Orfebrería: técnicas, historia Traductor traducir

Ver también: Joyería: historia y técnicas .

¿Qué es la orfebrería?

La orfebrería es la arte aplicado de metalurgia en oro. Un orfebre es esencialmente un metalúrgico cuya especialidad es trabajar con metales preciosos como oro, plata, electro, platino, aleaciones como bronce y cobre, así como piedras preciosas. (Ver también Artesanía: historia y tipos .) Desde los primeros civilización , los orfebres tienen artefactos de oro fundidos y hechos a mano, joyas personales, platos, copas, armas, artículos ecuestres, así como objetos preciosos para fines ceremoniales y religiosos. La orfebrería demostró ser especialmente útil durante la época medieval, cuando los orfebres se encargaron de adornar manuscritos iluminados con pan de oro, cree relicarios de oro para reliquias sagradas y forme numerosos objetos eclesiásticos con metales preciosos. Además, la mayoría de los países han experimentado su propia "edad de oro" de la metalistería preciosa, como lo demuestra el maravilloso Huevos de Pascua Fabergé realizado por los maestros orfebres rusos Gustav Fabergé (1814-1893) y Peter Carl Fabergé (1846-1920), durante el siglo XIX. Otros tipos de metalistería involucra a los plateros o herreros (que se especializan en trabajar con plata), caldereros (cobre), herreros (hierro) y herreros (los llamados metales blancos como el estaño y el estaño).

¿Cuáles son las propiedades únicas del oro?

El oro es un metal extremadamente raro, valioso y brillante. En comparación con otros metales, no se corroe ni empaña, se derrite, fusiona y forma fácilmente, y es altamente dúctil: una onza (28 gramos) de oro se puede batir en una lámina delgada que mide unos 300 pies cuadrados. También es fácil de soldar a presión. Debido a su valor y maleabilidad, el oro fue uno de los primeros materiales en llamar la atención. Arte egipcio , en particular, así como Arte egeo fueron conocidos por sus artefactos de oro. Desde la antigüedad, los artículos de oro se han utilizado como ambos arte decorativa y una fuente de riqueza. En la India, por ejemplo, el oro se usa universalmente para decorar el cuerpo y expresar el estado de uno. La habilidad de sus orfebres es legendaria, como lo demuestra la comunidad de orfebrería Khudabadi Sindhi Swarankar, cuyas destacadas obras de arte se exhibieron en Londres en la Gran Exposición de 1851.

¿Cuáles fueron las principales técnicas utilizadas por los orfebres?

Un maestro orfebre está capacitado en numerosos tipos de trabajo en metal, incluido el aserrado, corte, forjado, fundido, fundido, golpeado, soldadura, limado, grabado, estampado, esmaltado y pulido de metales preciosos y piedras preciosas. Tradicionalmente, la mayoría de los orfebres aprendieron el oficio en el taller de su padre o adquirieron las habilidades como aprendices de un maestro artesano. Muchos también fabricaron joyas, mientras que algunos practicaron grabado como grabadores. Muchos de los mejores grabadores del siglo XV, por ejemplo, eran orfebres o hijos de orfebres, como Albrecht Durer y Martin Schongauer. A finales del siglo XIX, debido a la Artes y manualidades movimiento en Inglaterra, Art Nouveau alrededor del mundo y el Deutscher Werkbund En Alemania, el arte de la fabricación de joyas experimentó un renacimiento significativo. Hoy, muchos de los mejores escuelas de arte Ofrecer cursos de orfebrería, platería y orfebrería como parte de su arte fino programa.

Además de las técnicas básicas de fundición de oro de fundición y forja, los orfebres aprendieron una gama de técnicas avanzadas que incluyen niello, estampado, trabajo de repujado, esmaltado (incluido cloisonné, champlevé, basse taille, plique-à-jour), grabado y decoración de filagree.

Niel

Utilizado por primera vez por los egipcios, esta técnica decorativa implica la aplicación de Niello, un polvo de color negro, hecho mediante la fusión de cobre, plata, plomo y azufre, en diseños grabados en objetos metálicos a pequeña escala, generalmente de plata. Una vez que la superficie metálica grabada se recubre con el Niello, se aplica calor, lo que hace que el Niello se derrita y corra hacia los canales grabados. Los artesanos de Kievan Rus se destacaron por sus nielli durante los siglos X y XIII, algunos de los cuales se conservan en el Museo ucraniano de tesoros históricos, en Kiev. Ver también: Arte Cristiano (Era Bizantina) (c.400-1200) y Pintura medieval rusa (c.950-1100). Otro gran exponente de Niello fue el orfebre florentino Maso Finiguerra (1426-64). Otros nielli notables incluyen hebillas de cinturón de oro anglosajonas y otros artículos de los tesoros de Sutton Hoo; y el crucifijo de Minden (1070-1120, catedral de Minden, Alemania).

Realce

Esta técnica tradicional de metalurgia se emplea para crear un diseño elevado o hundido en una lámina de oro u otro metal. Una forma popular de estampado se conoce como Repoussé, que consiste en martillar el reverso de una lámina de metal para crear un diseño en bajo relieve. Otro método de estampado se conoce como Chasing. Esto funciona de manera opuesta a la repoussé: en lugar de martillar en el reverso de la lámina de metal para crear un patrón elevado en el frente, la persecución implica trabajar en la superficie frontal de la lámina para crear un diseño hundido en el metal. Dos ejemplos exquisitos de trabajo de repujado son la Edad del Hierro. Corona de petrie (Museo Nacional de Irlanda), y la obra maestra de plata conocida como el Caldero Gundestrup (Siglo I o II a. C., Museo Nacional de Dinamarca, Copenhague).

Esmalte

Durante el proceso de esmaltado , se aplica un esmalte similar al vidrio a una superficie (u objeto) de metal y luego se somete a un calor intenso, que fusiona el esmalte y lo convierte en un revestimiento decorativo de hermosos colores. El revestimiento vítreo (conocido como esmalte vítreo) puede hacerse parcial o totalmente transparente o completamente opaco; Además, su color se puede controlar mezclando el vidrio fundido con varios óxidos metálicos como cobalto, hierro, praseodimio y otros. (Ver también: Vidrieras: materiales y métodos .) El esmalte tiene afinidades con los mosaicos y la pintura, y alcanzó su primer pico en la cultura bizantina temprana. También floreció durante la época medieval, especialmente en Limoges (c.1200) durante la era de Arte gótico , y durante el Renacimiento italiano.

Cloisonné y plique-à-jour

La técnica de esmaltado cloisonné (de la palabra francesa para compartimentos) implica la soldadura de tiras planas de metal (o alambres de oro / plata) sobre un objeto de metal, para crear una serie de compartimentos elevados (cloisons) que luego se llenan de esmalte y se hornean. Una forma más avanzada (y difícil) de cloisonné se conoce como Plique-à-jour, en la que los "compartimentos" están construidos con paredes que no están firmemente fijadas a la base metálica. Este último se retira con unos pocos golpecitos, dejando una red de compartimentos llenos de esmalte, que permiten que entre mucha más luz. Cloisonné fue dominado durante la era temprana de Arte bizantino , y durante el período románico / gótico. También se extendió a China: el cloisonné chino ahora se considera uno de los ejemplos más destacados de la artesanía; vea, por ejemplo, la colección de 150 artículos chinos en el Museo de Arte GW Vincent Smith, Springfield, Massachusetts. Los orfebres japoneses del siglo XIX también produjo grandes cantidades de este tipo de esmaltes, que alcanzaron un pico durante el cambio de siglo en Rusia, gracias a la Casa de Khlebnikov y, por supuesto, Fabergé. Otros ejemplos famosos de esmaltes cloisonné en Arte cristiano incluir a los irlandeses Cáliz Ardagh (Siglos VIII / IX, Museo Nacional de Irlanda); la Santa Corona de Hungría (Corona de San Esteban, siglo XI, edificio del Parlamento húngaro, Budapest); El tríptico Khakhuli (siglos VIII-XII, Museo de Arte de Georgia en Tbilisi), un oro retablo , según se informa, la obra de arte esmaltada más grande del mundo.

Basse-Taille

Esta técnica de orfebrería es como el cloisonné, excepto que se crea un patrón de bajo relieve (mediante grabado o persecución) en los pisos de los "compartimentos", que luego se rellenan con esmalte translúcido o transparente, lo que permite que el diseño brille a través de él. Un ejemplo sobresaliente de basse-taille es la Royal Gold Cup francesa (también conocida como Saint Agnes Cup) (siglo XIV, Museo Británico), creada por orfebres durante la era de Arte gótico internacional . Una copa de oro macizo ricamente decorada con esmalte y perlas, generalmente se considera como el ejemplo más destacado de la placa francesa medieval tardía.

Champlevé

Un tipo específico de esmalte – la palabra es francés para "campo elevado" – esmaltado champlevé implica la creación de canales hundidos en la superficie de un objeto metálico, que luego se llenan con esmalte vítreo y se calientan en un horno u horno. La técnica no se desarrolló completamente hasta la era de Arte románico (1000-1150). Los ejemplos famosos de champlevé incluyen: el tríptico Stavelot (c.1158), una obra maestra de Arte mosan – un estilo de orfebrería románica hecha alrededor de Lieja, Bélgica, ahora en la Biblioteca y Museo Morgan, Nueva York; y el Becket Casket (1180-1190) hecho de cobre dorado en Limoges, Francia (ahora en el Museo Victoria and Albert, Londres).

Filagree / Filigrana (Granulación)

Esta delicada técnica consiste básicamente en la creación de trabajos en metal de oro y plata, utilizando patrones de pequeñas cuentas de oro o glóbulos de oro (granulación), soldados a la superficie de un objeto en patrones que sugieren encaje. Fue ampliamente utilizado por los orfebres italianos y franceses desde mediados del siglo XVII hasta finales del siglo XIX. Filagree alcanzó un apogeo temprano en etrusco y Arte griego (c.550-250 a. C.) y, a juzgar por la colección de joyas escitas en el Museo del Hermitage, San Petersburgo, en el arte de las Estepas alrededor del Mar Negro. En Irlanda, ejemplos de orfebrería filagree incluyen Broche Tara (c.700 CE, Museo Nacional de Irlanda), una obra maestra de Arte de la joyería celta , y el Cáliz Derrynaflan (NMI) – ambos decorados en el La Tene estilo de arte. (Ver también: Arte celta metalistería .) Otros ejemplos importantes de trabajo de oro filagree están en las colecciones del Museo Británico y el V & A, en Londres, y el Louvre en París.

Criselefantino

El término arte criselefantino, derivado de las palabras griegas chrysos (oro) y elephantinos (marfil), se refiere a esculturas hechas de una combinación de talla de marfil y oro Típicamente, un escultura criselefantina fue construido alrededor de un marco de madera, usando marfil finamente tallado para la carne y pan de oro para la armadura, la ropa, el cabello y otros detalles. Se usaron piedras preciosas y semipreciosas para detalles como ojos, joyas y armas. El diseño de las obras de criselefantina a menudo era modular para permitir que el oro se retirara y fundiera para obtener monedas en tiempos de necesidad financiera. La figura de Nike abrochada en la mano derecha de la famosa estatua de Atenea Parthenos de Fidias (c.430 aC, Partenón) estaba hecha de oro puro por esta misma razón. Los dos ejemplos más famosos de criselefantina Escultura griega – ambos hechos de marfil plateado y paneles de oro durante la era de Escultura griega clásica – fueron esculpidos por Fidias (488-431 aC). La primera fue la estatua de 42 pies de altura de Athena Parthenos (c.430 BCE) en el Partenón en Atenas la otra fue la estatua de Zeus de 36 pies de altura (430-422 a. C.) en el templo de Olimpia, que fue considerada como una de las Siete Maravillas del Mundo Antiguo .

¿Cuál es la historia de la orfebrería?

Como se indicó anteriormente, la orfebrería fue practicada por las primeras culturas del Medio Oriente y el Mediterráneo que dieron lugar a Arte mesopotámico y Escultura mesopotámica , así como egipcio y posterior Arte minoico . Incluso estilos menos sofisticados de Arte hitita y Arte asirio tenía una tradición de orfebrería. Las minas de oro en Egipto, Nubia y Arabia Saudita fueron los principales proveedores del metal precioso. Una vez establecida en la antigua Grecia y alrededor del Mar Negro, la orfebrería se extendió hacia el oeste hacia Europa central y occidental por las tribus migratorias de los celtas, cuyos herreros eran famosos por sus forjas móviles y sus habilidades para trabajar el metal. (Ver también: Cultura celta de Hallstatt [c.800-450 aC] y Arte celta [desde 1, 000 BCE]). Al mismo tiempo, Arte etrusco en Italia se hizo famoso por los artefactos de oro de sus tumbas. Los romanos también participaron activamente en la orfebrería, sobre todo por sus innovaciones en la metalurgia: se desarrollaron nuevas técnicas para la extracción de oro a gran escala mediante la introducción de métodos de extracción hidráulica, especialmente en España y los Balcanes.

El surgimiento del cristianismo aumentó significativamente la demanda de artículos de oro, para necesidades devocionales y eclesiásticas, y durante la Edad Media, los monasterios en Irlanda, Iona y el norte de Inglaterra fueron asaltados repetidamente por los vikingos merodeadores en busca de oro y objetos preciosos, utilizados en el elaboración de manuscritos iluminados por artistas-monjes. En Constantinopla, centro del imperio romano oriental y su propio estilo de arte cristiano primitivo , orfebres y mosaicos se hicieron famosos por sus brillantes obras maestras de oro y multicolores arte mosaico . Ver, por ejemplo, el trabajo decorativo de oro y cobre en el famoso Evangelios de Garima (390-660) de Etiopía: el texto del evangelio iluminado más antiguo del mundo. A medida que la cultura de Europa occidental recuperó su fuerza durante las eras de Arte carolingio (c.750-900) y su sucesor Arte otoniano (c.900-1050), se contrató a más orfebres para satisfacer la demanda. Otra escuela influyente fue la escuela Mosan, que creció en los alrededores de Lieja y el monasterio benedictino de Stavelot. Miembros destacados de esta escuela incluidos Godefroid de Claire (1100-1173) y Nicolás de Verdún (c.1156–1232).

El uso del oro para objetos religiosos y seculares se convirtió debidamente en un fenómeno mundial, y los orfebres tenían una demanda constante tanto en tiempos de riqueza (cuando se les encargó producir una gama cada vez mayor de artículos preciosos) como en tiempos de dificultades extremas (cuando los artículos de oro se fundieron en monedas).

El Renacimiento: creciente riqueza y comercio

La revolución cultural conocida como Arte renacentista fue respaldado por una revolución igualmente importante en el comercio y las finanzas, estimulada por un gran aumento en el comercio de seda, especias y cerámica, que pronto transformaría muchos palacios, iglesias y hogares de la Europa cristiana. El impacto también se sintió en las artes y la cultura de quattrocento . Por ejemplo, al ordenar nuevos pinturas de óleo , los clientes comenzaron a especificar las cantidades exactas de oro, plata, lapislázuli y otras materias primas caras del este para ser utilizadas en el trabajo, con el fin de aumentar su opulencia y grandeza. Y la orfebrería fue un oficio central e influyente en todo el proceso. (Ver también: Pigmentos de color .)

La posibilidad de adquirir más oro para alimentar su apetito por la ostentosa grandeza tuvo un impacto directo en la exploración europea. Los colonialistas portugueses se dirigieron al sur a Marruecos, a principios del siglo XV, en un intento por controlar el suministro de oro que emanaba de las ricas minas de oro de Malí. Un siglo antes, en 1324, el gobernante de Mali Mansa Musa (1312-1337) emprendió su famosa peregrinación al Hajj a La Meca, durante la cual regaló tanto oro que su precio de mercado en el norte de África se derrumbó durante varios años. La colonización europea de América del Sur también fue impulsada por informes sobre el uso generalizado de adornos de oro, particularmente en América Central, Perú, Ecuador y Colombia.

Después del Renacimiento, la orfebrería en Francia fue dos veces estimulada como parte del aumento en Artes decorativas francesas , que resultó de la construcción de los palacios de Fontainebleau y Versalles. El primer avivamiento, asociado con el Escuela Fontainebleau – comenzó en el siglo 16 (c.1528-1610) bajo el patrocinio de Francisco I (1494-1547). El segundo avivamiento comenzó en el siglo XVII bajo el patrocinio del rey Luis XIII (reinó entre 1610 y 1643). Para más detalles, ver: Palacio de Versalles (construido c.1624-98).

Desde entonces, el oro y la producción de artículos de oro se han vinculado estrechamente con el comercio internacional, así como con la liquidez y el movimiento de activos personales, especialmente en India y el Lejano Oriente.

Orfebres famosos

La orfebrería ha sido un trampolín para muchos diferentes tipos de arte : la historia de pintura y escultura Por ejemplo, está lleno de ejemplos de artistas famosos que se formaron por primera vez como orfebres o plateros. Incluyen luminarias renacentistas como Lorenzo Ghiberti (1380-1455), el escultor renacentista; Luca Della Robbia (1399-1482), conocido por su escultura de terracota ; Vecchietta (1410-80), el pintor y arquitecto sienés; Antonio del Pollaiolo (1429-98), el escultor del quattrocento; Andrea del Verrocchio (1435-88), el escultor Medici que enseñó a Leonardo; el devoto florentino Sandro Botticelli (1445-1510); el pintor de frescos Domenico Ghirlandaio (1449-94); el grabador Cristofano Robetta (1462-1535); el escultor paduano Andrea Riccio (1470-1532); el artista del alto renacimiento Andrea del Sarto (1486-1530), el pintor manierista Agnolo Bronzino (1503-1572), el escultor florentino Benvenuto Cellini (1500-71); el grabador e impresor alemán Johannes Gutenberg (1395-1468), el artista Albrecht Durer el Viejo (1427-1502), padre del pintor del Renacimiento del Norte Albrecht Durer; el grabador renacentista francés Jean Duvet (1485-1562), el pintor y grabador renacentista suizo Urs Graf (1485-1528) y el principal miniaturista inglés Nicholas Hilliard (1547-1619), por nombrar solo algunos.

Cabe mencionar especialmente a los grandes maestros orfebres rusos del siglo XIX, como Andrey Grigoriev, Ivan Gubkin, Sakerdon Skripitsyn e Ivan Zuyev. Además, tenga en cuenta los "artistas-joyeros" Gustav Fabergé (1814-1893) y Peter Carl Fabergé (1846-1920), creadores de los exquisitos "Huevos de Pascua Fabergé" para los zares de Romanov. Entre los muchos artesanos de Fabergé involucrados en los diversos procesos de orfebrería, además de los joyeros Michael Perchin (1860-1903) y Henrik Wigstrom (1862-1923), estaban Erik August Kollin (1836-1901), Feodor Ruckert (1840-1917), August Frederik Hollming (1854-1915), Johannes Zehngraf (1857-1908), Johan Victor Aarne (1863-1934), Feodor Alexeievich Afanasiev (1870-1937), Karl Gustaf Hjalmar Armfeldt (1873-1959), Oskar Woldemar Pihl (1860-97), Vassily Zuiev (1878-1941). Ver también: Arte ruso (30, 000 a. C. – 1920).

Famosos objetos de oro, estatuas, artefactos y tesoros

Además de los artículos citados anteriormente, aquí hay una breve lista de objetos famosos hechos de oro y otros metales preciosos.

Colecciones de objetos de oro

Muchos de los del mundo mejores museos de arte tienen colecciones de antigüedades hechas por orfebres de todo el mundo: ver, por ejemplo, las salas de adornos de oro de Lumbrera en París, el Museo del Hermitage en San Petersburgo, así como el Museo Británico y el Museo Victoria y Albert en Londres. Tenga en cuenta también que la familia real británica tiene más de 250 artículos Fabergé en el Royal Art Collection . En América, las colecciones más extensas de artefactos de oro están en manos de Museo Metropolitano de Arte , Nueva York, el Museo de Bellas Artes de Boston , el Instituto de Arte de Chicago, el Instituto de Artes de Detroit y el Museo de Arte GW Vincent Smith, Springfield, Massachusetts. Otras colecciones de "objetos de arte" se exhiben en museos especializados, incluido el Museo de Historia de Samokov, Bulgaria; el museo de arte de Georgia en Tbilisi; el museo ucraniano de tesoros históricos en Kiev; Museo Arqueológico Nacional, Atenas; el museo egipcio, el Cairo; y el Musée National du Moyen Age, París, por nombrar solo algunos.