Pintura medieval: pintores góticos de la Edad Media Traductor traducir

EVOLUCIÓN DEL ARTE
Para la historia de la pintura,
ver: Historia del Arte
(800 BCE-presente).
Para más detalles, ver:
Historia de la línea de tiempo del arte .
Para estilos específicos, ver:
Movimientos de arte .

Introducción

Aunque el Arte medieval producido entre aproximadamente los siglos XIII y XV (c. 1180-1420) fue en su mayoría de estilo gótico, esencialmente este fue un período de transición para las artes visuales como la pintura y la escultura. Durante estos siglos, los objetivos de los artistas experimentaron un cambio radical lejos de las rígidas fórmulas impuestas por ellos. Pintura románica – sí fuertemente influenciado por Arte bizantino – hacia una representación realista del mundo y un deseo de dominar un efecto tridimensional en la pintura, siguiendo las líneas de nuevas ideas introducidas por Pintura prerrenacentista italiana (1300-1400) y más tarde por el Renacimiento Florentino (1400-1512).

Factores comunes

El arte de este período, aunque variado en estilo, fue unificado por algunos factores comunes. Lo más importante fue la continua dominación de Arte cristiano , ya que la mayoría de las obras de arte medievales todavía cumplían una función principalmente religiosa, como lo habían hecho desde los primeros tiempos cristianos. Más pinturas de paneles todavía presentaban temas religiosos y fueron diseñados para entornos religiosos, como la iglesia retablos , incluyendo ambos díptico y tríptico tanto como políptico retablos: ver, por ejemplo, el Retablo de Dijon (1390, Museo de Bellas Artes, Dijon) por el pintor flamenco Melchior Broederlam (c.1350-1411), pintor oficial de Philip the Bold. Además, casi todos los frescos todavía se crearon para interiores de iglesias. De hecho, las pinturas góticas se caracterizan mejor como Arte bíblico , dado que aún continúan presentando temas extraídos del Antiguo y Nuevo Testamento y el Calendario de los Santos.

NOTA: Para una visión más amplia de la naturaleza religiosa de las pinturas medievales, ver: Arte cristiano primitivo (150-1100) y Arte cristiano medieval (600-1200), así como Pintura medieval rusa (c.950-1100).

Más manuscritos iluminados , también, consistía en textos bíblicos, diseñados para lecturas públicas o devoción privada. Pero cada vez más, los aspectos de la vida secular se entrelazaron con los religiosos. Figuras pintorescas y divertidas ("drolleries") a menudo se mostraban correteando a lo largo de los márgenes de los salterios. Las escenas que muestran la elegancia y elegancia de la vida de la corte se utilizaron para decorar el Libro de Horas del Duque de Berry. (Ver: Les Tres Riches Heures du Duc de Berry en el Musée Conde Chantilly , pintado por los hermanos Limbourg en 1413.) En sus diferentes formas, estos detalles seculares revelan un deseo de expresar todo tipo de emoción, no solo de los religiosos, y de celebrar de manera realista la variedad de la vida contemporánea y las estaciones. Entre los artistas crecía la creencia de que todas las actividades fueron creadas por Dios y eran parte de su esquema de cosas. Por lo tanto, todos valían la pena grabar. (Ver también: Realización de manuscritos iluminados .)

El segundo principio unificador era la continua importancia de arte decorativa en todas sus posibilidades Los antecedentes de pinturas religiosas a menudo eran de oro, en los que los diseños estaban impresos con herramientas calentadas, un proceso conocido como "herramientas". A veces, se pueden usar pañales o teselaciones multicolores (patrones de formas o cuadros de diamantes regulares) para completar el fondo. La sensación de un diseño elegante fue satisfecha por las cortinas curvas y la influencia del cuerpo humano. Ya no se representaban los cuerpos como rígidos y como títeres; extremidades y movimientos se les permitió una mayor fluidez. (Ver, por ejemplo, trabajos de iluminadores como Jean Pucelle y Jacquemart de Hesdin y el pintor de paneles Enguerrand de Charenton / Quarton .)

A estos factores se agregó la importancia del diseño arquitectónico . El pintor gótico a menudo enmarcaba sus imágenes con un arco a través del cual el espectador debe mirar como si fuera a través de una ventana. (Esta técnica se hizo muy popular en Pintura flamenca y Pintura francesa durante los siglos XIV y XV.) La inclusión de elementos arquitectónicos en una pintura llegó a ser tan necesaria como el nicho y el dosel que enmarca una escultura gótica.

Nuevos mecenas del arte

Los cambios artísticos durante la alta y media edad media fueron provocados por condiciones sociales que cambiaron rápidamente. El comercio fue en aumento y florecieron los pueblos y ciudades asociados con el comercio. Como resultado, no solo los Tribunales Reales eran más ricos, sino que la gente del pueblo y los comerciantes más ricos podían comprar sus propias obras de arte. A principios del siglo XV, cada burgués esperaría tener su propio Libro de Horas .

Las ciudades mismas comenzaban a patrocinar las artes. El ayuntamiento de Siena, por ejemplo, encargó en 1308 un gran retablo del maestro italiano Duccio di Buoninsegna (c.1255-1319), el miembro más famoso de la Escuela de pintura de Siena (1250-1550). Conocido como el " Retablo Maesta "(1311), se terminó tres años más tarde y, con el sonido de trompetas y campanas y acompañado por los dignatarios de la ciudad y la iglesia, se llevó solemnemente desde el estudio del artista a la catedral donde se colocó en el altar mayor. Simone Martini (1284-1344) creó otro exquisito retablo para la Catedral de Siena, su Tríptico de Anunciación (1333) Todo esto arte religioso era una expresión de orgullo cívico, pero el orgullo cívico también comenzó a expresarse mediante obras puramente seculares . Por ejemplo, el ayuntamiento de Siena también encargó a Ambrogio Lorenzetti (c.1285-1348) que produjera una serie de seis frescos, titulados Alegoría del buen y mal gobierno (1338-9) – para el ayuntamiento.

Los libros fueron buscados y los más populares, aquellos de amor cortés como el Roman de la Rose , y las obras de los escritores clásicos Terence y Ovidio, fueron iluminadas. (Para más información sobre esto, consulte en particular nuestro artículo sobre: Manuscritos Góticos Iluminados y Iluminaciones góticas internacionales . Para trabajos anteriores, ver: Iluminación de manuscritos medievales .) Los talleres de artistas crecieron como resultado de la mayor demanda de todo tipo de arte, y generalmente se agruparon en los principales centros de comercio. En total, la vida en muchas ciudades en el siglo XIV se estaba volviendo más rica, ociosa y refinada.

Para el nuevo tipo de mecenas de las artes, ansioso por mostrar su riqueza y su alta posición en la sociedad, los aspectos más importantes del arte fueron el valor de los materiales utilizados, la cantidad de pinturas poseídas y el virtuosismo técnico que revelaron. Estas preocupaciones se muestran en la siguiente carta enviada desde Aviñón a Florencia por un comerciante que actúa en nombre de un patrón rico:

"Despacha un panel de Nuestra Señora sobre un fondo de oro fino… haciendo un buen espectáculo con figuras buenas y hermosas, por el mejor pintor y con muchas figuras. Que haya en el centro Nuestro Señor en la cruz, o Nuestro Señora, a quien sea que encuentre, no me importa que las figuras sean hermosas y grandes, lo mejor y lo mejor que pueda ofrecer y el costo no supere los cinco y medio florines ".

Artesanos, no artistas

A partir de esto, está claro que, en general, Artistas medievales tenía poco del estatus que luego fue adquirido por pintores y escultores del Renacimiento. De hecho, la idea de un artista de la Edad Media que actúa sobre su inspiración y pinta temas para complacer a sí mismo es casi inaudito durante este período. No hasta el siglo XVI, gracias a los esfuerzos de Leonardo da Vinci (1452-1519) y Miguel Ángel (1475-1564) y otros: esta opinión del artista ganó aceptación. Se hizo hincapié en la pintura más que en el artista que, desde la época románica, se consideraba bastante bajo en la jerarquía de los artesanos, mucho más bajo, por ejemplo, que el orfebre o el arquitecto. (Para más información, ver: Orfebrería y el arte de la metalistería , tanto como arquitectura gótica .)

Con la excepción de algunas obras italianas, por ejemplo, de pintores como Simone Martini, Ambrogio Lorenzetti y Giotto, la mayoría de las pinturas permanecieron sin firmar. Por lo general, las pinturas se atribuyen a una escuela determinada y no a pintores individuales. A veces, si el trabajo de un maestro se hizo famoso, su taller continuaría pintando en su estilo después de su muerte. Pero incluso tales maestros a menudo permanecieron en el anonimato, como por ejemplo el Maestro de Flemalle , quien fue identificado relativamente recientemente como Robert Campin (1378-1444).

Sin embargo, el estado del artista estaba cambiando. En la Edad Media, la gran mayoría de los artistas eran sacerdotes; al final del período, la mayoría eran laicos. Algunos artistas que alcanzaron la fama fueron bañados con favores por la nobleza. los Hermanos limbourg , por ejemplo, que ilustró el Libro de Horas del Duque de Berry, eran tan valorados que el Duque los nombró caballeros de su habitación. Giotto, el gran pintor italiano que vivió entre 1267 y 1337, fue tan admirado por los padres de la ciudad que fue nombrado jefe de las obras de la catedral en Florencia y arquitecto de la ciudad. Estos ejemplos no son típicos de todos los pintores, pero tal reconocimiento nunca habría ocurrido en la Edad Media anterior.

Movimiento hacia un mayor realismo

Es imposible trazar una línea suave de desarrollo hacia el realismo en el arte de estos siglos. Las innovaciones hechas en algunas partes de Europa podrían no ser aceptadas por otros países por algún tiempo, si es que lo hacen. Aunque a principios del siglo XIII, algunos artistas italianos habían realizado avances que luego serían reconocidos como el comienzo de una nueva era del arte europeo, conocida como la Renacimiento italiano , sus ideas no fueron completamente adoptadas hasta mucho más tarde.

La obra del pintor italiano. Cimabue (c.1240-1302) había comenzado a mostrar algunos intentos de realismo, pero en las pinturas del artista sienés Duccio hay una mayor flexibilidad de estilo y rango emocional. Su enfoque sensible se revela en los movimientos flexibles de sus figuras, la sugerencia de profundidad y sombra y los ricos. pigmentos de color él utiliza. El elemento decorativo permanece en su uso invariable del oro como fondo, pero en su pintura, vista en su apogeo en el retablo ’Maesta’, se abre una nueva gama dramática y expresiva.

El nuevo estilo de pintura realista de Giotto

Una nueva cualidad dramática es primordial en los frescos de los pintores italianos más famosos, Giotto di Bondone (c.1267-1337). Giotto es para la pintura italiana lo que Chaucer es para la literatura inglesa: una ’figura paterna’ y el artista principal de la trecento (1300-1400). El enorme avance que logra al dominar el efecto del espacio, y la solidez de sus figuras, se corresponde con el poder emocional que muestran sus figuras. La ruptura con los estilos anteriores se ve más claramente aquí: Giotto quiere que sus figuras sean lo más humanas posible, para que podamos simpatizar con ellas. En su Frescos de la capilla Scrovegni (Arena) En Padua, ejecutado entre 1305 y 1310, todo el drama de la vida de Cristo se expresa únicamente por los seres humanos, sus gestos y expresiones faciales. Ver, por ejemplo, Giotto’s Traición de Cristo (Beso de Judas) (1305) y el Lamentación de cristo (1305). Con su uso de formas simples y ordenadas, Giotto logra una monumentalidad verdaderamente memorable. Fueron estos frescos los que definieron en gran medida la era de Arte protorrenacentista (1300-1400), y eso estableció la reputación de Giotto como el pionero clave de Arte renacentista apropiado.

Estilo gótico internacional

Sin embargo, la influencia de tales cambios revolucionarios no se sintió de inmediato. Hasta finales del siglo XIV, la pintura gótica en el resto de Europa absorbió solo algunos aspectos de los avances italianos, fusionándolos con su propia tradición estilizada y decorativa. A partir de esta fusión, evolucionó una manera elegante y sofisticada de pintar, que tenía como características una suavidad de color y una expresión facial suave, líneas fluidas y cuerpos alargados y curvos. Este refinado y delicado estilo de arte atrajo particularmente al gusto cortesano. Muchos libros fueron iluminados en este estilo, con márgenes decorados con encanto y escenas animadas en la base de la página. A través de conexiones comerciales, a través de las conexiones dinásticas de la realeza europea y a través del flujo de artistas y obras de arte de un país a otro, el estilo se extendió ampliamente. Debido a esto, se hizo conocido como el Gótico internacional estilo. Se practicaba en centros tan lejanos como Londres, Aviñón, Renania e incluso Bohemia. En el norte de Europa, el estilo internacional permaneció estático durante la segunda mitad del siglo XIV. Significativamente, los hermanos Limbourg, que trabajaban en la corte de Borgoña en Francia y eran inusualmente realistas para los artistas franceses en su tema y perspectiva efectos, no tuvo seguidores inmediatos. El arte de la corte francesa estaba demasiado arraigado en la estilización para responder. (Para más información sobre las técnicas involucradas en la pintura de libros, vea: Pintura en miniatura , desde 600.)

El Renacimiento

A principios del siglo XV, ciertos artistas en Italia comenzaron a avanzar hacia un mayor realismo. (Ver: el Renacimiento temprano .) Esto es evidente en la producción de ciertos tratados que exigen ilustraciones realistas y precisas para que el libro sea de utilidad para el lector. Por ejemplo, durante el siglo XIV se produjeron varias ediciones ilustradas de un tratado sobre higiene escrito por un hombre llamado Albukasem. Estos tenían que representar con precisión las plantas para que pudieran reconocerse fácilmente y surgió una tradición de representarlas en el contexto de su paisaje. Este fue el nacimiento de realistas pintura de paisaje y probablemente inspiró los notables paisajes de los hermanos Limbourg en su Libro de Horas.

Otra tendencia hacia el realismo creció en una serie de Libros de Horas y salterios ejecutados para la gente del pueblo de Haarlem y Utrecht. Estos lugares estaban lo suficientemente lejos de los tribunales para no verse afectados por el estilo que adoptaron. Lo que estas personas querían era un Art º reflejando su confortable nivel de vida. Estas ilustraciones de libros no consistía en decoraciones elaboradas en pan de oro, sino a menudo en simples dibujos con pluma y tinta con un lavado de color, compensando la falta de materiales finos con muchos detalles hogareños. Este estilo de representación fiel de la vida cotidiana fue adoptado por el gran pintor. Roger van der Weyden (1400-64). Su pintura tiene algo de la precisión del color y la forma que se encuentra en la obra de su famoso contemporáneo. Jan van Eyck pero, en comparación con van Eyck, Rogier sigue siendo gótico en su uso de la línea, la estilización y el simbolismo religioso tradicional. Sin embargo, su uso de detalles hogareños fue muy influyente, contribuyendo al desarrollo de la escuela realista de Pintura flamenca (c.1400-1800). Ver también Los mejores pintores flamencos (c.1400-1750).