Arte gótico: características, historia Traductor traducir

Resumen – Características

El termino " estilo gótico "se refiere al estilo de la arquitectura europea, la escultura (y las artes menores) que vinculaban la época medieval Arte románico con el Renacimiento temprano . El período se divide en gótico temprano (1150-1250), gótico alto (1250-1375) y gótico internacional (1375-1450). Principalmente una forma pública de Arte cristiano , floreció inicialmente en la Isla de Francia y la región circundante en el período 1150-1250, y luego se extendió por todo el norte de Europa.

Su principal forma de expresión era arquitectura - ejemplificado por el gran Catedrales góticas del norte de Francia. Para los dos estilos decorativos principales, vea Arquitectura gótica de Rayonnant (c.1200-1350) y la posterior Extravagante arquitectura gótica (1375-1500). Los mejores ejemplos de diseño gótico incluyen: Catedral de Chartres (1194-1250); Catedral de Notre Dame (1163-1345); Sainte Chapelle (1241-48); y Catedral de Colonia (desde 1248); así como las catedrales de Canterbury, Winchester, Westminster Abbey y Santiago de Compostela. En el diseño gótico, las formas planas del idioma románico anterior fueron reemplazadas por un nuevo enfoque en línea. Y sus altos arcos y contrafuertes permitieron la apertura de muros para ventanas inusualmente enormes de Vitral lleno de imágenes translúcidas bellamente inspiradoras de Arte bíblico , superando con creces cualquier cosa que la pintura mural o arte mosaico Tenía que ofrecer. Todo esto creó un ambiente humanista evocador muy diferente del período románico. (Durante finales del siglo XIV, surgió un estilo gótico más secular, conocido como Gótico internacional , que se extendió por Borgoña, Bohemia y el norte de Italia.)

Arte gótico, siendo exclusivamente arte religioso , prestó un poderoso y tangible peso al creciente poder de la Iglesia en Roma. Esto no solo inspiró al público, así como a sus líderes seculares, sino que también estableció firmemente la conexión entre la religión y el arte, que fue uno de los fundamentos de la Renacimiento italiano (1400-1530). Entre famosos artistas medievales en estilo gótico fueron Giovanni Pisano y Simone Martini de la Escuela de pintura de Siena .

Esculturas góticas

Escultura gótica temprana

Como en el período románico, los mejores escultores góticos fueron empleados en la decoración arquitectónica. Los ejemplos más importantes de escultura de piedra para sobrevivir están en los portales, como en la iglesia de Saint-Denis, cuyos portales occidentales (construidos entre 1137 y 1140), combinaban características que permanecieron comunes durante todo el período gótico: un tímpano tallado; figuras talladas dispuestas en las dovelas , o piezas en forma de cuña, del arco; y más esculturas figurativas unidas a los lados del portal. Mientras sobrevive, Saint-Denis es bastante decepcionante; las figuras laterales se han perdido y el resto ha sido restaurado en gran medida.

Tendencia hacia un mayor realismo

El efecto general ahora se aprecia mejor en el frente oeste de la catedral de Chartres, cuyos portales ilustran el desarrollo del estilo gótico. Si se comparan los portales de Chartres (c. 1140-50) con los de Reims del siglo XIII, se puede ver que el desarrollo de la escultura durante este período temprano del arte gótico es hacia un mayor realismo, y lejos de la sensación de madera. Escultura románica . Así las cosas, esto no se logró mediante la evolución continua, sino en una serie de impulsos estilísticos. El primero de estos impulsos se puede ver en la escultura en el frente oeste de Chartres. Las figuras, con sus gestos estilizados y prendas minuciosamente plisadas, son apenas "reales", y sus formas están estrechamente alineadas con la composición arquitectónica. Se pueden ver ejemplos similares en las catedrales Angers, Le Mans, Bourges y Senlis. El segundo impulso creativo derivado (1181-1210) de la escuela de Arte mosan , en el metalistería del orfebre Nicolás de Verdún (y su contemporáneo más antiguo Godefroid de Claire ), marcada por elegantes figuras curvadas y suaves cortinas con surcos y afilados griegos (Muldenstil). Una versión moderada de este estilo decoraba los portales principales de los transeptos de Chartres (c.1200-10), y también se puede ver en la catedral de Reims. Un tercer impulso hacia el realismo en la escultura gótica, basado en prototipos bizantinos del siglo X, parece haberse originado en la catedral de Notre-Dame de París (c.1200). En lugar de remolinos de cortinas y figuras curvas, este estilo se caracteriza por figuras con una apariencia cuadrada y recta, que son bastante moderadas en sus gestos. Un buen ejemplo de este estilo es el frente oeste de la catedral de Amiens (c.1220-30). Un cuarto estilo de realismo se originó en Reims con un artesano que lleva el nombre de su figura más famosa, el Joseph Master. Ignorando tanto la moderación gestual de Amiens como las cortinas del Muldenstil , produjo (c.1240) figuras con características que perduraron durante los siguientes 150 años: a saber, poses y caras delicadas y cortinas gruesas que cuelgan en largos pliegues en forma de V que envuelven la figura. La escultura de la catedral gótica tuvo una amplia influencia en los pintores e iluminadores del gótico tardío, incluido el gran artista provenzal Enguerrand de Charenton (Quarton) (c.1410-1466), creador de The Avignon Pieta (1454-6, Louvre, París).

En Alemania, la historia es bastante similar, excepto que Escultura gótica alemana tiende a ser más emotivo: vea las catedrales de Estrasburgo y Magdeburgo. Un ejemplo dramático de esta emotividad se encuentra en el coro oeste (hacia 1250) de la catedral de Naumburg. Ver también Arte gótico alemán (c.1200-1450).

Alta escultura gótica

En general, este período vio una disminución en la escultura arquitectónica. Debido al enfoque puesto en los patrones geométricos de la arquitectura gótica de Rayonnant, esto no es sorprendente. Se completaron algunos portales, como los del frente oeste de la catedral de Bourges, pero tienen un interés limitado. En contraste, el tipo de escultura que se estaba expandiendo con gran rapidez era la más privada, ejemplificada por tumbas y otros monumentos funerarios. Incluían el cofre de la tumba, típicamente decorado con pequeñas figuras en nichos, figuras conocidas como llorones, ya que generalmente representaban a miembros de la familia que estaban de luto. Más tarde, a principios del siglo XIV, aparecieron representaciones de dolientes profesionales muy encubiertos.

Esta tendencia escultórica fue iniciada por Louis IX en sus monumentos a sus antepasados ​​y familiares, principalmente ubicados en Saint-Denis (1260-70), aunque gravemente dañados durante la Revolución Francesa. Se pueden encontrar precedentes anteriores, los esfuerzos de Luis IX hicieron mucho para popularizar la idea del mausoleo dinástico, y muchas otras personas importantes siguieron su ejemplo.

En Inglaterra, como en Francia, la mayor parte del virtuosismo en la talla fue arado en tumbas y monumentos privados. El mejor mausoleo gótico que sobrevive es la Abadía de Westminster, donde los monumentos tallados en una variedad de medios (especialmente purbeck, bronce, alabastro y piedra) se mejoran aún más con los pisos y las tumbas ejecutados por los mosaicos italianos empleados por Henry III. La tumba de Eduardo II (c. 1330-35), en la catedral de Exeter, notable por su elaborado dosel medieval, es otro buen ejemplo del gótico inglés.

La escultura alemana del alto gótico se ejemplifica con las elegantes figuras drapeadas alrededor del coro de la catedral de Colonia (consagrada en 1322) y con las impresionantes figuras en el frente oeste de la catedral de Estrasburgo (talladas después de 1277), que parecen estar fuertemente influenciadas por los José Maestro de Reims. Como de costumbre, la escultura alemana tiende a ser mucho más expresiva que una obra francesa similar.

En Italia, los escultores más importantes del siglo XIII incluyeron Nicola Pisano (1206-78) y su hijo Giovanni Pisano (1250-1314). Ambos trabajaron principalmente en la Toscana, y ambos ejecutaron púlpitos que se clasifican como sus principales obras terminadas: Nicola se destacó por la escultura en el Baptisterio de Pisa (1259-60) y la catedral de Siena (1265-68), mientras que el púlpito de Giovanni en S. Andrea Pistoia (1301), aunque técnicamente menos refinado, es emocionalmente mucho más dramático.

En Milán, un santuario para el cuerpo de San Pedro Mártir fue tallado por Giovanni di Balduccio (c.1290-1349) en un estilo derivado del estudio Pisano. Entre los seguidores más famosos de Pisano se incluyen Arnolfo di Cambio (1240-1300 / 10), y Tino di Camaino, que trabajó en la corte napolitana (c.1323-37). La escultura de Arnolfo di Cambio es sólida e impasible. Se destacó en composiciones formales, como la capilla funeraria y la tumba del Papa Bonifacio VIII. También fue el primer arquitecto de la catedral de Florencia (fundada en 1296). Tino di Camaino alcanzó fama como escultor de tumbas, y la mayor colección de su obra se encuentra en Nápoles. Para más, ver: Catedral de Florencia, Brunelleschi y el Renacimiento (1420-36).

Otro notable escultor gótico italiano fue Andrea Pisano (1295-1348) (también conocido como Andrea da Pontedera). Sus esculturas más famosas fueron ejecutadas en Florencia, la más importante de las cuales fueron sus tres puertas de bronce para el baptisterio de la Catedral de Florencia (terminada en 1336). Estaba muy influenciado por la escultura de Giovanni Pisano, así como por la pintura del artista prorrenacentista Giotto, lo que hizo que Andrea hiciera sus figuras bastante robustas y sólidas.

Pintura gótica

A pesar del establecimiento de Pintura románica en las paredes de la iglesia y en los manuscritos del evangelio, Europa todavía no estaba lista para pintura como una importante forma de arte público. Tapiz de arte todavía era popular (y más cálido) como revestimiento decorativo de paredes, mientras que la mayoría de las catedrales góticas, con su falta de espacio en las paredes, tenían menos necesidad que las iglesias románicas de pinturas murales. En cambio, para los efectos de color, los arquitectos góticos confiaron en las vidrieras, que ahora se habían vuelto mucho más grandes que en el período románico. En otros géneros de pintura, el nuevo estilo tuvo un impacto significativo: por lo tanto, arte de retablo y manuscritos iluminados todos fueron revitalizados por el idioma gótico.

NOTA: Para otras tendencias estilísticas históricas importantes como el gótico, vea Movimientos de arte, períodos, escuelas (desde aproximadamente 100 a. C.).

Pintura gótica en Francia

La pintura gótica temprana se alejó de Arte bizantino hacia un mayor naturalismo, tomando la forma de un estilo más suave y realista, cuyas características generales perduraron hasta mediados del siglo XIII. En Francia, el idioma es especialmente notable en una serie de magníficas Biblias moralistas , manuscritos bíblicos que contienen extractos de la Biblia acompañados de interpretaciones morales e ilustraciones dispuestas como vidrieras, completadas para la corte real francesa c.1230-40. En Inglaterra, el estilo se puede ver en numerosos manuscritos; por ejemplo, el Salterio de Amesbury (c. 1240; All Souls College, Oxford). En Alemania, los artistas góticos evitaron este estilo elegante, prefiriendo un estilo retorcido y angular llamado Zackenstil . Por ejemplo, en el Altar Soest (1230-40, Gemaldegalerie SMPK, Berlín ), la cortina se representa en formas angulares abruptas y a menudo cae en un punto afilado que se asemeja a un carámbano. Manuscritos Góticos Iluminados También influyeron en el desarrollo de la pintura de paneles y murales en el norte de Europa.

Pintura gótica del libro
Para apreciar el gótico ilustración de libro Uno debe estudiar los manuscritos iluminados que se derramaron de los scriptoria de los diversos monasterios de principios del siglo XIII: Libros de Horas, Misales, Apocalipsis, Salterios y Biblias. Ver, por ejemplo, el Breviario de Belleville (1326) y el Horas de Jeanne d’Evreux (1328) por Jean Pucelle (1290-1334). En estas obras maestras, el artista gótico, que ya no es un simple contribuyente al conjunto arquitectónico, puede desatar su imaginación y satisfacer todos sus caprichos. Las figuras a veces se alargan al borde de caricatura , como los dibujos de moda de hoy (ver la segunda parte del Salterio Arundel en el Museo Británico ) Criaturas grotescas, así como toques humorísticos o macabros abundan. A medida que el tipo se desarrolla, se vuelve más inquieto. Al ojo no se le da un momento de paz. Intrincados fondos decorativos, bordes de hojas de hiedra hechas aún más puntiagudas de lo que la naturaleza los había diseñado, más tarde, fondos de paisajes (a mediados del siglo XV), con grupos de flores elaboradas en primer plano, escenas de la vida contemporánea, deportes y pasatiempos., banquetes, viajes, cocina (el Salterio Luttrell de 1340 en el Museo Británico está lleno de miniaturas) se puede encontrar en todas partes. Uno pensaría que en el siglo XIV la vida en el noroeste de Europa era una gran confusión de detalles gays, una guardería repleta de juguetes vivos. Ver también: Historia de los manuscritos iluminados .

La alta pintura gótica estuvo muy influenciada por la escultura contemporánea. Esto se hizo evidente por primera vez en París, donde Luis IX fue un importante mecenas. En un evangelio (un manuscrito que contiene los cuatro Evangelios) en la capilla del palacio de Luis IX de Sainte Chapelle (1241-48), se puede ver el estilo gótico temprano reemplazado abruptamente por un estilo de cortinas que incorpora los grandes pliegues angulares del Maestro Joseph. (Bibliotheque Nationale). Simultáneamente hubo un creciente enfoque en los detalles, casi como un fin en sí mismo. Así, por ejemplo, las caras en particular se convirtieron en ejercicios de caligrafía virtuosa.

Si ciertos detalles figurativos como caras y manos continuaban siendo representados principalmente por medio de líneas, las cortinas y otras formas tendían a modelarse en términos de luz y sombra. Este "descubrimiento de la luz" comenzó alrededor de 1270-80, pero está particularmente asociado con el famoso iluminador parisino conocido como Maestro Honore, que estuvo activo alrededor de 1288-1300. También es posible que haya sido estimulado por desarrollos en la pintura italiana.

El estilo francés se introdujo rápidamente en Inglaterra. Aunque Enrique III no era un gusano del libro, varios manuscritos producidos para su familia contienen ilustraciones en el mismo estilo delicado y minucioso de los artistas de Luis IX. Del mismo modo, algunas pinturas a gran escala, especialmente el "Westminster Retable", sobreviven en la Abadía de Westminster. Los cambios posteriores en la pintura inglesa, ejemplificados en obras como el Salterio Queen Mary (c. 1330, Museo Británico), incluyeron decoraciones fronterizas cada vez más lujosas. Ver también: Realización de manuscritos iluminados .

Para detalles del siglo XIV / XV. Iluminaciones góticas internacionales , ver: Jean Pucelle (1290-1334), el Hermanos Limbourg (d.1416: ver su Tres Riches Heures du Duc de Berry ) y Jean Fouquet (1420-81: ver su extraordinario Díptico Melun )

Pintura gótica italiana

Durante el siglo XIII, tanto Roma como Toscana tenían florecientes tradiciones pictóricas, y ambas fueron fuertemente influenciadas por el arte medieval producido en el imperio bizantino. Lamentablemente, dado que una gran parte de la obra romana fue destruida más tarde, la evidencia de lo que estaba sucediendo en la capital debe buscarse fuera de la ciudad, especialmente en Asís, donde la iglesia superior de San Francisco fue decorada por pintores de frescos entrenados en Roma entre 1280 y 1300, notablemente Cimabue (Cenni di Peppi) (1240-1302).

Como en el caso de todo el arte decorativo gótico, los cambios estilísticos en Italia fueron en dirección a un mayor realismo. A finales del siglo XIII, los pintores italianos comenzaban a utilizar la luz para modelar sus figuras. También hicieron avances repentinos en la manipulación de perspectiva lineal para optimizar el diseño espacial en su pintura. Más que esto, los mejores artistas desarrollaron una gran habilidad para crear figuras que realmente parecían comunicarse entre sí, por gesto o expresión. Un buen ejemplo de esto es el trabajo del Maestro Isaac en la iglesia superior de Asís.

A diferencia del norte de Europa, Italia mantuvo una fuerte tradición de gran escala. murales , generalmente ejecutado usando el " pintura al fresco "técnica" – un método que involucra pigmento aplicado y absorbido por yeso fresco. Los temas de pintura al fresco incluyeron narraciones bíblicas o hagiográficas, y su mayor exponente gótico fue el pintor Giotto di Bondone (1267-1337), cuyo trabajo clásico fue el Frescos de la capilla Scrovegni en Padua: ver, por ejemplo, el famoso Traición de Cristo (Beso de Judas) (1305) y Lamentación de cristo (1305). Sin embargo, a pesar del realismo enormemente aumentado del trabajo de Giotto, no pudo escapar del tirón de sus predecesores bizantinos, cuya influencia es claramente visible en toda la composición.

En la Toscana, el desarrollo del estilo gótico se ilustra mejor con Duccio di Buoninsegna (c.1255-1319), el pintor más famoso de la Escuela de Siena de arte prorrenacentista y creador de Retablo Maesta (1308-11), anteriormente el retablo mayor de la catedral de Siena, y el Stroganoff Madonna (1300). Este último fue uno de los grandes góticos. pinturas de paneles ejecutado usando pintura al temple en madera. Sin embargo, la habilidad de Duccio para crear un espacio realista era mucho más débil que la de Giotto y su trabajo carece del mismo impacto dramático.

De los pintores florentinos y sieneses posteriores, Simone Martini (1285-1344), quien trabajó en la corte papal de Aviñón, es probablemente el más famoso. Ver, por ejemplo, su Tríptico de Anunciación (1333) para la catedral de Siena. Otros artistas importantes incluyeron a los hermanos Pietro y Ambrogio Lorenzetti. Ver los últimos Alegoría del buen y mal gobierno (1338-9, Palazzo Pubblico, Siena.

Alrededor de 1350, los pintores italianos habían alcanzado una posición única en Europa. Su marca única de Pintura prerrenacentista – con sus avances en el arte de la composición narrativa – los distingue de los pintores del resto de Europa. Sus mejoras en la representación de la realidad no fueron ignoradas fácilmente, y los pintores del norte hicieron grandes esfuerzos para adaptar el naturalismo italiano a los propósitos del norte. Con el advenimiento de la pintura al óleo, las escuelas flamencas y holandesas pronto se pondrían al día y, a veces, incluso superarían a sus contrapartes del sur. Pero esa es otra historia.

Lista de artistas góticos

Los principales exponentes del estilo de arte gótico incluyen:

Escultores
Nicolás de Verdún (fl.1181-1210)
Nicola Pisano (1206-78)
El Joseph Master of Reims (fl.1240-77) – Giovanni Pisano (1250-1314)
Giovanni di Balduccio (c.1290-1349) – Arnolfo di Cambio (1240–1300 / 10)
Andrea Pisano (1295-1348)
Tino di Camaino (fl.1323-37)
Filippo Calendario (anterior a 1315-1355)

Escultores del gótico tardío
Veit Stoss (c.1447-1533)
Adam Kraft (c.1455-1509)
Tilman Riemenschneider (c.1460-1531)
Gregor Erhart (c.1460-1540)

Pintores
Maestro Honore (fl.1288-1300)
Cimabue (Cenni di Peppi) (1240-1302)
Duccio di Buoninsegna (c.1255-1319)
Giotto di Bondone (1267-1337)
Simone Martini (1285-1344)
Pietro Lorenzetti (fl.1320-45)
Ambrogio Lorenzetti (fl.1319-48)