Pintura medieval: pintores góticos de la Edad Media Traductor traducir

Aunque el arte medieval producido aproximadamente entre los siglos XIII y XV (c. 1180-1420) era esencialmente de estilo gótico, fue esencialmente un periodo de transición para las artes visuales como la pintura y la escultura. Durante estos siglos, los objetivos de los artistas experimentaron un cambio radical desde las rígidas fórmulas impuestas por la pintura románica, fuertemente influenciada por el arte bizantino, hacia una representación realista del mundo y un deseo de dominar el efecto tridimensional en la pintura, de acuerdo con las nuevas ideas introducidas por la pintura italiana prerrenacentista (1300-1400) y más tarde por el Renacimiento florentino (1400-1512).

Factores generales

El arte de este periodo, aunque diverso en estilo, estaba unido por varios factores comunes. El más importante de ellos fue el continuo dominio del arte cristiano, ya que la mayor parte del arte medieval seguía cumpliendo una función principalmente religiosa, como lo había hecho desde los primeros tiempos del cristianismo. La mayoría de las pinturas sobre tabla seguían representando temas religiosos y estaban destinadas a entornos religiosos, por ejemplo, los retablos de iglesias, incluidos los dípticos y trípticos, y los retablos polípticos: Véase, por ejemplo, el Retablo de Dijon (década de 1390, Musée des Beaux-Arts, Dijon) del artista flamenco Melchior Broderlam (c. 1350-1411), pintor oficial de Felipe el Temerario. Además, casi todos los frescos seguían creándose para interiores de iglesias. De hecho, la pintura gótica se caracteriza mejor como arte bíblico, ya que todavía contiene temas extraídos del Antiguo y Nuevo Testamento y del Calendario de los Santos.

Para una visión más amplia del carácter religioso de la pintura medieval, véanse Arte paleocristiano (150-1100) y Arte cristiano medieval (600-1200), y Pintura medieval rusa (c. 950-1100).

La mayoría de los manuscritos iluminados también contenían textos bíblicos, destinados a la lectura pública o a la devoción privada. Sin embargo, cada vez más aspectos de la vida secular se entrelazaban con la vida religiosa. En los márgenes de los salterios se representaban a menudo figuras caprichosas y divertidas («drolleries»). Escenas que mostraban la elegancia y el refinamiento de la vida cortesana sirvieron para decorar la Capilla del Duque de Berry . (Véase: la Magnífica Capilla del Duque de Berry en el Museo de Condé en Châtilly, pintada por los hermanos Limbourg en 1413). En estos detalles profanos se manifiesta de diversas maneras el deseo de expresar todo tipo de emociones, no sólo religiosas, y de celebrar con realismo la diversidad de la vida contemporánea y de las estaciones. Crecía entre los artistas la convicción de que todas las actividades han sido creadas por Dios y forman parte de su plan de cosas. Por lo tanto, todas son dignas de ser grabadas. (Véase también: La elaboración de manuscritos iluminados .)

El segundo principio unificador fue la continua importancia de las artes decorativas en todas sus posibilidades. Los fondos de las pinturas religiosas eran a menudo de oro sobre el que se imprimían motivos con herramientas calientes, proceso conocido como «labrado». A veces se utilizaban paños multicolores o teselados (patrones de rombos regulares o rosarios) para rellenar el fondo. Las curvas de los drapeados y el balanceo del cuerpo humano satisfacían un sentido de diseño elegante. Los cuerpos ya no se representaban rígidos y como marionetas; las extremidades y los movimientos se hacían más fluidos. (Véanse, por ejemplo, las obras de iluminadores como Jean Pucelle y Jacquemart de Esden, así como del pintor de tablas Engerrand de Charenton (Quarton) .)

A estos factores se añade la importancia del diseño arquitectónico. El artista gótico a menudo enmarcaba sus cuadros con un arco a través del cual el espectador debía mirar como a través de una ventana. (Esta técnica se hizo muy popular en la pintura flamenca y francesa en los siglos XIV y XV). La incorporación de elementos arquitectónicos a la pintura se hizo tan necesaria como los nichos y baldaquinos que enmarcaban la escultura gótica.

Nuevos mecenas del arte

Los cambios en el arte durante la Alta y la Baja Edad Media se debieron a la rápida evolución de las condiciones sociales. El comercio creció y las ciudades asociadas a él florecieron. Como consecuencia, no sólo se enriquecieron las cortes reales, sino que los ciudadanos y mercaderes más ricos pudieron adquirir sus propias obras de arte. A principios del siglo XV, cada burgués podía esperar tener su propia Capilla .

Las propias ciudades empezaron a patrocinar las artes. Por ejemplo, el ayuntamiento de Siena encargó en 1308 un gran retablo al maestro italiano Duccio di Buoninsegna (c. 1255-1319), el más famoso representante de la escuela sienesa de pintura (1250-1550). Conocido como el «Retablo de la Maesta» (1311), fue terminado tres años más tarde, y al son de trompetas y campanas, acompañado por dignatarios de la ciudad y de la iglesia, fue llevado solemnemente desde el taller del artista hasta la catedral, donde fue colocado en el altar mayor.

Simone Martini (1284-1344) creó otro exquisito retablo para la catedral de Siena, su Tríptico de la Anunciación (1333). Todo este arte religioso era una expresión de orgullo cívico, pero éste también comenzó a expresarse en obras puramente profanas. Por ejemplo, el ayuntamiento de Siena encargó a Ambrogio Lorenzetti (c. 1285-1348) una serie de seis frescos, titulada «Alegoría del buen y mal gobierno» (1338-9), para el ayuntamiento.

Había demanda de libros, y los más populares, los de amor cortés, como El romance de la rosa, así como obras de los escritores clásicos Terencio y Ovidio, se iluminaban. (Para más información, véase nuestro artículo: Manuscritos góticos iluminados y Iluminaciones góticas internacionales . Sobre obras anteriores, véase: Iluminaciones de manuscritos medievales). Los estudios de los artistas se hicieron cada vez más grandes como consecuencia de la creciente demanda de todo tipo de arte y solían estar situados en los principales centros comerciales. En general, la vida en muchas ciudades del siglo XIV era cada vez más acomodada, rica y refinada.

Para un nuevo tipo de mecenas, deseoso de demostrar su riqueza y su elevada posición en la sociedad, los aspectos más importantes del arte eran el coste de los materiales empleados, el número de cuadros disponibles y el virtuosismo técnico que mostraban. Estas preocupaciones quedan patentes en la siguiente carta enviada desde Aviñón a Florencia por un mercader que actuaba en nombre de un rico mecenas:

"Envía una tabla que represente a la Virgen María sobre un fondo de oro fino…. presentando un bello espectáculo con figuras buenas y bellas, hechas por el mejor artista y con muchas figuras. Que el centro sea el Señor en la cruz o Nuestra Señora, lo que encuentres, no me importa, siempre que las figuras sean hermosas y grandes, las mejores y más finas que puedas conseguir, y que no cuesten más de cinco florines y medio."

Artesanos, no artistas

De lo anterior se desprende claramente que, en términos generales, los artistas medievales tenían poco del estatus que más tarde adquirieron los pintores y escultores del Renacimiento. De hecho, la idea de que el artista medieval actúa por inspiración y pinta temas para complacerse a sí mismo es casi inaudita en este periodo. Sólo en el siglo XVI -gracias a los esfuerzos de Leonardo da Vinci (1452-1519) y Miguel Ángel (1475-1564) y otros- se reconoció esta visión del artista. El énfasis se ponía en la pintura más que en el artista, que desde la época románica había sido considerado de rango bastante bajo en la jerarquía de los artesanos, mucho más bajo, por ejemplo, que un joyero o un arquitecto. (Para más detalles, véanse Joyería y El arte de trabajar el metal, y Arquitectura gótica).

Con la excepción de algunas obras italianas -artistas como Simone Martini, Ambrogio Lorenzetti y Giotto, por ejemplo-, la mayoría de los cuadros permanecían sin firmar. Por lo general, los cuadros se atribuyen a una escuela concreta y no a artistas individuales. A veces, si la obra de un maestro se hacía famosa, su taller seguía pintando en su estilo tras su muerte. Pero incluso esos maestros a menudo permanecían sin nombre, como el maestro de Flemalle, que sólo hace relativamente poco tiempo ha sido identificado como Robert Campen (1378-1444).

Sin embargo, el estatus del artista estaba cambiando. En la Edad Media, la gran mayoría de los artistas eran sacerdotes; al final del periodo, la mayoría eran laicos. Algunos artistas que alcanzaron la fama recibieron favores de la nobleza. Por ejemplo, los hermanos Limburgi, que ilustraron la capilla del duque de Berry , fueron tan apreciados que el duque los nombró caballeros de su alcoba. Giotto, el gran pintor italiano, que vivió entre 1267 y 1337, fue tan admirado por los padres de la ciudad que fue nombrado superintendente de las obras de la catedral de Florencia y arquitecto de la ciudad. Estos ejemplos no son típicos de todos los artistas, pero tal reconocimiento nunca se habría producido en la Alta Edad Media.

Movimiento hacia un mayor realismo

Es imposible trazar una línea de desarrollo uniforme hacia el realismo en el arte de estos siglos. Es posible que las innovaciones realizadas en algunas partes de Europa no fueran adoptadas por otros países durante algún tiempo, si es que lo fueron. Aunque a principios del siglo XIII varios artistas italianos habían realizado avances que más tarde fueron reconocidos como el comienzo de una nueva era del arte europeo conocida como el Renacimiento italiano, sus ideas no fueron plenamente aceptadas hasta mucho más tarde.

Las obras del pintor italiano Cimabue (c. 1240-1302) ya habían comenzado a mostrar intentos de realismo, pero hay una mayor flexibilidad de estilo y gama emocional en las pinturas del pintor sienés Duccio. Su sensibilidad se manifiesta en la flexibilidad de los movimientos de las figuras, la asunción de la profundidad y la sombra y la riqueza de los pigmentos de color que utiliza. El elemento decorativo permanece en el uso invariable del oro como fondo, pero se abre en su pintura toda una nueva gama expresiva y dramática, que alcanzó su apogeo en el retablo «Maestas».

El nuevo estilo de pintura realista de Giotto

Un nuevo dramatismo alcanza su apogeo en los frescos del más famoso de los primeros pintores italianos, Giotto di Bondone (c. 1267-1337). Giotto es a la pintura italiana lo que Chaucer a la literatura inglesa: «la figura paterna» y el pintor más destacado del Trecento (1300-1400). El enorme progreso que realizó en el dominio del efecto del espacio y la masividad de sus figuras es equiparable a la fuerza emocional que despliegan sus figuras. Aquí se aprecia más claramente la ruptura con los estilos anteriores: Giotto se esfuerza por hacer que sus figuras sean lo más humanas posible para que podamos simpatizar con ellas.

En sus frescos de la Capilla de los Scrovegni (Arena) en Padua, realizados entre 1305 y 1310, todo el drama de la vida de Cristo está expresado exclusivamente por seres humanos, sus gestos y expresiones faciales. Véanse, por ejemplo, las pinturas de Giotto La traición de Cristo (Beso de Judas) (1305) y El luto de Cristo (1305). Utilizando formas sencillas y depuradas, Giotto consigue una monumentalidad realmente memorable. Fueron estos frescos los que definieron en gran medida la época del Proto-Renacimiento (1300-1400) y establecieron la reputación de Giotto como pionero clave del arte renacentista propiamente dicho .

Estilo gótico internacional

Sin embargo, el impacto de estos cambios revolucionarios no se dejó sentir de inmediato. Hasta finales del siglo XIV, la pintura gótica del resto de Europa sólo absorbió algunos aspectos de los logros italianos, fusionándolos con su propia tradición estilizada y decorativa. De esta fusión surgió un estilo pictórico elegante y refinado, caracterizado por colores suaves y delicadas expresiones faciales, líneas fluidas y cuerpos alargados y curvados. Este arte refinado y sutil era especialmente apreciado por los cortesanos.

Muchos libros fueron iluminados en este estilo, con márgenes encantadoramente decorados y animadas escenas en la base de la página. A través de los vínculos comerciales, las conexiones dinásticas de la realeza europea y el flujo de artistas y obras de arte de un país a otro, este estilo se extendió ampliamente. Por eso se le conoce como Gótico internacional . Se practicó en centros tan distantes como Londres, Aviñón, Renania e incluso Bohemia. En el norte de Europa, el estilo internacional permaneció estático durante la segunda mitad del siglo XIV.

Es importante señalar que los hermanos Limbourg, que trabajaron en la corte borgoñona de Francia y se caracterizaron por un realismo en sus temas y efectos de perspectiva extraordinarios para los artistas franceses, no tuvieron seguidores inmediatos. El arte de la corte francesa estaba demasiado anclado en la estilización como para responder a ella. (Para más información sobre las técnicas utilizadas en la pintura de libros, véase: Pintura en miniatura, a partir del 600).

Renacimiento

A principios del siglo XV, algunos artistas italianos empezaron a acercarse al realismo. (Véase: Renacimiento temprano) Esto se manifestó en la creación de algunos tratados que requerían ilustraciones realistas y precisas para que el libro fuera útil al lector. Por ejemplo, en el siglo XIV hubo varias ediciones ilustradas de un tratado de higiene escrito por un tal Albucasem. Las plantas debían representarse con precisión para que pudieran reconocerse fácilmente, y surgió la tradición de representarlas en el contexto del paisaje. Este fue el nacimiento del paisajismo realista y probablemente inspiró a los hermanos Limburgo para producir los notables paisajes de su «Capilla».

Otra tendencia hacia el realismo se desarrolló en una serie de Libros de Horas y salterios realizados para los habitantes de las ciudades de Haarlem y Utrecht. Estaban lo suficientemente alejados de las cortes como para no verse influidos por el estilo aceptado. Esta gente quería que el arte reflejara su confortable nivel de vida. Estas ilustraciones de libros no consistían en elaboradas decoraciones con pan de oro, sino a menudo en sencillos dibujos a pluma y tinta con lavados de color, que compensaban la falta de materiales nobles con abundancia de detalles domésticos.

Este estilo de representación fiel de la vida cotidiana fue adoptado por el gran pintor Rogier van der Weyden (1400-1464). Su pintura tiene algo de la precisión de color y forma presente en las obras de su famoso contemporáneo Jan van Eyck, pero comparado con van Eyck, Rogier sigue siendo gótico en su uso de la línea, la estilización y el simbolismo religioso tradicional. No obstante, su uso de los detalles cotidianos ejerció una gran influencia, contribuyendo al desarrollo de la escuela realista de la pintura flamenca (c. 1400-1800). Véase también Los grandes pintores flamencos (c. 1400-1750).

EVOLUCIÓN DEL ARTE
Sobre la historia de la pintura, véase: Historia del arte (800 a.C.-actualidad). Para más detalles, véase:
Cronología de la Historia del Arte . Para estilos específicos, véase: Movimientos artísticos .

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