Diseñadores franceses, artistas decorativos (1640-1792) Traductor traducir

Serie de artes decorativas en Francia
(1) Artes decorativas francesas (1640-1792)
(2) diseñadores decorativos franceses
(3) Muebles reales franceses

Introducción

A lo largo del período aproximado 1640-1792, el curso tomado por arte decorativa en Francia fue fuertemente influenciado por diseñadores de ornamentos que generalmente eran designados por el Rey y empleados por las fábricas reales. Pocos de ellos eran exclusivamente ornemanistes ; la mayoría se celebraron en otras ramas de las artes. Muchos de ellos publicaron libros o ejemplos de su estilo de diseño en beneficio de otros artistas y artesanos. (Ver también: Grandes artistas visuales 1000-1850.)

Simon Vouet (1590-1649)

A principios del siglo XVII, lo más destacado de principios Artistas barrocos franceses y diseñadores fue el pintor Simon Vouet, que pasó quince años en Italia y fue influenciado por Paolo Veronese (1528-1588) Rafael (1483-1520), y Caravaggio (1573-1610). Vouet ayudó a decorar el Palacio de Luxemburgo, y proporcionó numerosas caricaturas para los tapiceros del Louvre, donde le dieron apartamentos. Completó una gran cantidad de trabajo, en gran parte con la ayuda de sus alumnos, entre los cuales Charles Le Brun (1619-90) fue el más destacado. Vouet fue, sin duda influenciado por el intrincado rollo de estuco del primer Escuela Fontainebleau – quién fue el responsable de la moda de la decoración floral, que siempre es muy evidente a partir de entonces. Parece haber influido en el escultor y diseñador Jean Le Pautre (1618-82), quien trabajó en Versalles durante la época de la Arquitecto barroco y favorito de la corte Louis Le Vau (1612-70). Los diseños de Le Pautre son los de un escultor, ricamente cargados, `` sobrecargados ’’ podría ser una mejor descripción, con figuras clásicas, generalmente en alto relieve, y desnudas o casi, junto con acanto desplazable y guirnaldas florales y foliadas. Estos pueden verse bien en sus diseños para piezas de chimenea. Uno se describe como "a la manera italiana, inventado y grabado por I. Le Paultre, 1665", y otro, aún más rico, flanqueado por columnas corintias y coronado por un grupo alegórico y una pintura dispuesta centralmente, como " a la romaine ".. Estos, vendidos en París por Mariette, una imprenta de la rue Saint-Jacques, dan testimonio de la continua influencia italiana heredada del siglo XVI. Los diseños de Le Pautre para techos de estuco no eran menos elaborados, y los de habitaciones completas casi podrían describirse como la apoteosis de la Gran Manera. Aquellos para gabinetes en soportes dorados tallados ornamentados coinciden con su trabajo arquitectónico más permanente, y generalmente es notable por un aire de masividad y altura. Aunque es imposible relacionar los interiores existentes con sus diseños publicados reales, su influencia debe haber hecho una contribución considerable al estilo medio de Louis Quatorze. Otros miembros de la misma familia también funcionaron como diseñadores, especialmente el arquitecto Pierre Le Pautre (1659-1744), cuyos diseños, mucho menos ornamentados, presagiaban el estilo de la Regencia.

Charles Le Brun (1619-90)

Un estudiante precoz de Simon Vouet, Charles Le Brun había completado una pintura de historia para el cardenal Richelieu cuando solo tenía 15 años. Influenciado por Poussin Durante una visita a Italia, regresó a Francia para recibir varias comisiones, incluyendo trabajos decorativos en el Chateau de Vaux-le-Vicomte para Nicolas Fouquet (1615-80), Superintendente de Finanzas en Francia (1653-61). Además, el cardenal Mazarin le presentó a Le Brun a Anne de Austria, mientras que Luis XIV le confió la tarea de decorar la Galerie d’Apollon en el Louvre. También se le encargó pintar partes de la Palacio de Versalles Palacio, incluido el techo de la Galerie des Glaces (Salón de los Espejos). También fue responsable de pintura mural en el Salon de Paix, al lado, así como en el Salon de la Guerre. Nombrado pintor jefe del Rey, trabajó en Saint-Germain, Marly y Sceaux, y como director del Tapiz de duendes fábrica produjo una variedad de arte de tapiz y diseñó muebles, joyas y herrería, cuidando cada detalle de la producción. Una figura central en francés Arquitectura barroca tanto como pintura, Le Brun se convirtió en un dictador virtual de arte aplicado en Francia, sobresaliendo como diseñador, decorador y administrador. Hecho director de la Academia francesa, lo usó para elevar la importancia de las artes de la pintura y la escultura, y también fundó una Academia Francesa en Roma junto con el Prix ​​de Rome. Le Brun continuó dominando el campo del arte decorativo en Francia hasta la muerte de Colbert, su mecenas político, en 1683. El sucesor de Colbert, el marqués de Louvois (1641-1691), reemplazó a Le Brun por Pierre Mignard (1612-95), pero debido a las dificultades de la época, las fábricas reales ya estaban en declive. A los cimientos establecidos por Le Brun se debe gran parte de la preeminencia del arte francés a lo largo de los siglos sucesivos.

Daniel Marot (1650-1712)

Daniel Marot, hijo de Jean Marot, era un hugonote que dejó Francia después de la revocación del Edicto de Nantes para convertirse en arquitecto de Guillermo III de Inglaterra. Tanto el padre como el hijo fueron diseñadores prolíficos, pero Daniel es, con mucho, el más conocido. Parece haberse especializado en el diseño de camas, el elemento más importante de muebles para el hogar en el siglo XVII. Ya sea con postes ) iluminados a la francesa) coronados por un dosel, o con un dosel apoyado solo en la parte posterior ) iluminado a la duquesa), sus diseños requerían cortinas con borlas y cenefas de la máxima riqueza que inspiraban el adorno conocido como lambrequines, muy utilizado como motivo pintado en la loza durante los últimos años del siglo XVII. Sus toldos estaban coronados en cada esquina por penachos. Algunos de los diseños de piezas de chimenea de Marot por primera vez proporcionaron espacio para la exhibición de jarrones de porcelana y de loza, lo que pudo haber hecho para el inglés Queen Mary. Las piezas de chimenea de diseño muy similar se encuentran en Hampton Court, donde la Reina había introducido la moda de porcelana oriental y cerámica europea esmaltada en estaño (Delft) en Inglaterra. En sus diseños para paneles, Marot hizo uso de flejes junto con follaje, especialmente rollos de acanto, guirnaldas florales y botines foliados, así como grotescos, algunos con temas alegóricos populares. Además de los accesorios interiores, diseñó mesas de consola, gabinetes, marcos de espejos, aparatos de iluminación e incluso artículos pequeños como cajas de rapé. También se especializó en el diseño de cajas elaboradamente ornamentadas para relojes de caja larga, llamados reguladores en Francia.

Jean Berain el Viejo (1637-1711)

El período final del estilo Louis Quatorze quizás esté mejor representado por Jean Berain the Elder, quien trabajó con su hermano Claude (fallecido en 1726) que ahora rara vez se menciona. Atrajo la atención de Le Brun por quien fue entrenado, trabajando en la Galerie d’Apollon en el Lumbrera, y fue designado diseñador de la habitación y del gabinete del Roi en 1674, con un departamento en el Louvre. Berain diseñó no solo interiores sino también escenarios para todo tipo de funciones reales, especialmente fiestas y representaciones teatrales. Es notable por una especie de adorno grotesco especialmente característico de las últimas décadas del reinado del Rey, que influyó en el curso que tomaron más tarde. artistas rococó. Sus diseños, que tienen mucho en común con la decoración de Urbino maiolica después de mediados del siglo XVI, incluyen cupidos que martillan un corazón en llamas sobre un yunque, carneros de cuernos largos, máscaras, monos y esfinges.

Las esfinges, por cierto, fueron un tipo de adorno especialmente popular durante los primeros años del siglo XVIII, que aparecieron en una variedad de formas, incluidos los chenets decorativos (morillos). Muchos eran retratos reconocibles de bellezas de la corte. Las esfinges de retratos, sin duda derivadas de esta fuente, se convirtieron en las favoritas de las fábricas de porcelana inglesas de Bow y Chelsea, especialmente a mediados de siglo, y Kitty Clive y Peg Woffington, las actrices inglesas, se encontraban entre las representadas.

En otros diseños de Berain encontramos figuras chinas con sombreros cónicos altos debajo de un dosel enrollado con un sabor claramente chino, los aleros curvos tomados de la pagoda china. Estos motivos chinos fueron consecuencia del interés del rey en arte chino, demostrado en el Trianon de Porcelaine en Versalles, y la decoración oriental del castillo de Meudon perteneciente al Dauphin que murió en 1711. La moda recibió un notable impulso de una embajada del rey de Siam en 1688.

Los diseños de Berain fueron ampliamente utilizados por artesanos de todo tipo. Gran parte de la decoración de la típica marquetería de latón y carey de Andre-Charles Boulle está inspirada obviamente por esta fuente, y la loza de Moustiers empleó los grotescos de Berain para una notable serie de platos. Boulle (1642-1732) también fue un diseñador por derecho propio que trabajó no solo para el Rey sino también para los financieros más prominentes a fines del siglo XVII, como Antoine Crozat (1655-1738) y Samuel Bernard (1651-1739). Su habilidad como trabajador de bronce y diseñador es especialmente evidente en sus candelabros y apliques, algunos de los cuales presagian la asimetría rococó. Su colección privada incluida dibujos renacentistas por Rafael, maquetas de cera, una cantidad de grabado, y muchas otras obras de arte.

Robert de Cotte (1656-1735)

Robert de Cotte, alumno y cuñado de Jules Hardouin-Mansart (1646-1708), fue un ornemanista y arquitecto que eventualmente se convirtió en el principal arquitecto du Roi y director de manufactures du Roi alrededor de 1699. Ejerció un considerable influencia en el desarrollo del estilo Regency, y probablemente colaboró ​​con Berain y Boulle.

Claude Gillot (1673-1721); Claude III Audran (1658-1734)

Perteneciente al mismo período fue un diseñador experto, Claude Gillot, conocido por la decoración teatral y sus escenas de la comedia italiana, que empleó a los populares sátiros, grotescos y monos. Claude Audran, conservador en Luxemburgo, era un pintor que decoraba muchos castillos y diseñaba tapices con los motivos que Berain había familiarizado. También diseñó la famosa serie de tapices Gobelins de la ’ Historia de Don Quijote ’ y la ’ Historia de Jason ’ (después de De Troy), ambos en colaboración con Pierre Francois Cozette, luego director del departamento más importante de la fabricación de tapices Gobelins.

Antoine Watteau (1684-1721)

Gillot y Audran se unen por su conexión con Jean-Antoine Watteau, hijo de un maestro labrador de Valenciennes, quien fue pintor y diseñador influyente. Fue alumno de Gillot’s en 1704, atrayendo la atención de Audran un poco más tarde, en 1709. Watteau’s pintura Hoy ha tendido a eclipsar su trabajo e influencia como diseñador, pero sus arabescos (el término común para la forma adoptada por los grotescos en el siglo XVIII) inspiraron al ebeniste y escultor Charles Cressent (1685-1768), y también desarrolló el popular monos De hecho, las cantantes del pintor Jean-Baptiste Marie Huet (1745-1811) en Chantilly fueron atribuidas en algún momento a la mano de Watteau. Sus temas característicos de galantería fueron muy populares, siendo copiados a la porcelana de Meissen en la década de 1740.

Watteau luego ganó el patrocinio de Antoine Crozat, el financiero, y su reputación en ese momento era tan alta que setecientos de sus cuadros fueron grabados por iniciativa de Jean de Jullienne, uno de sus amigos, como el Recueil Jullienne. Un gigante de Pintura francesa, murió en los brazos de su amigo, Gersaint, el comerciante de arte. Los diseños de Watteau tienen un aire de fantasía casi sin paralelo en ese momento, influyendo considerablemente en el curso del diseño durante la primera mitad del siglo XVIII, y aunque sus primeros trabajos como diseñador se hacen eco de los de Berain, es una fuente obvia e importante. de la fase rococó. Los diseños de Gillot, por otro lado, tienen mayores afinidades con el siglo XVII.

Jean-Baptiste Oudry (1689-1755)

El pintor Jean-Baptiste Oudry fue quizás el más influyente en el campo de las artes decorativas como director primero de los telares de tapices de Beauvais y luego de la fábrica de Gobelins, un cargo que ocupó durante el reinado de Louis Quinze. Su muerte casi marcó el final de la organización de las artes de Colbert, aunque el patrocinio real continuó prácticamente sin disminuir. Como pintor, Oudry se sintió especialmente atraído por los animales y la persecución, y su trabajo fue una fuente extremadamente popular para la decoración de todo tipo. Su estilo no es diferente al de Desportes con quien a veces se confunde. Desportes fue un pintor un poco más temprano de temas similares que ayudó a decorar muchos de los principales castillos de la época, incluidos Versalles y Marly, y Chantilly, que pertenecían al Príncipe de Conde.

Francois Lemoyne (1688-1737)

Francois Lemoyne también inspiró parte del arte decorativo de su época. Una de sus principales obras fue la decoración del Salón de Hércules de Versalles, y muchas de sus pinturas fueron grabadas por Laurent Cars, grabador de las fiestas galantes de Watteau.

Gilles-Marie Oppenord (1672-1724)

Con Gilles-Marie Oppenord, la tendencia hacia el rococó se hizo más marcada. Oppenord fue arquitecto del Regente e influyó en los diseños de muebles de Cressent. Le debe algo a Francesco Borromini (1590-1667), un arquitecto barroco temprano cuya influencia se puede ver en algunos de los diseños de Oppenord. Oppenord ahora es probablemente más conocido por sus diseños de hierro forjado, y luego se puso de moda para balcones y escaleras además de las puertas que siempre habían sido populares para las entradas a los castillos. También dirigió su atención a las consolas sobre soportes de hierro forjado y fundido y otros artículos de muebles de hierro, incluido incluso un prie-Dieu, que parece haber sido destinado a jardines y patios exteriores en lugar de interiores.

Nicolas Pineau (1684-1754)

Nicolas Pineau fue alumno de Mansart y del arquitecto Germain Boffrand (1667-1754). Parece haber sido al principio un menúero principalmente preocupado por la talla de boiseries, especialmente en la Corte de San Petersburgo, donde permaneció durante diez años. En Rusia funcionó también como arquitecto y diseñador de interiores, y a su regreso a París en 1726 se convirtió en un diseñador líder. Su trabajo fue menos enfáticamente asimétrico que el de algunos de sus contemporáneos, y obtuvo la aprobación del arquitecto, JF Blondel, quien fue uno de los primeros críticos de las extravagancias rococó.

Jacques Verberckt (1704-71)

Jacques Verberckt de Amberes era un carnicero y tallador que trabajó principalmente en boiseries, especialmente en colaboración con el arquitecto Ange-Jacques Gabriel (1698-1782), en un estilo rococó menos pronunciado que el de Meissonnier.

Juste-Aurele Meissonnier (1695-1750)

A pesar de los primeros ejemplos de asimetría ya mencionados, las características especiales del estilo rococó desarrollado no se hicieron evidentes antes de la época de Juste-Aurele Meissonnier, quien nació en Turín. Trabajó principalmente como orfebre y ornemanista, convirtiéndose en orfevre du Roi (orfebre del Rey) en 1726. Dos años más tarde fue nombrado dessinateur du cabinet du Roi en sucesión a Jean Berain the Younger (1678-1726), pero poco o nada. de su trabajo en esta capacidad es existente. De hecho, casi nada puede atribuirse a Meissonnier aparte de sus libros de diseño, pero estos fueron probablemente la mayor influencia en el desarrollo del rococó. Gran parte de su trabajo se hizo para la nobleza extranjera, e incluyó cajas de reloj, accesorios de lucha, mesas de consola y otros muebles, boiseries y, algo natural, plata. joyería De todo tipo. Entre sus diseños plateados, algunas sales de concha fueron una inspiración obvia para varias de las fábricas de porcelana, incluidas Chelsea y Bow en la década de 1750. Otros diseños de plata con temas marinos sobre una base de pergamino asimétrico influyeron en la fabricación de porcelana en Sajonia e Inglaterra, aunque poco trabajo se realizó en Vincennes o Sevres, donde el tipo de porcelana empleada apenas era adecuada para él y las bases de bronce dorado eran sustituido Los soportes de mesa y los muebles de los asientos de Meissonnier estaban casi tan elaboradamente adornados como su plata. Aún más avanzados fueron los diseños de un grabador y orfebre, PE Babel, cuyas viñetas y trabajos ornamentales fueron populares.

Más o menos contemporáneo con Meissonnier, y trabajando en un estilo que se parece al suyo, pero sin su énfasis en la asimetría, fueron los hermanos Slodtz. Dos de ellos trabajaron para el Rey como diseñadores y escultores: Antoine Sebastien (1695-1754) fue un dessinateur de la chambre du Roi, un puesto en el que fue sucedido por su hermano Paul Ambroise (1702-58). En 1739 se asociaron con el grabador Charles-Nicolas Cochin le jeune (1714-90), quien los ayudó a diseñar escenarios para fiestas y ceremonias estatales. Los Slodtz eran, según un crítico actual, buenos para diseñar festivales, pero realmente se dejaron llevar a los funerales.

Jean-Jacques Bachelier (1724-1806)

Jean-Jacques Bachelier, pintor y ornemaniste y seguidor de Jean Chardin, ayudó a decorar castillos y hoteles antes de ser nombrado director de estudios en la fábrica de porcelana de Vincennes. Animado por Madame de Pompadour, se convirtió en Director de Arte en 1751 y fue en gran parte responsable del desarrollo del estilo Sevres en la decoración de porcelana, introduciendo el uso de porcelana de galletas (es decir, sin esmaltar) para hacer figuras.

Francois Boucher (1703-70)

La influencia a mediados del siglo de Francois Boucher, hijo de un diseñador de bordados, difícilmente puede ser sobreestimado. Uno de los pintores más versátiles de su época, podía recurrir a escenas de galantería, temas mitológicos, chinoiserie , pinturas de animales, temas religiosos, escenarios teatrales, diseño de porcelana, dibujos animados de tapices y muchas otras cosas. Aunque hoy es mejor conocido por su desnudos femeninos, estos de hecho formaron una parte relativamente pequeña de su trabajo. En 1743, una Lista de los mejores pintores se refiere a él como practicante de pintura de historia viviendo en la rue Grenelle Saint-Honore, frente a la rue des Deux-Ecrus, alumno de Lemoyne, sobresaliendo también en paisajes, grotescos y ornamentos a la manera de Watteau, e igualmente hábil en pintar flores, frutas, animales, arquitectura, y temas de galantería y moda.

Boucher, elegido en la Academia en 1734, era íntimo de Meissonnier, quien fue padrino de su hijo en 1736. En este año, una serie de grabados de Simon Francois Ravenet (1706 – 1774) y Jacques-Philippe Le Bas (1707 -83), de Boucher’s Cris de Paris, se publicó, y más tarde se convirtió en una fuente de inspiración para la fábrica de porcelana de Meissen para una serie de figuras. En 1736, por sugerencia del director, Oudry, presentó diseños para una nueva serie de tapices que ilustran ’Don Quijote’ a Gobelins, que fueron los precursores de muchos más. En 1737, sus pinturas se vendían tan rápido como fueron tomadas del caballete, tanto cuadros del gabinete como aquellos destinados a puestos más permanentes, como puertas exteriores. Había estado acumulando una colección de Porcelana china quizás desde aproximadamente 1740 cuando comenzó una serie de chinoiseries, ’Los cinco sentidos, que representan varios pasatiempos chinos’, seguida de la ’ Suite de Figures Chinoises ’, que inspiró a las figuras y grupos de porcelana de Meissen que luego copiaron en Inglaterra. Esta fase del trabajo de Boucher parece haber comenzado cuando grabó un diseño para el catálogo de Gersaint, este último especializado en arte oriental de todo tipo.

Boucher formó parte del personal de la Ópera de París, diseñando trajes y decorados para el ballet, Indes galantes, en 1743. Menos conocidos son sus diseños para las modernas monturas de bronce dorado y para interiores. Su amistad con Madame de Pompadour (nacida Jeanne Antoinette Poisson, amante de Louis XV desde 1745 hasta su muerte en 1764) y sus diseños para la fábrica de porcelana de Sevres siguieron, y la marquesa obtuvo para él el puesto de primer ministro peintre du Roi. En 1754, Boucher había recurrido a la pastoral, estableciendo una nueva moda, y al año siguiente se convirtió en director de Gobelins en sucesión a Oudry. Su conexión con Vincennes comenzó justo antes de 1754 cuando Bachelier solicitó su ayuda, y proporcionó bocetos para los modeladores Fernex y Suzanne. La influencia de Boucher disminuyó después de la muerte de su amiga y mecenas, Madame de Pompadour, en 1764, aunque su reputación sobrevivió toda su vida. Murió en su caballete en 1770.

Jacques Francois Blondel (1705-74)

Los aspectos más extravagantes de arte rococó Nunca encontré el favor universal. Uno de los primeros críticos fue Jacques Francois Blondel, cuya Arquitectura Francesa en ocho volúmenes, publicada entre 1752 y 1756, y las Cours d’Architecture Civile (1771-177) fueron influyentes. Sus diseños para boiseries sin apartarse del espíritu predominante de la época son, de conformidad con sus puntos de vista publicados, mucho menos extravagantes que una buena parte del trabajo de sus contemporáneos. De algunos platos basados ​​en el trabajo de Pineau, dice que son "variados sin ser demasiado del gusto de la época".

Charles Etienne Briseux (1680-1743)

Las piezas de chimenea de Charles Etienne Briseux que publicó un libro sobre el arte de construir casas de campo en 1743, con placas grabadas por Babel, y que empleó a Pineau para algunas de sus comisiones, son notables por el gran espacio permitido para espejos. Para entonces, los espejos de chimenea complementaban los cristales de los muelles opuestos, añadiendo un aire de amplitud a la habitación. Babel grabó otros diseños de interiores, especialmente para Boffrand, y fue muy influenciado por Meissonnier, pero cuánto fue original su trabajo de este tipo es problemático.

Jean Pillement (1728-1808)

Un diseñador de chinoiseries que requiere mención es Jean Pillement, pintor, acuarelista y grabador, que trabajó para el Príncipe de Liechtenstein y Stanislas Leczinski. En Inglaterra, su característica chinoiseries inspiró la decoración de porcelana, esmaltes y objetos de arte. Ya en 1737 se disculpa por dar algunos ejemplos de diseños asimétricos, explicando que son simplemente una concesión al gusto del momento, y refiriéndose a las absurdas mezclas de conchas, dragones, juncos, palmeras y follaje que luego se ponen de moda.. Menos conocido es su pintura de paisaje a la manera de Boucher.

Estilo neoclásico

Los orígenes de arte neoclásico son menos fáciles de rastrear En sus manifestaciones anteriores se denominó primero ’ le style grec ’ y luego ’ le style etrusque ’, ninguno de los cuales es particularmente apropiado. Es cierto que se producen algunos motivos griegos tempranos, especialmente el patrón de onda utilizado como adorno de friso, y que algunos motivos romanos se derivaron de Arte etrusco de un tipo que, a su vez, había sido tomado de Arte griego, pero se sabía tan poco de los etruscos que se les reclamaba todo tipo de cosas a las que no tenían estrictamente derecho. Cuando Josiah Wedgwood (1730-95), por ejemplo, comenzó su fábrica en Staffordshire para fabricar cerámica neoclásica, la llamó ’Etruria’. Hubo un renacimiento de esta ’Etrusco-manía’ en el siglo XIX, pero, en general, las fuentes neoclásicas generalmente Arte romano, y arte romano provincial y burgués en eso, de Pompeya y no de la capital.

Quizás la influencia individual más importante fue la publicación de la compilación del conde de Caylus que comenzó en 1752. Su influencia en las artes decorativas difícilmente se puede medir, aunque fue el punto culminante de una serie de ataques a los aspectos más extravagantes de rococó que Caylus había comenzado casi veinte años antes. El catálogo de la colección de Sir William Hamilton fue publicado en una edición suntuosamente impresa y grabada en 1766-7. Sir William (1730-1803), fue embajador en la corte de Nápoles desde 1764 hasta 1800, y es conocido popularmente como el esposo de la amante de Nelson, Emma.

Los numerosos diseños grabados, así como los escritos, de Charles-Nicolas Cochin le jeune (1714-90) contribuyeron al mismo fin, y la influencia de Piranesi, familiarizada con Clerisseau y Robert Adam, ciertamente no fue insignificante.

La naturaleza de los ataques contemporáneos al rococó puede ilustrarse con una cita de Cochin publicada en el Mercure de France en 1754. Comienza por suplicar a los orfebres, los trabajadores de bronce y los talladores de madera que decoran los apartamentos para observar ciertas leyes dictadas por la razón. El escribe
Cuando tienen un candelabro para hacer, les rogamos que lo hagan derecho y no torcido como si un pícaro se hubiera complacido en estropearlo. No nos aventuraremos a pelear con el sabor de la decoración interior de nuestros edificios. Ni siquiera pediremos reticencias en el uso de palmeras que se cultivan con tanta profusión en apartamentos, en chimeneas, espejos redondos, contra paredes y en todas partes. Suprimir estos sería privar a nuestros decoradores de su último recurso. Pero al menos podemos esperar que cuando una cosa pueda ser cuadrada sin ofensa, se abstendrán de distorsionarla, y que cuando un frontón pueda ser legítimamente semicircular, no lo corromperán con pergaminos en forma de S, de los cuales parecen haber tomado prestado Un maestro de escritura.

La temprana falta de diseñadores sobresalientes en el nuevo estilo se explica por el hecho de que los de reputación establecida ya estaban siendo empleados por el Rey, cuyo apego al rococó era inquebrantable. Cochin afirma que un artista oscuro y poco conocido, Louis Le Lorraine, fue el primero en usar motivos tan típicos de Louis Seize como botines, urnas y adornos de cable trenzado, y el papel desempeñado por los ebenistes alemanes, comenzando con el franco-alemán. el ebanista Jean-Francois Oeben (1721-63), no debe pasarse por alto. En Sevres, los modelos para figuras de galletas de Etienne-Maurice Falconet (1716-91) de ninguna manera no fueron influenciados por el nuevo movimiento, aunque su trabajo para la fábrica de porcelana debe algo a los diseños de Boucher. ’Leda and the Swan’ de Falconet de alrededor de 1760, y la maqueta de ’Cupido y Psique’, aparecieron en el Salón de 1761. Las bases son simples y ya no son las rocas asociadas con Vincennes y las primeras figuras de Sevres. De su anterior ’ Baigneuse ’ y su ’ Nymphe qui sort du Bain ’, ambos antes de 1760, Falconet comentó que eran más nobles y, en general, menos sujetos a los cambios de moda, lo que implica una concesión a los cambios prevalecientes. En la fabricación de los populares jarrones para la decoración de piezas de chimenea o para popurrí, el estilo Louis Seize estuvo bien marcado en 1765, y en 1772 una vasta decoración de mesa en bizcocho reprodujo una de las pinturas del techo de la Galerie d’Apollon en el Louvre, ejecutado en el siglo XVII.

Jacques-Germain Soufflot (1713-80)

Soufflot Jacques-Germain Arquitecto del Panteón, quien, con Cochin, acompañó al Marqués de Marigny (1727-81) en su viaje italiano, había estudiado en la Academia de Roma en su juventud. Al principio, un diseñador rococó apenas distinguible del resto, no obstante, estaba insatisfecho con el estilo, y ya en 1744 se había expandido sobre la "sabia y rica simplicidad de los griegos y romanos". El segundo viaje a Italia fue su camino a Damasco, y a su regreso promovió vigorosamente el regreso al clasicismo, convirtiéndose en uno de los grandes arquitectos en el proceso.

Ver también el gran arquitecto barroco: Jules Hardouin Mansart (1646-1708).

Otros artistas decorativos neoclásicos

Al observar los nuevos desarrollos en el Canal inspirados en los Adam Brothers, donde Robert Adam fue nombrado arquitecto de George III en 1762, es difícil escapar de la conclusión de que el clasicismo revivido en Inglaterra no estuvo exento de influencia en Francia. El estilo rococó nunca había encontrado más que un punto de apoyo precario en Inglaterra, principalmente porque el paladianismo estaba muy arraigado. Las fábricas de porcelana y los plateros hugonotes lo adoptaron, y Horace Walpole hizo una excursión alegre al gótico revivido en Strawberry Hill, pero la corriente principal se fusionó casi insensiblemente del clasicismo palladiano en la versión Adam. Tanto Charles-Louis Clerisseau (1721-1820) como Jean-Simon Rousseau de la Rottiere (1747-1820) extrajeron algo de los diseños de Adam.

Asociado con Rottiere estaba el escultor Claude Michel, llamado Clodion (1738-1814), mientras que otro escultor para influir en el nuevo movimiento, patrocinado por Caylus, fue Edme Bouchardon (1698-1762), quien regresó de Italia en 1733 y cuyo trabajo inspiró modelos de porcelana en Meissen y en otros lugares. (Para más partidarios del nuevo estilo, vea Escultores Neoclásicos.)

A pesar de un gesto hacia Madame de Pompadour hacia las primeras fases del nuevo estilo en sus apartamentos privados, la moda atrajo considerablemente más a algunos de los recaudadores de impuestos y financieros actualizados, como Grimod de la Reyniere (1758-1837) cuyo salón fue diseñado por Clerisseau, quizás ya en 1769, y cuya mansión en lo que hoy es la rue Boissy d’Anglas se convirtió en la Embajada de los Estados Unidos. Jean Demosthene Dugourc (1749-1825), que estaba vinculado al Garde-Meuble, ejerció una influencia considerable en el diseño neoclásico posterior, mientras que Jean-Charles de la Fosse (1721-90), que comenzó como diseñador rococó, se convirtió cada vez más en un Estilo más clásico.

Hubert Robert (1733-1808)

Un pintor cuyo trabajo merece atención es Hubert Robert, uno de los íntimos de Fragonard. Más tarde, Diseñador de los Jardines del Rey y Guardián de la Colección Real, cayó bajo la influencia de Johann Joachim Winckelmann (1717-68) en Italia, a donde viajó en 1754 con una introducción a Pannini. Su elección de tema, generalmente arquitectónico, le valió el sobrenombre de Robert des Ruines, y su éxito como decorador de salones probablemente se debió al interés de Diderot, que admiraba mucho su trabajo. Su amistad con Madame Geoffrin ayudó al joven Robert a establecerse.

Rol de artistas y artesanos

Vale la pena recordar que el arte decorativo francés durante el siglo y medio que nos interesa involucraba muchas diferentes tipos de arte y fue obra de muchos. Cada artesano en los telares de tapices, en las fábricas de porcelana, en los talleres de los orfebres, los ebenistes y los menuisiers, cada pintor, grabador y escultor que agregó algo nuevo que se llevó a otra parte, contribuyó a la imagen completa y ayudó para crear la mejor exhibición de decoración y diseño de interiores en el historia del Arte. Los pintores aquí mencionados también fueron diseñadores de uno u otro tipo, o pintores de paredes y techos además de cuadros de caballete, que influyeron notablemente en las tendencias generales. Pero no debemos pasar por alto a esos otros, que se limitan más bien a cuadros de caballete, a menudo influyeron en las artes decorativas al actuar como fuente de inspiración. Lo mismo se puede decir de los escultores. Como regla general escultores estaban más íntimamente conectados con las artes decorativas que los pintores.

Louis Quatorze, Louis Quinze y Marie-Antoinette como mecenas de las artes desempeñaron papeles influyentes en la evolución de los estilos durante los siglos XVII y XVIII, Louis Quinze con la ayuda de Madame de Pompadour y, en cierta medida, de Madame du Barry, pero estaban en la cúspide de la pirámide que se amplió hacia su base para acoger a la nobleza, los recaudadores de impuestos y los financistas de París, y luego las provincias en proporción directa a su distancia de la capital y el estado de las comunicaciones con ella.

Muebles antiguos, tapices finos y otros diseños decorativos de Versalles, o la edad de Louis Quatorze, Louis Quinze o Louis Seize, se pueden ver en algunos de los mejores museos de arte en el mundo.