Pintura manierista, Italia Traductor traducir

La primera reacción contra los principales representantes de la pintura del Alto Renacimiento -Leonardo, Miguel Ángel, Rafael y Andrea del Sarto- se produjo en Florencia entre 1515 y 1524, cuando los pintores Rosso Fiorentino (1494-1540) y Jacopo Pontormo (1494-1556) rompieron con el naturalismo y el lenguaje armónico del Alto Renacimiento . Algunos historiadores del arte del siglo XX, como Max Dvorak en su libro Uber Greco und der Manierismus (1921), simpatizaron con estos artistas inconformistas de principios del siglo XVI y empezaron a llamarlos manieristas. Más recientemente, sin embargo, los estudiosos han aplicado el término Manierismo para describir un estilo de pintura totalmente diferente Cinquecento, que apareció por primera vez en Roma hacia 1520.

El manierismo nacido en Roma, que acabó extendiéndose por toda Europa, no fue una innovación revolucionaria, sino más bien una transformación del arte renacentista asociada al cambio de mentalidad de la época. Exteriormente se caracterizaba por una cierta artificialidad, un cultivo deliberado y pronunciado de la estilización y un refinado disfrute de lo extravagante. El Concilio de Trento (1545-63) inició su campaña contra la Contrarreforma católica justo cuando el manierismo empezaba a ganar terreno en Italia. Las autoridades vaticanas suprimieron el arte cristiano de estilo manierista, incomprensible para la mayoría de los feligreses, como la (como se sospechaba) Parmigiana «Virgen de cuello largo».

Orígenes

La palabra «manierismo» deriva de la palabra italiana « maniera» (que literalmente significa «estilo»), y se utilizó por primera vez en la crítica de arte del siglo XVI para describir cierta cualidad - estilismo .

El artista e historiador del arte Giorgio Vasari (1511-1574), famoso por su tratado biográfico «Vidas de artistas» (1550), determinó, que las obras de Leonardo da Vinci (1452-1519), Rafael (1483-1520) y Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564) eran la fuente de este estilismo. Aunque las tendencias manieristas en las obras de Leonardo son quizá exageradas, «La Transfiguración» de Rafael (1520, Pinacoteca Apostolica, Ciudad del Vaticano, Roma) revela sin duda claros signos del tipo de expresionismo que se asociaría con el manierismo. Además, algunos expertos en arte consideran que la tensión dramática y las formas exageradas de esta obra anticipan la pintura barroca, por no hablar del manierismo. El fresco de Miguel Ángel «El Juicio Final» (1534-41) en la pared del retablo de la Capilla Sixtina es otro ejemplo de arte del Alto Renacimiento con tendencias manieristas.

Pero si bien Leonardo, Rafael y Miguel Ángel pueden haber sido la fuente original, según Vasari, fueron sus seguidores, que tuvieron la oportunidad de digerir plenamente los descubrimientos de la pintura del Renacimiento temprano y la estética del Alto Renacimiento, quienes refinaron los modelos creados por estos grandes maestros. Vasari creía que estos seguidores posteriores habían aprendido el secreto del verdadero estilo artístico - maniera . Nótese de paso que el manierismo se manifestó principalmente en la pintura, ya que la escultura continuó prácticamente sin restricciones, y la arquitectura manierista estuvo prácticamente ausente.

Rasgos característicos de la pintura manierista

Para empezar, la palabra manierismo «» no tiene nada de negativo. Describía un tipo de elegancia estilística y reflejaba una admiración general por esa elegancia y por el estilo o manera particular de tal o cual artista. Con el tiempo designó la «gran manera», que se convirtió en el estilo de moda en Roma hacia 1520.

Aunque es casi imposible dar una definición concisa del manierismo - aparte de llamarlo algo así como «el triunfo de la imaginación sobre las reglas académicas de la pintura», - para entenderlo, debemos tener en cuenta lo siguiente:

❶ Aunque en la pintura figurativa las normas formales fueron establecidas por Miguel Ángel y las normas de belleza idealizada por Rafael, los contemporáneos de Vasari tendían a conceder más importancia al estilo que al tema. En pocas palabras, en lugar de seguir el ideal del naturalismo armonioso del Alto Renacimiento, el pintor manierista deseaba una mayor libertad creativa, por lo que trataba de crear una imagen artificial de la naturaleza para satisfacer su deseo de mayor virtuosismo. Es interesante preguntarse si este supuesto deseo de libertad creativa surgió de la constatación de que los estándares naturalistas establecidos por Leonardo, Rafael y Miguel Ángel nunca podrían ser igualados, y mucho menos superados.

❷ En busca de libertad creativa, los pintores manieristas reelaboraron los cánones clásicos de proporciones del Alto Renacimiento. La altura ideal de la figura humana pasó de siete veces y media la altura de la cabeza a nueve veces y media. Además del alargamiento estilístico del cuerpo humano, que a veces se extendía a rasgos individuales, como en la Madonna con cuello largo» (1534-40, Galería de los Uffizi) de Parmigianino «, las pinturas manieristas introdujeron nuevas formas de perspectiva de fondo en las que el espacio pictórico estaba completamente ocupado por figuras en primer plano: por ejemplo, «Deposición» (1526, Santa Felicita, Florencia) de Jacopo Pontormo. En ocasiones se abandonó el uso de la luz procedente de una única fuente en favor de efectos contrastados de luz y oscuridad; se introdujo la iluminación brillante, así como el uso de colores no naturales.

❸ Además de crear representaciones artificiales de la naturaleza, algunos manieristas recurrieron a un estilo llamado disegno fantastico, que consistía en el capricho, la invención, la excentricidad y otras rarezas: un ejemplo de la categoría artística son los retratos cortesanos de Arcimboldo, compuestos de frutas y verduras.

❹ Por todo ello, el Manierismo fue concebido para el entendido, el conocedor del arte que podía apreciar su complejidad y virtuosismo. Sin embargo, los mecenas católicos de la Contrarreforma consideraron que el nuevo estilo era muy insatisfactorio -al menos cuando se aplicaba al arte religioso , como el retablo -, porque el propio estilo tendía a oscurecer el mensaje bíblico. Incluso el fresco de Miguel Ángel «El Juicio Final» fue ferozmente criticado por algunos observadores por los (en su mayoría) desnudos masculinos, y él mismo fue calificado de "inventor de la obscenidad que cultivó el arte a expensas de la piedad".

Esta sensación general de descontento -o al menos de escepticismo- por parte de la Iglesia católica, principal mecenas de las bellas artes en Europa, hizo que el manierismo cayera en desgracia general, y cuando, en 1662, el arquitecto francés Fréart de Chambray acuñó la palabra «manierista», la utilizó para menospreciar a Vasari y a sus contemporáneos, los principales practicantes del manierismo . Véase también: Clasicismo y naturalismo en la pintura italiana del siglo XVII .

Uno de los primeros expertos en la atribución de pinturas manieristas fue el renacentista Bernard Berenson (1865-1959), que vivió la mayor parte de su vida cerca de Florencia y publicó varios libros muy influyentes sobre el arte italiano de la época.

Historia y artistas

Jacopo Pontormo (1494-1556)

En el periodo c. 1510-20 Andrea del Sarto (1486-1530) fue el principal practicante del naturalismo del Alto Renacimiento en Florencia. La tensión emocional presente bajo la armonía de los colores y las formas de Andrea fue percibida y subrayada por uno de sus alumnos más jóvenes, Jacopo Pontormo, alabado en su juventud por el propio Miguel Ángel.

En el famoso retablo de Pontormo Visdomini (1518), la tensión emocional casi llega a su límite; la composición es vertical y carece de sentido del espacio, y los numerosos centros de acción, similares pero disonantes, crean una palpable sensación de excitación. Pontormo siguió adhiriéndose a este expresionismo, cada vez más influido por las formas angulosas de los grabados de Alberto Durero y por algunos de los aspectos más desgarradores de las figuras de Miguel Ángel.

Rosso Fiorentino (1494-1540)

El otro alumno de talento de Andrea, el refinado pero imprevisible Rosso Fiorentino, trabajaba con un espíritu de expresividad similar. Aparte de los dos querubines, su poco convencional «Virgen con el Niño y cuatro santos» (Juan el Bautista, Antonio el Abad, Jerónimo y Esteban) (1518, Uffizi), creada para Santa Maria Nuova, se aleja completamente del naturalismo del Alto Renacimiento y es más iconoclasta que toda la obra de Pontormo. Tres años más tarde creó la igualmente extraordinaria «Deposición» (1521, Pinacoteca Comunale, Volterra) para la Catedral de Volterra.

Su composición inconexa, sus figuras alargadas y desproporcionadas y sus colores fríos y poco naturales lo convierten en un buen ejemplo del primer manierismo florentino. En 1523, en busca de encargos del nuevo papa Clemente VII, Rosso Fiorentino viajó a Roma, donde se vio sacudido por tres impresiones: los frescos de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel, el estilo tardío ) Transfiguración) de Rafael y el arte del recién llegado Girolamo Francesco Maria Mazzola, más conocido como Parmigianino.

Parmigianino (1503-1540)

Nacido y formado en Parma, Parmigianino llevó consigo a Roma tres ejemplos de pinturas que atestiguan su capacidad artística. Su estilo, influido por el de Correggio, tenía ya mucho de la refinada elegancia que le hizo famoso. Roma le adoró, y fue aclamado como el nuevo Rafael, capaz de reproducir la sutil elegancia de las últimas obras de éste, como San Miguel (Louvre).

Aunque Rafael murió en 1520, sus frescos decorativos de la stanze vaticana ) Habitaciones de Rafael) fueron continuados por sus alumnos más importantes, Giulio Romano (1499-1546) y Perino del Vaga (1501-1547). Su estilo pictórico se basaba en el uso refinado de las formas clásicas de la Antigüedad y en la sofisticada explotación de diferentes niveles de realidad pictórica.

El saqueo de Roma (1527)

El conocimiento del fresco de Miguel Ángel «Génesis» y de las obras de Parmigianino llevó a Rosso Fiorentino a un cambio radical y más complejo de estilo. Su Cristo muerto con ángeles (1526, Museo de Bellas Artes de Boston), un cuadro que antes podía ejecutar con una angulosidad de formas excepcional, se volvió más tranquilo, dotado de una emoción más sutil y de un sorprendente sentido de la belleza.

Sin duda, los alumnos de Rafael y los recién llegados Rosso y Parmigianino se influyeron mutuamente a mediados de la década de 1520, pero, por desgracia, en 1527 Roma fue saqueada por las tropas merodeadoras del emperador Carlos V, que obligaron al Papa a abandonar el Vaticano y huir a Orvieto. Parmigianino huyó a Bolonia, y cuatro años más tarde regresó a su Parma natal, donde continuó desarrollando su personal maniera ) Virgen de cuello largo). Perino del Vaga entró al servicio de la familia gobernante en Génova, y Rosso Fiorentino pasó varios años de inquieto vagabundeo entre Arezzo, Citta di Castello, San Sepolcro y Perugia antes de ser llamado a la corte francesa y nombrado encargado de la decoración de interiores en el castillo de Fontainebleau.

Para más información sobre este mini-renacimiento del arte francés, véase: La Escuela de Fontainebleau (1528-1610). Aquí creó su obra maestra Galería de Francisco I, con pintura al fresco y yeserías ornamentales.

Manieristas tardíos: Giorgio Vasari, Francesco Salviati

El refinado estilo manierista que se desarrolló en Roma antes de 1527 con Parmigianino y sus colegas ejerció una gran influencia en los estilos individuales de varios jóvenes artistas importantes. Vasari y Francesco Salviati (1510-1563), que habían sido alumnos de Andrea del Sarto en Florencia, se separaron en 1527, pero reanudaron la comunión en Roma (1531), donde intentaron unir el sistema formal-narrativo de los últimos frescos de Rafael con el estilo figurativo de Miguel Ángel.

En el caso de Vasari el resultado fue algo inconexo, pero Salviati consiguió crear una maniera individual de gran ingenio - véase, por ejemplo, su pintura mural Mir (1544-48, Palazzo Vecchio, Florencia).

Mientras la carrera de Salviati era peripatética -pintó en Roma, Florencia, Venecia y Francia-, Vasari regresó a la corte florentina de Cosme I de Médicis, que había sucedido al asesinado Alessandro de Médicis en 1537. Cosme, en colaboración con su esposa española Eleonora de Toledo, se embarcó en una astuta serie de proyectos para consolidar su posición política, de los que Vasari se convirtió en el director de escena. Sus éxitos artísticos como pintor y arquitecto después de 1555 fueron notables, pero su contribución más importante al manierismo fue su defensa de los ideales manieristas en «Vidas de los artistas» (1550). Mientras tanto, el artista con más talento de la corte de Cosme de Médicis era Agnolo Bronzino, alumno e hijo casi adoptivo de Pontormo.

Agnolo Bronzino (1503-1572)

Desde el principio Agnolo Bronzino redujo la intensidad emocional que era un elemento tan importante del estilo de Pontormo, y en la década de 1530 ganó reputación como retratista de corte. Su retrato de madurez es elegante, meticuloso, formal y magníficamente pulido, reflejo de la etiqueta española de la corte de los Médicis.

Bronzino se convirtió pronto en el artista favorito de Leonor y recibió el encargo de decorar su capilla privada en el Palazzo Vecchio. Los frescos resultantes, aunque carentes de expresión espiritual, son de un estilo deslumbrante, con referencias a las formas clásicas -un indicio de conocimiento tanto del artista como del tema-, así como a Rafael y Miguel Ángel. Bajo la influencia de la Contrarreforma católica, Bronzino pasó a un estilo narrativo más modesto, pero conservó su esencia manierista. Véase también Alegoría con Venus y Cupido (1540-50), la obra maestra mitológica de Bronzino.

La Contrarreforma tuvo un efecto similar en otros manieristas, aunque sólo el nacido en Urbino Federico Barocci (1526-1612) abandonó la maniera y se dedicó a la pintura religiosa piadosa. El estilo fluido y delicadamente coloreado de Barocci, influido en gran medida por Correggio, puede considerarse excepcionalmente precursor de la pintura barroca.

Barocci abandonó su estilo manierista hacia 1575, pero la mayoría de sus contemporáneos en Florencia y Roma continuaron desarrollando los aspectos eclécticos de la maniera original . El erudito sienés Daniele da Volterra (1509-1566) y el luganés Pellegrino Tibaldi (1527-1596) escribieron abiertamente a la manera de Miguel Ángel, y a finales de siglo Giuseppe Cesari (Cavaliere d’Arpino) (1568-1640) y Federico Zuccaro (1540-1609) exploraron los complejos valores intelectuales del estilo del taller de Rafael. Zuccaro es el mejor ejemplo de esta fase tardía, y sus viajes (a Roma, Venecia, España, Inglaterra, Francia y Flandes) atestiguan el internacionalismo del estilo manierista tardío.

La pintura manierista fuera de Florencia y Roma

Lejos de Florencia y Roma, los artistas de varias ciudades italianas se vieron influidos por el manierismo después de 1527. La escuela sienesa de pintura de Domenico Beccafumi (1485-1551) desarrolló un extraño tipo de manierismo emocional, y hubo otras variantes de maniera en otros lugares. Pero sólo en Venecia sobrevivió el manierismo como un lenguaje coherente e independiente. Sin embargo, aunque Tiziano (c. 1488-1576), después de 1530 Paolo Veronese (1528-1588), Jacopo Bassano (1515-1592) y Jacopo Tintoretto (1518-1594) adoptaron formas e ideales manieristas en algunas de sus pinturas, las prácticas no manieristas siguieron predominando en el arte veneciano en su conjunto, tanto en color como en expresión. Los comentarios despectivos de Vasari sobre la falta de buen disegno de Tintoretto dejan claro que las diferencias entre la pintura romanoflorentina y veneciana seguían siendo fundamentales. Véase también Tiziano y la pintura veneciana en color (c. 1500-76).

Sobre el arte retablístico manierista en Venecia, véase: Retablos venecianos (1500-1600), sobre el retrato, véase: Retrato veneciano (c. 1400-1600). Sobre su influencia general en el arte europeo, véase también: El legado de la pintura veneciana (después de 1600).

Paolo Veronese (1528-1588)

Paolo Veronese es conocido por su rico colorismo y sus enormes composiciones rebosantes de figuras: véase El banquete de bodas en Caná (1562-3, Gemäldegalerie, Dresde) y El banquete en casa de Leví (1573; Galería de la Academia Veneciana). Sin embargo, la riqueza de sus pigmentos de color queda mejor demostrada en obras como «Marte y Venus enamorados» (Metropolitan Museum of Art, Nueva York) y «Las bodas de Santa Catalina» (Galería de la Academia de Venecia).

Jacopo Tintoretto (1518-1594)

El propio Tintoretto se orientó hacia el uso de la luz dramática y la intensidad emocional de Tiziano. En 1548 «San Marcos liberando a un esclavo» (1547-8, Galleria dell’Accademia Venezia) le consagró como el pintor más destacado de la generación más joven de Venecia. Después de esto, gran parte de su carrera se dedicó a la realización de 66 magníficas pinturas murales y de techo que representaban escenas del Antiguo y Nuevo Testamento para decorar la Gran Escuela de San Rocco en Venecia (1564-1588) - como «Crucifixión» (1565).

Su obra cumbre fue «La Última Cena» (1591-4), un enorme lienzo pintado para la iglesia de San Giorgio Maggiore de Venecia. Como corresponde al representante más importante del manierismo veneciano, en esta obra Tintoretto utilizó plenamente las diagonales en retroceso, la perspectiva dramática y otras técnicas manieristas.

La comparación de esta pintura con «La Última Cena» de Leonardo (1495-8, Santa Maria delle Grazie, Milán) demuestra las diferencias entre el Alto Renacimiento y la pintura veneciana de finales del siglo XVI, aunque esta última seguía dominada por técnicas no manieristas tanto en el color como en la composición.

La pintura manierista fuera de Italia

Las ideas del Renacimiento italiano se extendieron por Europa de boca en boca y a través de grabados y aguafuertes. Al mismo tiempo, la mayoría de los grandes artistas no italianos visitaron Florencia, Roma o Venecia para ver y copiar por sí mismos las mejores pinturas del Renacimiento . No obstante, sería erróneo suponer que el estilo renacentista italiano dominó toda la pintura europea. (De hecho, los artistas italianos del Renacimiento temprano estuvieron muy influidos por la pintura flamenca al óleo y por obras tan específicas como el Retablo de Portinari (1475) la obra de Hugo Van Der Goes)

Algunos artistas del norte (por ejemplo, Alberto Durero, Miguel Pacher y otros) adoptaron las técnicas pictóricas renacentistas con bastante confianza; otros también las utilizaron, pero de forma fragmentaria, sin una comprensión adecuada de las técnicas compositivas italianas. Después de 1520, sin embargo, tanto los pintores del Renacimiento septentrional (por ejemplo Hans Baldung Green) como los pintores españoles (por ejemplo El Greco) empezaron a comprender y aplicar cada vez más las ideas manieristas en sus obras.

Sobre las mayores obras maestras manieristas de El Greco, que son una mezcla de Tintoretto, Parmigianino, Bassano y Miguel Ángel en un marco bizantino, véase El Desnudo de Cristo de El Greco: El Desnudo de Cristo (1577); El Entierro del Conde de Orgaz (1588); Cristo Expulsando a los Comerciantes del Templo (1600); Retrato de un Cardenal (1600); Félix Hortensio Paravicino (1605); y Vista de Toledo (1600). De hecho, empezaron a surgir escuelas separadas de manierismo en varios centros fuera de Italia.

Las pinturas manieristas pueden verse en la mayoría de los mejores museos de arte del mundo, especialmente en el Palacio Pitti y en la Galería Uffizi de Florencia .