Arte gótico: características, historia Traductor traducir

El término «estilo gótico» designa el estilo de arquitectura, escultura (y artes menores) europeo que combinó el arte medieval románico con el Renacimiento temprano . Este periodo se divide en Gótico temprano (1150-1250), Gótico alto (1250-1375) y Gótico internacional (1375-1450). Principalmente una forma pública de arte cristiano, floreció primero en Île-de-France y la región circundante entre 1150-1250, y luego se extendió por todo el norte de Europa.

Su principal forma de expresión fue la arquitectura - las grandes catedrales góticas del norte de Francia fueron un ejemplo. Para los dos principales estilos decorativos, véase «Arquitectura gótica radiante» (c. 1200-1350) y la posterior «Arquitectura gótica flamígera» (1375-1500). Entre los mejores ejemplos de diseño gótico se encuentran la catedral de Chartres (1194-1250); la catedral de Notre Dame (1163-1345); la capilla de St (1241-48); y la catedral de Colonia (desde 1248); así como las catedrales de Canterbury, Winchester, la abadía de Westminster y Santiago de Compostela.

En el diseño gótico, las formas planas del anterior lenguaje románico fueron sustituidas por un nuevo énfasis en la línea. Los elevados arcos y contrafuertes permitieron que los muros se abrieran a enormes ventanales de vidrieras sin precedentes, llenos de imágenes translúcidas de arte bíblico de gran belleza e inspiración, que superaban con creces todo lo que podían ofrecer la pintura mural o el arte del mosaico. Todo ello creó una evocadora atmósfera humanística muy diferente de la del periodo románico. (A finales del siglo XIV surgió un estilo gótico más secular, conocido como Gótico internacional, que se extendió por Borgoña, Bohemia y el norte de Italia).

El arte gótico, al ser exclusivamente religioso, dio un poderoso peso material al creciente poder de la iglesia en Roma. Esto no sólo inspiró al público y a sus líderes seculares, sino que también estableció firmemente el vínculo entre religión y arte, que se convirtió en una de las bases del Renacimiento italiano (1400-1530). Entre los famosos pintores medievales de estilo gótico se encuentran Giovanni Pisano y Simone Martini, de la escuela sienesa de pintura .

Escultura gótica

Escultura del primer gótico

Al igual que en el Románico, los mejores escultores góticos se dedicaron a la decoración arquitectónica. Los ejemplos más importantes de escultura en piedra se conservan en los portales, como en la iglesia de Saint-Denis, cuyos portales occidentales (construidos entre 1137 y 1140) combinan características que siguieron siendo comunes durante todo el periodo gótico: un tímpano tallado; figuras talladas dispuestas en dovelas, o partes del arco en forma de cuña; y más tallas figuradas adosadas a los lados del portal. Tal y como se conserva, St Denis es bastante decepcionante; las figuras laterales se han perdido y el resto está muy restaurado.

La tendencia hacia un mayor realismo

El efecto general se aprecia ahora mejor en la fachada oeste de la catedral de Chartres, cuyos portales ilustran el desarrollo del estilo gótico. Si comparamos los portales de Chartres (c. 1140-50) con los de Reims en el siglo XIII, podemos ver que el desarrollo de la escultura en este primer periodo del arte gótico fue en la dirección de un aumento del realismo y un alejamiento de la madera de la escultura románica. Esto no se consiguió por una evolución continua, sino por una serie de impulsos estilísticos.

El primero de estos impulsos se manifiesta en la escultura de la fachada occidental de Chartres. Las figuras, con sus gestos estilizados y los finos pliegues de sus ropas, son apenas «reales», y sus formas están estrechamente relacionadas con la composición arquitectónica. Ejemplos similares pueden verse en las catedrales de Angers, Le Mans, Bourges y Senlis. Un segundo impulso creativo procede (1181-1210) de la escuela del arte del mosaico, en la orfebrería del joyero Nicolás de Verdún (y de su contemporáneo mayor Godofredo de Clair), marcada por figuras gráciles y curvadas y suaves drapeados (Maldenstyle) con crestas y relieves griegos.

Una versión sobria de este estilo adornaba los portales principales de los transeptos de Chartres (c. 1200-10); también puede verse en la catedral de Reims. Un tercer impulso hacia el realismo en la escultura gótica, basado en prototipos bizantinos del siglo X, se originó en la catedral de Notre Dame de París (c. 1200). En lugar de drapeados y figuras curvadas, este estilo se caracteriza por figuras de aspecto cuadrado y rectilíneo, muy sobrias en sus gestos. La fachada oeste de la catedral de Amiens (c. 1220-30) es un buen ejemplo de este estilo.

El cuarto estilo del realismo se originó en Reims con un maestro que lleva el nombre de su figura más famosa, el Maestro José. Desdeñando la sobriedad gestual de Amiens o los drapeados de Mouldenstiel, creó (c. 1240) figuras con características que persistieron durante los 150 años siguientes: a saber, poses y rostros gráciles y densos drapeados colgados en largos pliegues en forma de V que envuelven la figura. La escultura catedralicia gótica ejerció una amplia influencia en los pintores e iluminadores del gótico tardío, entre ellos el gran pintor provenzal Engerrand de Charenton (Cuarton) (c. 1410-1466), creador de la Piedad de Aviñón (1454-6, Louvre, París).

En Alemania ocurre algo parecido, salvo que la escultura gótica alemana tiende a ser más emotiva - véanse las catedrales de Estrasburgo y Magdeburgo. Un ejemplo dramático de esta emotividad se encuentra en el coro occidental (c. 1250) de la catedral de Naumburg. Véase también Arte gótico alemán (c. 1200-1450).

Escultura del alto gótico

En general, en este periodo se produjo un declive de la escultura arquitectónica. Esto no es sorprendente, ya que la arquitectura del primer gótico se centra en los motivos geométricos. Se realizaron algunos portales, como en la fachada oeste de la catedral de Bourges, pero su interés es limitado. Por el contrario, el tipo de escultura que se desarrolló con gran rapidez fue más privado, ejemplificado por tumbas y otros monumentos funerarios. Entre ellos, las tumbas solían estar decoradas con pequeñas figuras en nichos, figuras conocidas como plañideras porque solían representar a miembros de la familia en duelo. Más tarde, a principios del siglo XIV, aparecieron imágenes de plañideras profesionales ataviadas con pesadas túnicas.

El inicio de esta tendencia escultórica fue iniciado por Luis IX en sus monumentos a sus antepasados y familiares directos, situados principalmente en Saint-Denis (1260-70), aunque muy dañados durante la Revolución Francesa. También se pueden encontrar precedentes anteriores: los esfuerzos de Luis IX ayudaron a popularizar la idea de un mausoleo dinástico, y muchos otros personajes importantes siguieron su ejemplo.

En Inglaterra, como en Francia, gran parte de la talla virtuosa se invirtió en tumbas y monumentos privados. El mejor mausoleo gótico que se conserva es la abadía de Westminster, donde los monumentos tallados en diversos materiales (sobre todo purbeck, bronce, alabastro y piedra) se complementan con suelos y tumbas realizados por mosaiquistas italianos contratados por Enrique III. La tumba de Eduardo II (c. 1330-35) en la catedral de Exeter, notable por su elaborado baldaquino medieval, es otro bello ejemplo del gótico inglés.

Ejemplos del alto gótico alemán son las elegantes figuras drapeadas que rodean el coro de la catedral de Colonia (consagrada en 1322) y las impresionantes figuras de la fachada oeste de la catedral de Estrasburgo (esculpidas después de 1277), que parecen haber recibido una fuerte influencia del maestro José de Reims. Como es habitual, la escultura alemana tiende a ser mucho más expresiva que las obras francesas similares.

En Italia, los escultores más importantes del siglo XIII fueron Nicola Pisano (1206-1278) y su hijo Giovanni Pisano (1250-1314). Ambos trabajaron principalmente en Toscana, y ambos ejecutaron púlpitos, que se consideran sus principales obras terminadas: Nicola es conocido por las esculturas del baptisterio de Pisa (1259-60) y la catedral de Siena (1265-68), mientras que el púlpito de Giovanni en San Andrea Pistoia (terminado en 1301), aunque técnicamente menos refinado, es emocionalmente mucho más dramático.

En Milán, Giovanni di Balduccio (c. 1290-1349) talló el santuario para el cuerpo de San Pedro Mártir en un estilo tomado del taller de Pisano. Entre los seguidores más conocidos de Pisano se encuentran Arnolfo di Cambio (1240-1300/10) y Tino di Camaino, que trabajó en la corte napolitana (c. 1323-37). La escultura de Arnolfo di Cambio se caracteriza por su masividad e impasibilidad. Destacó en composiciones formales como la capilla funeraria y la tumba del papa Bonifacio VIII. También fue el primer arquitecto de la catedral de Florencia (fundada en 1296). Tino di Camaino alcanzó fama como escultor de tumbas, y la mayor colección de su obra se encuentra en Nápoles. Para más detalles, véase: La catedral de Florencia, Brunelleschi y el Renacimiento (1420-36).

Otro famoso escultor gótico italiano fue Andrea Pisano (1295-1348) (también conocido como Andrea da Pontedera). Sus esculturas más famosas fueron realizadas en Florencia, siendo las más importantes las tres puertas de bronce para el baptisterio de la catedral de Florencia (terminadas en 1336). Estuvo muy influido por la escultura de Giovanni Pisano y la pintura del pintor proto-renacentista Giotto, por lo que Andrea hacía sus figuras más bien fornidas y macizas.

Pintura gótica

A pesar de la creación de pintura románica en las paredes de las iglesias y en los manuscritos evangélicos, Europa aún no estaba preparada para la pintura como forma principal de arte público. Los tapices seguían siendo populares (y más cálidos) como revestimientos decorativos de las paredes, mientras que la mayoría de las catedrales góticas, con su falta de espacio en las paredes, tenían menos necesidad de pinturas murales que las iglesias románicas. En su lugar, los arquitectos góticos recurrieron a las vidrieras, ahora mucho más grandes que en el periodo románico, para crear efectos cromáticos.

En otros géneros pictóricos, el nuevo estilo tuvo un impacto significativo: así, el arte del retablo y los manuscritos iluminados se vieron animados por el lenguaje gótico.

Para otros importantes movimientos estilísticos históricos similares al gótico, véase Movimientos artísticos, periodos, escuelas (a partir del año 100 a.C. aproximadamente).

Pintura gótica en Francia

La pintura gótica temprana se alejó del arte bizantino hacia un mayor naturalismo, tomando la forma de un estilo más suave y realista cuyas características generales persistieron hasta mediados del siglo XIII. En Francia, este estilo se aprecia especialmente en una serie de magníficas Biblias de la Moralía, manuscritos bíblicos que contienen pasajes de la Biblia acompañados de interpretaciones morales e ilustraciones dispuestas como vidrieras, realizadas para la corte real francesa en 1230-40

En Inglaterra, este estilo puede rastrearse en numerosos manuscritos, como el Salterio de Amesbury (c. 1240; All Souls College, Oxford). En Alemania, los artistas góticos evitaron este estilo grácil, favoreciendo un estilo retorcido y anguloso llamado Sackenstiel . Por ejemplo, en el Retablo de Soest (1230-40, Gemaldegalerie SMPK, Berlín) los paños se representan con formas angulosas y afiladas, y a menudo caen sobre una punta que recuerda a un carámbano. Los manuscritos góticos iluminados también influyeron en el desarrollo de la pintura sobre tabla y los frescos en el norte de Europa.

Ilustración gótica de libros

Para apreciar la ilustración gótica de libros, es necesario estudiar los manuscritos iluminados que salieron de los scriptoria de varios monasterios desde principios del siglo XIII: los Libros de Horas, las Requisiciones, los Apocalipsis, los Salterios y las Biblias. Véanse, por ejemplo, el Breviario de Belleville (1326) y las Horas de Juana de Evreux (1328) de Jean Pucel (1290-1334).

En estas obras maestras, el artista gótico, que ya no es un mero participante en el conjunto arquitectónico, puede dar rienda suelta a su imaginación y dar rienda suelta a todos sus caprichos. Las figuras son a veces alargadas hasta el borde de la caricatura, como los dibujos de moda en nuestros días (véase la segunda parte del Salterio de Arundel en el Museo Británico). Las criaturas grotescas y los toques humorísticos o macabros son omnipresentes. A medida que el tipo se desarrolla, se vuelve cada vez más inquieto. El ojo no descansa ni un momento. Fondos decorativos intrincados, cenefas de hojas de hiedra aún más espinosas de lo que la naturaleza pretendía que fueran, fondos de paisajes más tardíos (hacia mediados del siglo XV), con montones de hábiles flores en primer plano, escenas de la vida moderna, deporte y diversión, fiestas, viajes, cocina (el Salterio Luttrell de 1340 en el Museo Británico está repleto de miniaturas de este tipo).

Se podría pensar que en el siglo XIV la vida en el noroeste de Europa era un vasto revoltijo de detalles encantadores, una guardería llena de juguetes animados. Véase también: Historia de los manuscritos iluminados .

La pintura del Alto Gótico estuvo muy influida por la escultura moderna. Esto se puso de manifiesto por primera vez en París, donde Luis IX fue uno de los principales mecenas. En el Evangelarium (manuscrito que contiene los cuatro Evangelios) de la capilla palaciega de St Chapelle (1241-48) de Luis IX, se puede ver cómo el estilo gótico primitivo es sustituido bruscamente por un estilo de drapeado que incorpora los grandes pliegues angulosos del maestro Joseph (Bibliotheque Nationale). Al mismo tiempo, se prestaba cada vez más atención a los detalles, casi como un fin en sí mismo. Por ejemplo, los rostros se convierten en ejercicios de caligrafía virtuosa.

Mientras que algunos detalles figurativos, como los rostros y las manos, seguían representándose principalmente con líneas, los ropajes y otras formas se modelaban generalmente con luces y sombras. Este «descubrimiento de la luz» comenzó en torno a 1270-80, pero se asocia particularmente con el famoso iluminador parisino conocido como Maestro Honoré, que estuvo activo en torno a 1288-1300. También puede haber sido estimulado por la evolución de la pintura italiana.

El estilo francés se extendió rápidamente por Inglaterra. Aunque Enrique III no era un bibliófilo, varios manuscritos producidos para su familia contienen ilustraciones en el mismo estilo grácil y delicado de los artistas de Luis IX. Del mismo modo, en la abadía de Westminster se conservan algunas pinturas a gran escala, en particular el «Retablo de Westminster». La evolución posterior de la pintura inglesa, ejemplificada por obras como el Salterio de la reina María (c. 1330, British Museum), incluyó decoraciones de orlas cada vez más suntuosas. Véase también: La producción de manuscritos iluminados .

Para más información sobre las iluminaciones góticas internacionales del siglo XIV/XV, véanse: Jean Pucelle (1290-1334), los hermanos Limbourg (m. 1416: cf. sus . su Magnífico Libro de Horas del Duque de Berry) y Jean Fouquet (1420-81: véase su extraordinario Díptico de Melen).

Pintura gótica italiana

En el siglo XIII tanto Roma como Toscana tenían florecientes tradiciones pictóricas, y ambas estaban fuertemente influidas por el arte medieval creado en el Imperio bizantino. Lamentablemente, dado que gran parte de la obra romana fue destruida posteriormente, las pruebas de lo que ocurría en la capital hay que buscarlas fuera de la ciudad, sobre todo en Asís, donde la iglesia superior de San Francisco fue decorada por artistas al fresco formados en Roma entre 1280 y 1300, especialmente Cimabue (Cenni di Peppi) (1240-1302).

Como en todo el arte decorativo gótico, los cambios estilísticos en Italia se orientaron hacia un mayor realismo. Hacia finales del siglo XIII, los artistas italianos empezaron a utilizar la luz para modelar figuras. También realizaron avances inesperados en la manipulación de la perspectiva lineal para optimizar el diseño espacial en su pintura. Además, los mejores artistas desarrollaron la capacidad de crear figuras que parecían comunicarse realmente entre sí, mediante gestos o expresiones faciales. Un buen ejemplo de ello es la obra del Maestro Isaac en la iglesia superior de Asís.

A diferencia del norte de Europa, Italia conservó una gran tradición de frescos de gran tamaño, generalmente ejecutados con la técnica «de la pintura al fresco», un método en el que el pigmento se aplica al enlucido de cal fresca y se absorbe en él. Los temas de la pintura al fresco incluían narraciones bíblicas o hagiográficas, y el máximo exponente de la pintura gótica fue el pintor Giotto di Bondone (1267-1337), cuya obra clásica fueron los frescos de la Capilla de Scrovegni en Padua: Son famosas, por ejemplo, La traición de Cristo (Beso de Judas) (1305) y El luto de Cristo (1305). Sin embargo, a pesar del mayor realismo de la obra de Giotto, no pudo escapar a la influencia de sus predecesores bizantinos, cuya influencia es claramente visible en toda la composición.

En Toscana, el desarrollo del estilo gótico está mejor ilustrado por Duccio di Buoninsegna (c. 1255-1319), el pintor más famoso de la escuela sienesa del arte proto-renacentista, el creador del Retablo de la Maesta (1308-11), antiguo altar mayor de la catedral de Siena, y de la Madonna Stroganoff (1300). Esta última es una de las grandes pinturas góticas sobre tabla, realizada con temple sobre madera. La habilidad de Duccio para crear espacios realistas era, sin embargo, mucho menor que la de Giotto, y su obra no tiene el mismo impacto dramático.

De los pintores florentinos y sieneses posteriores, Simone Martini (1285-1344), que trabajó en la corte papal de Aviñón, es probablemente el más conocido. Por ejemplo, su Tríptico de la Anunciación (1333) para la catedral de Siena. Otros artistas importantes fueron los hermanos Pietro y Ambrogio Lorenzetti. Véase la obra de este último «Alegoría del buen y mal gobierno» (1338-9, Palazzo Pubblico, Siena.

Hacia 1350, los artistas italianos habían alcanzado una posición única en Europa. Su estilo único de pintura prerrenacentista -con sus avances en el arte de la composición narrativa- les diferenciaba de los artistas del resto de Europa. Sus mejoras en la representación de la realidad no eran fáciles de ignorar, y los artistas septentrionales se esforzaron por adaptar el naturalismo italiano a los propósitos nórdicos. Con la llegada de la pintura al óleo, las escuelas flamenca y holandesa pronto alcanzaron, y a veces superaron, a sus homólogas del sur. Pero esa es otra historia.

Lista de pintores góticos

Los principales representantes del arte gótico son:

Escultores
- Nicolás de Verdún (c. 1181-1210)
- Nicola Pisano (1206-1278)
- José el Maestro de Reims (c. 1240-77) - Giovanni Pisano (1250-1314)
- Giovanni di Balduccio (c. 1290-1349)
- Arnolfo di Balduccio (c. 1290-1349)
- Arnolfo di Cambio (1240-1300/10)
- Andrea Pisano (1295-1348)
- Tino di Camaino (c. 1323-37)
- Filippo Calendario (antes de 1315-1355)

Escultores del gótico tardío
- Veit Stoss (c.1447-1533)
- Adam Kraft (c.1455-1509)
- Tilman Riemenschneider (c.1460-1531)
- Gregor Erhart (c.1460-1540)

Artistas
- Maestro Honoré (c.1288-1300)
c.1288-1300)
- Cimabue (Cenni di Peppi) (1240-1302)
- Duccio di Buoninsegna (c.1255-1319)
- Cimabue (Cenni di Peppi) (1240-1302)
- Duccio di Buoninsegna (c.1255-1319))
- Giotto di Bondone (1267-1337)
- Simone Martini (1285-1344)
- Pietro Lorenzetti (c. 1320-45)
- Ambrogio Lorenzetti (c. 1319-48)