Arte del retrato: historia, tipos Traductor traducir

Además, a mediados del siglo XVI, tras la ruptura en toda Europa entre la Iglesia católica de Roma y el movimiento protestante provocada por la Reforma de Lutero (hacia 1520), el Concilio católico de Trento decidió lanzar una gran campaña para recuperar la lealtad de los feligreses desilusionados. Esta campaña, conocida como la Contrarreforma, utilizó el arte como arma propagandística, por lo que encargó un gran número de pinturas y esculturas religiosas, muchas a escala monumental, incluidos algunos retratos icónicos. Véanse, por ejemplo, las notables obras maestras de El Greco «Retrato de un cardenal» (1600) y «Retrato de Félix Hortensio Paravicino» (hacia 1605). Véase también: Retratos barrocos . Para los artistas del siglo XVII especializados en retratos de reyes, véase, por ejemplo, Hyacinth Rigaud (1659-1743), pintor conocido por sus retratos de Luis XIV.

La escuela del realismo holandés es un periodo único de la pintura de retratos

Al mismo tiempo que el auge de la pintura católica, surgió un mini-renacimiento en la Holanda protestante, impulsado por un nuevo tipo de cliente muy materialista: el comerciante o profesional de clase media adinerada que quería comprar cuadros que le hicieran quedar bien a él y a su familia. Tenían que ser lo bastante pequeños para colgarlos en la pared de su casa y lo bastante detallados para parecer realistas. Así nació el estilo único de pintura Realismo holandés . Entre los más grandes pintores realistas holandeses destacan retratistas como Frans Hals (1582-1666), Jan Vermeer (1632-1675) y, por supuesto, Rembrandt.

Nota: la pintura de retratos se desarrolló más tarde en Rusia que en el resto de Europa. Sólo en la época del arte petrino bajo Pedro el Grande (1686-1725) se generalizaron los retratos de estilo académico.

Expansión del retrato: la fotografía de ayer (1700-1900)

La pintura de retratos como género se expandió considerablemente en los siglos XVIII y XIX. Esto se debió a varios factores, entre ellos la generalización del uso del óleo y el lienzo; el crecimiento del comercio, que a su vez creó un nutrido grupo de ricos hombres de negocios y terratenientes de clase media; y el uso del retrato como forma de hacer (inmortalizar) un registro visual de individuos y familias. En cualquier caso, durante este periodo se produjo un importante crecimiento del retrato, que sólo se detuvo con la llegada de la cámara fotográfica en el siglo XX. Sobre las obras del siglo XVIII, véase: Retrato rococó y neoclásico . Probablemente, las dos mejores retratistas femeninas del siglo XVIII fueron la artista suiza Angelique Kaufmann (1741-1807), que trabajó en Londres y Roma, y Élisabeth Vigée-Lebrun (1755-1842), pintora de la corte de la reina María Antonieta. Otros retratistas notables del siglo XVIII son Jean-Baptiste Grèze (1725-1805), conocido por sus exquisitas obras rococó como «El sombrero blanco» (1780, Museum of Fine Arts, Boston).

Sobre pinturas del siglo XIX, véase: Retratos del siglo XIX . En cuanto a escuelas específicas, las características de la pintura inglesa de retratos se tratan en Pintura figurativa inglesa de los siglos XVIII-XIX, y también puedes ver ejemplos de famosos Retratos impresionistas, como los de Édouard Manet y otros en nuestra galería .

El género especializado del retrato romántico, que se hizo muy popular en la Inglaterra del siglo XIX, está representado por los cuadros de Sir Edwin Landseer (1802-1873), cuyos retratos sentimentales de perros expresaron algunas de las principales virtudes de la era victoriana.

Retratos del siglo XX

El siglo XX mostró poco interés por la jerarquía clásica de géneros y se preocupó por nuevas formas de representar la realidad en una época de guerras mundiales e incertidumbre moral. Tras una serie de retratos expresionistas, los avances de la fotografía, el cine y el vídeo hicieron que el retrato clásico dejara de tener valor como anacronismo. En su lugar, los retratistas del siglo XX se limitaron a utilizar el género como un medio más de promocionar su estilo artístico. Las excepciones incluyen los retratos de Picasso, como Retrato de Gertrude Stein (1906), y los retratos expresionistas de Modigliani: véanse, por ejemplo, Retrato de Juan Gris (1915) y Retrato de Jeanne Ebuterne (1918). Las obras de posguerra también se vieron influidas por materiales artísticos adicionales, medios informáticos y nuevas formas de grabado, lo que permitió realizar nuevas obras con pintura acrílica, pintura de aluminio, forma de collage, serigrafía, impresión por ordenador y medios mixtos, así como una variedad de nuevos materiales escultóricos. Esta tendencia queda ilustrada, por ejemplo, por el Pop Art de Andy Warhol (1928-1987), cuyos grabados de retratos de Elvis, Marilyn Monroe, Jacqueline Kennedy, Elizabeth Taylor y Mao Tse-Tung se convirtieron en iconos de finales del siglo XX. El último estilo moderno de retrato, conocido como fotorrealismo (hiperrealismo), está representado por artistas como, por ejemplo, el estadounidense Chuck Close (nacido en 1940).

Características del arte del retrato

Como cualquier otro género, el arte del retrato reflejaba el estilo de pintura dominante. En los primeros tiempos de Egipto, los retratos pintados y las esculturas en relieve representaban al personaje sólo de perfil. Un retrato pintado en la época barroca habría sido más extravagante que las pinturas dignas de estilo neoclásico, pero ninguno era tan realista como los retratos de los realistas . Del mismo modo, los retratos románticos eran más vivos que los impresionistas, mientras que los retratos expresionistas de principios del siglo XX tienden a ser los más vivos y coloridos de la época. No obstante, en términos muy sencillos, pueden distinguirse dos estilos o enfoques principales en el retrato: el «Grand Style», en el que el sujeto es retratado de una forma más idealizada o «grande» ; y el estilo realista, prosaico, en el que el sujeto es presentado de una forma realista más realista.

Los estilos de los retratistas individuales

Aunque los más grandes retratistas, como Leonardo, Miguel Ángel y Rembrandt, poseían ambos estilos, la mayoría de los artistas tienden a ejemplificar sólo una tradición. Por ejemplo, entre los que pintaron en el estilo Gran Clásico se encuentran Peter Paul Rubens (1577-1640), Sir Antonis Van Dyck (1599-1641), Sir Joshua Reynolds (1723-1792), Goya (1746-1828) y John Singer Sargent (1856-1925). William Orpen (1878-1931), uno de los grandes retratistas irlandeses, también pintó en el gran «estilo académico». Otros se especializaron en retratos más realistas, como Jan van Eyck (1390-1441) y Jan Vermeer (1632-1675), que pintaron obras bastante precisas. El estilo realista fue ensayado por Theodore Gericault (1791-1824), que realizó representaciones realistas de enfermos mentales, el genio ruso Ivan Kramskoi (1837-1887), conocido por su realismo humanista, y otros artistas rusos como Vasily Perov (1833-1882). Entre los retratistas impresionistas figuran los franceses Édouard Manet (1832-1883), Claude Monet (1840-1926), Pierre-Auguste Renoir (1841-1919), Edgar Degas (1834-1917) y Paul Cézanne (1839-1906), así como Valentin Serov (1865-1911) y el estadounidense John Singer Sargent - véase Valentin Serov (1865-1911). su Retrato de Madame X (1884). El retrato expresionista está representado por la emotividad de Van Gogh (1853-1890), los retratos urbanos de Pablo Picasso (1881-1973), el primitivismo lírico de Amedeo Modigliani (1884-1920) y el humor negro de Otto Dix (1891-1969) y de Oskar Kokoschka (1886-1980). Retratistas más contemporáneos son, por ejemplo, Graham Sutherland (1903-1980), conocido por sus retratos anímicos; David Hockney (n. 1937) por su precisión y forma; y Lucien Freud (n. 1922) por su naturalismo áspero. Mientras tanto, el maestro del impasto Frank Auerbach (n. 1931) sigue creando obras de extraordinaria intensidad.

Tipos de retratos

Retrato religioso

A lo largo de la historia del arte occidental se han empleado retratistas por muchas razones. En primer lugar, en las antiguas Grecia, Egipto y Roma (así como en las culturas micénica, minoica y otras culturas mediterráneas), se emplearon pintores y escultores para retratar a una amplia gama de dioses y diosas en diversas obras de arte públicas. Por ejemplo Afrodita de Praxíteles (c.350 a.C.); Venus de Milos (c.100 a.C.); Friso de Pérgamo (c.180 a.C.), así como bustos de Zeus, Pan, Eros y otros.

En el Renacimiento, este tipo de arte religioso sobrevivió a través de frescos cristianos que representaban a los Profetas, Jesucristo, la Virgen María y los Apóstoles. Mientras tanto, «la Última Cena de» Leonardo da Vinci, fresco de Miguel Ángel «Génesis» (1508-12) y fresco «Juicio Final» (1536-1541) -en el techo y las paredes de la Capilla Sixtina de Roma- contienen algunos de los más grandes retratos religiosos jamás creados. Otros retratos religiosos y mitológicos renacentistas dignos de mención son: los retratos de Jan van Eyck «Adán y Eva» en su obra maestra el Retablo de Gante (1425-32); el Lamento de Mantegna por el Cristo muerto (ca. 1490); la Virgen con el Niño y Santa Ana de Leonardo (1502); la Madonna Sixtina de Rafael (1514); y la Venus de Urbino de Tiziano (1538). Aunque muchas de estas obras no se limitan a un solo rostro o figura y algunas de ellas sólo pueden verse desde lejos, su objetivo era retratar el cristianismo de forma personal y, por tanto, deben considerarse parte del género del retrato. El Renacimiento concedía gran importancia a que la pintura transmitiera una narración o un mensaje, y los artistas solían incorporar sus «retratos» a grandes escenas narrativas.

Retrato histórico

Los retratistas también retrataron a figuras históricas veneradas. Por ejemplo, todos los emperadores romanos (Julio César, Augusto, Marco Aurelio) fueron representados en formas de arte público como estatuas, bustos y frisos para glorificar el Imperio Romano. Los faraones egipcios también fueron ampliamente representados en diversos medios, como bustos retratos, tallas de tumbas y retratos de momias. Posteriormente, papas, reyes y presidentes también fueron plasmados en retratos, un proceso que floreció a partir del Alto Renacimiento.

Algunos ejemplos son El dux Leonardo Loredan (1502) de Giovanni Bellini; El papa León X con cardenales (1518) de Rafael; Sir Thomas More (1527), Thomas Cromwell (1534) y Enrique VIII (1536.) de Hans Holbein; El emperador Rodolfo II como Vertumnus (1591) de Giuseppe Arcimboldo; El rey Carlos I de Inglaterra a la caza (1635) de Antonis Van Dyck; Retrato del papa Inocencio X (1650.) y Meninas (1656) de Diego Velázquez; El suicidio de Lucrecia de Rembrandt; George Washington (1796) de Gilbert Stuart; Napoleón cruzando los Alpes (1801) de Jacques-Louis David; Wellington (1816.) Francisco Goya; Theodore Roosevelt (1903) de John Singer Sargent; American Gothic (1930) de Grant Wood; Etude after «Pope Innocent X» de Velázquez (1951) de Francis Bacon. Otro tipo de retrato histórico, el «retrato político», está representado por Mujer llorando (1937, Tate Modern, Londres), símbolo universal del sufrimiento femenino.

Retratos de personajes famosos

Los personajes famosos siempre han sido el tema (o el objetivo) de los artistas profesionales, desde el Renacimiento hasta el Pop Art. Algunos ejemplos de retratistas y sus representaciones de famosos son Jan van Eyck: Retrato de Arnolfini (1434.); Lucas Cranach el Viejo : Díptico con retratos de Lutero y su esposa Katerina von Bora (1529); John Singleton Copley : Las tres hijas menores de Jorge III (1785, Buckingham Palace, Londres); Johann Heinrich Wilhelm Tischbein: Goethe en Campania (1787); Joseph Lange: Mozart al piano (1789); Sir Henry Raeburn : Sir Walter Scott (1823.); Ilya Repin : Retrato de León Tolstoi (1887); Juan Gris : Retrato de Pablo Picasso (1912); Graham Sutherland: Retrato de Somerset Maugham (1949); Willem De Kooning : Marilyn Monroe (1954); Andy Warhol: Ocho Elvis (1963). Otros cuadros de personajes famosos son: la poetisa Anna Ajmátova por Kuzma Petrov-Vodkin; el actor Charlie Chaplin - Fernand Léger y el líder bolchevique Lenin por Isaac Brodsky.

Otro tipo menos formal de retrato fotográfico son las caricaturas, normalmente de políticos y famosos, publicadas en periódicos y otras publicaciones periódicas como la revista Time, Vanity Fair y The New Yorker .

Retratos de desnudos

Desde la Antigüedad hasta el siglo XX, pasando por el Renacimiento, se utilizaron desnudos masculinos y femeninos en retratos, esculturas y grabados. El Nacimiento de Venus (1485) de Botticelli fue uno de los más grandes. Otros retratos de desnudos famosos son: La Venus dormida (1510, Dresde) de Giorgione; Venus de Urbino (1538, Uffizi) de Tiziano; Venus de Rokeby (1647) de Velázquez; La bañista de Valpincon (1808, Louvre) y La gran Odalisca (1814, Louvre) de Engra. Para otros ejemplos famosos, véase: Mujeres desnudas en la Historia del Arte (top 20) y Hombres desnudos en la Historia del Arte (top 10).

Retrato artístico

A los retratistas también les encargaban retratos pequeños nobles, artistas y hombres de negocios que querían una imagen halagadora de sí mismos que reflejara su posición en la sociedad. Este tipo de arte de caballete floreció durante el Alto Renacimiento italiano y el Renacimiento septentrional entre las escuelas holandesa y flamenca, ya que los soportes artísticos portátiles, como paneles y lienzos, empezaron a sustituir a los frescos murales. Algunos ejemplos son El duque Federico da Montefeltro y su esposa Battista Sforza (hacia 1466) de Piero Della Francesca; La familia y la corte de Ludovico II Gonzaga (hacia 1474) de Andrea Mantegna; La dama del armiño (Retrato de Cecilia Gallerani) (hacia 1490.)y Mona Lisa (ca. 1503), esposa de Francesco del Giocondo por Leonardo; retrato de Rafael Baldassare Castiglione (1515); La Doncella del Canciller de Rolen por Jan van Eyck (1436); Erasmo de Rotterdam (1523, National Gallery, Londres), El mercader Georg Giese (1532, SMPK, Berlín) y Los embajadores (1533, National Gallery, Londres) de Holbein; El caballero que ríe (1624) de Frans Hals; La ronda de noche o «La milicia de la compañía del capitán Frans Banning Coke» (1642.) y Síndicos del gremio de pañeros (Stalmeisters) (1662.) de Rembrandt; Master Thomas Lister (1764) de Joshua Reynolds; Mrs Richard Sheridan (1785) de Thomas Gainsborough; Retrato de Monsieur Bertin (1832) y Retrato de Madame Moissier (1844-65) de Engr. Retrato de Miss Amelia Van Buren (1891) por Thomas Eakins; Retrato de Miss Dora Wheeler (1883, Cleveland Museum of Art) por William Merritt Chase (1849-1916).

Una visión general del desarrollo de la pintura de retratos

Hay muchos retratos entre las obras maestras de la pintura europea desde el siglo XV hasta tiempos recientes, y son una característica importante de la obra de maestros que destacaron en otros géneros. Goya (1746-1828), pintor de la vida española, los toros, las fiestas populares, los presagios funestos, las calamidades de la guerra, incluso los temas religiosos, estaría incompleto, en nuestra opinión, sin sus brillantes estudios de la individualidad.

Durante gran parte del periodo medieval, en el arte dedicado a la religión, tales estudios (si es que podían hacerse) habrían parecido una invasión de los límites de la fe e incluso una impertinencia, si no otra cosa. Las representaciones escultóricas de reyes y reinas eran abstracciones conmemorativas del poder. Hasta la Baja Edad Media, la iluminación de los manuscritos era más de símbolos que de imágenes. Los inicios de la caracterización son evidentes en los retratos reales del siglo XIV, el Díptico de Wilton, por ejemplo. Sin embargo, una bella obra en estilo de miniatura fina, aparentemente asociada a la obra del pintor franco-flamenco André Boneveu (hacia 1330-1403), plantea un problema en la imagen de un Ricardo II joven e imberbe. Hay indicios de que el panel fue pintado más tarde, cuando Ricardo era barbudo y prematuramente envejecido. Sea cual fuere la razón, esto significaría que la semejanza con la realidad no era tan importante como la actitud y el contenido religioso.

En la pintura flamenca del siglo XV, el retrato realista surge con sorprendente brusquedad. Jana van Eyck (1390-1441), Rogier van der Weyden (1400-1464) y Hans Memling (1433-1494) utilizaron magníficamente la práctica de incorporar la imagen de un donante -un prelado, un noble o un rico comerciante- a un retablo destinado a una iglesia o un monasterio. Memling (1433-1494). Pintaron retratos puramente seculares con igual vigor, y entre sus clientes se encontraban visitantes extranjeros de las ciudades flamencas. El agente de los Médicis en Brujas, Tommaso Portinari, aparece con su mujer y sus hijos en «La Gran Adoración» de Hugo van der Goos (1440-1482, actualmente en los Uffizi). Sir John Donne, nombrado caballero por Eduardo IV durante la Guerra de las Dos Rosas, aparece con su mujer y su hija en el Tríptico de Donne (1477) de Hans Memling, hoy en la National Gallery de Londres. El inglés Edward Grimston de Rishangles, condado de Suffolk, había sido representado anteriormente en una pintura puramente secular del artista Petrus Christus (c. 1410-1473), seguidor de Van Eyck en Brujas. La amistad entre Inglaterra y los Países Bajos meridionales se extendió así al arte, y debió de tener una continuación en la larga serie de obras de artistas flamencos que se establecieron en Londres en los siglos XVI y XVII.

El humanismo, el Renacimiento y la Reforma favorecieron el desarrollo del retrato como género por derecho propio. El principio de la filosofía humanista de que el estudio adecuado de la humanidad es la persona otorgó lógicamente al retrato un lugar importante. Los artistas del Renacimiento no sólo estuvieron de acuerdo con este punto de vista, sino que, con la ayuda de los avances tecnológicos, mejoraron la representación del carácter en las pinturas. La pintura al óleo, traída a Venecia por Antonello da Messina (1430-1479), dio al arte una nueva calidez y poder de modelado. Leonardo da Vinci (1452-1519) demostró cómo la luz y la sombra podían contribuir a la representación de la personalidad y la psicología ) sfumato). La Reforma impulsó otro tipo de retrato. La supresión de la imaginería religiosa en los países reformistas hizo que los artistas estuvieran más dispuestos a ofrecer sus servicios como retratistas.

La carrera de Hans Holbein el Joven (1497-1543) muestra la influencia de tres fuerzas. Nacido en Augsburgo, de joven eligió trabajar en la ciudad germano-suiza de Basilea, que, además de su prosperidad, era un centro de humanismo científico. Allí realizó sus ilustraciones para el Elogio de la locura «de Erasmo». Tenía aptitudes renacentistas para diversas tareas, desde la decoración de frescos y altares hasta el diseño de joyas y vidrieras, aunque ya se había señalado su inclinación por el retrato. Pero con el auge del protestantismo en Basilea, las actividades de carácter católico llegaron a su fin.

Como otros pintores, estaba «sin pan», como observó Erasmo al recomendarle a Tomás Moro en Londres. El interés de estos amigos (que compensó con sus excelentes retratos de ellos) permitió a Holbein conocer y representar en pinturas y dibujos a gran parte de la sociedad de los Tudor durante los dos años de su primera estancia en Inglaterra, hasta 1528.Su segunda estancia en Inglaterra duró once años.Desde 1532 hasta su muerte en 1543 entró más definitivamente en la esfera de la corte real. Se convirtió en pintor de Enrique VIII en 1536. Ningún rostro en la historia es más conocido que el formidable rostro de ojos desconfiados y boca pequeña y cruel pintado por Holbein en un cuadro (Colección Thyssen) -entre muchas versiones- que pertenece definitivamente a sus propias manos.

En una época de cambios, relaciones y alianzas entre gobernantes despóticos, el retrato cumplía su función diplomática. Además de recordar a funcionarios y cortesanos el poder reinante, la imagen del gobernante era un símbolo del intercambio internacional y el propio artista una figura internacional. Este fue el caso de Tiziano (1485-1576), que retrató a Carlos V y Felipe II, rey de España, y de Antonis More (1519-1576), el Antonio Moreau latino, que más tarde se convirtió en Sir Anthony More y pintó a María Tudor y Sir Thomas Gresh.

Antes de que se inventara la fotografía -o en la época en que el conocimiento personal había llegado a considerarse un requisito previo incluso para el matrimonio real-, un retrato pintado servía para transmitir la aptitud física de la futura esposa. Holbein fue enviado al continente para llevar su retrato pictórico de la joven pero viuda duquesa Ana de Milán, hija del duque de Cleves, para ayudar a Enrique en su elección. Su cuadro de la duquesa (Londres, National Gallery) no era una mera descripción, sino una obra maestra, que aumentaba el atractivo con rasgos de espléndida sencillez de diseño.

Otro propósito del retrato cortesano era mostrar poder y posición mediante el esplendor del traje y la abundancia de joyas. Esto era muy característico del periodo isabelino y puede que exigiera que los rasgos faciales del patrón fueran rígidos y ceremonialmente inexpresivos, mientras que la riqueza de los accesorios indicaba estatus. La propia Reina parece haber pensado en esta línea en sus mandatos contra el sombreado dado a Nicholas Hilliard, es decir, contra el sombreado facial modelado.

La riqueza formal casi bizantina de una obra como el «Retrato de Ditchley» de Marcus Gerarts el Joven (1561-1636) era menos requerida por las damas de la corte. Los artistas flamencos que llegaron a Inglaterra huyendo de la persecución religiosa en los Países Bajos y formaron una colonia flamenca en Londres eran maestros que cumplían un requisito que limitaba su independencia como artistas. El género del retrato en miniatura escapaba al peso de las restricciones por su escala íntima, el arte de Nicholas Hilliard (1547-1619) por su claridad de color, viveza de contorno y poesía simbólica era tan sorprendentemente melódico como un soneto isabelino acariciaba el oído. Hilliard, a su vez, transmitió sus secretos a otro de los mejores miniaturistas de Inglaterra, el más contemporáneo Isaac Oliver (1568-1617).

El siglo XVII fue la gran época del retrato en Europa. El estatus del artista había cambiado; podía reivindicar un mayor grado de autonomía en el método y la concepción. El respeto de que gozaba Tiziano por parte de los gobernantes más poderosos dejó una huella imborrable. El artista era percibido en los círculos de la corte no como un trabajador contratado, sino como un maestro que les daba lustre. Donde no había corte -en las Provincias Unidas del norte de los Países Bajos-, la riqueza recién adquirida y la libertad nacional exigían abundancia de retratos. Se dice que todos los artistas flamencos eran retratistas natos, y un estudio de la corriente de la pintura flamenca desde Van Eyck hasta Rubens y Van Dyck pone de manifiesto hasta qué punto es cierta esta observación.

A pesar de ello, la pintura de retratos en la Italia del Renacimiento marcó una pauta por la que los artistas continuaron trabajando hasta bien entrado el siglo XVII. El retrato de Baldassare Castiglione por Rafael (1483-1520), que Rembrandt (1606-1669) vio en Amsterdam, sugirió el estilo de composición que adoptó en su autorretrato de 1640 (Londres, National Gallery). Los ocho años que Rubens (1577-1640) pasó en Italia al servicio del duque de Mantua, en los que copió a los grandes venecianos tanto para el duque como para su propio placer, fueron años en los que su originalidad se vio reforzada por el ejemplo italiano. Durante los seis años que Antonis Van Dyck (1599-1641) pasó en Italia pintando retratos y estudiando a los venecianos, aprendió mucho de la dignidad de la pose y de la riqueza del colorido de Tiziano.

Van Dyck puede ser considerado en dos aspectos diferentes. Está el pintor de emotivas composiciones religiosas del Barroco, que rivaliza con Rubens en las iglesias de Amberes, y está el retratista, más sensible a la atmósfera psicológica que su maestro Rubens. La ecuanimidad y la moderación de Inglaterra han ejercido su influencia. La elegancia y el refinamiento del arte de Van Dyck dominaron durante un siglo en Inglaterra, aunque William Dobson (1610-1646) llegó independientemente a un estilo vigoroso basado en su estudio de los venecianos, y Samuel Cooper (1609-1672) destacó como un hombre que podía reducir exquisitamente el efecto de un gran retrato al óleo a una escala de miniatura. El declive «del arte cortesano» puede rastrearse en las obras de Sir Peter Lely (1618-1680) y Sir Godfrey Kneller (1646-1723). Una raza de parlamentarios aristocráticos y caballeros del campo fueron mecenas durante el periodo de mayor dominio del retrato en Inglaterra, el siglo XVIII.

El siglo XVIII dio lugar a una informalidad e intimidad que Europa no había conocido antes. Ejemplos de ello son «los fragmentos de conversación», practicados por varios artistas, entre los que destaca William Hogarth (1697-1764). Formados por un grupo familiar o un grupo de amigos, se diferencian de los grupos del arte holandés o francés en que representan a sujetos que participan informalmente en alguna ocupación o diversión ordinaria en su entorno habitual. Los placeres de la propiedad rural se ilustran en los retratos al aire libre pintados por Thomas Gainsborough (1727-1788). La frescura de la belleza inglesa contrastaba armoniosamente con el elaborado maquillaje de las damas de la corte de antaño, mientras que los niños ya no eran retratados como figuritas vestidas de ceremonia, sino con movimientos y expresiones naturales. En lugar de cortesanos, aparece una amplia gama de tipos y personajes. Hogarth prefiere pintar al filántropo de clase media capitán Coram o a un grupo de sus sirvientes. Sir Joshua Reynolds (1723-1792) dibuja al actor, la actriz, el escritor -Garrick, la señora Siddons, el doctor Johnson- y a lores y damas. George Stubbs (1724-1806) y otros representan a escuderos deportivos cazando o disparando.

En el siglo XVIII todavía existían fuertes vínculos con el pasado. Gainsborough llegó a redescubrir a Van Dyck y remodeló la elegancia del maestro flamenco al estilo inglés, como había hecho antes que él el maestro escocés Allan Ramsay. Reynolds añadió su erudito comentario pictórico sobre Rembrandt y Tiziano. El siglo XIX, menos protegido de los cánones anteriores, fue más intermitente y variado en el estilo de los retratos que pueden considerarse obras de arte, por no hablar de la gran acumulación de obras de carácter anodino y cuasi fotográfico generada por el aumento de la población y de la riqueza de la clase media. La tradición del siglo XVIII desaparece en la brillantez temperamentalmente romántica de Sir Thomas Lawrence (1769-1830). La época victoriana presenta variaciones como los primeros retratos de Sir John Millais (1829-1896) con su maravilloso detallismo prerrafaelita; los retratos de George Frederick Watts (1817-1904), que con cierta idealización reflejan bien la profunda seriedad de los grandes victorianos y la concepción estética de James McNeill Whistler (1824-1903), que consideraba el retrato como «una combinación» de colores y formas más que como una revelación del carácter. De los impresionistas, Edgar Degas y Renoir destacaron en el retrato - véase: La familia Bellelli (1858-67) y el escandaloso Retratos en la Bolsa (1879). Véanse también los bellos retratos tardíos de Cézanne, como Muchacho con chaleco rojo (1889-90), Hombre fumando en pipa (1890-2), Mujer con cafetera (1890-5), Dama de azul (1900), Joven italiana apoyada en el codo (1900). Explicación de los retratos más modernos producidos en el siglo XIX: Análisis de la pintura moderna (1800-2000).

Fotografía de retrato

El siglo XX fue testigo del rápido declive del retrato pictórico y del auge concomitante del retrato fotográfico. A pesar del trasfondo tecnológico, el valor artístico y la estética de este tipo de retrato no tienen nada que envidiar. Una lista seleccionada de los más grandes fotógrafos dedicados al retrato fotográfico:

Julia Margaret Cameron (1815-1879)
Pionera del enfoque suave y del retrato en primer plano, tomó su primera fotografía a los 48 años. Su obra es muy apreciada por los coleccionistas de arte.
Edward Steichen (1879-1973)
Su objetivo incluía a Auguste Rodin, Constantin Brancusi, Paul Cézanne, Henri Matisse, Pablo Picasso y otros miembros de la Escuela de París.
Man Ray (Emmanuel Radnitzky, 1890-1976)
Fotografió a numerosos miembros del mundo artístico parisino, entre ellos el surrealista André Breton, el pintor polaco Balthus, el escritor dublinés James Joyce y la coleccionista de arte estadounidense Gertrude Stein.
Cecil Beaton (Sir Cecil Walter Hardy Beaton, 1904-1980)
Conocido por su estilo único en el que el sujeto es sólo un elemento de la composición general, junto con el vestuario, el fondo y la pose.
Yusuf Karsh (1908-2002)
Retratista armenio-canadiense que fotografió a 51 de los 100 personajes más famosos del siglo, nombrados por International Who’s Who, entre ellos su famoso retrato de Sir Winston Churchill.
Norman Parkinson (1913-1990)
Conocido por su estilo de retrato dinámico en exteriores conocido como «realismo de acción».
Hans Namuth (1915-1990)
Más conocido por sus fotografías de Jackson Pollock en su estudio.
Richard Avedon (1923-2004)
Retratista inventivo pero minimalista cuyas imágenes ayudaron a definir el estilo y la belleza de América en la segunda mitad del siglo XX.
Don McCullin (nacido en 1935).
Conocido por sus retratos fotoperiodísticos como «US Marine, Hue, Vietnam» (1968) y «Albino Boy, Biafra» (1969).
David Bailey (nacido en 1938)
Bailey revolucionó el retrato y la fotografía de moda en la década de 1960 con imágenes atrevidas y sugerentes de modelos y personajes famosos.
Annie Leibovitz (n. 1949)
Gran fotógrafa que captó retratos de famosos populares. Entre sus obras más conocidas figuran retratos de Meryl Streep, John y Yoko, y una Demi Moore embarazada.
Steve McCarry (nacido en 1950).
Trabaja en la intersección del retrato y la fotografía escénica, McCarry es más conocido por sus fotografías en color para National Geographic, en particular «Afghan Girl» (1985).

El siguiente artículo se centra en los retratos renacentistas .

Sobre otros tipos de pintura (retratos, escenas de género, bodegones, etc.): Géneros de pintura .

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