Artistas del retrato, siglo XX 
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En bellas artes, un retrato puede ser
una escultura,una pintura, una forma de fotografía, o cualquier otra representación de una persona en la que el rostro sea el tema principal. Los retratos de caballete tradicionales suelen representar al modelo de cabeza y hombros, de medio cuerpo o de cuerpo entero. Existen diversas variedades de retratos, entre las que se incluyen: un retrato tradicional de una persona, un retrato de grupo o un autorretrato . En la mayoría de los casos, la imagen se compone específicamente para transmitir el carácter y los atributos únicos del sujeto. Entre los grandes representantes del retrato en el arte occidental se encuentran los antiguos maestros del Renacimiento, como los florentinos El retrato puede considerarse un arte público o privado. En antiguas civilizaciones mediterráneas como Egipto, Grecia, Roma y Bizancio, el retrato era principalmente una forma de arte público o un tipo de arte funerario para dioses, emperadores, reyes y papas. Los retratos se realizaban como esculturas de bronce, mármol u otras piedras, o como paneles o frescos murales . Aunque en las épocas sumeria, egipcia y griega se encargaban obras de arte privadas -generalmente para familias reales-, la pintura de retratos más antigua era arte público, destinado a decorar espacios públicos y reflejar la moral y los valores religiosos de la época. Ejemplos de retratos en el Egipto primitivo: escultura Menkaure y su reina (ca. 2470 a.C.); esculturas: Faraón Ehnaton (ca. 1364. a.C.), Hija de Ehenatón (ca. 1375 a.C.), busto de Nefertiti (ca. 1350 a.C.); retratos de momias (ca. 200 d.C.). Retratos escultóricos griegos: un busto de mármol de Sócrates (ca. 340 a.C.); y numerosos bustos, bajorrelieves y estatuas de dioses griegos, desde Afrodita hasta Zeus. Los escultores más importantes del periodo clásico griego fueron Policleto, Mirón y Fidias. También se pintaban retratos sobre paneles, aunque casi ninguno se ha conservado. Una excepción bien conocida es una serie de retratos de momias de Fayyum El arte romano se basaba en necesidades políticas prácticas. Los bustos retrato Con el inicio de la Edad Media, tras el saqueo de Roma (hacia el 450 d.C.), el arte público perdió protagonismo. Los retratos, como otros tipos de pinturas, se producían principalmente para el interior de iglesias y monasterios (normalmente como frescos o paneles encáusticos) o se utilizaban para ilustrar manuscritos evangélicos iluminados, como el Evangelio de Garim (390-660) de Etiopía y el Libro de Kells (c. 800) de Irlanda. El único mecenas importante de las artes durante la mayor parte de la época medieval fue la Iglesia. Ejemplos de obras de este periodo son paneles de retratos en encáustica e iconos del monasterio de Santa Catalina en el monte Sinaí, por ejemplo Virgen en un trono con niño. (c. 600 d.C.); retratos de evangelistas y apóstoles en manuscritos cristianos celtas iluminados y textos evangélicos carolingios como Juan Evangelista (c. 800). Durante los periodos románico y gótico hasta el siglo XIV (c. 1000-1300) se expandió la pintura de retratos y la aparición de las vidrieras, gran parte de las cuales aún hoy son visibles en obras maestras arquitectónicas como la catedral de Chartres y la catedral de Notre Dame de París. El naturalismo de Giotto y el realismo de Jan Van Eyck (1300-1450) El estilo bizantino de pintura de retratos, que dominó el periodo de 450 a 1400, era incompatible con las pinturas realistas. En su lugar, los artistas seguían un estilo artístico hierático en el que las características espirituales y humanas de la figura debían derivarse de motivos simbólicos. Este enfoque no naturalista no fue cuestionado hasta la aparición de Giotto (1266-1337), cuyos frescos en los Scrovegni (Capilla de la Arena) fueron las primeras imágenes que representaban a personas corrientes realistas con formas tridimensionales sólidas. Este nuevo estilo pronto se hizo sentir en el retrato propiamente dicho: en primer lugar, entre los maestros de la pintura al óleo sfumato) y el modelado tridimensional, así como conceptos narrativos como el humanismo. Estas ideas brindaron a los retratistas grandes oportunidades, que pronto condujeron a una notable mejora de la calidad de los retratos renacentistas . Mientras tanto, la Iglesia seguía patrocinando las bellas artes, encargando obras a catedrales, iglesias, capillas y monasterios. De hecho, el Vaticano estuvo a punto de quebrar en el siglo XVI, cuando los sucesivos papas gastaron fortunas enteras en la decoración de Roma. Ni que decir tiene que la mayoría de los retratos de la época representaban a miembros de la Sagrada Familia, mártires o apóstoles. La influencia del Renacimiento en el retrato persistió durante siglos, ya que los artistas siguieron imitando el estilo de Leonardo, Rafael, Tiziano y Miguel Ángel. Véase también Retrato veneciano Durante los periodos de Manierismo (c. 1530-1600) y Barroco (c. 1600-1700) se produjeron dos desarrollos importantes. Durante el siglo XVI, las principales academias de arte establecieron una clara jerarquía de pinturas basada en las cualidades «inspiradoras» percibidas de una pintura. Se clasificaron cinco géneros de la siguiente manera (1) pinturas históricas, religiosas o mitológicas (que contuvieran «narración» o «mensaje») se consideraban el género más digno, seguidos de (2) retratos, luego (3) pinturas de género, que son representaciones de escenas cotidianas, (4) paisajes y finalmente (5) naturalezas muertas . Por este motivo, muchos retratistas intentaron aumentar el prestigio tanto de su pintura como de su tema dotando a sus retratos de escenarios históricos, religiosos o mitológicos. Además, a mediados del siglo XVI, tras la ruptura en toda Europa entre la Iglesia católica de Roma y el movimiento protestante provocada por la Reforma de Lutero (hacia 1520), el Concilio católico de Trento decidió lanzar una gran campaña para recuperar la lealtad de los feligreses desilusionados. Esta campaña, conocida como la Contrarreforma, utilizó el arte como arma propagandística, por lo que encargó un gran número de pinturas y esculturas religiosas, muchas a escala monumental, incluidos algunos retratos icónicos. Véanse, por ejemplo, las notables obras maestras de El Greco « Al mismo tiempo que el auge de la pintura católica, surgió un mini-renacimiento en la Holanda protestante, impulsado por un nuevo tipo de cliente muy materialista: el comerciante o profesional de clase media adinerada que quería comprar cuadros que le hicieran quedar bien a él y a su familia. Tenían que ser lo bastante pequeños para colgarlos en la pared de su casa y lo bastante detallados para parecer realistas. Así nació el estilo único de pintura Realismo holandés . Entre los más grandes Nota: la pintura de retratos se desarrolló más tarde en Rusia que en el resto de Europa. Sólo en la época del arte petrino bajo Pedro el Grande (1686-1725) se generalizaron los retratos de estilo académico. Expansión del retrato: la fotografía de ayer (1700-1900) La pintura de retratos como género se expandió considerablemente en los siglos XVIII y XIX. Esto se debió a varios factores, entre ellos la generalización del uso del óleo y el lienzo; el crecimiento del comercio, que a su vez creó un nutrido grupo de ricos hombres de negocios y terratenientes de clase media; y el uso del retrato como forma de hacer (inmortalizar) un registro visual de individuos y familias. En cualquier caso, durante este periodo se produjo un importante crecimiento del retrato, que sólo se detuvo con la llegada de la cámara fotográfica en el siglo XX. Sobre las obras del siglo XVIII, véase: Retrato rococó y neoclásico . Probablemente, las dos mejores retratistas femeninas del siglo XVIII fueron la artista suiza Sobre pinturas del siglo XIX, véase: Retratos del siglo XIX . En cuanto a escuelas específicas, las características de la pintura inglesa de retratos se tratan en El género especializado del retrato romántico, que se hizo muy popular en la Inglaterra del siglo XIX, está representado por los cuadros de Sir El siglo XX mostró poco interés por la jerarquía clásica de géneros y se preocupó por nuevas formas de representar la realidad en una época de guerras mundiales e incertidumbre moral. Tras una serie de (§198) retratos expresionistas, los avances de la fotografía, el cine y el vídeo hicieron que el retrato clásico dejara de tener valor como anacronismo. En su lugar, (§200) los retratistas del siglo XX se limitaron a utilizar el género como un medio más de promocionar su estilo artístico. Las excepciones (§202) incluyen los retratos de Picasso, como (§204) Retrato de Gertrude Stein (1906), y los retratos expresionistas de Modigliani: véanse, por ejemplo, (§206) Retrato de Juan Gris (1915) y (§208) Retrato de Jeanne Ebuterne (1918). Las obras de posguerra también se vieron influidas por materiales artísticos adicionales, medios informáticos y nuevas formas de grabado, lo que permitió realizar nuevas obras con pintura acrílica, pintura de aluminio, forma de collage, serigrafía, impresión por ordenador y medios mixtos, así como una variedad de nuevos materiales escultóricos. Esta tendencia queda ilustrada, por ejemplo, por el (§210) Pop Art (§212) de Andy Warhol (1928-1987), cuyos grabados de retratos de Elvis, Marilyn Monroe, Jacqueline Kennedy, Elizabeth Taylor y Mao Tse-Tung se convirtieron en iconos de finales del siglo XX. El último estilo moderno de retrato, conocido como (§214) fotorrealismo (hiperrealismo), está representado por artistas como, por ejemplo, el estadounidense (§216) Chuck Close (nacido en 1940). Como cualquier otro género, el arte del retrato reflejaba el estilo de pintura dominante. En los primeros tiempos de Egipto, los retratos pintados y las esculturas en relieve representaban al personaje sólo de perfil. Un retrato pintado en la época barroca habría sido más extravagante que las pinturas dignas de estilo neoclásico, pero ninguno era tan realista como los retratos (§222) de los realistas Aunque los más grandes retratistas, como Leonardo, Miguel Ángel y Rembrandt, poseían ambos estilos, la mayoría de los artistas tienden a ejemplificar sólo una tradición. Por ejemplo, entre los que pintaron en el estilo Gran Clásico se encuentran Peter Paul Rubens (1577-1640), (§228) Sir Antonis Van Dyck A lo largo de la (§270) historia del arte occidental se han empleado retratistas por muchas razones. En primer lugar, en las antiguas Grecia, Egipto y Roma (así como en las culturas micénica, minoica y otras culturas mediterráneas), se emplearon pintores y escultores para retratar a una amplia gama de dioses y diosas en diversas obras de arte públicas. Por ejemplo Afrodita de Praxíteles (c.350 a.C.); Venus de Milos (c.100 a.C.); Friso de Pérgamo (c.180 a.C.), así como bustos de Zeus, Pan, Eros y otros. En el Renacimiento, este tipo (§280) de arte religioso sobrevivió Los retratistas también retrataron a figuras históricas veneradas. Por ejemplo, todos los emperadores romanos (Julio César, Augusto, Marco Aurelio) fueron representados en formas de arte público como estatuas, bustos y frisos para glorificar el Imperio Romano. Los faraones egipcios también fueron ampliamente representados en diversos medios, como bustos retratos, tallas de tumbas y retratos de momias. Posteriormente, papas, reyes y presidentes también fueron plasmados en retratos, un proceso que floreció a partir del Alto Renacimiento. Algunos ejemplos son (§308) El dux Leonardo Loredan Los personajes famosos siempre han sido el tema (o el objetivo) de los artistas profesionales, desde el Renacimiento hasta el Pop Art. Algunos ejemplos de retratistas y sus representaciones de famosos son Jan van Eyck: (§346) Retrato de Arnolfini (1434.); (§348) Lucas Cranach el Viejo : Díptico con retratos de Lutero y su esposa Katerina von Bora (1529); (§352) John Singleton Copley : Las tres hijas menores de Jorge III (1785, Buckingham Palace, Londres); Johann Heinrich Wilhelm Tischbein: Goethe en Campania (1787); Joseph Lange: Mozart al piano (1789); Sir (§360) Henry Raeburn : Sir Walter Scott (1823.); (§364) Ilya Repin : Retrato de León Tolstoi (1887); (§368) Juan Gris : Retrato de Pablo Picasso (1912); Graham Sutherland: Retrato de Somerset Maugham (1949); (§374) Willem De Kooning : Marilyn Monroe (1954); Andy Warhol: Ocho Elvis (1963). Otros cuadros de personajes famosos son: la poetisa Anna Ajmátova por Kuzma Petrov-Vodkin; el actor Charlie Chaplin - (§380) Fernand Léger y el líder bolchevique Lenin por Isaac Brodsky. Otro tipo menos formal de retrato fotográfico son (§384) las caricaturas Desde la Antigüedad hasta el siglo XX, pasando por el Renacimiento, se utilizaron desnudos masculinos y femeninos en retratos, esculturas y grabados. (§396) El Nacimiento de Venus (1485) de Botticelli fue uno de los más grandes. Otros retratos de desnudos famosos son: (§398) La Venus dormida (1510, Dresde) de Giorgione; (§400) Venus de Urbino (1538, Uffizi) de Tiziano; (§402) Venus de Rokeby (1647) de Velázquez; (§404) La bañista de Valpincon (1808, Louvre) y (§406) La gran Odalisca (1814, Louvre) de Engra. Para otros ejemplos famosos, véase: (§408) Mujeres desnudas en la Historia del Arte (top 20) y (§410) Hombres desnudos en la Historia del Arte (top 10). Retrato artístico A los retratistas también les encargaban retratos pequeños nobles, artistas y hombres de negocios que querían una imagen halagadora de sí mismos que reflejara su posición en la sociedad. Este tipo de arte de caballete floreció durante el Alto Renacimiento italiano y el Renacimiento septentrional entre las escuelas holandesa y flamenca, ya que los soportes artísticos portátiles, como paneles y lienzos, empezaron a sustituir a los frescos murales. Algunos ejemplos son El duque Federico da Montefeltro y su esposa Battista Sforza (hacia 1466) de Piero Della Francesca; La familia y la corte de Ludovico II Gonzaga (hacia 1474) de Andrea Mantegna; (§420) La dama del armiño (Retrato de Cecilia Gallerani) (hacia 1490.)y (§422) Mona Lisa (ca. 1503), esposa de Francesco del Giocondo por Leonardo; retrato de Rafael (§424) Baldassare Castiglione (1515); La Doncella del Canciller de Rolen por Jan van Eyck (1436); (§428) Erasmo de Rotterdam (1523, National Gallery, Londres), (§430) El mercader Georg Giese (1532, SMPK, Berlín) y (§432) Los embajadores (1533, National Gallery, Londres) de Holbein; (§434) El caballero que ríe (1624) de Frans Hals; (§436) La ronda de noche o «La milicia de la compañía del capitán Frans Banning Coke» (1642.) y (§438) Síndicos del gremio de pañeros (Stalmeisters) (1662.) de Rembrandt; Master Thomas Lister (1764) de Joshua Reynolds; Mrs Richard Sheridan (1785) de Thomas Gainsborough; (§444) Retrato de Monsieur Bertin (1832) y (§446) Retrato de Madame Moissier (1844-65) de Engr. Retrato de Miss Amelia Van Buren (1891) por Thomas Eakins; Retrato de Miss Dora Wheeler (1883, Cleveland Museum of Art) (§452) por William Merritt Chase (1849-1916). Hay muchos retratos entre las obras maestras de la pintura europea desde el siglo XV hasta tiempos recientes, y son una característica importante de la obra de maestros que destacaron en otros géneros. Goya (1746-1828), pintor de la vida española, los toros, las fiestas populares, los presagios funestos, las calamidades de la guerra, incluso los temas religiosos, estaría incompleto, en nuestra opinión, sin sus brillantes estudios de la individualidad. Durante gran parte del periodo medieval, en el arte dedicado a la religión, tales estudios (si es que podían hacerse) habrían parecido una invasión de los límites de la fe e incluso una impertinencia, si no otra cosa. Las representaciones escultóricas de reyes y reinas eran abstracciones conmemorativas del poder. Hasta la Baja Edad Media, la iluminación de los manuscritos era más de símbolos que de imágenes. Los inicios de la caracterización son evidentes en los retratos reales del siglo XIV, (§462) el Díptico de Wilton En la pintura flamenca del siglo XV, el retrato realista surge con sorprendente brusquedad. Jana van Eyck (1390-1441), Rogier van der Weyden (1400-1464) y Hans Memling (1433-1494) utilizaron magníficamente la práctica de incorporar la imagen de un donante -un prelado, un noble o un rico comerciante- a un retablo destinado a una iglesia o un monasterio. Memling (1433-1494). Pintaron retratos puramente seculares con igual vigor, y entre sus clientes se encontraban visitantes extranjeros de las ciudades flamencas. El agente de los Médicis en Brujas, Tommaso Portinari, aparece con su mujer y sus hijos en «La Gran Adoración» de Hugo van der Goos (1440-1482, actualmente en los Uffizi). Sir John Donne, nombrado caballero por Eduardo IV durante la Guerra de las Dos Rosas, aparece con su mujer y su hija en el Tríptico de Donne (1477) de Hans Memling, hoy en la National Gallery de Londres. El inglés Edward Grimston de Rishangles, condado de Suffolk, había sido representado anteriormente en una pintura puramente secular del artista (§466) Petrus Christus El humanismo, el Renacimiento y la Reforma favorecieron el desarrollo del retrato como género por derecho propio. El principio de la filosofía humanista de que el estudio adecuado de la humanidad es la persona otorgó lógicamente al retrato un lugar importante. Los artistas del Renacimiento no sólo estuvieron de acuerdo con este punto de vista, sino que, con la ayuda de los avances tecnológicos, mejoraron la representación del carácter en las pinturas. La pintura al óleo, traída a Venecia por Antonello da Messina (1430-1479), dio al arte una nueva calidez y poder de modelado. Leonardo da Vinci (1452-1519) demostró cómo la luz y la sombra podían contribuir a la representación de la personalidad y la psicología ) sfumato). La Reforma impulsó otro tipo de retrato. La supresión de la imaginería religiosa en los países reformistas hizo que los artistas estuvieran más dispuestos a ofrecer sus servicios como retratistas. La carrera de Hans Holbein el Joven (1497-1543) muestra la influencia de tres fuerzas. Nacido en Augsburgo, de joven eligió trabajar en la ciudad germano-suiza de Basilea, que, además de su prosperidad, era un centro de humanismo científico. Allí realizó sus ilustraciones para el Elogio de la locura «de Erasmo». Tenía aptitudes renacentistas para diversas tareas, desde la decoración de frescos y altares hasta el diseño de joyas y vidrieras, aunque ya se había señalado su inclinación por el retrato. Pero con el auge del protestantismo en Basilea, las actividades de carácter católico llegaron a su fin. Como otros pintores, estaba «sin pan», como observó Erasmo al recomendarle a Tomás Moro en Londres. El interés de estos amigos (que compensó con sus excelentes retratos de ellos) permitió a Holbein conocer y representar en pinturas y dibujos a gran parte de la sociedad de los Tudor durante los dos años de su primera estancia en Inglaterra, hasta 1528.Su segunda estancia en Inglaterra duró once años.Desde 1532 hasta su muerte en 1543 entró más definitivamente en la esfera de la corte real. Se convirtió en pintor de Enrique VIII en 1536. Ningún rostro en la historia es más conocido que el formidable rostro de ojos desconfiados y boca pequeña y cruel pintado por Holbein en un cuadro (Colección Thyssen) -entre muchas versiones- que pertenece definitivamente a sus propias manos. En una época de cambios, relaciones y alianzas entre gobernantes despóticos, el retrato cumplía su función diplomática. Además de recordar a funcionarios y cortesanos el poder reinante, la imagen del gobernante era un símbolo del intercambio internacional y el propio artista una figura internacional. Este fue el caso de Tiziano (1485-1576), que retrató a Carlos V y Felipe II, rey de España, y de Antonis More (1519-1576), el Antonio Moreau latino, que más tarde se convirtió en Sir Anthony More y pintó a María Tudor y Sir Thomas Gresh. Antes de que se inventara la fotografía -o en la época en que el conocimiento personal había llegado a considerarse un requisito previo incluso para el matrimonio real-, un retrato pintado servía para transmitir la aptitud física de la futura esposa. Holbein fue enviado al continente para llevar su retrato pictórico de la joven pero viuda duquesa Ana de Milán, hija del duque de Cleves, para ayudar a Enrique en su elección. Su cuadro de la duquesa (Londres, National Gallery) no era una mera descripción, sino una obra maestra, que aumentaba el atractivo con rasgos de espléndida sencillez de diseño. Otro propósito del retrato cortesano era mostrar poder y posición mediante el esplendor del traje y la abundancia de joyas. Esto era muy característico del periodo isabelino y puede que exigiera que los rasgos faciales del patrón fueran rígidos y ceremonialmente inexpresivos, mientras que la riqueza de los accesorios indicaba estatus. La propia Reina parece haber pensado en esta línea en sus mandatos contra el sombreado dado a Nicholas Hilliard, es decir, contra el sombreado facial modelado. La riqueza formal casi bizantina de una obra como el «Retrato de Ditchley» de Marcus Gerarts el Joven (1561-1636) era menos requerida por las damas de la corte. Los artistas flamencos que llegaron a Inglaterra huyendo de la persecución religiosa en los Países Bajos y formaron una colonia flamenca en Londres eran maestros que cumplían un requisito que limitaba su independencia como artistas. El género (§484) del retrato en miniatura El siglo XVII fue la gran época del retrato en Europa. El estatus del artista había cambiado; podía reivindicar un mayor grado de autonomía en el método y la concepción. El respeto de que gozaba Tiziano por parte de los gobernantes más poderosos dejó una huella imborrable. El artista era percibido en los círculos de la corte no como un trabajador contratado, sino como un maestro que les daba lustre. Donde no había corte -en las Provincias Unidas del norte de los Países Bajos-, la riqueza recién adquirida y la libertad nacional exigían abundancia de retratos. Se dice que todos los artistas flamencos eran retratistas natos, y un estudio de la corriente de la pintura flamenca desde Van Eyck hasta Rubens y Van Dyck pone de manifiesto hasta qué punto es cierta esta observación. A pesar de ello, la pintura de retratos en la Italia del Renacimiento marcó una pauta por la que los artistas continuaron trabajando hasta bien entrado el siglo XVII. El retrato de Baldassare Castiglione por Rafael (1483-1520), que Rembrandt (1606-1669) vio en Amsterdam, sugirió el estilo de composición que adoptó en su autorretrato de 1640 (Londres, National Gallery). Los ocho años que Rubens (1577-1640) pasó en Italia al servicio del duque de Mantua, en los que copió a los grandes venecianos tanto para el duque como para su propio placer, fueron años en los que su originalidad se vio reforzada por el ejemplo italiano. Durante los seis años que Antonis Van Dyck (1599-1641) pasó en Italia pintando retratos y estudiando a los venecianos, aprendió mucho de la dignidad de la pose y de la riqueza del colorido de Tiziano. Van Dyck puede ser considerado en dos aspectos diferentes. Está el pintor de emotivas composiciones religiosas del Barroco, que rivaliza con Rubens en las iglesias de Amberes, y está el retratista, más sensible a la atmósfera psicológica que su maestro Rubens. La ecuanimidad y la moderación de Inglaterra han ejercido su influencia. La elegancia y el refinamiento del arte de Van Dyck dominaron durante un siglo en Inglaterra, aunque William Dobson (1610-1646) llegó independientemente a un estilo vigoroso basado en su estudio de los venecianos, y Samuel Cooper (1609-1672) destacó como un hombre que podía reducir exquisitamente el efecto de un gran retrato al óleo a una escala de miniatura. El declive «del arte cortesano» puede rastrearse en las obras de Sir Peter Lely (1618-1680) y Sir Godfrey Kneller (1646-1723). Una raza de parlamentarios aristocráticos y caballeros del campo fueron mecenas durante el periodo de mayor dominio del retrato en Inglaterra, el siglo XVIII. El siglo XVIII dio lugar a una informalidad e intimidad que Europa no había conocido antes. Ejemplos de ello son «los fragmentos de conversación», practicados por varios artistas, entre los que destaca William Hogarth (1697-1764). Formados por un grupo familiar o un grupo de amigos, se diferencian de los grupos del arte holandés o francés en que representan a sujetos que participan informalmente en alguna ocupación o diversión ordinaria en su entorno habitual. Los placeres de la propiedad rural se ilustran en los retratos al aire libre pintados por Thomas Gainsborough (1727-1788). La frescura de la belleza inglesa contrastaba armoniosamente con el elaborado maquillaje de las damas de la corte de antaño, mientras que los niños ya no eran retratados como figuritas vestidas de ceremonia, sino con movimientos y expresiones naturales. En lugar de cortesanos, aparece una amplia gama de tipos y personajes. Hogarth prefiere pintar al filántropo de clase media capitán Coram o a un grupo de sus sirvientes. Sir Joshua Reynolds (1723-1792) dibuja al actor, la actriz, el escritor -Garrick, la señora Siddons, el doctor Johnson- y a lores y damas. George Stubbs (1724-1806) y otros representan a escuderos deportivos cazando o disparando. En el siglo XVIII todavía existían fuertes vínculos con el pasado. Gainsborough llegó a redescubrir a Van Dyck y remodeló la elegancia del maestro flamenco al estilo inglés, como había hecho antes que él el maestro escocés (§500) Allan Ramsay El siglo XX fue testigo del rápido declive del retrato pictórico y del auge concomitante del retrato fotográfico. A pesar del trasfondo tecnológico, el valor artístico y la (§522) estética El siguiente artículo se centra en los retratos renacentistas Sobre otros tipos de pintura (retratos, escenas de género, bodegones, etc.): (§619) Géneros de pintura Lee también: (§623) Los mejores retratistas
El arte renacentista introdujo varias ideas nuevas en la pintura. Entre ellas se encontraban conceptos técnicos como la perspectiva lineal, la luz y la sombra (
Angelique Kaufmann
Pintura figurativa inglesa de los siglos XVIII-XIX
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