Orfebrería:
técnicas, historia Traductor traducir

La joyería es el arte aplicado de trabajar los metales preciosos. Básicamente, un joyero es un artesano especializado en el trabajo de metales preciosos como el oro, la plata, el electrum (pepita de oro), el platino, las aleaciones de bronce y cobre y las piedras preciosas. (Véase también Artesanía: Historia y tipos)

Desde las primeras civilizaciones, los orfebres han fundido y fabricado artesanalmente objetos de oro, adornos personales, platos, copas, armas, artículos ecuestres y objetos preciosos con fines ceremoniales y religiosos.

La orfebrería resultó especialmente útil en la época medieval, cuando se encargó a los orfebres decorar manuscritos iluminados con pan de oro, crear arcas de oro para las reliquias sagradas y fabricar numerosos objetos eclesiásticos con metales preciosos. Además, la mayoría de los países vivieron su propia «edad de oro» de la orfebrería, como demuestran los extraordinarios huevos de Pascua de Fabergé realizados por los maestros joyeros rusos Gustav Fabergé (1814-1893) y Peter Carl Fabergé (1846-1920) en el siglo XIX. Otros tipos de artesanía del metal incluyen el trabajo de los plateros o herreros (especializados en el trabajo de la plata), los artesanos del cobre (cobre), los herreros (hierro) y los artesanos del blanco (los llamados metales blancos, como el estaño y la hojalata).

¿Cuáles son las propiedades únicas del oro?

El oro es un metal extremadamente raro, valioso y brillante. En comparación con otros metales, no se oxida ni se empaña, es fácil de fundir y moldear, y es muy maleable: una onza (31 gramos) de oro puede moldearse en una fina lámina de unos 30 m² (1 gramo de oro puede moldearse en una lámina de 1 metro cuadrado). También se presta fácilmente a la soldadura a presión. Por su valor y maleabilidad, el oro fue uno de los primeros materiales que llamaron la atención.

El arte egipcio, en particular, y el arte egeo destacaron por sus objetos de oro. Desde la antigüedad, los objetos de oro se han utilizado como arte decorativo y como fuente de riqueza. En la India, por ejemplo, el oro se utiliza universalmente tanto para adornar el cuerpo como para expresar el propio estatus. La habilidad de los orfebres es legendaria, como lo demuestra la comunidad de orfebres Khudabadi Sindhi Swarankar, cuyas extraordinarias obras de arte se expusieron en Londres en la Gran Exposición de 1851.

¿Cuáles eran las principales técnicas utilizadas por los orfebres?

Un maestro joyero está entrenado en numerosos tipos de trabajo del metal, incluyendo serrar, cortar, forjar, fundir, moldear, batir, soldar, limar, grabar, estampar, esmaltar y pulir metales preciosos y piedras preciosas . Tradicionalmente, la mayoría de los joyeros aprendían el oficio en el taller de su padre o lo adquirían como aprendices de un maestro. Muchos también fabricaban joyas, y algunos practicaban el grabado, como grabadores. Por ejemplo, muchos de los mejores grabadores del siglo XV eran joyeros o hijos de joyeros, como Alberto Durero y Martin Schongauer.

A finales del siglo XIX, gracias al movimiento Arts and Crafts ««Artes y Oficios» en Inglaterra, Art Nouveau en todo el mundo y Deutsche Werkbund en Alemania, el arte de la joyería experimentó un importante renacimiento. Hoy en día, muchas de las mejores escuelas de arte ofrecen cursos de joyería, orfebrería y metalistería como parte de su plan de estudios de bellas artes.

Además de las técnicas básicas de fabricación de joyas -fundición y forja-, los orfebres aprendían una serie de técnicas avanzadas, como el ennegrecimiento, el repujado, el trabajo en relieve, el esmaltado (incluido el cloisonné, la cámara, la cola base, el plique-a-jour), el grabado y la decoración de filigrana.

Marquetería

Utilizada por primera vez por los egipcios, esta técnica decorativa consiste en aplicar nielado -un polvo negro que se obtiene de la aleación de cobre, plata, plomo y azufre- a diseños grabados en pequeños objetos metálicos, generalmente de plata. Después de cubrir la superficie del metal grabado con el nielado, se le aplica calor, lo que hace que el nielado se funda y fluya por los canales grabados.

Los maestros de la Rus de Kiev eran conocidos por sus objetos de nielado de los siglos X al XIII, algunos de los cuales se conservan en los museos de arte de Moscú y en la Despensa Especial del Hermitage. Véanse también Arte cristiano (época bizantina) (c. 400-1200) y Pintura medieval rusa (c. 950-1100). Otro representante destacado del nielado fue el joyero florentino Maso Finiguerra (1426-1464). Otras piezas notables de nielado son las hebillas de oro anglosajonas y otros objetos de los tesoros de Sutton Hoo, y la Crucifixión de Minden (1070-1120, catedral de Minden, Alemania).

Grabado en relieve

Esta técnica tradicional de trabajo del metal se utiliza para crear un diseño en relieve o rebajado en una lámina de oro u otro metal. Una forma popular de repujado es el Repoussé, que consiste en golpear el reverso de una lámina de metal con un martillo para crear un dibujo en relieve. Otro método de repujado es el llamado acuñado, que funciona de forma opuesta al repoussé: en lugar de martillar la parte posterior de la chapa para crear un dibujo en relieve en la cara, el acuñado consiste en trabajar la cara de la chapa para crear un dibujo empotrado en el metal. Dos ejemplos exquisitos de trabajo repoussé son la corona Petrie de la Edad de Hierro (Museo Nacional de Irlanda) y la obra maestra de plata conocida como caldero de Gundestrup (siglo I o II a.C., Museo Nacional de Dinamarca, Copenhague).

Esmalte

En el proceso del esmaltado, se aplica un esmalte vítreo a una superficie metálica (u objeto) y después se somete a un calor intenso, que funde el esmalte en una capa decorativa de bellos colores. El revestimiento vítreo (conocido como esmalte vítreo) puede hacerse parcial o totalmente transparente, o totalmente opaco; y su color puede regularse mezclando el vidrio fundido con diversos óxidos de metales, como cobalto, hierro, praseodimio y otros. (Véase también: Vidrieras: Materiales y métodos)

El esmaltado tiene similitudes con los mosaicos y la pintura y alcanzó su primer florecimiento en la cultura bizantina temprana. También floreció durante la Edad Media, especialmente en Limoges (c. 1200) durante la era del arte gótico, y durante el Renacimiento italiano.

Esmalte cloisonné y plique-à-jour

La técnica del esmalte cloisonné consiste en soldar tiras aplanadas de metal (o alambre de oro o plata) a un objeto metálico para crear una serie de compartimentos en relieve (dinteles), que luego se rellenan con esmalte y se cuecen en un horno. Una forma más avanzada (y compleja) de pintura cloisonné se conoce como Plique-à-jour, en la que los compartimentos «» tienen paredes que no están firmemente unidas a la base de metal. Estas últimas se retiran con unos golpecitos, dejando una red de compartimentos rellenos de esmalte que dejan pasar mucha más luz.

El grabado cloisonné se dominó en la primera época del arte bizantino y en el periodo románico/gótico. También se extendió a China -el esmaltado cloisonné chino se considera hoy uno de los ejemplos más destacados de la artesanía-; véase, por ejemplo, la colección de 150 piezas chinas del Vincent Smith Art Museum de Springfield, Massachusetts.

Los joyeros japoneses del siglo XIX también produjeron un gran número de piezas de esmalte cloisonné, que alcanzó su apogeo en Rusia a finales de siglo gracias a la Casa de Khlebnikov y, por supuesto, a Fabergé. Otros ejemplos famosos de esmalte cloisonné en el arte cristiano son el Ardagh Bowl irlandés (siglos VIII-IX, Museo Nacional de Irlanda); la Santa Corona de Hungría (Corona de San Esteban, siglo XI, edificio del Parlamento húngaro, Budapest); el Tríptico de Khakhul (siglos VIII-XII, Museo de Arte de Georgia, Tiflis), un retablo dorado , al parecer la mayor obra de arte esmaltada del mundo.

Basse-Taille

Esta técnica joyera es similar al cloisonné, con la diferencia de que se crea un diseño en bajo relieve (mediante grabado o cincelado) en el fondo «de los compartimentos» que se rellenan con esmalte translúcido o totalmente transparente, lo que permite que el diseño brille a través de ellos. Un ejemplo destacado de basse-taille es la Copa Real de Oro francesa (también conocida como Copa de Santa Inés) (siglo XIV, Museo Británico), creada por joyeros durante el periodo gótico internacional . La copa es de oro puro, ricamente decorada con esmalte y perlas, y se considera el mejor ejemplo de plato francés de finales de la Edad Media.

Champlevé

Un tipo especial de esmaltado -la palabra en francés significa «campo elevado»- El esmaltado champlevé consiste en crear depresiones en la superficie de un objeto metálico, que luego se rellenan con esmalte vítreo y se cuecen en un horno. Esta técnica no se desarrolló plenamente hasta la época del arte románico (1000-1150).

Algunos ejemplos famosos de champlevé son el tríptico de Stavelot (c. 1158), una obra maestra del arte mosano, un estilo de joyería románica creado en torno a Lieja, Bélgica - actualmente en la Biblioteca y Museo Morgan, Nueva York; y la arqueta Becket (1180-1190), realizada en cobre dorado en Limoges, Francia (actualmente en el Victoria and Albert Museum, Londres).

Filigrana (granulación)

Esta delicada técnica consiste en crear objetos de metal en oro y plata utilizando patrones de pequeñas cuentas de oro o bolas de oro (granulación) soldadas a la superficie del objeto en patrones que se asemejan al encaje. Fue muy utilizada por los joyeros italianos y franceses desde mediados del siglo XVII hasta finales del XIX. La filigrana alcanzó su apogeo en el arte etrusco y griego (c. 550-250 a.C.) y -a juzgar por la colección de joyas escitas del Museo del Hermitage de San Petersburgo- en el arte de las estepas del Mar Negro.

En Irlanda, ejemplos de orfebrería de filigrana son el broche de Tara (c. 700 d.C., Museo Nacional de Irlanda), obra maestra de la joyería celta, y el cáliz de Derrinaflan (NMI) - ambos decorados en el estilo cultural de La Tène . (Véase también: Artes del metal celtas) Otros ejemplos importantes de orfebrería de filigrana se encuentran en las colecciones del Museo Británico y del Museo Victoria y Alberto de Londres, así como en el Louvre de París.

Criselefantina

El término «arte criselefantino», formado a partir de las palabras griegas chryzos (oro) y elephantine (marfil), se refiere a las esculturas realizadas con una combinación de talla de marfil y oro. Normalmente, la escultura criselefantina se construía alrededor de un armazón de madera, utilizando marfil finamente tallado para la carne y pan de oro para la armadura, la ropa, el pelo y otros detalles. Se utilizaban piedras preciosas y semipreciosas para detalles como los ojos, las joyas y las armas.

Los diseños eran a menudo modulares, de modo que el oro podía extraerse y fundirse en monedas en tiempos de necesidad económica. La figura de Niki agarrada a la mano derecha de la famosa estatua «de Atenea Partenos» de Fidias (c. 430 a.C., Partenón) estaba hecha de oro puro por esta misma razón. Los dos ejemplos más famosos de escultura griega criselefantina - ambos realizados en paneles revestidos de marfil y oro durante la época de la escultura griega clásica - fueron esculpidos por Fidias (488-431 a.C.).

La primera fue la estatua de 13 metros de Atenea Partenos (c. 430 a.C.) en el Partenón de Atenas; la otra fue la estatua de 11 metros de Zeus (430-422 a.C.) en el templo de Olimpia, considerada una de las Siete Maravillas del Mundo Antiguo .

Orfebres

Como ya se ha mencionado, la orfebrería se practicaba en las primeras culturas de Oriente Próximo y el Mediterráneo, que dieron lugar al arte mesopotámico y la escultura mesopotámica, así como al arte egipcio y, más tarde, al minoico . Incluso los estilos menos sofisticados del arte hitita y del arte asirio tenían una tradición de orfebrería.

Las minas de oro de Egipto, Nubia y Arabia Saudí eran importantes proveedores del metal precioso. La orfebrería, originaria de la antigua Grecia y de los alrededores del Mar Negro, se extendió hacia el oeste, a Europa central y occidental, gracias a la migración de las tribus celtas, cuyos herreros eran famosos por sus forjas móviles y su destreza en el trabajo de los metales. Véanse también Cultura celta de Hallstatt (c. 800-450 a.C.) y Arte celta (a partir del 1.000 a.C.).

Al mismo tiempo el arte etrusco en Italia se estaba dando a conocer por los objetos de oro de sus tumbas. Los romanos también se dedicaron al oro, entre otras cosas por sus innovaciones en metalurgia: se desarrollaron nuevos métodos de extracción de oro a gran escala gracias a la introducción de herramientas mineras hidráulicas, especialmente en España y los Balcanes.

El auge del cristianismo aumentó enormemente la demanda de objetos de oro -para necesidades piadosas y eclesiásticas- y durante la Edad Oscura los monasterios de Irlanda, Iona y el norte de Inglaterra fueron asaltados repetidamente por merodeadores vikingos en busca de oro y objetos preciosos utilizados en la producción de manuscritos iluminados por monjes artistas.

En Constantinopla, centro del Imperio Romano de Oriente y de su propio estilo de arte paleocristiano, los orfebres y mosaiquistas se hicieron famosos por sus relucientes obras maestras de oro y mosaicos multicolores . Fíjese, por ejemplo, en el trabajo decorativo en oro y cobre de los famosos Evangelios Garim (390-660) de Etiopía, los textos evangélicos iluminados más antiguos del mundo.

A medida que la cultura europea occidental recuperaba su fuerza en la época del Arte carolingio (c. 750-900) y su sucesor Arte ottoniano (c. 900-1050), cada vez se contrataban más joyeros para satisfacer la demanda. Otra escuela influyente fue la de Mosan, que surgió en los alrededores de Lieja y en el monasterio benedictino de Stavelot. Los principales representantes de esta escuela fueron Godefroid de Clare (1100-1173) y Nicolás de Verdún (c. 1156-1232).

El uso del oro para objetos religiosos y profanos se convirtió gradualmente en un fenómeno mundial, y los orfebres estaban en constante demanda tanto en tiempos de abundancia (cuando se les encargaba la fabricación de una gama cada vez más amplia de objetos preciosos) como en tiempos de extrema necesidad (cuando las piezas de oro se fundían en monedas).

Renacimiento: crecimiento de la riqueza y el comercio

La revolución cultural conocida como arte renacentista se vio impulsada por una revolución igualmente importante en el comercio y las finanzas, estimulada por el gran aumento del comercio de seda, especias y cerámica que pronto transformaría muchos de los palacios, iglesias y hogares de la Europa cristiana. Esta influencia se reflejó también en el arte y la cultura del Quatrocento . Por ejemplo, al encargar nuevas pinturas al óleo, los mecenas empezaron a especificar la cantidad exacta de oro, plata, lapislázuli y otros costosos materiales orientales que debían emplearse en la obra para aumentar su opulencia y grandeza. Y el orfebre era el oficio central e influyente en todo este proceso. (Véase también: Pigmentos de color .)

La perspectiva de obtener más oro para saciar el apetito de grandeza ostentosa tuvo un impacto directo en la exploración europea. A principios del siglo XV, los colonizadores portugueses se dirigieron hacia el sur, a Marruecos, en un intento de controlar el suministro de oro procedente de las ricas minas de Malí. Un siglo antes, en 1324, el gobernante de Malí, Mansa Musa (1312-1337), había realizado su famosa peregrinación a La Meca, durante la cual regaló tanto oro que su precio de mercado en el norte de África se desplomó durante varios años. La colonización europea de Sudamérica también se vio impulsada por los informes sobre la proliferación de joyas de oro, especialmente en Centroamérica, Perú, Ecuador y Colombia.

Después del Renacimiento, la joyería francesa recibió dos estímulos en el marco del auge de las artes decorativas francesas, derivado de la construcción de los palacios de Fontainebleau y Versalles. El primer renacimiento, asociado a la escuela de Fontainebleau, comenzó en el siglo XVI (c. 1528-1610) bajo el mecenazgo de Francisco I (1494-1547). En el siglo XVII, bajo el mecenazgo de Luis XIII (1610-43), se produjo un segundo renacimiento. Para más detalles, véase: Palacio de Versalles (construido hacia 1624-98).

Desde entonces, el oro y la producción de objetos de oro han estado estrechamente vinculados al comercio internacional y a la liquidez y circulación de bienes personales, especialmente en la India y Extremo Oriente.

Joyeros famosos

La joyería se convirtió en el trampolín de muchas formas de arte: la historia de la pintura y la escultura, por ejemplo, está llena de ejemplos de artistas famosos que primero se formaron como joyeros o plateros. Entre ellos se encuentran luminarias del Renacimiento como Lorenzo Ghiberti (1380-1455), escultor renacentista; Luca Della Robbia (1399-1482), famoso por sus esculturas de terracota ; Vecchietta (1410-1480), pintor y arquitecto sienés; Antonio del Pollaiolo (1429-1498), escultor del Quatrocento; Andrea del Verrocchio (1435-1488), escultor de los Médicis que enseñó a Leonardo; el devoto florentino Sandro Botticelli (1445-1510); el pintor de frescos Domenico Ghirlandaio (1449-1494); el grabador Cristofano Robetta (1462-1535); el escultor paduano Andrea Riccio (1470-1532); pintor del Alto Renacimiento Andrea del Sarto (1486-1530); pintor manierista Agnolo Bronzino (1503-1572); escultor florentino Benvenuto Cellini (1500-1571); El grabador e impresor alemán Johannes Gutenberg (1395-1468), el pintor Alberto Durero el Viejo (1427-1502), padre del pintor del Renacimiento septentrional Alberto Durero; el grabador renacentista francés Jean Duvet (1485-1562), el pintor e impresor renacentista suizo Urs Graf (1485-1528), el destacado miniaturista inglés Nicholas Hilliard (1547-1619), y otros.

Mención especial merecen los grandes maestros joyeros rusos del siglo XIX, como Andrei Grigoriev, Ivan Gubkin, Sacerdon Skripitsyn e Ivan Zuyev. Además, no hay que perderse a los artistas joyeros Gustav Fabergé (1814-1893) y Peter Carl Fabergé (1846-1920), creadores de los exquisitos «huevos de Pascua Fabergé» para los zares Romanov. Entre los numerosos maestros Fabergé que participaron en diversos procesos de joyería -además de los joyeros Michael Perchin (1860-1903) y Henrik Wigström (1862-1923)- se encontraban Eric August Collin (1836-1901), Fyodor Rückert (1840-1917), August Frederick Hallming (1854-1915), Johann Zeengraf (1857-1908), Johan Victor Aarne (1863-1934), Fyodor Alekseevich Afanasyev (1870-1937), Carl Gustav Hjalmar Armfeldt (1873-1959), Oskar Woldemar Pihl (1860-1897) y Vasily Zuyev (1878-1941). Véase también: Arte ruso (30.000 a.C.-1920).

Colecciones de objetos de oro

Además de los objetos enumerados anteriormente, he aquí una breve lista de objetos famosos de oro y otros metales preciosos.

Muchos de los mejores museos de arte del mundo tienen colecciones de antigüedades hechas por joyeros de todo el mundo: por ejemplo, las salas de joyas de oro del Louvre de París, del Hermitage de San Petersburgo, la Galería Tretyakov de Moscú, así como del Museo Británico y del Museo Victoria y Alberto de Londres. Cabe destacar también que la familia real británica posee más de 250 piezas Fabergé en la Royal Art Collection . En Estados Unidos, las colecciones más extensas de piezas de oro se encuentran en el Metropolitan Museum of Art, Nueva York, el Museum of Fine Arts de Boston, el Art Institute de Chicago, el Detroit Institute of Arts y el Vincent Smith Art Museum, Springfield, Mass.

Otras colecciones de arte se conservan en museos especializados, como el Museo Histórico de Samokov (Bulgaria), el Museo de Arte de Georgia (Tiflis), el Museo Ucraniano de Tesoros Históricos (Kiev), el Museo Arqueológico Nacional de Atenas, el Museo Egipcio de El Cairo y el Museo Nacional de la Edad Media de París, entre otros.