photographer», y organizaciones como «Society of Amateur Photographers», Society of Amateur Photographers of New York», «Photographic Society of Philadelphia» y «Boston Camera Club» - algunos fotógrafos intentaron demostrar que el nuevo medio podía ser tan artístico como otras formas de arte, como el dibujo y la pintura.

Dos de estos artistas fueron Alfred Stieglitz (1864-1946) y Edward Steichen (1879-1973). Ambos contribuyeron decisivamente a convertir la fotografía en bellas artes, y a Stieglitz en particular (y a su esposa Georgia O’Keeffe) - en colecciones de museos. En 1902 se produjo un acontecimiento histórico cuando Stieglitz formó la Association of Creative Photographers Photo-Secession en América y comenzó a publicar su revista Camera Work (1902-17), que rápidamente se convirtió en un foro para el arte contemporáneo de todo tipo. En 1905 Stieglitz y Steichen fundaron una galería en Nueva York «291», especializada en arte de vanguardia, en particular fotografías, pinturas y esculturas.

Pictorialismo (c. 1885-1915)

Mientras Stieglitz y Edward Steichen hacían todo lo posible por promover la fotografía como una forma de arte de pleno derecho, el pictorialismo -el primer gran estilo de arte fotográfico- se puso de moda entre los artistas objetivistas a finales de siglo. El pictorialismo se refería a fotografías (normalmente de ensueño, «de enfoque suave») que en realidad «se creaban» en un cuarto oscuro. En lugar de capturar una imagen de un sujeto concreto, el fotógrafo manipulaba el proceso de impresión para conseguir el efecto deseado.

Para el operador pictorialista, la fotografía era un objeto de manipulación, del mismo modo que un pintor manipula su lienzo y su paleta de colores. Entre los fotógrafos pictorialistas más famosos se encuentran Man Ray, conocido por sus Rayografías, Alfred Stieglitz, Edward Steichen, F. Holland Day, Clarence H. White, William Notman, Sidney Carter, Constant Puyo, Pierre Dubreuil, Heinrich Kuhn, Hugo Henneberg, Ogawa Kazumasa, Harold Kazno y John Kauffman.

Aunque el pictorialismo permitió a artistas experimentales como Man Ray llevar la fotografía a un nuevo nivel de creatividad, como forma de arte resultó decepcionante porque gran parte de la creatividad consistía en manipular productos químicos y herramientas en un cuarto oscuro en lugar de trabajar con una cámara. Véase. también los artistas alemanes del fotomontaje dadaísta Raoul Hausmann (1886-1971) y John Hartfield (Helmut Herzfeld) (1891-1968), así como el innovador pero controvertida artista y cineasta Leni Riefenstahl (1902-2003), asociada al arte nazi en forma de pictorialismo propagandístico.

Para artistas de finales del siglo XX que utilizaron fotografías como tema de sus cuadros, véase: Gerhard Richter (nacido en 1932).

Modernismo con un enfoque nítido

Como estilo influyente, el pictorialismo desaparece después de 1920, dando paso a un nuevo lenguaje de modernismo fotográfico a medida que el público empieza a favorecer imágenes más nítidamente enfocadas. A pesar de la desilusión con el pictorialismo, la fotografía ganó estatus artístico con el nuevo enfoque más nítido, gracias a las expresivas fotografías de paisajes de Edward Weston (1886-1958) y Ansel Adams (1902-1984), así como al precisionismo de Charles Sheeler (1883-1965), que reveló en su famosa serie de fotografías de la «planta automovilística «River Rouge» de la Ford Motor Co. en Michigan, y a las obras de inspiración cubista de Paul Strand (1890-1976).

Entre los fotógrafos contemporáneos que han continuado esta tradición se encuentran Bernd e Hilla Becher (1931-2007) y (n. 1934), un influyente matrimonio fundador de la Escuela de Düsseldorf, entre cuyos seguidores se encuentra el fotógrafo posmoderno Andreas Gursky (n. 1955).

Retrato del siglo XX

En las últimas décadas del siglo XIX, la fotografía empezó a desbancar a la pintura como forma moderna de retrato. En el siglo siguiente, a medida que mejoraba el equipo fotográfico, los fotógrafos ampliaron el alcance de la fotografía para incluir varios tipos de retrato, en particular el retrato de moda y el retrato callejero, así como el retrato formal más tradicional. Entre los pioneros del retrato de moda se encontraban artistas de tanto talento como Irving Penn (1917-2009), Helmut Newton (1920-2004), Richard Avedon (1923-2004), Patrick Demarchelier (n. 1943), Helmut Newton (1920-2004), Richard Avedon (1923-2004), Patrick Demarchelier (n. 1943), Mario Testino (nacido en 1954), Nick Knight (nacido en 1958) y David LaChapelle (nacido en 1963). Los retratos callejeros (o «de género») fueron el dominio de artistas como Dorothea Lange (1895-1965), Walker Evans (1903-1975), Diane Arbus (1923-1971) y Nan Goldin (nacida en 1953)). - mientras que modernistas como Cecil Beaton (1904-1980), Yusuf Karsh (1908-2002), Norman Parkinson (1913-1990), Andy Warhol (1928-1987), David Bailey (n. 1938), y Annie Leibovitz (n. 1949). (Nota: Dado el uso generalizado de los retratos «convencionales» en la prensa, muchos fotógrafos de moda realizaron también retratos formales). El fotógrafo germano-estadounidense Hans Namuth (1915-1990) introdujo un nuevo enfoque dinámico en la fotografía de retrato con sus fotografías del escandaloso artista Jackson Pollock trabajando en su estudio.

Fotoperiodismo

Como uno de los pilares de la ilustración contemporánea en periódicos, revistas y medios de comunicación en línea actuales, la fotografía de noticias siempre ha atraído a fotógrafos de gran talento capaces de crear una narrativa pictórica. Entre los fotoperiodistas más destacados se encuentran Robert Capa (1913-1954), Larry Burroughs (1926-1971), Don McCullin (nacido en 1935) y Steve McCurry (nacido en 1950).

Stieglitz: 1924-46

En 1924, las exposiciones de Stieglitz y sus artículos en apoyo de la fotografía como medio artístico empezaban a tener repercusión. En 1924, el Museo de Bellas Artes de Boston adquirió una colección de 27 de sus fotografías: era la primera vez que un gran museo de arte estadounidense incluía fotografías en su colección permanente.

El propio Stieglitz estaba preocupado por dos cosas: promover la obra de Georgia O’Keeffe y sus más de trescientas obras fotográficas, muchas de las cuales eran desnudos femeninos, y promover el arte modernista americano de alta calidad, incluida la fotografía artística como las imágenes lenticulares en blanco y negro de Ansel Adams, para quien organizó una de sus primeras exposiciones en 1936. En 1937, el Cleveland Museum of Art acogió la primera gran exposición de fotografías del propio Stieglitz.

Edward Steichen: 1946-62

Socio de Stieglitz en «291», Steichen fue fotógrafo de las revistas Vogue y Vanity Fair entre 1923 y 1938, época durante la cual fue el pintor objetivista más famoso y mejor pagado del mundo.

Después de la guerra fue nombrado Director del Departamento de Fotografía del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA), cargo que ocupó hasta 1962. Fue una figura muy influyente que contribuyó en gran medida a elevar el estatus de la fotografía entre las instituciones y el público estadounidenses. En 1955, por ejemplo, dirigió la exposición «The Family of Man», que recorrió 69 países y fue visitada por 9 millones de personas.

John Szarkowski: 1962-91

En 1962 Edward Steichen eligió al fotógrafo, comisario, historiador y crítico John Szarkowski (1925-2007) como su sucesor como Director de Fotografía del MoMA, cargo que Szarkowski ocupó hasta 1991. Obtuvo dos becas Guggenheim, participó en numerosas exposiciones individuales y publicó varios libros fundamentales, entre ellos «A View of Photography», una guía práctica para escribir sobre fotografía que sigue siendo lectura obligatoria en las mejores escuelas de arte . Profesor en las universidades de Harvard, Yale, Cornell y Nueva York, fue uno de los más exitosos defensores de la fotografía artística.

Galerías

Desde mediados de la década de 1970, cada vez más galerías han empezado a exponer arte fotográfico. Las impresiones fotográficas aumentan gradualmente de tamaño, pasan del monocromo al color, a menudo se imprimen en lienzos bloqueados sin marco ni cristal, y artistas-fotógrafos como Gregory Crewdson y Cindy Sherman ejemplifican la nueva tendencia de escenificar e iluminar las obras para conseguir el máximo efecto.

Sin embargo, aunque la fotografía ya se ha convertido en un medio importante e innovador para el arte contemporáneo, sigue siendo un nicho de mercado en comparación con la pintura y la escultura tradicionales, aunque existe una demanda relativamente alta entre los coleccionistas de arte de libros de edición limitada de fotógrafos individuales.

Entre las instituciones más favorables al arte fotográfico se encuentran: El Instituto de Arte de Chicago, el Metropolitan y el Museo de Arte Moderno de Nueva York, y la Fundación Aperture.

Fotógrafos de arte famosos

Entre los miembros famosos de las bellas artes fotográficas se incluyen:

Man Ray (1890-1976)
Pintor modernista parisino nacido en Estados Unidos, uno de los primeros exponentes del dadaísmo y el surrealismo, que participó en la primera exposición surrealista en la Galería Pierre de París en 1925 con Jean Arp, Max Ernst, André Masson, Joan Miró y Pablo Picasso. Conocido sobre todo por sus fotografías vanguardistas, también fue un reputado fotógrafo de moda y retratista entre cuyos temas se encontraban muchos de los grandes artistas de la época, como James Joyce, Gertrude Stein, Jean Cocteau y Antonin Artaud.

Desarrolló el método fotográfico de solarización e inventó una técnica para utilizar fotogramas, que denominó reiografías (como en su grabado «Reiograph», 1923, colección privada). La revista ARTnews incluyó a Man Ray entre los 25 artistas más influyentes en su estudio sobre el arte visual del siglo XX, destacando su trabajo pionero con la cámara y sus experimentos en el cuarto oscuro, así como sus exploraciones en el cine, la pintura, la escultura, el collage, el ensamblaje, la performance y el arte conceptual .

Ansel Adams (1902-1984)
Miembro de la Academia Americana de las Artes y las Ciencias, galardonado con tres becas Guggenheim y la Medalla Presidencial de la Libertad, cuyas fotografías en blanco y negro del Oeste se convirtieron en el principal registro de los paisajes de los parques nacionales de Estados Unidos antes de la llegada del turismo.

Entre sus obras fotográficas maestras figuran Storm in Yosemite Valley (1935), Moonrise, Hernandez, New Mexico (1941) y Tetons and Snake River (1942), una de las imágenes del «Golden Record» de la civilización humana a bordo de la nave espacial «Voyager». El archivo de Ansel Adams se encuentra en el Centro de Fotografía Creativa de la Universidad de Arizona en Tucson.

Eugène Atget (1857-1927)
Fotógrafo francés conocido por sus fotografías documentales de la arquitectura y las calles de París. John Szarkowski y Mary Morris Hamburg han escrito sobre él una biografía en cuatro volúmenes.

Walker Evans (1903-1975)
Artista estadounidense conocido por su trabajo fotográfico para la Farm Security Administration. Véase también la gran Dorothea Lange (1895-1965).

Henri Cartier-Bresson (1908-2004)
Otro gran fotógrafo francés, considerado por muchos el mayor exponente de la fotografía callejera del siglo XX. A principios de los años 30 recibió la influencia del fotógrafo callejero Brassaï (Gyula Halasz) (1899-1984).

John Goto (1916-1994)
Profesor de Bellas Artes en la Universidad de Derby (Inglaterra), Goto fue un artista británico especializado en la fotografía en color de montaje, conocido sobre todo por sus imágenes «High Summer» de la serie de fotografías Ukadia. Su arte fotográfico digital se ha expuesto ampliamente en Europa, y en exposiciones individuales en la Tate Gallery, la National Portrait Gallery, y la Photographers’ Gallery de Londres.

Irving Penn (1917-2009)
Más conocido como uno de los grandes fotógrafos de moda estadounidenses , pero también por sus retratos y bodegones. Véanse también las influyentes fotografías de moda de su contemporáneo más joven Richard Avedon (1923-2004), que se convirtió en uno de los principales camarógrafos de Vogue y Harper’s Bazaar .

Robert Frank (n. 1924)
Autor del influyente libro «Americans», que ofrece una visión desde fuera de la sociedad estadounidense. Innovador enfoque de la composición y la manipulación de fotografías.

Garry Winogrand (1928-1984)
Fotógrafo neoyorquino conocido por sus imágenes de la vida estadounidense a principios de los años sesenta y su descripción de importantes temas sociales. Recibió influencias de Walker Evans, Robert Frank y, en menor medida, Henri Cartier-Bresson.

William Eggleston (n. 1939)
Importante pionero que contribuyó a elevar el estatus artístico de la fotografía en color.

Robert Mapplethorpe (1946-1989)
Uno de los primeros artistas posmodernos conocido por sus retratos monocromos a gran escala de celebridades (Andy Warhol, Deborah Harry, Richard Gere, Peter Gabriel, Patti Smith), desnudos masculinos y femeninos majestuosos, delicadas composiciones de flores en bodegones, pero es más conocido por su escandalosa serie de fotografías Portfolio X, que se hicieron instantáneamente famosas por su contenido explícito.

Jeff Wall (n. 1946)
Probablemente el más famoso exponente «de la fotografía escenificada», Wall está especializado en la manipulación digital para la creación de su obra. Profesor de Bellas Artes en Vancouver, es un importante e influyente representante del posmodernismo canadiense.

Nan Goldin (n. 1953)
Nan Goldin es una artista fotográfica e instaladora estadounidense que rompe tabúes. Entre sus obras destacan «Nan a month after the beating (Nan un mes después de la paliza)» (1984, Tate Museum, Londres), «Siobhan in my bathtub (Siobhan en mi bañera)» (1992, Fotomuseum Winterthur, Suiza), «Sisters, saints and sinners (Hermanas, santas y pecadoras)» (2004, Chapelle Salpêtrière, París).

Cindy Sherman (n. 1954)
Fotógrafa y cineasta neoyorquina, ganadora de la beca MacArthur, conocida por su arte posmoderno, en particular por sus retratos conceptuales. En 2010, «Untitled #153» (1985), una impresión en color de dos metros de altura de Sherman «Untitled #153» (1985) fue vendida en subasta por Phillips de Pury & Company por 2,7 millones de dólares. En 2011, un grabado Sin título #96 se vendió en una subasta de Christie’s por 3,89 millones de dólares

Andreas Gursky (n. 1955)
Uno de los creadores más conocidos de fotografías en color a gran escala (a veces manipuladas digitalmente). Prefiere los temas comerciales y financieros, como en «Schipol» (1994, Metropolitan Museum of Art, Nueva York), «Singapore Stock Exchange» (1997, Guggenheim Museum, Nueva York), «Parliament» (1998, Tate Museum, Londres), «99 Cents» (1999).

Colecciones de arte fotográfico

Algunos de los mejores museos de arte del mundo cuentan con departamentos de fotografía artística, entre los que se incluyen los siguientes:

El Instituto de Arte de Chicago
Posee la Colección Alfred Stieglitz, así como la Colección Julien Levy, que contiene obras de Edward Weston, Paul Strand, André Kertész y Eugene Atget.

Instituto de Arte de Detroit
Alberga la Galería de Fotografía Artística Albert y Peggy de Salle.

Getty Museum, Los Angeles
El Pabellón Oeste alberga la colección de fotografía artística del museo, con impresiones originales que se remontan a 1841, así como obras de artistas objetivistas modernos y contemporáneos, entre ellos: Man Ray, Imogene Cunningham, Walker Evans y el fotógrafo alemán August Sander.

Guggenheim, Nueva York
Alberga la Colección Robert Mapplethorpe (1992), compuesta por unas 200 de las mejores fotografías de Mapplethorpe realizadas entre 1993 y 1998. Incluye ejemplos de los primeros collages, Polaroids y construcciones de técnica mixta, así como retratos de famosos y más de 20 autorretratos.

Museo de Arte del Condado de Los Ángeles
Esta es la sede del Departamento de Fotografía Wallis Annenberg, cuya colección incluye 6.000 obras y se centra en fotografías tomadas después de 1940.

Metropolitan Museum of Art, Nueva York
El Departamento de Arte Fotográfico del Metropolitan Museum of Art contiene 20.000 fotografías, grabados y daguerrotipos, organizados a partir de las colecciones de Alfred Stieglitz, Edward Steichen, Walker Evans y la Ford Motor Company. Incluye una amplia gama de obras de secesionistas fotográficos, así como fotografías contemporáneas de todo el mundo.

MoMA, Nueva York
Un próspero departamento de arte fotográfico creado por Edward Steichen (1946-62), John Szarkowski (1962-91) y Peter Galassi.

Musée d’Orsay, París
La colección fotográfica del museo cuenta con unas 45.000 fotografías, entre ellas obras de Ferdinand Knopf, Jean Laurent, Man Ray, Stieglitz, Le Secq, Aldolphe Humbert de Molar, Maurice Denis y Roger Fenton.

Museo de Bellas Artes de Houston
La colección permanente del museo incluye fotografías de Man Ray (1890-76) y Ansel Adams (1902-1984), así como unas 4.000 fotografías adquiridas a Manfred Heiting.

Museo de Arte de Filadelfia
La colección de fotografías de arte del museo incluye unas 30.000 obras de artistas como Paul Strand, Alfred Stieglitz y otros.

Victoria and Albert Museum, Londres
La colección fotográfica del museo comprende unas 500.000 imágenes desde 1839 hasta nuestros días. Incluye obras de Fox Talbot, Julia Margaret Cameron, Gustave Le Gray, Frederick Hollier, Samuel Bourne, Roger Fenton, Curtis Moffat, Henri Cartier-Bresson, Man Ray, Ilse Bing, Cecil Beaton, Bill Brandt, Don McCullin, David Bailey y Helen Chadwick.

Las fotografías más caras del mundo

Esta es una breve lista aproximada y posiblemente obsoleta de las fotografías más caras del mundo (recopilada en 2013).  

1. Rhein II (1999)
Fotógrafo: Andreas Gursky
Precio: 4.338.500 dólares
Fecha: noviembre de 2011, Christie’s Nueva York

2. Sin título #96 (1981)
Fotógrafo: Cindy Sherman
Precio: 3.890.500 $
Fecha: mayo de 2011, Christie’s Nueva York

3. Dead Soldiers Talking (1992)
Fotógrafo: Jeff Wall,
Precio: 3.666.500 $
Fecha: mayo de 2012, Christie’s Nueva York.

4. 99 Cent II Diptychon (2001)
Fotógrafo: Andreas Gursky
Precio: 3.346.456 $
Fecha: febrero de 2007, Sotheby’s Londres

5. Pond (Moonlight) (1904)
Fotógrafo: Edward Steichen
Precio: 2.928.000 $
Fecha: febrero de 2006, Sotheby’s Nueva York

6. Sin título #153 (1985)
Fotógrafo: Cindy Sherman
Precio: 2.700.000 $
Fecha: noviembre de 2010, Phillips de Pury & Co. Nueva York

7. Billy the Kid (1879-80)
Fotógrafo: Desconocido
Precio: $2.300.000
Fecha: junio de 2011, Brian Lebel’s Old West Show & Auction

8. Desnudo (1925)
Fotógrafo: Edward Weston
Precio: $1.609.000
Fecha: abril de 2008, Sotheby’s New York

9. Georgia O’Keeffe (Hands) (1919)
Fotógrafo: Alfred Stieglitz
Precio: 1.470.000 $
Fecha: febrero de 2006, Sotheby’s New York

10. Desnudo de Georgia O’Keeffe (1919)
Fotógrafo: Alfred Stieglitz
Precio: 1.360.000 $
Fecha: febrero de 2006, Sotheby’s Nueva York

11. Sin título (Cowboy) (1989)
Fotógrafo: Richard Prince
Precio: 1.248.000 $
Fecha: noviembre de 2005, Christie’s Nueva York

12. Dovima con elefantes (1955)
Fotógrafo: Richard Avedon
Precio: 1.151.976 $
Fecha: noviembre de 2010, Christie’s París

13. Nautilus (1927)
Fotógrafo: Edward Weston
Precio: 1.082.500 $
Fecha: abril de 2010, Sotheby’s Nueva York

14. One (2010)
Fotógrafo: Peter Leek
Precio: 1.000.000 $
Fecha: diciembre de 2010, venta privada

15. Untangling(1994)
Fotógrafo: Geoff Wall
Precio: 1.000.000 $A
Fecha: 2006, venta privada.

16. Juir d’Orge, (1898)
Fotógrafo: Eugène Atget
Precio: 686.500 $
Fecha: abril de 2010, Christie’s Nueva York

17. Andy Warhol (1987)
Fotógrafo: Robert Mapplethorpe
Precio: 643.200 $
Fecha: octubre de 2006, Christie’s Nueva York

18. Moonrise, Hernandez, New Mexico (1948)
Fotógrafo: Ansel Adams
Precio: 609.600 $
Fecha: abril de 2006, Sotheby’s Nueva York